Tablouri Rene Magritte. Rene Magritte. Suprarealismul obișnuit Care a fost cel mai important lucru din opera lui Magritte

În timpul vieții, Magritte a pictat aproximativ 2.000 de tablouri, în 50 dintre care apare pălăria. Artistul a pictat-o ​​între 1926 și 1966 și a devenit un semn distinctiv al operei lui Rene.

Anterior, pălăriile melon erau purtate de reprezentanții obișnuiți ai burgheziei, care nu doreau în mod deosebit să iasă în evidență din mulțime. „Pălăria melon... nu este surprinzător”, a spus Magritte în 1966. „Aceasta este o coafură care nu este originală. Bărbatul cu pălăria melon este pur și simplu un bărbat din clasa de mijloc [ascuns] în anonimatul său. il port si eu. Nu încerc să ies în evidență.”

Rene Magritte. 1938

Pălăriile melon au fost introduse în modă special pentru clasa de mijloc britanică în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. La începutul secolului al XX-lea, pălăria melon a devenit una dintre cele mai populare pălării. Rochia a fost considerată informală și practică în același timp, făcând-o o parte obligatorie a garderobei unui bărbat.

Adevărat, în anii 1920 au existat și episoade în care accesoriul a apărut în cariera lui Magritte. În acea perioadă, artistul și-a părăsit munca de ilustrator pentru un catalog de modă. Picturile timpurii conțin referiri la cultura pop, care a fost apoi asociată cu pălăria melon. Magritte, care era un cititor pasionat de ficțiune polițistă, a lucrat la Murderer in Danger, în care doi detectivi în pălării melon se pregătesc să intre în camera în care a fost comisă o crimă.

Ucigașul este în pericol. 1927

Apoi artistul a abandonat motivul „pălăriei”, nefolosindu-l timp de câteva decenii. Pălăriile au reapărut pe pânză în anii cincizeci și șaizeci, devenind o parte importantă a carierei târzii a lui Rene. Până atunci, asocierile cu un bărbat în pălărie se schimbaseră dramatic: de la o referire clară la profesie (de detectivi, în principal) la un simbol al clasei de mijloc.

Dar, așa cum ar trebui să fie în opera lui Magritte, totul nu este așa cum ni se pare. „Se joacă cu acest sentiment: „Credem că știm cine este această persoană, dar oare? spune Caitlin Haskell, organizatorul expoziției Rene Magritte din San Francisco. „Există un sentiment de intrigă aici, în ciuda faptului că figura în sine este stereotip burgheză și nu prezintă un interes deosebit.”

O capodopera, sau secretele orizontului. 1955

„Dacă iei geniul lui Magritte și trebuie să-l descrii într-o singură propoziție: „De ce este Magritte atât de importantă?” De ce imaginile lui sunt parte integrantă a imaginației și conștiinței publice?” Asta pentru că el creează picturi incredibil de clare și clare, care nu au un sens clar”, spune Anne Umland, curator de picturi și sculpturi la Muzeul de Artă Modernă din New York. „Pălăria melon funcționează așa.”

Există o teorie că pălăria a funcționat ca un „anonimizator” pentru Rene însuși. Pe vremea când pălăriile au reapărut în picturi, Magritte a început să poarte o pălărie pentru ședințele foto. Este foarte posibil ca domnii galanti din tablouri sa fie autoportrete ale lui Rene insusi.

Acest lucru este ilustrat într-un tablou numit „Fiul omului”, care acționează ca un autoportret al artistului. Rene își imaginează o pălărie melon și un măr mare plutind în fața feței sale, umbrindu-i adevărata personalitate.

Fiu al omului. 1964

Cu toate acestea, în anii 50, străzile orașului au încetat să abundă în pălării melon. Accesoriul a devenit de modă veche, iar locuitorii orașului care urmăreau tendințele au fost nevoiți să renunțe la el. Atunci pălăriile lui Magritte, pictate într-un stil realist (la apogeul expresionismului abstract), au devenit un simbol al anonimatului. În picturile lui Rene au ieșit în prim-plan, în loc să dispară în mulțimea fără chip.

