ประเภทของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่น ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่น อิทธิพลของศิลปะญี่ปุ่นที่มีต่อตะวันตก

ที่ซึ่งยุโรปมาบรรจบกับเอเชีย มีแหล่งน้ำที่มีเอกลักษณ์แห่งหนึ่งซึ่งเรียกอย่างเป็นทางการว่าทะเลและเรียกอย่างไม่เป็นทางการว่าทะเลสาบ - ทะเลแคสเปียนซึ่งล้างชายฝั่งของหลายประเทศด้วยน้ำ หรือทางตะวันออกเฉียงเหนือมองเห็นชายฝั่งแคสเปียน ทะเลแคสเปียนมีความลึกลับอะไรบ้าง ทะเลมีบทบาทใหญ่หลวงต่อชีวิตของประเทศอย่างไร และผู้คนจะได้รับประโยชน์จากทะเลได้อย่างไร

ภูมิศาสตร์ของทะเลแคสเปียน

นักวิจัยยังคงถกเถียงกันว่าแท้จริงแล้วทะเลแคสเปียนคืออะไร ทะเลสาบหรือทะเล ความจริงก็คืออ่างเก็บน้ำนี้ใหญ่ที่สุดในบรรดาอ่างเก็บน้ำไร้น้ำทั้งหมด สิ่งเหล่านี้คือสิ่งที่ไม่เกี่ยวข้องกับมหาสมุทรโลก

แม่น้ำทุกสายในทะเลแคสเปียนมีต้นกำเนิดบนบก แต่ไปไม่ถึงชายฝั่งมหาสมุทร จึงปิดและเรียกได้ว่าเป็นทะเลสาบเลยทีเดียว อย่างไรก็ตาม ทะเลแคสเปียนมีขนาดค่อนข้างใหญ่ และก้นทะเลเป็นเปลือกโลกซึ่งอยู่ในประเภทมหาสมุทร นี่บ่งบอกว่าทะเลปรากฏที่นี่เมื่อหลายล้านปีก่อน

ความจริงที่ว่ากาลครั้งหนึ่งบนโลกนี้หรือในดินแดนที่ยุโรปและเอเชียตั้งอยู่ทุกวันนี้มีทะเลซาร์มาเทียนยุคก่อนประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่สาดกระเซ็น - นี่คือชื่อที่นักวิทยาศาสตร์ตั้งให้ นี่คือเมื่อ 12 ล้านปีก่อน น้ำปกคลุมพื้นที่ทั้งหมดของทวีปปัจจุบัน

คอเคซัสและไครเมียเป็นเกาะในทะเลที่ใหญ่โตอย่างไม่น่าเชื่อแห่งนี้ อย่างไรก็ตาม มันค่อยๆ แยกเกลือออกจากน้ำทะเลและทำให้แห้งเนื่องจากที่ดินเพิ่มขึ้นอย่างช้าๆ เป็นผลให้แทนที่ทะเลซาร์มาเทียนทำให้เกิด "แอ่งน้ำ" ที่แปลกประหลาด - ทะเลแคสเปียน, ทะเลดำ, อารัลและอาซอฟ

การค้นหาทะเลแคสเปียนบนแผนที่ทางภูมิศาสตร์ในปัจจุบันนั้นค่อนข้างง่าย ตั้งอยู่ในภูมิภาคเอเชียไมเนอร์และแยกออกจากทะเลดำโดยเทือกเขาคอเคซัส ซึ่งทำหน้าที่เป็นคอคอดชนิดหนึ่งระหว่างแหล่งน้ำทั้งสองแห่งนี้ มีโครงร่างยาวจากเหนือลงใต้ พิกัดอยู่ที่ละติจูด 36°34"–47°13" เหนือ และลองจิจูด 46°–56° ตะวันออก พรมแดนสมัยใหม่คือชายฝั่งของห้ารัฐ:

1. รัสเซีย.
2. อาเซอร์ไบจาน
3. เติร์กเมนิสถาน
4. คาซัคสถาน
5. อิหร่าน.

นักภูมิศาสตร์แบ่งอาณาเขตของทะเลออกเป็นแคสเปียนตอนเหนือ ตอนกลาง และตอนใต้ โดยทางตอนใต้ครอบครองพื้นที่ประมาณ 40% ของพื้นที่ และทางตอนเหนือคิดเป็นเพียง 25% เท่านั้น นอกจากนี้ยังมีขอบเขตสำหรับแผนกเหล่านี้ ดังนั้นแคสเปียนตอนกลางจึงถูกแยกออกจากทางเหนือด้วยเส้นธรรมดาที่ลากจากแหลม Tyub-Karagan ไปยังเกาะเชเชน และพรมแดนระหว่างทางใต้และตอนกลางทอดยาวไปตามแหลมกัน-กูลูและเกาะชิลอฟ

พื้นที่และความลึก

หลายคนสนใจพื้นที่ทะเลแคสเปียน แต่พารามิเตอร์เหล่านี้เปลี่ยนแปลงเป็นระยะ ทุกอย่างขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงตามฤดูกาลในเชิงลึก ดังนั้นหากระดับน้ำในทะเลประมาณ 27 เมตร อ่างเก็บน้ำก็สามารถเข้าถึงมากกว่า 370,000 ตารางกิโลเมตร ในช่วงเวลาเหล่านี้ น้ำในทะเลสาบจะไหลเต็มที่ และกักเก็บน้ำในทะเลสาบน้ำจืดไว้เกือบ 45% ของปริมาตรทั้งหมดบนโลก

ทะเลแคสเปียนมีพารามิเตอร์ความลึกต่างกัน ดังนั้นส่วนที่ตื้นที่สุดคือทางเหนือความลึกเฉลี่ยไม่เกิน 4 เมตร และสูงสุดคือ 25 เมตร ทางตอนใต้เป็นที่ลึกที่สุดในพื้นที่ลุ่มแคสเปียนตอนใต้อยู่ที่ 1,025 เมตร โดยรวมแล้ว นักวิจัยพบว่าความลึกเฉลี่ยของอ่างเก็บน้ำอยู่ที่ 208 เมตร ตามเส้นโค้งบาธีกราฟิก

ทะเลสาบแคสเปียนมีความลึกเป็นอันดับสามรองจากทะเลสาบไบคาลและแทนกันยิกา ส่วนระดับน้ำทะเลมีความผันผวนอย่างมาก การตรวจวัดอ่างเก็บน้ำทางวิทยาศาสตร์เริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2380 นักวิทยาศาสตร์จากเอกสารทางประวัติศาสตร์และการวิจัยทางโบราณคดีอ้างว่าระดับน้ำสูงสุดเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13-14 จากนั้นก็เริ่มลดลง

ตลอดระยะเวลาสามพันปีแห่งอารยธรรมของเรา ระดับน้ำในทะเลแคสเปียนเปลี่ยนแปลงไป 15 เมตร เหตุผลอาจแตกต่างกันมาก ประการแรก สิ่งเหล่านี้คือการเปลี่ยนแปลงทางธรณีวิทยาในสถานะของเปลือกโลก รวมถึงความผันผวนของสภาพอากาศในภูมิภาคที่กำหนดและการกระทำของมนุษย์

อุณหภูมิและสภาพอากาศ

เนื่องจากทุกวันนี้ลุ่มน้ำแคสเปียนไม่เพียงแต่เป็นที่ตั้งของสถานประกอบการอุตสาหกรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรีสอร์ทด้วย อุณหภูมิของทะเลแคสเปียนจึงเป็นที่สนใจของหลาย ๆ คน ตัวบ่งชี้นี้อาจมีการเปลี่ยนแปลงตามฤดูกาลและมีความสำคัญมาก

ในฤดูหนาวความผันผวนของอุณหภูมิจะต่างกันภายใน 10 องศา ทางตอนใต้ของอ่างเก็บน้ำ อุณหภูมิของน้ำในฤดูหนาวมีอุณหภูมิเฉลี่ย 11 องศา ในขณะที่ทางตอนเหนือของทะเลอุณหภูมินี้ไม่เกิน 0.5 องศา และบางครั้งก็สังเกตเห็นน้ำแข็งเล็กน้อยด้วยซ้ำ ภาคเหนือซึ่งเป็นน้ำตื้นที่สุด จะอุ่นขึ้นเร็วขึ้นในฤดูร้อนและอาจมีอุณหภูมิสูงถึง 26 องศา ขณะเดียวกันอุณหภูมิของน้ำทางทิศตะวันตกของอ่างเก็บน้ำจะสูงกว่าทางทิศตะวันออกอย่างถาวร

ช่วงฤดูร้อนซึ่งกินเวลาตั้งแต่เดือนมิถุนายนถึงกันยายน ทำให้ตัวชี้วัดอุณหภูมิมีความสม่ำเสมอทั่วทั้งทะเล ในเวลานี้ในชั้นบนน้ำจะอุ่นได้ถึง 26 องศา และทางตอนใต้สามารถเพิ่มได้ถึง 28 องศา เมื่อถึงฤดูกำมะหยี่ในพื้นที่น้ำตื้น น้ำจะอุ่นขึ้นถึง 32 องศา

นอกจากนี้ในฤดูร้อนยังเกิดปรากฏการณ์ เช่น การขึ้นของชั้นน้ำลึกขึ้นสู่ผิวน้ำ นี่คือสิ่งที่เรียกว่าการบวมน้ำ แต่นักวิทยาศาสตร์ไม่ได้สังเกตเห็นมันทั่วทั้งบริเวณน้ำ แต่ส่วนใหญ่จะอยู่ทางทิศตะวันออกเท่านั้น บางครั้งน้ำลึกก็ลอยขึ้นทางตอนใต้ของอ่างเก็บน้ำ ส่งผลให้อุณหภูมิของน้ำโดยเฉลี่ยสามารถเข้าใจได้ 10 องศา

เช่นเดียวกับแหล่งน้ำทางทะเลอื่นๆ น้ำในทะเลแคสเปียนนั้นมีรสเค็ม อย่างไรก็ตาม ระดับความอิ่มตัวของเกลืออาจแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับแต่ละพื้นที่ ความเข้มข้นของเกลือจะสูงที่สุดทางตะวันตกและทางใต้ของอ่างเก็บน้ำ ในภาคเหนือน้ำทะเลจะถูกเจือจางด้วยน้ำจืดจากแม่น้ำอย่างต่อเนื่อง อย่างไรก็ตาม ความเข้มข้นของเกลือทั่วทั้งทะเลจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับฤดูกาลของปี

นอกจากนี้ ลมยังเป็นสาเหตุที่ทำให้น้ำเค็มขึ้นหรือสดขึ้นอีกด้วย ตัวอย่างเช่น ในแคสเปียนตอนใต้และตอนกลาง ความผันผวนเหล่านี้แสดงออกมาเพียงเล็กน้อย ตรงกันข้ามกับทางตอนเหนือ

สภาพภูมิอากาศของภูมิภาคทางทะเลนี้ก็แตกต่างกันไปเช่นกัน ทางตอนใต้ของทะเลมีสภาพอากาศกึ่งเขตร้อน ทางตอนกลางมีอากาศอบอุ่น และทางตอนเหนือมีภูมิอากาศแบบภาคพื้นทวีป ส่งผลให้อุณหภูมิอากาศบริเวณชายฝั่งเปลี่ยนแปลงไป

เป็นที่น่าสังเกตว่าร้อนที่สุดในภาคใต้และตะวันออกเฉียงใต้ของอ่างเก็บน้ำ บางครั้งอุณหภูมิอาจสูงถึงที่นี่ ช่วงฤดูร้อนสูงถึง 44 องศา และอุณหภูมิเฉลี่ยอยู่ที่ 26-27 องศา ทางตอนเหนือของอ่างเก็บน้ำไม่สามารถบ่นเกี่ยวกับความหนาวเย็นในฤดูร้อนได้ - บันทึกอุณหภูมิอากาศสูงถึง 25 องศาที่นี่ สำหรับฤดูหนาว อุณหภูมิอากาศทางเหนืออาจถึง -10 องศา และทางใต้ - สูงถึง +10 องศา

คุณสมบัติสระว่ายน้ำ

ไม่จำเป็นต้องสันนิษฐานว่าแคสเปียนเป็นเพียงแหล่งน้ำปิดที่ถูกจำกัดด้วยชายฝั่ง บนแผนที่ ทะเลมีชายฝั่งที่ค่อนข้างราบเรียบ แต่ในความเป็นจริงแล้ว เขตแดนของทะเลนั้นถูกเยื้องด้วยแหลมและคาบสมุทรเล็กๆ ตลอดจนช่องทางและปากแม่น้ำ แนวชายฝั่งมีความยาวประมาณ 7 พันกิโลเมตร (หากคำนึงถึงเกาะต่างๆ)