De fapt, pălăriile melon au devenit semnătura iconografică a lui Magritte. Se dovedește a fi o ironie amuzantă: artista a ales un detaliu care să asigure de nerecunoscut, dar totul a funcționat invers. Acum pălăria melon este unul dintre principalele obiecte ale operei legendarului Rene Magritte.

„Tot ce vedem ascunde altceva,
vrem mereu să vedem ce se ascunde în spatele a ceea ce
ceea ce vedem, dar este imposibil.
Oamenii își păstrează secretele cu mare grijă...”
(R. Magritte)

În urmă cu 115 de ani, s-a născut René François Ghislain Magritte, un artist suprarealist belgian cunoscut drept autorul unor picturi pline de spirit și, în același timp, poetic misterioase...

In viata

Într-un autoportret

Expresia „suprarealist neobișnuit” sună aproape ca „unt”. Cererea lui Oscar Wilde - de a face din viața cuiva o artă - este respectată cu strictețe de suprarealiști, transformându-le biografiile într-o performanță nesfârșită cu declarații scandaloase obligatorii, șocuri șocante și striptease emoționant.

Pe fundalul acestui carnaval nesfârșit, viața personală a artistului belgian Rene Francois Ghislain Magritte pare plictisitoare, cu atât mai mult - o groază! - burghez. Judecă singur. Magritte nu s-a uns cu caca de capră, nu a organizat orgii sexuale, nu s-a prefăcut a fi un ideolog al mișcării, nu a scris tratate despre farting și masturbare, nu a dansat gol la lumina lunii... Și-a trăit toată viața. cu o singură femeie, a preferat să lucreze acasă, în sufragerie, unde covorul nu a fost nici măcar pătat cu vopsea! Și avea și o imagine - un costum, un melon - ei bine, la fel ca eroii preferați ai picturilor sale - domni cu o singură față, respectabili.
Da! Nici nu-i plăcea psihanaliza - care pentru suprarealiştii de atunci era un adevărat „sacrilegiu”...

Magritte s-a născut pe 21 noiembrie 1898 în orășelul Lessines, Belgia. Și-a petrecut copilăria și tinerețea în micul oraș industrial Charleroi. Viața era grea.
În 1912, mama sa s-a înecat în râul Sambre, ceea ce se pare că a avut o mare influență asupra viitorului artist, care era pe atunci încă adolescent; totuși, contrar credinței populare, influența acestui eveniment asupra operei autorului nu trebuie supraestimată. . Magritte a adus înapoi din copilărie o serie de alte amintiri nu atât de tragice, dar nu mai puțin misterioase, despre care el însuși spunea că s-au reflectat în opera sa.

În 1916, Rene a intrat la Academia Regală de Arte Frumoase din Bruxelles. După ce a studiat aici timp de doi ani, nu numai că își dezvoltă talentul și dobândește o profesie, dar face și cunoștință cu tânăra Georgette Berger. Mai târziu, în 1922, va deveni soția și muza lui Magritte pentru tot restul vieții.

Georgette Berger a devenit singurul model al lui Magritte.

Tabloul „Realizarea imposibilului”

Fotoimitarea unui tablou

În acest timp, el dezvoltă o antipatie profundă pentru arte și meșteșuguri. Mai târziu va spune: „Urăsc trecutul meu și al oricui altcuiva. Urăsc smerenia, răbdarea, eroismul profesional și simțul obligatoriu al frumosului. De asemenea, urăsc artele și meșteșugurile, folclorul, publicitatea, vocile care fac anunțuri, aerodinamica, Boy Scouts, mirosul de naftalină, evenimentele din moment în moment și oamenii beți.”

După absolvirea academiei, lui Magritte i-a luat opt ​​ani să-și facă drum de la designer de afișe la artist suprarealist. La început, Rene a fost angajat în tapet și a lucrat ca artist de publicitate. În același timp, a scris primele sale lucrări în genul cubismului, dar după câțiva ani a fost capturat de mișcarea modernistă a dadaiștilor.

În 1926, artistul a finalizat prima pictură, în opinia sa, care merită, „The Lost Jockey”.

„Jocheul pierdut” (1948)
O versiune simplificată a picturii din 1926. Efectul suprarealist a fost obținut aici prin mijloace mult mai economice - copacii seamănă fie cu frunze, din care rămân doar vene, fie cu circuitele sistemului nervos.

În 1927 a organizat prima sa expoziție. Criticii o recunosc ca nereușită, iar Magritte și Georgette pleacă la Paris, unde îl întâlnesc pe Andre Breton și se alătură cercului său suprarealist. În acest cerc, Magritte nu și-a pierdut individualitatea, dar alăturarea lui l-a ajutat să găsească acea semnătură, stil unic prin care picturile sale sunt recunoscute. Artistului nu s-a temut să se certe cu alți suprarealişti: de exemplu, Magritte a avut o atitudine negativă față de psihanaliza și mai ales manifestările acesteia în artă. Într-adevăr, natura operei sale nu este atât psihologică, cât filosofică și poetică, uneori bazată pe paradoxuri ale logicii.

R. Magritte
"Arta, după cum o înțeleg, nu este supusă psihanalizei. Este întotdeauna un mister. ... Au decis că "Modelul meu roșu" este un exemplu de complex de castrare. După ce am ascultat mai multe explicații de acest fel, am făcut un desen conform tuturor „regulilor” psihanalizei. Desigur, „L-au analizat la fel de rece. Este groaznic să vezi la ce fel de batjocură poate fi supusă o persoană care a făcut un desen nevinovat... Poate că psihanaliza în sine este cea mai bună subiect pentru un psihanalist.”

Cu toate acestea, aceste afirmații nu au atenuat deloc ardoarea psihanalistilor înșiși. În cele din urmă, au dezgropat singurul fapt relevant din biografia plictisitoare a artistului - sinuciderea ciudată a mamei sale, care, fără un motiv aparent, s-a înecat în râu. Magritte avea doar paisprezece ani la acea vreme - ce traumă psihologică din copilărie! Acesta este motivul pentru care fețele din picturile sale sunt adesea acoperite sau ascunse! La urma urmei, când a fost găsit trupul femeii înecate, fața lui a fost încurcată într-o cămașă de noapte. Încercările lui Magritte de a respinge aceste speculații, desigur, nu au dus nicăieri...

Relațiile dificile cu colegii săi l-au forțat de mai multe ori pe Magritte să se distanțeze de termenul „suprrealism”. „Este mai bine să mă numești „realist magic”, a declarat artista în mod repetat.

"Magie neagră"

Într-adevăr, în stilul de desen al lui Magritte nu există practic nicio plasticitate fluidă a formelor, caracteristică multor suprarealişti. Imaginile sale au limite clare, detalii meticulos desenate, staticitate rece și, prin urmare, o „obiectivitate” aproape tangibilă. Adesea, elementele unui tablou sunt extrem de simple și realiste. Și din aceste „particule elementare” Magritte creează structuri cu adevărat magice.

Cea mai importantă idee a tuturor picturilor lui Rene Magritte este că numai proximitatea lucrurilor incompatibile permite să înțelegem clar esența și natura fiecăruia dintre ele. Jocul de contraste umple absolut toate lucrările lui Magritte cu magie unică.

În fiecare dintre lucrările sale, artistul a descris oamenilor obiecte absolut obișnuite și familiare: un măr, un trandafir, un castel, o fereastră, o stâncă, o statuie, un curcubeu, o persoană.