ชายฝั่งทะเลสาบทางตอนเหนือมีลักษณะต่ำ มีหนองน้ำบ้าง เนื่องจากมีช่องทางหลายช่อง จากทางตะวันออกชายฝั่งแคสเปียนส่วนใหญ่เป็นหินปูนและดินแดนต่างๆก็กลายเป็นดินแดนกึ่งทะเลทรายได้อย่างราบรื่น ความคดเคี้ยวของขอบชายฝั่งทะเลจะสูงที่สุดในทิศตะวันออกและทิศตะวันตก

แหล่งน้ำขนาดใหญ่ไม่สามารถทำได้หากไม่มีเกาะ และทะเลแคสเปียนก็ไม่มีข้อยกเว้น หมู่เกาะในทะเลแคสเปียนมีความหลากหลายโดยมีจำนวนเกาะทั้งหมดเกือบ 50 เกาะที่มีขนาดต่างกัน ที่ใหญ่ที่สุด ได้แก่ :

• โบยุก-ซีรา;
• ผนึก;
• เชเชน;
• อาชูร์-อาดา;
• โอกูร์ชินสกี้;
• เคียว-ดาชิ;

ชายฝั่งทะเลแคสเปียนยังอุดมไปด้วยคาบสมุทรซึ่ง Mangyshlak, Apsheronsky และ Tyub-Karagan โดดเด่น ในที่สุด ภูมิศาสตร์ของทะเลแคสเปียนก็มีอ่าวเล็กและใหญ่หลายแห่ง ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ:

• คิซเลียร์สกี้;
• คารา-โบกาซ-โกล;
• มังกี้ชลัคสกี้;
• กิซิลากัค;
• เติร์กเมนบาชิ;
• แอสตราคาน (Astrakhansky);
• ไฮร์คานัส

จากอ่าวเหล่านี้ Kara-Bogaz-Gol ซึ่งตั้งอยู่ทางตะวันออกของทะเลสามารถเน้นเป็นพิเศษและปัจจุบันเป็นของเติร์กเมนิสถาน จนถึงปลายศตวรรษที่ 20 มันเป็นทะเลสาบแคสเปียนชนิดหนึ่งซึ่งเชื่อมต่อกับ” น้ำใหญ่ช่องแคบ ในช่วงทศวรรษ 1980 ย้อนกลับไปในยุคโซเวียต มีการสร้างเขื่อนครั้งแรกที่นี่ จากนั้นจึงสร้างเขื่อน ส่งผลให้ระดับน้ำในอ่าวลดลง

วันนี้สถานการณ์ได้กลับสู่จุดเดิมแล้วนับตั้งแต่ช่องแคบได้รับการฟื้นฟู น้ำไหลเข้าสู่อ่าวในปริมาณ 10-17 ลูกบาศก์กิโลเมตรต่อปี อย่างไรก็ตามเนื่องจากสภาพอากาศที่ร้อนจึงระเหยออกไป อ่าว Kara-Bogaz-Gol จึงมีรสเค็มมาก

ทะเลแคสเปียนก็เหมือนกับแหล่งน้ำอื่นๆ ที่คล้ายคลึงกัน มีพืชและสัตว์ที่อุดมสมบูรณ์ สาหร่ายหลากหลายชนิดมีอิทธิพลเหนือที่นี่ และนักวิจัยเชื่อว่าแคสเปียนส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดในท้องถิ่น อย่างไรก็ตาม อาจเป็นไปได้ด้วยว่าสาหร่ายบางชนิดถูกนำมาที่นี่โดยวิธีเทียม เช่น ที่ด้านล่างของเรือสินค้าจากทะเลอื่น

ทะเลแคสเปียนมีความหลากหลายมาก มีปลามากกว่า 100 สายพันธุ์ นี่คือที่ซึ่งพบปลาสเตอร์เจียนชื่อดังและปลาอื่นๆ ในตระกูลเดียวกัน โดยพื้นฐานแล้วปลาแคสเปียนคือปลาที่อาศัยอยู่ในน้ำจืดหรือน้ำทะเลเค็มต่ำ: หอก ปลาคาร์พ ปลาแซลมอน ปลากระบอก ปลาคอน ปลาคาร์พ ซึ่งบางส่วนอยู่ในรายการ คุณสามารถพบแมวน้ำในทะเลได้

การพัฒนาแหล่งน้ำและก้นทะเล

ใครในหมู่พวกเราจำวลีที่มีชื่อเสียงจากหนังสือเรียนภูมิศาสตร์ไม่ได้: "แม่น้ำโวลก้าไหลลงสู่ทะเลแคสเปียน" แม่น้ำสายนี้เป็นแม่น้ำที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาแม่น้ำที่มีปากเป็นทะเลแคสเปียน ทุกปีจะส่งน้ำจืดสู่ทะเลมากถึง 224 ลูกบาศก์กิโลเมตร แต่ก็มีคนอื่นที่ตัวเล็กกว่ามารวมตัวกันที่นี่เช่นกัน นอกจากโวลก้าแล้วยังมี:

1. เทเร็ก.
2. อูราล
3. ซามูร์.
4. สุลักษณ์.

แม่น้ำเหล่านี้ไหลผ่านดินแดนของรัสเซียและนอกเหนือจากนั้นน้ำของแม่น้ำ Atrek (เติร์กเมนิสถาน), Kura (), Sefidrud (อิหร่าน) และ Emba (คาซัคสถาน) ไหลลงสู่ทะเลแคสเปียน โดยรวมแล้วจากแม่น้ำ 130 สายที่แตกต่างกันที่ไหลลงสู่ทะเลแคสเปียนปากของลำธารน้ำเก้าสายก่อตัวขึ้นในรูปของสามเหลี่ยมปากแม่น้ำ

การพัฒนาทะเลสาบเกิดขึ้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ ปัจจุบัน ท่าเรือทะเลแคสเปียนเชื่อมต่อชายฝั่งอ่างเก็บน้ำกับเส้นทางการค้า ท่าเรือที่สำคัญที่สุดของรัสเซียคือ Makhachkala และ Astrakhan ซึ่งเรือจะถูกส่งไปยัง Kazakh Aktau, Azerbaijani Baku และชายฝั่งชายฝั่งอื่น ๆ ของทะเลแคสเปียนอย่างต่อเนื่อง นอกจากนี้ยังเชื่อมต่อกับทะเล Azov ซึ่งเข้าถึงได้ทางแม่น้ำ Don และ Volga รวมถึงผ่านคลอง Volga-Don

ทิศทางสำคัญในการพัฒนาเศรษฐกิจของแอ่งแคสเปียนและทะเลคือการผลิตน้ำมัน ปัจจุบันแหล่งน้ำมันในทะเลมีจำนวนประมาณ 10 พันล้านตัน ซึ่งเป็นการประมาณการโดยนักวิจัย ถ้าเราเติมก๊าซคอนเดนเสทเข้าไป ปริมาณสำรองจะเป็นสองเท่า

การผลิตน้ำมันเป็นภาคส่วนที่สำคัญที่สุดของเศรษฐกิจของประเทศในภูมิภาคแคสเปียน ดังนั้นหลายปีที่ผ่านมาความขัดแย้งเกี่ยวกับการใช้ทรัพยากรทางทะเลจึงไม่ได้รับการแก้ไข ในช่วงที่สหภาพโซเวียตดำรงอยู่ อาณาเขตของทะเลแคสเปียนเป็นของสหภาพโซเวียตและอิหร่าน

เอกสารทางกฎหมายเกี่ยวกับการแบ่งอ่างเก็บน้ำและการใช้ชั้นวางซึ่งสรุประหว่างอิหร่านและสหภาพโซเวียตยังคงมีผลบังคับใช้ ในเวลาเดียวกัน ข้อพิพาทเกี่ยวกับการแบ่งเขตทางกฎหมายยังคงดำเนินต่อไป ดังนั้น อิหร่านเสนอให้แบ่งเท่าๆ กันระหว่างห้าประเทศ และอดีตสาธารณรัฐโซเวียตสามแห่งยืนยันว่าอ่างเก็บน้ำจะถูกแบ่งตามเส้นแบ่งเขตตรงกลาง

ปัญหานี้ยังคงร้ายแรงมากเพราะขึ้นอยู่กับว่าควรแบ่งทะเลที่ไหน ไม่เพียงแต่ปริมาณการผลิตน้ำมันสำหรับแต่ละรัฐแคสเปียนเท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับการใช้ทรัพยากรอื่น ๆ ของอ่างเก็บน้ำด้วย ก่อนอื่นเราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการประมงได้ที่นี่เพราะทะเลมีปริมาณปลามาก

พวกเขาเก็บเกี่ยวไม่เพียงแต่ปลาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคาเวียร์ที่มีชื่อเสียงและแมวน้ำอีกด้วย อย่างไรก็ตาม การสืบพันธุ์ของสต็อกปลาในปัจจุบันจะมีประสิทธิภาพมากขึ้นหากไม่ใช่เพราะผู้ลักลอบล่าสัตว์ในทะเลแคสเปียนที่จัดการประมงปลาสเตอร์เจียนอย่างผิดกฎหมายและสกัดคาเวียร์อย่างผิดกฎหมาย

ยิ่งไปกว่านั้นยังมีอยู่ในเกือบทุกประเทศแคสเปียน ดังนั้นการต่อสู้กับพวกเขาจึงเป็นเรื่องปกติในประเทศเพื่อนบ้านของลุ่มน้ำแคสเปียน เป็นผลให้การส่งออกปลาสเตอร์เจียนถูกจำกัดในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา เนื่องจากทั้งรัสเซียและประเทศแคสเปียนอื่น ๆ สนใจที่จะรักษาความมั่งคั่งทางธรรมชาติของภูมิภาคนี้

การลักลอบล่าสัตว์เป็นปัญหาร้ายแรง และในปัจจุบัน รัสเซีย พร้อมด้วยอาเซอร์ไบจาน อิหร่าน คาซัคสถาน และเติร์กเมนิสถาน กำลังพัฒนามาตรการที่มุ่งเป้าไปที่ข้อจำกัดทางกฎหมายเกี่ยวกับการประมงที่ผิดกฎหมาย

อย่างไรก็ตามมีปัญหาใหญ่อีกประการหนึ่งของทะเลแคสเปียนนั่นคือมลภาวะของน้ำทะเล เหตุผลก็คือการผลิตน้ำมันและการขนส่งน้ำมันทางทะเล เราไม่ควรลืมว่าเมืองใหญ่ที่ตั้งอยู่บนชายฝั่งอ่างเก็บน้ำเป็นแหล่งมลพิษทางน้ำอย่างต่อเนื่อง นอกจากนี้ ผู้ประกอบการอุตสาหกรรม แม้จะมีข้อห้ามที่เข้มงวด แต่บางครั้งก็ยังคงปล่อยของเสียลงแม่น้ำซึ่งสุดท้ายจะลงสู่ทะเล

การละเมิดสิ่งแวดล้อมไม่เพียงนำไปสู่มลภาวะทั่วไปของน้ำแคสเปียนเท่านั้น แต่ยังนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงขอบเขตของอ่างเก็บน้ำด้วย (การหนองน้ำการทำให้แห้งและอื่น ๆ ) แต่ก็ไม่คุ้มค่าที่จะพูดถึงความสำคัญของทะเลแคสเปียนสำหรับทั้งภูมิภาคด้วยซ้ำ

พักผ่อนที่รีสอร์ทของทะเลแคสเปียน

เพื่อทำความเข้าใจว่าอารยธรรมมนุษย์สามารถสูญเสียอะไรได้บ้างจากการสูญเสียทะเลแคสเปียน คุณสามารถดูรูปถ่ายของมันได้ ผืนน้ำนี้เป็นสถานที่ที่น่าทึ่งสำหรับการพักผ่อนที่ดีและทิวทัศน์ของท้องทะเลจะสร้างความประทับใจให้กับทุกคนที่มาที่นี่อย่างสม่ำเสมอ วันหยุดที่ใช้ไปในทะเลแคสเปียนไม่ได้เลวร้ายไปกว่าบนชายฝั่งทะเลดำ อากาศบริสุทธิ์ สภาพอากาศที่ไม่รุนแรง และชายหาดที่ได้รับการดูแลอย่างดี - นี่คือสิ่งที่นักท่องเที่ยวสามารถมอบให้ได้

หากคุณตัดสินใจที่จะไปทะเลแคสเปียนราคาสำหรับวันหยุดจะทำให้คุณประหลาดใจ การท่องเที่ยวมีมูลค่าเป็นส่วนใหญ่เนื่องจากมีราคาไม่แพงเมื่อเทียบกับสิ่งที่รอให้นักท่องเที่ยวไปเที่ยวรีสอร์ทในภูมิภาคอื่น ๆ ของโลก ผู้อยู่อาศัยในรัสเซียสามารถพักผ่อนในประเทศของตนได้ในราคาถูกมากและในขณะเดียวกันก็ได้รับบริการที่เป็นเลิศไม่ต่างจากทะเลเมดิเตอร์เรเนียน

มีรีสอร์ทหลายแห่งในเมืองรัสเซีย (ส่วนใหญ่อยู่ใน) ซึ่งได้รับความนิยมเป็นพิเศษจากนักท่องเที่ยว นี้:

• แอสตราคาน;
• ไฟดาเกสถาน;
• คาสปิสค์;
• อิซเบอร์บาช;
• ลาแกน.