Lista poate fi continuată la nesfârșit, dar credeți-mă, nu veți întâlni un singur personaj uimitor, fictiv. Tot misterul și magia se află în combinația inexplicabilă și disproporționată de imagini. Multe picturi arată contrastul dintre greutatea pietrei și imponderabilitate a cerului. Dimensiunile gigantice ale fructelor suculente și florilor proaspete sunt înscrise în limitele strânse ale unei încăperi gri sau ale unui perete de beton. În picturile lui Rene Magritte, un cap plutitor și o fereastră spartă reprezintă ideea unificată a artei libertății.

Magritte și-a trăit întreaga viață cu sentimentul că lumea a ținut un secret ascuns de ochiul uman obișnuit. Nu degeaba artistul a numit una dintre picturile sale, care înfățișează un ochi cu nori care plutesc peste cornee, „Oglindă falsă”.

Dar această idee este exprimată cel mai clar într-una dintre cele mai faimoase și programatice lucrări ale lui Magritte - „Trădarea imaginilor” - unde o pipă obișnuită este însoțită de semnătura ironică „Aceasta nu este o pipă”. Această imagine aparent simplă a devenit o ilustrație excelentă pentru reflecțiile filozofice despre diferența dintre un obiect, o imagine și cuvinte. Aceasta este ceea ce înseamnă conceptualitatea.

R. Magritte:
„Serios, este posibil să umplem pipa asta cu tutun? Nu, aceasta nu este o pipă și aș minți dacă aș spune altfel.
...Cuvântul nu exprimă esența fenomenului. Nu există nicio legătură între imagine și expresia ei verbală. În general, cuvintele nu poartă nicio informație despre obiectul pe care îl descriu. Copacii pe care îi vedem ne văd la fel. Ei locuiesc cu noi. Aceștia sunt martori ai ceea ce se întâmplă în viața noastră. Ei ascund multe secrete. Apoi se face un sicriu din copac, copacul se întoarce la pământ. Păstrându-ne cenușa și devenind cenușă. A numi imaginea unui copac „copac” este o greșeală, un caz de definire incorectă. O imagine este independentă de obiectul pe care îl reprezintă. Ceea ce ne entuziasmează într-un copac pictat nu are nimic de-a face cu un copac adevărat. Si invers. Ceea ce ne bucurăm în viața reală ne lasă rece în a descrie această realitate frumoasă. Nu trebuie să confundăm realul cu suprarealul și suprarealul cu subconștientul.”

M. Foucault „Aceasta nu este o țeavă”:
„Nu există nicio contradicție în afirmația lui Magritte: desenul care reprezintă o țeavă nu este el însuși o țeavă. Și, cu toate acestea, există un obicei de a vorbi: ce este în această imagine? - acesta este un vițel, acesta este un pătrat, acesta este o floare. Caligrama este o tautologie, prinde lucrurile într-o inscripție dublă. Caligrama nu vorbește niciodată și nu reprezintă în același timp; același lucru, încercând să fie simultan vizibil și lizibil, moare la ochi, se dovedește a fi fi de nepătruns cititului.Magritte construiește caligrama și apoi o demontează.Aduce confuzie în toate relațiile tradiționale dintre limbaj și imagine.Negațiile se înmulțesc: Aceasta nu este o țeavă, ci un desen al unei țevi;aceasta nu este o țeavă, ci un frază care spune că aceasta nu este o țeavă.Kandinsky elimină identitatea străveche dintre asemănare și afirmare printr-un singur gest suveran, scăpând pictura de ambele.Magritte operează prin dezbinare: să rupă legătura dintre ele, să le stabilească inegalitatea, să-și forțeze fiecare dintre ele. să-și facă propriul joc, să susțină ceea ce dezvăluie natura picturii, în detrimentul a ceea ce este mai aproape de discurs.”

După rezilierea contractului cu galeria Sainteau, Magritte s-a întors la Bruxelles și a lucrat din nou cu publicitate, iar apoi, împreună cu fratele său, a deschis o agenție care le dădea un venit permanent. În timpul ocupației germane a Belgiei în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, Magritte și-a schimbat culorile și stilul picturilor sale, abordând stilul lui Renoir: artistul a considerat important să înveselească oamenii și să le insufle speranța.