หากนักท่องเที่ยวไปที่ Derbent ก่อนอื่นเพื่อชมสถานที่ท่องเที่ยวโบราณและไปที่ Astrakhan เพื่อเพลิดเพลินกับการตกปลาสถานที่พักผ่อนใน Makhachkala ก็เป็นหนึ่งในชายหาดที่สะดวกสบายที่สุดของทะเลแคสเปียน

รีสอร์ทแห่งนี้ไม่เพียงดึงดูดวันหยุดพักผ่อนที่สะดวกสบายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโอกาสในการปรับปรุงสุขภาพของคุณด้วยเพราะมีบ่อน้ำพุร้อนและน้ำแร่อยู่ที่นี่ ในบรรดารีสอร์ทต่างประเทศเราสามารถสังเกต Kazakh Aktau, Azerbaijani Sumgait และพื้นที่นันทนาการ Turkmen Avaza

ปัจจุบันทะเลแคสเปียนเป็นภูมิภาคที่สำคัญที่สุดแห่งหนึ่งของโลกในเชิงเศรษฐกิจ หากไม่มีมันก็เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงยูเรเซียสมัยใหม่และประวัติศาสตร์ของรัสเซียยิ่งกว่านั้น ซึ่งหมายความว่าสถานะของอ่างเก็บน้ำนี้จะต้องได้รับการคุ้มครองโดยรัฐ

ได้ผล เซรามิกญี่ปุ่นราชวงศ์รากุครอบครองสถานที่พิเศษและมีเอกลักษณ์ในประวัติศาสตร์ของเซรามิกและศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่น ราชวงศ์ของช่างฝีมือเกียวโตยังคงรักษาความต่อเนื่องมาเป็นเวลา 15 รุ่น โดยยังคงสร้างสรรค์เครื่องเซรามิกตามประเพณีทางศิลปะแบบเดียวกับที่มีต้นกำเนิดในช่วงกลางศตวรรษที่ 16

ผลิตภัณฑ์ของตัวแทนของราชวงศ์ Raku ในตอนแรกไม่ได้มุ่งเป้าไปที่การผลิตจำนวนมากหรือต่อเนื่อง แต่มุ่งเป้าไปที่การสร้างสรรค์ผลงานที่มีเอกลักษณ์เฉพาะสำหรับผู้ชื่นชอบพิธีชงชาชะโนยุในวงแคบ การแสดงของเวิร์คช็อปส่วนใหญ่ประกอบด้วยชามชา (ฉวัน) กระถางธูป (โคโระ) และกล่องธูป (โคโก) และแจกันสำหรับจัดดอกไม้ (กระท่อม) ข้อจำกัดที่ชัดเจนของความสามารถของปรมาจารย์ Raku นี้นำไปสู่การปรับแต่งและการตกผลึกของสไตล์ของเวิร์กช็อป วัตถุทั้งหมดเหล่านี้ประทับรอยประทับที่ชัดเจนของความเป็นเอกเทศของปรมาจารย์ผู้สร้างสิ่งเหล่านี้และยุคสมัยที่พวกเขาเป็นเจ้าของ

พื้นฐานของเทคโนโลยีตระกูล Raku คือเทคนิคการขึ้นรูปและการเคลือบที่พัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 ระหว่างการทำงานของปรมาจารย์ผู้โดดเด่น ผู้ก่อตั้งราชวงศ์ Raku Raku Tejiro (楽　長次郎, ?-1589) ผลิตภัณฑ์ถูกขึ้นรูปด้วยมือ (อาจเป็นเพราะดินเหนียวในท้องถิ่นมีความเป็นพลาสติกต่ำ ซึ่งทำให้ไม่สามารถยืดออกบนล้อพอตเตอร์ได้) และเคลือบด้วยสารเคลือบตะกั่วที่หลอมละลายได้ในลักษณะโพลีโครม (เลียนแบบเซรามิกสันทรายจีนสามสี ของสมัยหมิง (ค.ศ. 1368-1644) หรือเครื่องเคลือบสีแดงดำเอกรงค์ เป็นผลิตภัณฑ์เอกรงค์ที่โด่งดังที่สุดในหมู่ปรมาจารย์ด้านชา และถูกเรียกว่า อากะราคุ (ราคุสีแดง) และคุโรรากุ (ราคุสีดำ)


ขั้นตอนทางเทคโนโลยีที่โดดเด่นที่สุดของ Raku คือการยิง: ที่อุณหภูมิในห้องเผา 850 ถึง 1,000°C ผลิตภัณฑ์จะถูกเอาออกอย่างรวดเร็วและทำให้เย็นในที่โล่งหรือโดยการแช่ในน้ำ (ชาเขียว) ทั้งรูปแบบชามที่ไม่โอ้อวด แต่มีชีวิตชีวาและแสดงออกได้ และเอฟเฟกต์เคลือบที่เกิดขึ้นระหว่างการเย็นลงอย่างรวดเร็ว ทำให้ผลิตภัณฑ์ของเวิร์กช็อปแสดงออกถึงความเป็นตัวตน และตรงตามข้อกำหนดของสุนทรียศาสตร์วาบิที่กำหนดพิธีชงชาของ Sen no Rikyu (1522- พ.ศ. 1591) และผู้ติดตามที่ใกล้ชิดที่สุดของพระองค์ ในศตวรรษที่ 17 การได้รับการยอมรับในสไตล์ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของเซรามิกนี้สะท้อนให้เห็นไม่เพียงแต่ในมูลค่าสูงของงาน chawan ของเวิร์คช็อป Raku เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเลียนแบบและการตีความ utsushi จำนวนมาก (“สำเนาที่มีความแตกต่าง”) ที่สร้างขึ้นโดยหลากหลาย ศิลปินเซรามิก Hon'ami Koetsu (1558-1673) และ Ogata Kenzan (1663-1743) ปรมาจารย์ด้านมัณฑนศิลป์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดในสมัยเอโดะ (1603-1868) ศึกษาร่วมกับปรมาจารย์แห่งตระกูล Raku และสร้างการตีความที่มีสีสันของตนเอง สไตล์นี้

ดังนั้นในญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 17 จึงมีทั้งเครื่องปั้นดินเผาจากตระกูลราคุและเครื่องปั้นดินเผาที่สร้างสรรค์โดยช่างเซรามิกจากเวิร์คช็อปอื่นๆ และศิลปินอิสระใน "สไตล์รากุ" แม้ว่าชื่อของเซรามิกประเภทพิเศษจะกลายเป็นชื่อที่ถูกต้อง ซึ่งสืบทอดมาจากเวิร์คช็อปเกียวโตจากราคุ เทจิโระ: ฉัน คำว่า "ราคุ" ได้รับความหมายที่เป็นอิสระ นี่คือวิธีที่พวกเขาเริ่มเรียกเซรามิกส์ที่สร้างขึ้นตามประเพณีทางเทคโนโลยีและความงามของเวิร์คช็อปเซรามิกที่มีชื่อเสียง ผลิตภัณฑ์จำนวนมากในรูปแบบรากุ (ส่วนใหญ่ยังคงมีไว้สำหรับพิธีชงชาชะโนยุ) ถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ตลอดศตวรรษที่ 17-19

การเปิดประเทศญี่ปุ่นสู่ตะวันตกในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การยืมรูปแบบและลวดลายการตกแต่งอย่างกว้างขวางจากวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์ของญี่ปุ่นโดยศิลปินชาวตะวันตก อย่างไรก็ตาม เซรามิกของเวิร์คช็อป Raku ไม่ได้ดึงดูดความสนใจของผู้เชี่ยวชาญชาวตะวันตกจนกระทั่งต้นศตวรรษที่ 20 เนื่องจากพวกเขาไม่เป็นไปตามความคาดหวังของบริษัทการค้าขนาดใหญ่ และปราศจากการตกแต่งที่ฉูดฉาดซึ่งทำให้ผลิตภัณฑ์ส่งออกของเซรามิกญี่ปุ่นแตกต่าง การประชุมเชิงปฏิบัติการในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19


ศิลปินชาวอังกฤษและนักทำเครื่องเคลือบ Bernard Leach (1887-1979)

ปัจจุบัน คำว่า "raku" ถูกใช้กันอย่างแพร่หลายโดยช่างทำเซรามิกในรัสเซีย ยุโรปตะวันตกและตะวันออก และโดยช่างฝีมือจากประเทศสแกนดิเนเวียและสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม แนวคิดของ "ราคุเซรามิก" มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเนื่องจากได้แพร่กระจายไปทั่วโลก และการพิจารณาการก่อตัวของ "ราคุเซรามิกของยุโรป" และ "ราคุอเมริกัน" ดูเหมือนจะมีความเกี่ยวข้องกัน

ชาวยุโรปคนแรกที่แนะนำเซรามิกสไตล์รากุให้กับชาวตะวันตกคือศิลปินชาวอังกฤษและนักเซรามิกเบอร์นาร์ด ลีช (พ.ศ. 2430-2522) เขาได้รับการฝึกฝนในฐานะศิลปินในลอนดอน และมาญี่ปุ่นโดยได้รับอิทธิพลจากหนังสือของ Patrick Lafcadio Hearn (1850-1904) ซึ่งบรรยายญี่ปุ่นว่าเป็นประเทศที่มีวัฒนธรรมอันประณีต ธรรมชาติอันงดงาม ความสงบสุข ผู้คนที่ทำงานหนัก และผู้หญิงที่สวย พบว่าตัวเองอยู่ในญี่ปุ่นในปี 1909 Leach เริ่มคุ้นเคยกับกลุ่มนักปรัชญาและศิลปินรุ่นใหม่ชาวญี่ปุ่น “ชิรากาบะ” (ไวท์เบิร์ช) ซึ่งตีพิมพ์นิตยสารวรรณกรรมและศิลปะในชื่อเดียวกันและพยายามนำเสนอให้กับผู้อ่านที่หลากหลายทั่วโลก มรดกทางศิลปะซึ่งแทบไม่เป็นที่รู้จักในญี่ปุ่นจนถึงปลายศตวรรษที่ 19

กิจกรรมของ B. Leach ในสมาคมนี้เริ่มแรกอุทิศให้กับการทำให้การแกะสลักของชาวยุโรปเป็นที่นิยม ในเวลาเดียวกัน ผลงานที่แข็งขันของเขาที่ชิราคาบะแนะนำให้เขารู้จักกับนักคิดและศิลปินรุ่นเยาว์เช่น Yanagi Soetsu (柳宗悦, 1889-1961), Hamada Shoji (濱田庄司, 1894-1978) และ Tomimoto Kenkichi (富本憲吉記, 1886) -1963) ในปีพ.ศ. 2454 หลังจากนิทรรศการเดี่ยวในโตเกียว Leach ได้เข้ามามีบทบาทในชีวิตศิลปะของโตเกียวและทั่วทั้งญี่ปุ่นในฐานะช่างแกะสลักและนักออกแบบสิ่งทอ ในปีเดียวกันนั้นเอง เขาและโทมิโมโตะ เคนคิจิได้รับเชิญให้เข้าร่วม "การประชุมราคุ" (ลีชเรียกพวกเขาว่าปาร์ตี้รากุในสมุดบันทึกของเขา)

การประชุมดังกล่าวเป็นรูปแบบหนึ่งของการพักผ่อนทางปัญญาและความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นที่นิยมในหมู่คนญี่ปุ่นที่มีการศึกษา แขกจะได้รับผลิตภัณฑ์เซรามิกที่เคยเผามาก่อน ผู้เข้าร่วมวาดภาพและเคลือบพวกมัน และดูการยิงซึ่งน่าตื่นตาตื่นใจเป็นพิเศษในตอนกลางคืน เมื่อมีการเอาของร้อนออกจากเตาเผาและค่อยๆ เย็นลงในอากาศ สำหรับการทาสี พวกเขารวมตัวกันในห้องของโรงน้ำชา (ชาชิสึ) ซึ่งเน้นย้ำถึงบรรยากาศที่ผ่อนคลายและเป็นกันเองของการประชุม และความเชื่อมโยงกับประเพณีการดื่มชา

จนถึงจุดนี้ B. Leach แม้จะสนใจเซรามิกซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของกิจกรรมชิรากาบะ แต่ก็ไม่เคยคิดที่จะทำงานกับวัสดุนี้เลย การเข้าร่วมใน "การประชุมราคุ" ปรากฏการณ์แห่งการยิงและผลลัพธ์ที่หลากหลายที่ผู้เข้าร่วมต่าง ๆ ได้รับในการประชุมทำให้ศิลปินต้องเปลี่ยนอาชีพทางศิลปะของเขาอย่างรุนแรง

ชิ้นแรกของ Bernard Leach ในงานปาร์ตี้ raku คือจานนกแก้ว เขายืมลวดลายตกแต่งนี้มาจากผลงานจิตรกรรมโคบอลต์เคลือบใต้เครื่องเคลือบของจีนในสมัยหมิง (ค.ศ. 1368-1644) เมื่อพิจารณาจากคำอธิบายของอาหารจานนี้มันเป็นโพลีโครมเช่นเดียวกับผลิตภัณฑ์สมัครเล่นอื่น ๆ ของบุคคลดังกล่าวซึ่งมักจะตกแต่งด้วยภาพวาดเคลือบด้านล่างและไม่ใกล้เคียงกับผลิตภัณฑ์ Raku ดั้งเดิม ข้อเท็จจริงนี้ชี้ให้เห็นว่าในญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เทคโนโลยีราคุได้รับความเป็นอิสระบางประการไม่สอดคล้องกับประเพณีของครอบครัวดั้งเดิมอีกต่อไปและถูกมองว่าเป็นหนึ่งในวิธีการตกแต่งเซรามิกที่รู้จักกันดี

ในเวลาเดียวกัน ควรสังเกตว่าการประชุมรากุมีความเชื่อมโยงอย่างชัดเจนกับประเพณีเก่าแก่ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ มีรากฐานมาจากจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ของพิธีชงชา ความคิดสร้างสรรค์ร่วมบทกวี การแข่งขันของนักอักษรวิจิตร และปรมาจารย์อิเคบานะในวันที่ 17-19 ศตวรรษ การกลับมาสู่ประเพณีนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ถือเป็นเวทีสำคัญในการสร้างวัฒนธรรมประจำชาติสมัยใหม่ของญี่ปุ่น รูปแบบทางวัฒนธรรมและศิลปะที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมชนชั้นสูงที่เชื่อถือได้ของญี่ปุ่นเก่าเป็นที่ต้องการอีกครั้ง เป็นลักษณะเฉพาะที่ในเวลานี้ในญี่ปุ่นมีการฟื้นฟูความสนใจในพิธีชงชาชะโนยุในการฝึกชงชาเซ็นยะโดะและศิลปะดั้งเดิมอื่นๆ ตลอดจนในด้านศาสนา ปรัชญา และ คำสอนด้านสุนทรียศาสตร์

หลังจากพยายามฝึกฝนเครื่องปั้นดินเผาและการวาดภาพเซรามิกอย่างอิสระอยู่หลายครั้ง B. Leach ก็เริ่มค้นหาครูในโตเกียว เขาได้เยี่ยมชมเวิร์กช็อปของโฮริกาวะ มิตสึซัน ซึ่งเชี่ยวชาญด้านสไตล์ราคุ อย่างไรก็ตาม Leach พบความเข้าใจร่วมกันมากขึ้นกับ Urano Shigekichi (浦野繁吉, 1851-1923, Kenzan VI) ซึ่งเครื่องเซรามิกได้สืบทอดประเพณีของปรมาจารย์ผู้โดดเด่น Ogata Kenzan (Kenzan I, 1663-1743) แม้ว่าในความเห็นของ Leach งานของ Urano Shigekichi และการอุทิศตนเพื่อการตกแต่งที่ Rimpa School of Art ยังขาดพลังงานและกำลัง แต่ปรมาจารย์คนนี้มีความรู้ด้านเทคนิคทั้งหมดที่เป็นของราชวงศ์เก่าแก่และมีชื่อเสียงของนักเซรามิกส์ และพร้อมที่จะสอนเรื่อง พื้นฐานของการตกแต่งเซรามิกสำหรับนักเรียนต่างชาติ

เป็นเวลาสองปีที่ Leach ทำงานในเวิร์คช็อป Urano Shigekichi ร่วมกับ Tomimoto Kenkichi ซึ่งในตอนแรกยังทำหน้าที่เป็นนักแปลด้วย เนื่องจาก Leach ยังรู้จักภาษาญี่ปุ่นไม่ดีพอ ในเวิร์กช็อปของ Urano การสร้างแบบฟอร์มไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของงาน: ช่องว่างสำหรับการวาดภาพซื้อมาจากเวิร์กช็อปอื่นหรือทำโดยช่างปั้นที่ได้รับเชิญ แต่ Leach ก็เริ่มเชี่ยวชาญงานฝีมือเครื่องปั้นดินเผาเพื่อที่จะสามารถสร้างแบบฟอร์มได้ด้วยตัวเอง เขาตั้งข้อสังเกตว่าเนื่องจากไม่ใช่คนญี่ปุ่น เขาจึงไม่สามารถสัมผัสถึงลักษณะของรูปแบบและการตกแต่งแบบดั้งเดิมได้อย่างเต็มที่ ผลงานในช่วงแรกๆ ของปรมาจารย์หลายชิ้น (พ.ศ. 2454-2456) ตีความสไตล์เซรามิกของยุโรปอย่างมีเอกลักษณ์โดยหักเหเครื่องปั้นดินเผาและประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่น ต่อมา งานของ Leach ก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเซรามิกจากประเทศตะวันออกไกลและแอฟริกาทั้งหมด


หลังจากฝึกงานหนึ่งปี Urano อนุญาตให้ B. Leach ตั้งโรงงานของตัวเองที่มุมหนึ่งของสวนบนที่ดินของเขา และสร้างเตาเผารากุขนาดเล็ก หนึ่งปีหลังจากการก่อสร้างเวิร์กช็อปนี้ Urano ได้มอบใบรับรองอย่างเป็นทางการ (หนาแน่น :) แก่เขาและโทมิโมโตะ เคนคิจิ เกี่ยวกับการสืบทอดประเพณีของครอบครัว Kenzan และ Bernard Leach ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการว่าเป็นปรมาจารย์ของ Kenzan VII

นอกจากชื่อ Kenzan แล้ว Bernard Leach ยังได้รับคอลเลกชันเอกสาร "ครอบครัว" พร้อมสูตรสำหรับเคลือบและเคล็ดลับในการผลิตอื่นๆ รวมถึงพื้นฐานของการยิง raku ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของทรัพย์สินของตระกูล Kenzan ต่อมา Leach ได้ตีพิมพ์บางส่วนในผลงานของเขา รวมถึง The Potter's Book ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1940 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อเซรามิกของเวิร์คช็อปตะวันตกในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 Leach ทำให้เทคโนโลยีแบบดั้งเดิมเข้าถึงได้สำหรับนักเซรามิกทุกคนที่สนใจในการเสริมสร้างภาษาทางศิลปะของสตูดิโอเซรามิก ตลอดชีวิตการสร้างสรรค์ของเขา ปรมาจารย์หันมาใช้เทคนิคราคุซ้ำแล้วซ้ำเล่า ทั้งในขณะที่ทำงานในญี่ปุ่นและในเซนต์ไอฟส์

เมื่อพูดถึงสถานะทั่วไปของเซรามิกศิลปะยุโรปเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ควรสังเกตว่าเป็น B. Leach ที่กลายเป็นศิลปินคนแรกในยุโรปที่ก่อตั้งสตูดิโออิสระ (ในปี 1920 ใน St. Ives, Cornwall หลังจากนั้น จะกลับอังกฤษ) Leach และ Yanagi Soetsu ค่อยๆ พัฒนาความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับบทบาทของช่างฝีมือในประเพณีทางศิลปะของโลก: ส่วนหนึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของ William Morris และขบวนการศิลปะและหัตถกรรม (ประวัติศาสตร์ของการเคลื่อนไหวนี้เป็นหัวข้อที่พบบ่อยในการสนทนาระหว่าง เบอร์นาร์ด ลีช และยานางิ โซเอ็ตสึ) เช่นเดียวกับมอร์ริส Leach คัดค้านการทำให้งานฝีมือเป็นอุตสาหกรรมและการเปลี่ยนแปลงไปสู่การผลิตที่ได้มาตรฐาน

สำหรับ Yanagi Soetsu เช่นเดียวกับศิลปินและนักคิดชาวญี่ปุ่นจำนวนมากในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 แนวโน้มของการพัฒนาอุตสาหกรรมของญี่ปุ่นแบบใหม่อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ดูเหมือนจะเป็นภัยคุกคามร้ายแรงต่อวัฒนธรรมที่โดดเด่นของงานหัตถกรรมและงานฝีมือพื้นบ้าน ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ความปรารถนาที่จะอนุรักษ์ประเพณีพื้นบ้านส่งผลให้เกิดขบวนการ Mingei ที่มีอิทธิพล ซึ่งก่อตั้งโดย Hamada Shoji และ Kawai Kanjiro (河井寛次郎, 1890-1978) ประเพณีของเวิร์คช็อปเซรามิกเก่าได้รับการฟื้นฟูในช่วงทศวรรษที่ 1930 โดย Arakawa Toyozo (荒川豊蔵, 1894-1985) และเกี่ยวข้องกับเซรามิกของเวิร์คช็อปมิโนะ-เซโตะในยุคโมโมยามะ (1573-1615) เป็นหลัก

การฟื้นฟูศิลปะเก่าเป็นส่วนสำคัญของนโยบายระดับชาติของญี่ปุ่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 นโยบายนี้ได้รับการตอบรับอย่างจริงใจและกระตือรือร้นที่สุดจากนักปรัชญาและศิลปินในยุคนั้น อิทธิพลอย่างมากต่อการสร้างความสนใจในประเพณีประจำชาติคือ "Book of Tea" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1906 โดย Okakura Kokuzo: (岡倉覚三, 1862-1913) - หนึ่งในผลงานเชิงโปรแกรมเกี่ยวกับศิลปะแบบดั้งเดิมซึ่งมีจริยธรรมที่ยั่งยืน และคุณค่าทางสุนทรีย์ของพิธีชงชาได้รับการพิสูจน์แล้ว ชะโนยุ หนังสือเล่มนี้จัดพิมพ์เป็นภาษาอังกฤษและกลายเป็นเรื่องเปิดเผยสำหรับผู้อ่านชาวตะวันตก นอกเหนือจากหนังสือ The Potter's Book ของ Bernard Leach แล้ว The Tea Book ยังมีอิทธิพลอย่างมากไม่เพียงแต่ต่อนักเซรามิกชาวตะวันตกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปิน นักเขียน และนักคิดที่หลากหลายในช่วงกลางศตวรรษที่ 20

ในคอร์นวอลล์ Bernard Leach และ Hamada Shoji ไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในกิจกรรมสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนด้วย นักเรียนชาวอเมริกันคนแรกของ Leach คือ Warren McKenzie (เกิด พ.ศ. 2467) ซึ่งศึกษาที่เวิร์คช็อป St. Ives ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2492 ถึง พ.ศ. 2494

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 ศิลปินชาวอเมริกันเริ่มสนใจประเพณีเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่นมากขึ้น หลังจากการถดถอยทางเศรษฐกิจที่ยาวนานของภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการเสริมกำลังทหารของเศรษฐกิจในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ช่วงเวลาแห่งความมั่นคงก็มาถึงสหรัฐอเมริกา ซึ่งอาจส่งผลกระทบต่อการพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ไม่ได้ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ความสนใจของนักเซรามิกส์ชาวอเมริกันมุ่งเน้นไปที่การปรับปรุงเทคนิคเซรามิกและสูตรเคลือบเป็นหลัก ในทศวรรษหลังสงคราม สุนทรียศาสตร์ของศิลปะประยุกต์ ไม่เพียงแต่ในเซรามิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการออกแบบเฟอร์นิเจอร์ สิ่งทอเชิงศิลปะ ฯลฯ ด้วย เปลี่ยนแปลงไปอย่างสิ้นเชิง การแพร่กระจายของวัสดุใหม่ที่สร้างขึ้นโดยอุตสาหกรรมการทหารนำไปสู่การขยายความเป็นไปได้ในการออกแบบ

บรรยายโดยโชจิ ฮามาดะ ผู้เป็นตำนาน

เริ่มต้นในปี 1950 นิตยสาร Craft Horizons เริ่มเผยแพร่สิ่งพิมพ์เกี่ยวกับงานของช่างฝีมือ ในปีพ. ศ. 2496 สภาการศึกษาของช่างฝีมืออเมริกันได้จัดนิทรรศการ "นักออกแบบงานฝีมือ" ร่วมกับพิพิธภัณฑ์บรูคลิน ในปีพ.ศ. 2499 สมาคมเดียวกันนี้ได้เปิดพิพิธภัณฑ์หัตถกรรมสมัยใหม่ในนิวยอร์ก สถาบันการศึกษาจำนวนหนึ่งที่มีการศึกษางานฝีมือและมัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์เพิ่มขึ้น และค่อยๆ สภาพแวดล้อมที่มีผลสำหรับการทำงานของศิลปินและปรมาจารย์ด้านมัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์ประเภทต่างๆ ถูกสร้างขึ้นในสหรัฐอเมริกา