Cu toate acestea, după război, Magritte a încetat să picteze într-un stil atât de „însorit” și a revenit la imaginile picturilor sale de dinainte de război. Prin prelucrarea și îmbunătățirea acestora, el își formează în sfârșit stilul ciudat și obține o recunoaștere largă.

„Cântec de dragoste”

Magritte a murit de cancer pancreatic pe 15 august 1967, lăsând neterminată o nouă versiune a poate cel mai faimos tablou al său, Empire of Light.

„Imperiul luminii”

Surse

Alogismul, absurditatea, combinația dintre variabilitatea vizuală incongruentă, paradoxală a imaginilor și figurilor - aceasta este baza fundamentelor suprarealismului. Fondatorul acestei mișcări este considerat a fi întruchiparea teoriei subconștientului a lui Sigmund Freud la baza suprarealismului. Pe această bază, mulți reprezentanți ai mișcării au creat capodopere care nu reflectau realitatea obiectivă, ci erau doar întruchiparea imaginilor individuale inspirate de subconștient. Pânzele pictate de suprarealişti nu puteau fi produsul nici al binelui, nici al răului. Toți au evocat emoții diferite în oameni diferiți. Prin urmare, putem spune cu încredere că această direcție a modernismului este destul de controversată, ceea ce a contribuit la răspândirea sa rapidă în pictură și literatură.

Suprarealismul ca iluzie și literatura secolului XX

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes și Dorothy Tanning sunt pilonii suprarealismului care au apărut în Franța în anii 20 ai secolului trecut. Această tendință nu se limitează la Franța, ci s-a răspândit în alte țări și continente. Suprarealismul a facilitat foarte mult percepția cubismului și a abstractionismului.

Unul dintre principalele postulate ale suprarealiştilor a fost identificarea energiei creatorilor cu subconştientul uman, care se manifestă în somn, sub hipnoză, în delir în timpul bolii sau în intuiţii creative aleatorii.

Caracteristici distinctive ale suprarealismului

Suprarealismul este o mișcare complexă în pictură, pe care mulți artiști au înțeles-o și o înțeleg în felul lor. Prin urmare, nu este de mirare că suprarealismul s-a dezvoltat în două direcții conceptual diferite. Prima ramură poate fi atribuită cu ușurință lui Miro, Max Ernst, Jean Arp și Andre Masson, în lucrările cărora locul principal a fost ocupat de imagini care se transformă lin în abstracție. A doua ramură ia ca bază întruchiparea unei imagini suprareale generate de subconștientul uman, cu o acuratețe iluzorie. Salvador Dali, care este un reprezentant ideal al picturii academice, a lucrat în această direcție. Lucrările sale se caracterizează printr-o redare exactă a clarobscurului și o manieră atentă de a picta - obiectele dense au o transparență tangibilă, în timp ce cele solide se răspândesc, figurile masive și tridimensionale dobândesc lejeritate și imponderabilitate, iar cele incompatibile pot fi combinate între ele.

Biografia lui Rene Magritte

Alături de lucrările lui Salvador Dali se află și lucrarea lui Rene Magritte, un celebru artist belgian care s-a născut în orașul Lesin în 1898. În familie, cu excepția lui Rene. mai erau doi copii, iar în 1912 s-a întâmplat o nenorocire care a influențat viața și opera viitorului artist - mama lui a murit. Acest lucru a fost reflectat în pictura lui Rene Magritte „În memoria lui Mack Sennett”, care a fost pictată în 1936. Artistul însuși a susținut că circumstanțele nu au influențat viața și munca sa.