โลกหลังสงครามที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วจำเป็นต้องมีภาษาศิลปะใหม่ หลังสงครามโลกครั้งที่สอง โลกขยายตัวอย่างมีนัยสำคัญ และความสนใจในประเทศตะวันออกก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน การมีอยู่ของฐานทัพทหารอเมริกันในญี่ปุ่นเป็นผลร่วมกัน นำไปสู่การขยายความเข้าใจของชาวอเมริกันเกี่ยวกับวัฒนธรรมอันห่างไกล และการเกิดขึ้นของความสนใจที่ยั่งยืนในญี่ปุ่น สุนทรียศาสตร์ของญี่ปุ่นค่อยๆ ครองใจศิลปินชาวอเมริกัน: แนวคิดเกี่ยวกับงานศิลปะ "ออร์แกนิก" ความใกล้ชิดกับรูปแบบธรรมชาติ - ทั้งหมดนี้เป็นการตอบสนองต่อวัฒนธรรมทางเทคโนโลยีและการออกแบบในช่วงสงคราม

ความสนใจยังเกิดขึ้นในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของญี่ปุ่น ซึ่งเน้นไปที่พุทธศาสนานิกายเซน ความรู้เกี่ยวกับโรงเรียนพุทธศาสนาแห่งนี้แพร่กระจายไปในโลกตะวันตกด้วยสิ่งพิมพ์และกิจกรรมการศึกษาที่กระตือรือร้นของ Suzuki Daisetsu Teitaro: (鈴木大拙貞太郎, 1870-1966) และนักวิชาการศาสนาและนักปรัชญา Alan Wilson Watts (1915-1973) นอกเหนือจากกิจกรรมของ Watts ในฐานะผู้เผยแพร่พุทธศาสนานิกายเซนแล้ว ยังควรสังเกตแนวคิดของเขาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของศิลปะประยุกต์ที่เกิดภายใต้อิทธิพลของชุมชน Druid Heights (แคลิฟอร์เนีย สหรัฐอเมริกา) ผู้อยู่อาศัยในชุมชนแห่งนี้ ก่อตั้งโดยนักเขียน Elsa Gidlow (พ.ศ. 2441-2529) รวมถึง Alan Watts สร้างสรรค์สิ่งของใช้ในครัวเรือนที่จำเป็นทั้งหมดด้วยตนเอง โดยได้รับคำแนะนำจากแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียภาพทางธรรมชาติและประโยชน์ใช้สอย Watts มองเห็นความเชื่อมโยงโดยตรงระหว่างรูปแบบที่เรียบง่ายของ "สุนทรียศาสตร์ประยุกต์" ของศิลปินสมัครเล่นชาวอเมริกัน และสุนทรียศาสตร์ของสิ่งต่าง ๆ ที่สร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์วาบิของญี่ปุ่นสำหรับศิลปะเหล่านั้นที่พัฒนาขึ้นตามประเพณีเซน (พิธีชงชา อิเคบานะ การจัดดอกไม้ ฯลฯ) ในเวลาเดียวกัน ทั้งจริยธรรมของพุทธศาสนานิกายเซนและสุนทรียภาพถูกรับรู้โดย Watts และผู้ติดตามของเขาว่าเป็นวิธีการ "อพยพภายใน" ค้นหาเสียงของตัวเองในรัฐอนุรักษ์นิยมและรวมชีวิตทุกรูปแบบในอเมริกาเป็นหนึ่งเดียว เซรามิกรูปแบบอิสระมีบทบาทสำคัญในงานศิลปะและงานฝีมือของสหรัฐอเมริกา

อิทธิพลอย่างมากต่อนักเซรามิกส์ชาวอเมริกันในช่วงทศวรรษ 1950 คือ Bernard Leach ซึ่งผลงาน The Potter's Book ได้รับการตีพิมพ์ในสหรัฐอเมริกาในปี 1947 อย่างไรก็ตาม อิทธิพลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดต่อศิลปินคือการมาถึงของปรมาจารย์ชาวอังกฤษ Yanagi Soetsu และ Hamada Shoji ในสหรัฐอเมริกาพร้อมการบรรยายและชั้นเรียนปริญญาโทในปี 1952 หลังจากการประชุมที่จัดขึ้นที่ Dartington Hall (Devonshire) การประชุมแองโกล-ญี่ปุ่นครั้งนี้จัดขึ้นเพื่อศิลปะเซรามิกและการทอผ้า โดยมีเป้าหมายหลักเพื่อแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในวงกว้างของความร่วมมือระหว่างประเทศในสาขาศิลปะนี้

ต้องขอบคุณคลาสมาสเตอร์ของ Hamada Shoji (อาจารย์ไม่ค่อยบรรยายในที่สาธารณะ แต่พบโอกาสในการสาธิตงานของเขาทุกที่ - บนวงล้อของช่างปั้นหม้อและด้วยดินเหนียวที่มอบให้เขา) นักเซรามิกชาวอเมริกันจึงคุ้นเคยกับคุณสมบัติพลาสติกชนิดพิเศษ ของเซรามิกญี่ปุ่น เซรามิกญี่ปุ่นเริ่มได้รับการพิจารณาในคำจำกัดความของประติมากรรม ด้วยความเป็นไปได้ทั้งหมดของรูปแบบศิลปะนี้ในการสร้างรูปแบบที่ซับซ้อน โดยมีปฏิสัมพันธ์กับพื้นที่โดยรอบ โดยคำนึงถึงความสำคัญของพื้นผิว (และสี) ในการถ่ายทอดพลวัตภายในของ แบบฟอร์ม ฯลฯ

ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้มีชื่อเสียง เช่น Kitaoji Rosanjin (北大路 魯山人, 1883-1960) และ Kaneshige Toyo (金重陶陽, 1896-1967) ก็มาเยือนสหรัฐอเมริกา ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินชาวอเมริกัน หนึ่งในผู้เข้าร่วมที่สนใจมากที่สุดในการบรรยายและชั้นเรียนปริญญาโทคือ Paul Soldner (พ.ศ. 2464-2554) ซึ่งถือเป็นผู้ประดิษฐ์ "American raku" ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปกลายเป็นทิศทางของเซรามิกส์แบบตะวันตก เขาเป็นลูกศิษย์ของ Peter Voulkos (Panagiotis Voulkos, 1924-2002) หนึ่งในศิลปินเซรามิกที่มีชื่อเสียงและมีอิทธิพลมากที่สุดในยุคของเขา อายุที่แตกต่างกันเพียงสามปีระหว่างครูและนักเรียนทำให้ปรมาจารย์สามารถทดลองร่วมกันและมองหาเครื่องเซรามิกรูปแบบใหม่ๆ

โซลเนอร์ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากปรัชญาเซน พิธีชงชา และงานของช่างปั้นหม้อชาวญี่ปุ่น แต่ปรากฏการณ์เหล่านี้ไม่ได้มีอิทธิพลมากนักต่องานในยุคแรกๆ ของเขา ซึ่งเป็นชิ้นงานที่ซับซ้อนและยิ่งใหญ่ซึ่งสร้างขึ้นบนวงล้อของช่างปั้นหม้อ อย่างไรก็ตาม ในปี 1960 ขณะเตรียมชั้นเรียนสำหรับนักเรียนที่ Scripps Institute เขาเริ่มสนใจเซรามิก Raku และค้นพบความเป็นไปได้อันไม่มีที่สิ้นสุดของอิสรภาพในการสร้างสรรค์และการแสดงด้นสดซึ่งเป็นลักษณะของเซรามิกประเภทนี้

โซลเนอร์ละทิ้งรูปแบบที่ซับซ้อนเพื่อสนับสนุนรูปแบบ "ออร์แกนิก" ที่ใกล้ชิดกับธรรมชาติ ซึ่งนำไปสู่การละทิ้งวงล้อของช่างปั้นหม้อ - วิธีการปั้นเริ่มมีความคล้ายคลึงกับที่ใช้ในเวิร์คช็อป Raku ในเกียวโตอย่างใกล้ชิดมากขึ้น การเผาจำเป็นต้องมีการวิจัยพิเศษ: การเปลี่ยนแปลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด (เมื่อเทียบกับรากุของญี่ปุ่น) เกิดขึ้นในขั้นตอนของการสร้างผลิตภัณฑ์เซรามิก

ในฐานะแหล่งข้อมูลหลัก โซลเนอร์ใช้คำอธิบายเกี่ยวกับเซรามิก Raku และเทคโนโลยีในการสร้างสรรค์ใน "หนังสือของพอตเตอร์" โดย B. Leach โซลเนอร์สร้างเตาเผาขนาดเล็กโดยใช้คำอธิบายสั้น ๆ และดึงประสบการณ์การทำงานของเขาเองขึ้นมา หลังจากการยิงเป็นเวลาหลายชั่วโมง โซลเนอร์ก็นำหม้อเซรามิกร้อนออกและห่อด้วยใบไม้ที่ชื้นจากคูระบายน้ำใกล้เคียง ทำให้เกิดสภาพแวดล้อมที่ลดลงในขณะที่ชิ้นงานเย็นตัวลง กระบวนการนี้เรียกว่าเซรามิกแบบ "รมควัน" และแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากวิธีการทำความเย็นผลิตภัณฑ์ราคุแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นในสภาพแวดล้อมออกซิไดซ์ อย่างไรก็ตาม วิธีการนี้เป็นการวางรากฐานสำหรับสิ่งที่เรียกว่า "มะเร็งในอเมริกา" และแพร่กระจายไปยังหลายประเทศทั่วโลก


โซลเนอร์ยังคงสร้างเตาเผาตามที่เขาออกแบบไว้: ในทศวรรษ 1960 เขาสร้างเตาเผา 11 เตาสำหรับการเผาผลิตภัณฑ์ที่อุณหภูมิต่างๆ และในสภาวะรีดอกซ์ที่แตกต่างกัน รวมถึงเตาเผาและห้องลดขนาดสำหรับ raku ห้องรมควันเหล็กปิดผนึกมีเส้นผ่านศูนย์กลางประมาณ 1.2 ม. และทำให้สามารถทำความเย็นผลิตภัณฑ์ 6-10 รายการพร้อมกันในสภาพแวดล้อมแบบลดขนาด เพื่อที่จะดำเนินการออกซิเดชันบางส่วนของพื้นผิวของผลิตภัณฑ์ (ซึ่งทำให้ผลิตภัณฑ์มีความโดดเด่นที่สดใส) สามารถยกฝาของเตาดังกล่าวขึ้นได้ระยะหนึ่ง ดังนั้น ในระหว่างการทดลองหลายครั้งกับเตาอบที่เราออกแบบเอง เคลือบด้วยสูตรต่างๆ และ ในรูปแบบที่แตกต่างกันผลิตภัณฑ์ของโซลเนอร์ห่างไกลจากเทคนิคดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่ใช้ในเตาอบ Raku แบบดั้งเดิมมาก

การใช้สูตรดั้งเดิมฟรีนี้ถูกกำหนดโดยความเชื่อมั่นอย่างลึกซึ้งของโซลเนอร์ในความต้องการที่จะก้าวไปข้างหน้า โดยมีสัญชาตญาณและประสบการณ์เท่านั้นชี้นำ ในเวลาเดียวกัน การแสดงออกเชิงนามธรรมซึ่งมีความมุ่งมั่นเป็นพิเศษต่อความเป็นธรรมชาติและความไม่แน่นอนของผลลัพธ์ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ เป็นไปตามแนวคิดของคนร่วมสมัยของโซลเนอร์ ซึ่งเทียบได้กับหลักการของความเป็นธรรมชาติของเซนและความเป็นธรรมชาติ ดังนั้นประเพณีในยุคกลางของญี่ปุ่นจึงดูทันสมัยอย่างมากในช่วงกลางศตวรรษที่ 20

ถ้วย Chawan ที่ Soldner สร้างขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มนักเรียนของ Otis ในทศวรรษ 1960 มีความโดดเด่นด้วยการตีความประเพณีเครื่องเซรามิกของญี่ปุ่นอย่างโดดเด่นแต่ระมัดระวัง แบบฟอร์มมีความใกล้เคียงกับภาษาญี่ปุ่น พื้นผิวที่ไม่เรียบของด้านข้างชามถูกปิดด้วยหลวม
หยดเคลือบสี (ดำ, แดง, เหลืองหรือน้ำตาล) ซึ่งมี craquelure สีขนาดใหญ่ตั้งอยู่ ปรมาจารย์หันมาใช้เซรามิกญี่ปุ่นรูปแบบคลาสสิกเหล่านี้ตลอดอาชีพการสร้างสรรค์อันยาวนานของเขา โดยแนะนำคุณสมบัติดั้งเดิมใหม่และใหม่ในสไตล์ raku ฟรี ในช่วงทศวรรษ 1980 การลองใช้รูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้นซึ่งใกล้เคียงกับงานประติมากรรมและวัตถุทางศิลปะอยู่แล้ว โซลเนอร์ยังทำให้การตกแต่งซับซ้อนขึ้นอีกด้วย: ปรมาจารย์ใช้การเคลือบในชั้นที่มีความหนาต่างกัน สร้างการเปลี่ยนที่ซับซ้อนจากเศษที่ไม่เคลือบไปเป็นพื้นที่เคลือบสีหนาและบวม

ในนิทรรศการปี 2012 พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Missoula ได้จัดแสดงภาชนะขนาดใหญ่เกือบเป็นทรงกลมโดย Paul Soldner เคลือบด้วยสีน้ำตาลและเผาตามประเพณี raku เรือที่ทำจากมวลเซรามิกสีเทาเข้มมีรูปร่างคล้ายกันถูกเคลือบด้วยชั้นเคลือบบาง ๆ และตกแต่งด้านบนด้วยเอนโกบและเคลือบสี - รูปแบบนามธรรมที่แสดงออกและเป็นนามธรรมของลายเส้นและเส้นที่ตัดกันรอยประทับของแม่แบบไม้ที่มีลวดลายต่างกัน - ใน รูปแบบของลายหวี, การหดหู่เล็กน้อย ฯลฯ

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ในบรรดานักเซรามิกชาวอเมริกัน มีแนวคิดหลายประการอยู่แล้วว่า "ราคุ" คืออะไร: สิ่งเหล่านี้เป็นวัตถุที่ถูกยิงในห้องที่มีควัน (“มีควัน”) หรือยิงและทำให้เย็นในห้องที่มีเชื้อเพลิงที่คุกรุ่นหรือในน้ำ ความหลากหลายดังกล่าวได้รับการบันทึกไว้เมื่อต้นศตวรรษที่ 21 ในคำอธิบายของเทคโนโลยีราคุของสตีเฟน แบรนฟ์แมน โดยให้คำจำกัดความของเซรามิกรากุว่าเผาในเตาเผาที่อุ่นแล้ว นำออกจากเตาเผาที่อุณหภูมิสูงสุดในห้องเผา และค่อยๆ เย็นลงในน้ำ ใน ภาชนะที่มีวัสดุไวไฟหรืออยู่กลางแจ้ง

Paul Soldner หลีกเลี่ยงการกำหนดนิยามของเซรามิก raku อย่างชัดเจนผ่านเทคโนโลยี เขาดำเนินการต่อจากแนวคิดที่ว่าคุณสมบัติหลักของเซรามิก Raku - อิสรภาพภายในและความสะดวกสบาย - อยู่เหนือเทคโนโลยีในด้านความเข้าใจทางศิลปะของชีวิต ปรมาจารย์มีโอกาสเห็นความแตกต่างระหว่างเทคนิคของเขาเองกับประเพณีดั้งเดิมของตระกูล Raku ในระหว่างการเยือนญี่ปุ่นในช่วงปลายทศวรรษ 1990 อย่างไรก็ตาม เมื่อถึงเวลานั้น เทคโนโลยีการยิงผลิตภัณฑ์ที่เสนอโดยเขาในทศวรรษ 1960 ได้กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "ราคุ" ไปไกลเกินกว่าสหรัฐอเมริกา - ต้องขอบคุณนิทรรศการ สิ่งพิมพ์ และกิจกรรมการสอนของทั้งตัวโซลด์เนอร์เอง รวมถึงนักเรียนและผู้ติดตามของเขา ปัจจุบันมีช่างเซรามิกจำนวนมากในสหรัฐอเมริกาที่ยังคงใช้ประเพณีการยิงรากุแบบอเมริกันต่อไป แต่รูปแบบนี้มีหลายรูปแบบอยู่ในประเทศตะวันตกอื่นๆ

David Roberts นักเซรามิกชาวอังกฤษ (เกิดปี 1947) เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่มีอิทธิพลมากที่สุดที่ทำงานในสไตล์รากุ ผลงานของเขาไม่เพียงแต่เป็นการตีความเครื่องเซรามิกญี่ปุ่นเหล่านี้ในภาษาอังกฤษใหม่ แต่ยังนำไปสู่ความสนใจใน raku ในสหรัฐอเมริกาอีกครั้ง โดยเขาได้ช่วยสร้างขบวนการ Naked Raku ทำให้เซรามิกเหล่านี้มีความทันสมัยมากยิ่งขึ้น

รูปแบบที่ยิ่งใหญ่ของเซรามิกนี้ถูกสร้างขึ้นโดยการสร้างแบบจำลองด้วยมือ (สร้างเส้นใย) จากนั้นพื้นผิวจะถูกปรับระดับและหลังจากการเผาบิสกิต (ประมาณ 1,000-1,100°C) บางครั้งก็ถูกปกคลุมด้วยเอนโกเบบาง ๆ แล้วจึงเคลือบด้วย การเผา "raku" ครั้งที่สองที่อุณหภูมิ 850-900°C จบลงด้วยการ "รมควัน" ผลิตภัณฑ์ในระยะยาวในสภาพแวดล้อมแบบลดปริมาณ - ในภาชนะที่มีกระดาษและขี้เลื่อยจำนวนเล็กน้อย ภายในไม่กี่นาที สีย้อมและสารประกอบของเอนโกเบและดินเหนียวจะกลับคืนมา ผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปจะถูกล้าง และในระหว่างขั้นตอนการซัก ผิวเคลือบจะถูกลอกออกจากพื้นผิว เผยให้เห็นเอนโกเบสีขาวที่มีลวดลายที่ซับซ้อนของพื้นผิวที่ดำคล้ำ (ซึ่งเป็นสาเหตุที่เทคโนโลยีนี้เรียกว่า "ราคุเปลือย") ในบางกรณี ผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปจะถูกถูด้วยแว็กซ์ธรรมชาติเพื่อให้พื้นผิวมีความเงางามอย่างล้ำลึก

ผลงานล่าสุดของ Roberts ได้รับการตกแต่งด้วยโทนขาวดำที่กระชับ ดูเหมือนแกะสลักจากหิน: หินอ่อนสีขาวที่มีลวดลายที่ซับซ้อนของเส้นเลือดหรือออกไซด์ พื้นผิวทั้งหมด - แบบด้านหรือขัดเงา - มีความเงางามล้ำลึกโดยไม่มีแสงสะท้อนที่สว่างจ้า และกระจายแสงอย่างอ่อนโยน อาจจำได้ว่าความสามารถของหินนี้เอง - กล่าวคือ หยก - ที่ทำให้มันเป็นวัสดุที่มีเกียรติในสายตาของชาวจีน และทำให้เกิดการเลียนแบบหยกในเครื่องลายครามและเซรามิกในจีนจำนวนมาก (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12) ) และญี่ปุ่น (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 8)

เครื่องเซรามิกของ Roberts นั้นห่างไกลจากผลงานของเวิร์คช็อปของญี่ปุ่นของ Raku มากพอ ๆ กับที่มาจากการทดลองของ Paul Soldner ในทางกลับกัน "ราคุ" ของเขาได้ก่อให้เกิดกาแล็กซีแห่งปรมาจารย์ผู้สดใสของรากุ "เปล่า" ใหม่ในหลายประเทศทั่วโลก ในบรรดาปรมาจารย์ชาวตะวันตกสามารถตั้งชื่อ Charlie และ Linda Riggs (แอตแลนตาสหรัฐอเมริกา) และ Paulo Reis (แอฟริกาใต้)

ในเวิร์กช็อปต่างๆ ศิลปินทดลองโดยใช้องค์ประกอบต่างๆ ของดินเหนียว เอนโกบ และเคลือบ วัสดุที่ติดไฟได้ต่างๆ สำหรับกระบวนการฟื้นฟูในโรงรมควัน รวมถึงผลิตภัณฑ์เซรามิกรูปแบบใหม่ๆ ตั้งแต่แจกันแบบดั้งเดิมไปจนถึงองค์ประกอบต่างๆ
การตกแต่งภายในและวัตถุศิลปะ ช่างทำเซรามิกจำนวนมากในรัสเซียและประเทศเพื่อนบ้านสร้างสรรค์ผลงานโดยใช้เทคโนโลยี "American raku" และยึดมั่นในสไตล์ของผลิตภัณฑ์ญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมที่มีรูปแบบออร์แกนิกหยาบและมีสีเคลือบมากมาย

เพื่อสรุปการศึกษาปรากฏการณ์ของ "รากุเซรามิก" ในงานของนักเซรามิกตะวันตกในช่วงศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 ควรกล่าวว่าคำว่า "เซรามิกรากุ" ได้รับการตีความอย่างกว้างไกลในวรรณกรรมสมัยใหม่เกี่ยวกับการตกแต่งและประยุกต์ ศิลปะและเซรามิกตลอดจนการปฏิบัติของศิลปินเซรามิก จากเนื้อหา คำจำกัดความของ "raku" ต่อไปนี้สามารถแยกแยะได้:

เซรามิกที่สร้างขึ้นโดยใช้เทคโนโลยีและสุนทรียศาสตร์แบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นโดยปรมาจารย์แห่งตระกูล Raku (เกียวโต)
เซรามิกที่สร้างขึ้นโดยใช้เทคโนโลยีญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมในเวิร์คช็อปอื่นๆ ของญี่ปุ่น
สุดท้ายคือเซรามิกโดยปรมาจารย์ชาวตะวันตกที่ตีความประเพณีของญี่ปุ่นทั้งในด้านเทคโนโลยีและความสวยงาม

แม้ว่าเซรามิกประเภทต่างๆ จะมีความหลากหลายทางเทคโนโลยีและโวหารอย่างมาก โดยสรุปในกลุ่มที่ 3 แต่ก็รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยหลักการทางศิลปะที่สำคัญประการหนึ่ง นั่นคือ ปฏิบัติตามธรรมชาติ ร่วมมือกับธรรมชาติในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะ (ซึ่งสอดคล้องกับ “ทิศทางอินทรีย์” และหลักการ ของการเผาผลาญในสถาปัตยกรรมและการออกแบบของศตวรรษที่ 20)

หลักการนี้ซึ่งเชื่อมโยงกับจิตสำนึกแบบตะวันตกเป็นหลักกับปรัชญาเซนและสุนทรียภาพแบบวะบิ ช่วยให้นักเซรามิกยุคใหม่ทุกคนพิจารณาว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดและล่ามประเพณีทางจิตวิญญาณและเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ไม่ว่าผลงานของพวกเขาจะมาจาก "แหล่งที่มาหลัก" แค่ไหนก็ตาม อิสรภาพและความสร้างสรรค์ที่เป็นธรรมชาติ การทำงานร่วมกันของศิลปินกับวัสดุ ความคาดเดาไม่ได้ของผลลัพธ์สุดท้าย และความคิดริเริ่มด้านสุนทรียภาพ ทำให้เครื่องเซรามิก raku น่าดึงดูดใจสำหรับศิลปินทุกคน

เซรามิกญี่ปุ่นในตระกูล Raku ซึ่งรักษาพื้นฐานของเทคโนโลยีและสุนทรียศาสตร์จากศตวรรษที่ 16 จึงกลายเป็นงานศิลปะตกแต่งและประยุกต์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดประเภทหนึ่งแห่งศตวรรษที่ 20

เนื้อหาของบทความ

ศิลปะญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณ ศิลปะญี่ปุ่นมีความโดดเด่นด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่กระตือรือร้น แม้ว่าพวกเขาจะพึ่งพาจีน ซึ่งมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะและสุนทรียภาพใหม่ๆ เกิดขึ้นอย่างต่อเนื่อง ศิลปินญี่ปุ่นมักจะนำเสนอคุณลักษณะใหม่ๆ และเปลี่ยนแปลงศิลปะของครูผู้สอนของตน ทำให้มีรูปลักษณ์แบบญี่ปุ่น

ประวัติศาสตร์ของญี่ปุ่นเริ่มมีรูปแบบเฉพาะในช่วงปลายศตวรรษที่ 5 เท่านั้น มีการค้นพบวัตถุที่ค่อนข้างน้อยที่มีอายุย้อนกลับไปหลายศตวรรษก่อน (ยุคโบราณ) แม้ว่าบางชิ้นจะพบในระหว่างการขุดค้นหรือระหว่าง งานก่อสร้างพูดถึงความสามารถทางศิลปะที่โดดเด่น

ยุคโบราณ.