În 1916, Rene Magritte a intrat la Academia de Arte din Bruxelles, unde și-a cunoscut viitoarea muză și soție Georgette Berger. După absolvirea Academiei, Rene a lucrat la crearea de materiale publicitare și a fost destul de disprețuitor de acest lucru. Futurismul, cubismul și Dada au avut o influență uriașă asupra artistului, dar în 1923 Rene Magritte a văzut pentru prima dată opera lui Giorgio de Chirico „Cântec de dragoste”. Acesta a fost momentul care a devenit punctul de plecare pentru dezvoltarea suprarealistului Rene Magritte. În același timp, la Bruxelles a început formarea unei mișcări, al cărei reprezentant Rene Magritte a devenit alături de Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger și Camille Gemans.

Lucrările lui Rene Magritte.

Lucrările acestui artist au fost întotdeauna controversate și au atras multă atenție.

La prima vedere, pictura lui Rene Magritte este plină de imagini ciudate, care nu sunt doar misterioase, ci și ambigue. Rene Magritte nu a atins problema formei în suprarealism; și-a pus viziunea în sensul și semnificația picturii.

Mulți artiști acordă o atenție deosebită titlurilor. Mai ales Rene Magritte. Tablourile cu titlurile „Aceasta nu este o pipă” sau „Fiul omului” trezesc gânditorul și filozoful în privitor. În opinia sa, nu doar poza ar trebui să încurajeze privitorul să arate emoții, ci și titlul ar trebui să surprindă și să te pună pe gânduri.
În ceea ce privește descrierile, mulți suprarealiști au făcut un scurt rezumat al picturilor lor. Rene Magritte nu face excepție. Tablourile cu descrieri au fost întotdeauna prezente în activitățile publicitare ale artistului.

Artistul însuși s-a numit un „realist magic”. Scopul lui a fost să creeze un paradox, iar publicul ar trebui să tragă propriile concluzii. Rene Magritte în lucrările sale a tras întotdeauna clar o linie între imaginea subiectivă și realitatea reală.

Pictura „Îndrăgostiți”

Rene Magritte a pictat o serie de tablouri numite „Lovers” în 1927-1928 la Paris.

Prima imagine prezintă un bărbat și o femeie care sunt uniți într-un sărut. Capetele lor sunt învelite în pânză albă. Al doilea tablou înfățișează același bărbat și aceeași femeie în pânză albă, uitându-se din tablou la public.

Țesătura albă din opera artistului provoacă și a provocat discuții aprinse. Există două versiuni. Potrivit primei, țesătura albă din lucrările lui Rene Magritte a apărut în legătură cu moartea mamei sale în copilărie. Mama lui a sărit de pe un pod în râu. Când corpul ei a fost scos din apă, o cârpă albă a fost găsită înfășurată în jurul capului ei. În ceea ce privește cea de-a doua versiune, mulți știau că artistul era un fan al lui Fantômas, eroul popularului film. Prin urmare, s-ar putea ca materialul alb să fie un tribut adus pasiunii pentru cinema.

Despre ce este poza asta? Mulți oameni cred că pictura „Iubitoare” personifică dragostea oarbă: atunci când oamenii se îndrăgostesc, nu mai observă pe cineva sau altceva decât sufletul lor pereche. Dar oamenii rămân mistere pentru ei înșiși. Pe de altă parte, privind sărutul îndrăgostiților, putem spune că și-au pierdut capul cu dragoste și pasiune. Pictura lui Rene Magritte este plină de sentimente și experiențe reciproce.

"Fiu al omului"

Pictura lui Rene Magritte „Fiul omului” a devenit semnul distinctiv al „realismului magic” și un autoportret al lui Rene Magritte. Această lucrare specială este considerată una dintre cele mai controversate lucrări ale maestrului.

Artistul și-a ascuns fața în spatele unui măr, de parcă ar fi spus că totul nu este așa cum pare și că oamenii vor constant să intre în sufletul unei persoane și să înțeleagă adevărata esență a lucrurilor. Pictura lui Rene Magritte ascunde și dezvăluie esența maestrului însuși.

Rene Magritte a jucat un rol important în dezvoltarea suprarealismului, iar lucrările sale continuă să entuziasmeze conștiința a tot mai multe generații.