ผลงานศิลปะญี่ปุ่นที่เก่าแก่ที่สุดคือหม้อดินเผาแบบโจมง (ลายเชือก) ชื่อนี้ได้มาจากการตกแต่งพื้นผิวด้วยเกลียวเชือกพันรอบแท่งไม้ที่ช่างฝีมือใช้สร้างภาชนะ บางทีในตอนแรกช่างฝีมือค้นพบลายพิมพ์ที่ถักโดยไม่ได้ตั้งใจ แต่แล้วพวกเขาก็เริ่มใช้มันอย่างจงใจ บางครั้งลอนดินเหนียวคล้ายเชือกติดอยู่บนพื้นผิว ทำให้เกิดเอฟเฟกต์การตกแต่งที่ซับซ้อนมากขึ้น ซึ่งเกือบจะช่วยบรรเทาได้ ประติมากรรมญี่ปุ่นชิ้นแรกเกิดขึ้นในวัฒนธรรมโจมง Dogu (แปลว่า "รูปปั้นดินเผา") ของคนหรือสัตว์อาจมีความสำคัญทางศาสนาบ้าง รูปภาพของผู้คนซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้หญิงนั้นคล้ายคลึงกับเทพธิดาดินเหนียวในวัฒนธรรมดั้งเดิมอื่น ๆ มาก

การหาคู่ด้วยคาร์บอนกัมมันตรังสีชี้ให้เห็นว่าการค้นพบบางอย่างจากวัฒนธรรมโจมอนอาจมีอายุย้อนกลับไปได้ถึง 6-5,000 ปีก่อนคริสต์ศักราช แต่การออกเดทในช่วงแรกๆ นี้ไม่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป แน่นอนว่าอาหารดังกล่าวถูกปรุงขึ้นในระยะเวลาอันยาวนาน และถึงแม้จะยังไม่สามารถกำหนดวันเวลาที่แน่นอนได้ แต่ก็สามารถแยกแยะช่วงเวลาได้สามช่วง ตัวอย่างที่เก่าแก่ที่สุดมีฐานแหลมและแทบไม่มีการตกแต่งใดๆ เลย ยกเว้นร่องรอยของอุปกรณ์ช่างปั้นหม้อ ภาชนะในยุคกลางได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรามากขึ้น บางครั้งก็มีองค์ประกอบที่ขึ้นรูปด้วยแม่พิมพ์ ทำให้เกิดความรู้สึกถึงปริมาตร รูปร่างของภาชนะในยุคที่สามมีความหลากหลายมาก แต่การตกแต่งจะแบนอีกครั้งและถูกควบคุมมากขึ้น

ประมาณศตวรรษที่ 2 พ.ศ. เซรามิก Jomon ได้เปิดทางให้กับเซรามิก Yayoi โดดเด่นด้วยรูปแบบที่สง่างาม การออกแบบที่เรียบง่าย และคุณภาพทางเทคนิคระดับสูง เศษภาชนะเริ่มบางลงและเครื่องประดับก็ดูหรูหราน้อยลง ประเภทนี้แพร่หลายจนถึงศตวรรษที่ 3 ค.ศ

จากมุมมองทางศิลปะ บางทีผลงานที่ดีที่สุดในยุคแรกๆ ก็คือฮานิวะ ซึ่งเป็นกระบอกดินเหนียวที่มีอายุตั้งแต่ศตวรรษที่ 3 ถึงศตวรรษที่ 5 ค.ศ อนุสรณ์สถานที่มีลักษณะเฉพาะในยุคนี้คือเนินเขาหรือเนินดินขนาดใหญ่ โครงสร้างฝังศพของจักรพรรดิและขุนนางผู้มีอำนาจ มักมีขนาดใหญ่มาก เป็นหลักฐานยืนยันถึงอำนาจและความมั่งคั่งของราชวงศ์และข้าราชบริพาร การก่อสร้างโครงสร้างดังกล่าวสำหรับจักรพรรดินินโทกุ-เทนโน (ประมาณคริสตศักราช 395–427) ใช้เวลา 40 ปี ลักษณะเด่นที่สุดของเนินดินเหล่านี้คือฮานิวะทรงกระบอกดินเหนียวที่ล้อมรอบไว้เหมือนรั้ว โดยปกติแล้วกระบอกสูบเหล่านี้จะเรียบง่ายอย่างสมบูรณ์ แต่บางครั้งก็ตกแต่งด้วยร่างมนุษย์ซึ่งไม่ค่อยมีรูปแกะสลักม้าบ้านหรือไก่โต้ง จุดประสงค์ของพวกเขาคือสองเท่า: เพื่อป้องกันการพังทลายของที่ดินจำนวนมหาศาลและเพื่อจัดหาสิ่งจำเป็นที่เขาใช้ในชีวิตทางโลกให้กับผู้ตาย โดยปกติแล้ว กระบอกสูบจะถูกผลิตออกมาในปริมาณมากในคราวเดียว ธีม การแสดงออกทางสีหน้า และท่าทางที่หลากหลายของรูปปั้นที่ตกแต่งนั้นส่วนใหญ่เป็นผลมาจากการแสดงด้นสดของปรมาจารย์ แม้ว่าจะเป็นผลงานของช่างฝีมือมากกว่าจิตรกรและประติมากร แต่ก็มีความสำคัญอย่างยิ่งในฐานะรูปแบบศิลปะของญี่ปุ่น อาคารต่างๆ ม้าที่คลุมผ้า สุภาพสตรีและนักรบในยุคแรกๆ นำเสนอภาพที่น่าสนใจเกี่ยวกับชีวิตทางการทหารของระบบศักดินาตอนต้นของญี่ปุ่น อาจเป็นไปได้ว่าต้นแบบของกระบอกสูบเหล่านี้ปรากฏในประเทศจีนซึ่งมีวัตถุต่าง ๆ ถูกฝังโดยตรงในการฝังศพ แต่การดำเนินการและวิธีการใช้ฮานิวะนั้นเป็นประเพณีท้องถิ่น

ยุคโบราณมักถูกมองว่าเป็นช่วงเวลาที่ปราศจากผลงานศิลปะระดับสูง เป็นช่วงเวลาแห่งการครอบงำสิ่งต่าง ๆ ที่มีคุณค่าทางโบราณคดีและชาติพันธุ์วิทยาเป็นหลัก อย่างไรก็ตาม จะต้องจำไว้ว่าผลงานของวัฒนธรรมยุคแรกโดยรวมนี้มีชีวิตชีวาอย่างมาก เนื่องจากรูปแบบของพวกเขายังคงอยู่และยังคงเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะญี่ปุ่นในสมัยต่อๆ ไป

สมัยอะซึกะ

(ค.ศ. 552–710) การแนะนำพระพุทธศาสนาในกลางคริสต์ศตวรรษที่ 6 ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงวิถีชีวิตและความคิดของคนญี่ปุ่นอย่างมีนัยสำคัญ และกลายเป็นแรงผลักดันในการพัฒนาศิลปะในยุคนี้และยุคต่อๆ ไป การมาถึงของพุทธศาสนาจากประเทศจีนผ่านทางเกาหลีนั้นมีมาแต่โบราณตั้งแต่คริสตศักราช 552 แต่อาจทราบกันก่อนหน้านี้ ในช่วงปีแรกๆ พุทธศาสนาเผชิญกับการต่อต้านทางการเมืองและการต่อต้านศาสนาประจำชาติชินโต แต่เพียงไม่กี่ทศวรรษต่อมา ศรัทธาใหม่ก็ได้รับการอนุมัติอย่างเป็นทางการและได้รับการสถาปนาในที่สุด ในช่วงปีแรกๆ ของการเปิดตัวในญี่ปุ่น พุทธศาสนาเป็นศาสนาที่ค่อนข้างเรียบง่ายโดยมีเทพเจ้าจำนวนไม่มากที่ต้องการรูปเคารพ แต่หลังจากนั้นประมาณหนึ่งร้อยปี พุทธศาสนาก็มีความเข้มแข็งขึ้นและวิหารแพนธีออนก็เติบโตขึ้นอย่างมาก

ในช่วงเวลานี้ มีการก่อตั้งวัดซึ่งไม่เพียงแต่มีวัตถุประสงค์ในการเผยแพร่ศรัทธาเท่านั้น แต่ยังเป็นศูนย์กลางของศิลปะและการศึกษาอีกด้วย วัดอารามที่โฮริวจิเป็นหนึ่งในวัดที่สำคัญที่สุดสำหรับการศึกษาพุทธศิลป์ในยุคแรก ในบรรดาสมบัติอื่นๆ มีรูปปั้นของ Syaka-Nerai ทั้งสามผู้ยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 623) ผลงานของโทริ บุสซี ประติมากรชาวญี่ปุ่นผู้ยิ่งใหญ่คนแรกที่เรารู้จัก เป็นรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ที่มีสไตล์คล้ายกับกลุ่มที่คล้ายกันในวัดถ้ำอันยิ่งใหญ่ของจีน ท่าของผู้นั่งสั่น (ถอดความจากคำว่า "พระศากยมุนี" ในภาษาญี่ปุ่น ซึ่งเป็นพุทธประวัติ) และร่างทั้งสองที่ยืนอยู่ทั้งสองข้างของเขาถือเป็นหน้าผากอย่างเคร่งครัด รูปร่างของร่างมนุษย์ถูกซ่อนไว้ด้วยการพับเสื้อผ้าที่พับอย่างสมมาตรหนา และในใบหน้าที่ยาวเรียบ เราจะรู้สึกได้ถึงความฝันและการไตร่ตรองตนเอง ประติมากรรมในสมัยพุทธกาลแรกนี้มีพื้นฐานมาจากรูปแบบและต้นแบบจากแผ่นดินใหญ่เมื่อห้าสิบปีก่อน มันปฏิบัติตามประเพณีจีนที่เข้ามาญี่ปุ่นผ่านทางเกาหลีอย่างซื่อสัตย์

ประติมากรรมที่สำคัญที่สุดบางชิ้นในยุคนี้ทำด้วยทองสัมฤทธิ์ แต่ก็ใช้ไม้เช่นกัน ประติมากรรมไม้ที่มีชื่อเสียงที่สุดสองชิ้นคือรูปปั้นของเทพธิดาคันนอน: ยูเมโดโนะ คันนอน และคุดารา คันนอน ทั้งคู่อยู่ในโฮริวจิ พวกเขาเป็นวัตถุสักการะที่น่าดึงดูดยิ่งกว่ากลุ่มสามชากี ด้วยรอยยิ้มที่เก่าแก่และสีหน้าชวนฝัน แม้ว่าหุ่นเจ้าแม่กวนอิมจะมีการจัดพับเสื้อผ้าตามแผนผังและสมมาตร แต่ก็เบากว่าและเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว สูง รูปร่างเพรียวบางพวกเขาเน้นจิตวิญญาณของใบหน้า ความเมตตาเชิงนามธรรม ห่างไกลจากความกังวลทางโลกทั้งหมด แต่ไวต่อคำอธิษฐานแห่งความทุกข์ทรมาน ประติมากรให้ความสนใจกับรูปทรงของคุดารา คันนง ซึ่งซ่อนอยู่ในรอยพับของเสื้อผ้า และตรงกันข้ามกับภาพเงาหยักของยูเมโดโนะ การเคลื่อนไหวของทั้งรูปร่างและผ้ามุ่งตรงไปที่ความลึก ในโปรไฟล์ คุดารา คันนอน มีโครงร่างรูปตัว S ที่สง่างาม

ตัวอย่างภาพวาดเดียวที่หลงเหลืออยู่ที่ให้แนวคิดเกี่ยวกับสไตล์ของต้นศตวรรษที่ 7 คือภาพวาดของ Tamamushi Zushi หรือ "ศาลเจ้ามีปีก" ศาลเจ้าจิ๋วแห่งนี้ได้ชื่อมาจากปีกด้วงสีรุ้งที่ตั้งอยู่ในกรอบโลหะที่มีรูพรุน ต่อมาได้รับการตกแต่งด้วยองค์ประกอบทางศาสนาและรูปปั้นของตัวละครแต่ละตัวที่ทำด้วยสารเคลือบเงาสี เช่นเดียวกับประติมากรรมในยุคนี้ ภาพบางภาพแสดงถึงอิสระในการออกแบบอย่างมาก

สมัยนรา

(710–784) ในปี ค.ศ. 710 เมืองหลวงถูกย้ายไปยังนารา ซึ่งเป็นเมืองใหม่ที่สร้างตามเมืองหลวงฉางอันของจีน มีถนนกว้างใหญ่ พระราชวังขนาดใหญ่ และวัดวาอารามมากมาย ไม่เพียงแต่พุทธศาสนาในทุกด้านเท่านั้น แต่ชีวิตทางวัฒนธรรมและการเมืองของจีนทั้งหมดก็ถูกมองว่าเป็นแบบอย่างที่ต้องปฏิบัติตาม ไม่มีประเทศอื่นใดที่รู้สึกว่าวัฒนธรรมของตนเองไม่เพียงพอหรืออ่อนไหวต่ออิทธิพลจากภายนอกมากไปกว่านี้ นักวิชาการและผู้แสวงบุญเคลื่อนย้ายได้อย่างอิสระระหว่างญี่ปุ่นและแผ่นดินใหญ่ และชีวิตของรัฐบาลและพระราชวังก็จำลองตามราชวงศ์ถังของจีน อย่างไรก็ตาม เราต้องจำไว้ว่าแม้จะเลียนแบบตัวอย่างของ Tang China โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านศิลปะ โดยรับรู้ถึงอิทธิพลและสไตล์ของมัน แต่ชาวญี่ปุ่นก็มักจะปรับรูปแบบต่างประเทศให้เป็นของตัวเอง