Magritte, Rene

Rene Magritte(Rene Magritte) 1898 - 1967 - Artist suprarealist belgian. Filosof al suprarealismului în artele plastice. Este cunoscut drept autorul unor picturi ciudate care conțin ambiguitate și mister. Spre deosebire de alți suprarealiști, care se străduiesc să distorsioneze obiectul în sine (forma, imaginea), în picturile lui Rene Magritte „obiectivitatea” imaginii este aproape deloc afectată - sensul, percepția, înțelegerea, multiplicitatea semnificațiilor sunt suprareale.

În fiecare dintre tablourile sale, Magritte pregătește un paradox. Fiecare tablou este o combinație a unei imagini, a felului în care este descrisă și, chiar, a numelui picturii. Magritte a acordat o importanță deosebită titlurilor picturilor - ele par să „ghidească” privitorul în reflecție, conducându-l într-un „rebus”. Ei setează privitorul să caute o soluție, dar răspunsurile găsite vor fi un paradox sau o aporie pentru logică. Această situație obligă privitorul să se cufunde în procese de gândire, ale căror concluzii îl pot surprinde pe spectator însuși. Privitorul devine fără să vrea un filozof.

Pentru asta se străduiește artistul. Pentru un efect similar al picturilor sale, el se numește „ realist magic „. Așa cum a spus însuși Rene Magritte, scopul său este de a face privitorul să gândească. Iar stilul simplității primitive deliberate a imaginilor obligă pe cineva să se concentreze asupra simbolismului lor. Ca nimeni altcineva, Rene Magritte a folosit și „speculat” asupra principiu - simbolurile conduc lumea.

O practică similară de a percepe ambiguitatea și dezvoltarea involuntară a proceselor de gândire există în practicile budismului zen, când sarcinile paradoxale (contrar logicii) duc la un proces furtunos de căutare a unui răspuns și, ca rezultat final, la înțelegerea frumuseţea armonioasă a răspunsurilor. Filosofia unității și integrității contrariilor.

Dar Rene Magritte nu caută să dezvolte componenta intelectuală a operei sale, ci exploatează cu cinism popularitatea pe care a câștigat-o deja. El se oprește doar la efectul percepției vizuale, creează doar un paradox al percepției și lasă concluziile ulterioare privitorului.

Din păcate, artistul nu și-a dezvoltat stilul unic. Deși Magritte a avut multe lucrări ulterioare sub formă de „variații” ale picturilor de succes din trecut, care au primit recunoaștere. Conținutul semantic al picturilor se concentrează pe idee – diferența paradoxală de percepție dintre imagine (imagine) și realitate.

Celebra imagine a unui bărbat într-o pălărie melon devine un simbol al artistului însuși. Pictura - " Fiu al omului", a devenit o adevărată capodoperă a întregului concept al „realistului magic” Rene Magritte, dând naștere la numeroase discuții și variații ale lecturii. Chiar și pentru o societate în care percepția modernistă asupra lumii și a religiei a devenit norma, o astfel de utilizare. a simbolurilor din imagine poate fi numită o provocare intelectuală.Când în privitorul apar concluzii contradictorii în propriul său cap.

În ciuda primitivismului extern în tehnica execuției, artistul și imaginile sale devin o figură foarte vizibilă în cultura Europei. Lucrările sale și simbolismul lor devin recunoscute în societate. Portretul lui Magritte apare pe bancnota de 500 de franci belgieni.

Picturi de René Magritte:

1928-1929

1936

1967 - Magritte a murit de cancer pancreatic.

În 1978, Adrian Maben a realizat un film despre marele Rene Magritte. Atunci întreaga lume a aflat despre artist, dar picturile sale au fost demne de a deveni nemuritoare încă de la început. Magritte a pictat în stilul suprarealismului și a fost pus cu îndrăzneală la același nivel cu Salvador Dali. Magritte a fost foarte inteligent în lucrările sale. Vedeți singuri: merită admirație.

Fiul omului, 1964

Șeherazada, 1948

Cel mai amuzant lucru la stilul artistului a fost că nu a desenat imagini de neînțeles, ci a folosit lucruri destul de primitive ca componente ale imaginii. Se pare că toate obiectele sunt recunoscute, dar rezultatul final este un fel de surpriză de neimaginat (surpriză!).

Mișcarea perpetuă, 1935

Mai mult, Magritte însuși a spus că „coase” un gând în fiecare imagine, iar imaginile nu sunt o acumulare stupidă de elemente, ci o poveste independentă.

Principiul plăcerii, 1937

Companions of Fear, 1942

Cercetătorii spun că, dacă evaluezi toate picturile unui artist, poți crea o idee destul de clară despre lumea lui interioară.

Acesta nu este un măr, 1964

Familie mare, 1967

Marele Război, 1964

Dormitor liniștit, 1927

Artistul s-a născut pe 21 noiembrie 1898 în orașul Loessin. Când a împlinit 14 ani, mama lui Rene s-a înecat în râul Sambre, ceea ce a fost un șoc imens pentru copil. Din anumite motive, este general acceptat că acest fapt nu a influențat opera lui Magritte, dar există cu siguranță o legătură.

Îndrăgostiți, 1928

Lovers II, 1928

Golconda, 1953

Două mistere, 1966

Se pare că, drept compensare pentru copilăria lui dificilă, la vârsta de 15 ani băiatul se îndrăgostește de Georgette Berger, iar ea devine singura lui femeie pe viață. Îi dedică toate tablourile, ea este singurul lui model, îi rămâne fidel. O poveste de dragoste respectabilă! Când împlinește 22 de ani, se căsătoresc; până atunci, Magritte absolvise de mult academia de artă.

Georgette Magritte, 1934

Magritte cu Georgette

Pe un val de dragoste, viitorul talent admiră lucrările altor maeștri (cubismul era la modă la vremea aceea) și începe să câștige bani în plus ca pictor și artist de poster.

Terapeut, 1937

Lampă filosofică, 1936

Prima expoziție a lui Magritte a avut loc în 1927. Apoi a citit mult, s-a mutat printre filozofi și scriitori respectați, a studiat psihanaliza, așa că toate picturile sale erau pline de conținut și semnificație profundă. Dar nu i-a plăcut psihanaliza și nu se considera suprarealist, deoarece criticii picturilor sale au încercat să-și „disecteze” caracterul pe baza lucrărilor sale. Am ajuns la complexul Oedip, ne-am amintit de mama noastră moartă, iar apoi Magritte s-a enervat.

„Este groaznic să vezi la ce fel de batjocură poate fi supusă o persoană după ce a făcut un desen nevinovat... Poate că psihanaliza în sine este cel mai bun subiect pentru un psihanalist.”

Viol, 1934

Meditație, 1936

În anii 1950 a primit recunoaștere mondială, picturile sale au fost expuse la Roma, Londra, New York, în general, în cele mai bune galerii de pe planetă. Arta lui a fost adesea numită „vise cu ochii deschiși”.

Sala de ascultare, 1952

Model roșu, 1935

Oglindă deformată, 1928

Invenție colectivă, 1942

Artistul a precizat:

„Tablourile mele nu sunt vise care te adorm, ci vise care te trezesc.”

Desigur, picturile sale au fost desenate în diferite stiluri și tehnici: art deco, postimpresionism, cubism, suprarealism, în lucrările sale au fost folosite tot felul de materiale (de la guașă la aplicații), dar și-a câștigat faima tocmai datorită suprarealismului din operele lui, care este atipic pentru oricine.

Căsătorit la miezul nopții, 1926

În 1967, Rene a murit de cancer pancreatic. Au trecut aproape 50 de ani, dar munca lui încă emotionează și atrage oamenii. Aceasta înseamnă că artistul poate fi considerat în siguranță un clasic.

Pictură neterminată, 1954