ในงานประติมากรรม ส่วนหน้าและความสมมาตรที่เข้มงวดของสมัยอะสุกะก่อนหน้านี้ทำให้เกิดรูปแบบที่อิสระมากขึ้น การพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับเทพเจ้า ทักษะทางเทคนิคที่เพิ่มขึ้น และเสรีภาพในการใช้เนื้อหาทำให้ศิลปินสามารถสร้างภาพลัทธิที่ใกล้ชิดและเข้าถึงได้มากขึ้น การก่อตั้งนิกายพุทธศาสนาใหม่ได้ขยายวิหารให้ครอบคลุมแม้กระทั่งนักบุญและผู้ก่อตั้งพุทธศาสนา นอกจากงานประติมากรรมสำริดแล้ว ยังมีผลงานที่ทำจากไม้ ดินเหนียว และสารเคลือบเงาอีกมากมายอีกด้วย หินเป็นของหายากและแทบไม่เคยใช้สำหรับประติมากรรมเลย น้ำยาเคลือบเงาแบบแห้งได้รับความนิยมเป็นพิเศษอาจเป็นเพราะถึงแม้จะมีขั้นตอนการเตรียมองค์ประกอบที่ซับซ้อน แต่งานที่ทำจากมันดูน่าประทับใจกว่างานไม้และแข็งแรงกว่าผลิตภัณฑ์ดินเหนียวที่ทำง่ายกว่า รูปปั้นเคลือบแลคเกอร์ถูกสร้างขึ้นบนฐานไม้หรือดินเหนียว ซึ่งจากนั้นถูกเอาออก หรือบนไม้หรือลวดเสริม มันเบาและทนทาน แม้ว่าเทคนิคนี้จะกำหนดความแข็งแกร่งในท่าทาง แต่ก็อนุญาตให้มีอิสระอย่างมากในการวาดภาพใบหน้า ซึ่งส่วนหนึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาสิ่งที่เรียกว่าประติมากรรมภาพเหมือนได้อย่างเหมาะสม การพรรณนาใบหน้าของเทพนั้นเป็นไปตามข้อกำหนดที่เข้มงวดของศีลทางพุทธศาสนา แต่ความนิยมและแม้กระทั่งการยกย่องของผู้ก่อตั้งและนักเทศน์บางคนแห่งศรัทธานั้นให้โอกาสที่ดีเยี่ยมในการถ่ายทอดภาพเหมือน ความคล้ายคลึงนี้สามารถเห็นได้ในรูปปั้นที่ทำจากน้ำยาเคลือบเงาแห้งของเก็นจิน ปรมาจารย์ชาวจีน ซึ่งเป็นที่นับถือในญี่ปุ่น ซึ่งตั้งอยู่ในวัดโทโชไดจิ เก็นจินตาบอดเมื่อเขามาถึงญี่ปุ่นในปี 753 และดวงตาที่มองไม่เห็นของเขาและสภาวะการไตร่ตรองภายในที่สว่างไสวของเขานั้นถูกจับภาพไว้อย่างสวยงามโดยประติมากรที่ไม่รู้จัก แนวโน้มที่เป็นจริงนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในประติมากรรมไม้ของนักเทศน์คูยะ ซึ่งสร้างขึ้นโดยประติมากรโคโชในศตวรรษที่ 13 และ 14 พระภิกษุแต่งกายเหมือนขอทานเร่ร่อน พร้อมด้วยไม้เท้า ฆ้อง และค้อน และมีพระพุทธรูปองค์เล็กๆ โผล่ออกมาจากปากที่อ้าเพียงครึ่งเดียว ไม่พอใจกับภาพลักษณ์ของพระภิกษุผู้ร้องเพลงประติมากรพยายามแสดงความหมายที่อยู่ลึกที่สุดในคำพูดของเขา

พระพุทธรูปสมัยนาราก็มีความโดดเด่นด้วยความสมจริงอย่างมากเช่นกัน สร้างขึ้นสำหรับวัดจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ วัดเหล่านี้ไม่เย็นชาและสงวนท่าทีเหมือนรุ่นก่อนๆ มีความงดงามและความสง่างามมากขึ้น และได้รับการกล่าวถึงด้วยความโปรดปรานมากขึ้นต่อผู้คนที่บูชาวัดเหล่านั้น

มีภาพวาดน้อยมากในช่วงเวลานี้ที่ยังมีชีวิตอยู่ การออกแบบบนกระดาษหลากสีแสดงถึงพุทธประวัติในอดีตและปัจจุบัน นี่เป็นหนึ่งในตัวอย่างโบราณของเอกิโมโนะหรือภาพวาดม้วนกระดาษ ม้วนหนังสือค่อยๆ คลี่ออกจากขวาไปซ้าย และผู้ชมสามารถเพลิดเพลินได้เฉพาะส่วนของภาพที่อยู่ระหว่างมือคลี่ม้วนหนังสือเท่านั้น ภาพประกอบถูกวางไว้เหนือข้อความโดยตรง ไม่เหมือนการเลื่อนในภายหลังที่มีส่วนของข้อความสลับกับรูปภาพที่อธิบาย ในตัวอย่างการวาดภาพแบบสกรอลล์ที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่เหล่านี้ ร่างที่มีเค้าโครงถูกกำหนดไว้โดยตัดกับภูมิทัศน์ที่แทบไม่มีโครงร่าง โดยมีตัวละครหลัก ในกรณีนี้คือ ชากา ปรากฏในฉากต่างๆ

ต้นเฮอัน

(784–897) ในปี 784 เมืองหลวงถูกย้ายไปยังนางาโอกะชั่วคราว ส่วนหนึ่งเพื่อหลีกเลี่ยงการครอบงำของนักบวชชาวพุทธในเมืองนารา ในปี ค.ศ. 794 เธอย้ายไปเฮอัน (ปัจจุบันคือเกียวโต) เป็นระยะเวลานานขึ้น ปลายศตวรรษที่ 8 และ 9 เป็นช่วงเวลาที่ญี่ปุ่นประสบความสำเร็จในการหลอมรวมและปรับให้เข้ากับลักษณะเฉพาะของตนเองและมีนวัตกรรมจากต่างประเทศมากมาย ศาสนาพุทธยังประสบกับช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลง การเกิดขึ้นของนิกายใหม่ๆ ของพุทธศาสนาอันลึกลับ พร้อมด้วยพิธีกรรมและมารยาทที่พัฒนาขึ้น ในจำนวนนี้ นิกายที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือนิกายเทนไดและนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายเทนไดและนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายเทนไดและนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายนิกายต่างๆ เหล่านี้มีต้นกำเนิดในอินเดีย มาถึงจีน และจากที่นั่นนักวิทยาศาสตร์สองคนก็พามายังญี่ปุ่น ซึ่งกลับมายังบ้านเกิดของตนหลังจากฝึกฝนมายาวนาน นิกาย Shingon (“คำที่จริง”) ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในศาลและเข้ารับตำแหน่งที่โดดเด่นอย่างรวดเร็ว วัดหลักตั้งอยู่บนภูเขาโคยะใกล้กับเกียวโต เช่นเดียวกับศูนย์พุทธศาสนาที่สำคัญอื่นๆ พวกเขากลายเป็นแหล่งสะสมงานศิลปะจำนวนมาก

ประติมากรรมสมัยศตวรรษที่ 9 ส่วนใหญ่เป็นไม้ ภาพของเทพนั้นโดดเด่นด้วยความรุนแรงและความยิ่งใหญ่ที่ไม่สามารถเข้าถึงได้ซึ่งเน้นย้ำถึงความเคร่งขรึมของรูปลักษณ์และความใหญ่โตของพวกเขา ผ้าม่านถูกตัดออกอย่างชำนาญตามรูปแบบมาตรฐาน และผ้าพันคอวางเป็นคลื่น รูปปั้นยืนของชากิจากวัดมูโรจิเป็นตัวอย่างของสไตล์นี้ สำหรับภาพนี้และภาพที่คล้ายกันจากศตวรรษที่ 9 โดดเด่นด้วยการแกะสลักอย่างแข็งขันพร้อมรอยพับที่ลึกและคมชัดและรายละเอียดอื่นๆ

การเพิ่มจำนวนเทพเจ้าทำให้เกิดความยากลำบากอย่างมากสำหรับศิลปิน ในรูปแบบมันดาลาที่เหมือนไพ่ที่ซับซ้อน (การออกแบบทางเรขาคณิตด้วย ความหมายมหัศจรรย์) เหล่าเทพตามลำดับชั้นจะตั้งอยู่รอบๆ พระพุทธเจ้า ซึ่งวางอยู่ตรงกลาง ซึ่งพระองค์เองเป็นเพียงผู้แสดงอาการอันสัมบูรณ์เท่านั้น ในเวลานี้ รูปแบบใหม่ในการแสดงภาพร่างของเทพผู้พิทักษ์ที่รายล้อมไปด้วยเปลวไฟ มีรูปร่างหน้าตาที่แย่มาก แต่มีคุณประโยชน์ในธรรมชาติปรากฏขึ้น เทพเหล่านี้ตั้งอยู่ไม่สมมาตรและแสดงท่าทางเคลื่อนไหวด้วยใบหน้าที่น่าเกรงขาม ปกป้องศรัทธาอย่างดุเดือดจากอันตรายที่อาจเกิดขึ้น

สมัยเฮอันตอนกลางและตอนปลาย หรือยุคฟูจิวาระ

(898–1185) การโอนเมืองหลวงไปยังเฮอันซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อหลีกเลี่ยงข้อเรียกร้องที่ยากลำบากของนักบวช ยังทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในระบบการเมืองด้วย ขุนนางเป็นพลังที่โดดเด่น และตัวแทนที่สำคัญที่สุดคือตระกูลฟูจิวาระ ช่วงศตวรรษที่ 10-12 มักจะเกี่ยวข้องกับชื่อนี้ ช่วงเวลาแห่งอำนาจพิเศษเริ่มต้นขึ้นเมื่อจักรพรรดิที่แท้จริงได้รับการ "แนะนำอย่างยิ่ง" ให้ละทิ้งกิจการของรัฐเพื่อแสวงหาบทกวีและภาพวาดที่น่าพึงพอใจยิ่งขึ้น จักรพรรดิ์ถูกนำโดยผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ผู้เคร่งครัด ซึ่งปกติจะมาจากตระกูลฟูจิวาระจนกระทั่งพระองค์เจริญพระชนม์ เป็นยุคแห่งความหรูหราและความสำเร็จอันน่าทึ่งในด้านวรรณคดี การประดิษฐ์ตัวอักษร และศิลปะ มีความอ่อนล้าและอารมณ์ตลอดซึ่งไม่ค่อยลึกซึ้งนัก แต่โดยรวมก็มีเสน่ห์ ความหรูหราและการหลบหนีอันสง่างามสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะในยุคนี้ แม้แต่ผู้นับถือศาสนาพุทธก็ยังมองหาวิธีที่ง่ายกว่า และการบูชาพระอมิตาพุทธเจ้าจากสวรรค์ก็ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ความคิดเกี่ยวกับความเมตตาและความกรุณาของพระอมิตาภพุทธเจ้าสะท้อนให้เห็นอย่างลึกซึ้งในภาพวาดและประติมากรรมในยุคนี้ ความใหญ่โตและความยับยั้งชั่งใจของรูปปั้นสมัยศตวรรษที่ 9 ในศตวรรษที่ 10-11 ประทานความสุขและเสน่ห์ เทพเจ้าถูกพรรณนาว่าช่างฝันและสงบอย่างมีความคิด การแกะสลักลึกน้อยลง พื้นผิวมีสีสันมากขึ้นด้วยพื้นผิวที่ได้รับการพัฒนาอย่างมั่งคั่ง อนุสรณ์สถานที่สำคัญที่สุดในยุคนี้เป็นของประติมากร Jocho

ผลงานของศิลปินยังได้รับคุณสมบัติที่นุ่มนวลชวนให้นึกถึงภาพวาดบนผ้าและแม้แต่เทพผู้น่ากลัว - ผู้พิทักษ์ศรัทธา - ก็น่ากลัวน้อยลง พระสูตร (ตำราทางพุทธศาสนา) เขียนด้วยทองคำและเงินบนกระดาษสีน้ำเงินเข้ม และการประดิษฐ์ตัวอักษรที่สวยงามของข้อความมักมีภาพประกอบเล็กๆ นำหน้า แนวพระพุทธศาสนาที่ได้รับความนิยมมากที่สุดและเทพเจ้าที่เกี่ยวข้องสะท้อนให้เห็นถึงความชอบของชนชั้นสูงและการค่อยๆ เคลื่อนตัวออกจากอุดมคติอันเคร่งครัดของพุทธศาสนายุคแรก

บรรยากาศในเวลานี้และผลงานของเขาส่วนหนึ่งเกี่ยวข้องกับการยุติความสัมพันธ์อย่างเป็นทางการกับจีนในปี 894 พุทธศาสนาในประเทศจีนในเวลานี้ถูกข่มเหง และศาล Tang ที่ทุจริตก็อยู่ในสภาพตกต่ำ การดำรงอยู่บนเกาะอันเงียบสงบซึ่งตามมาด้วยการแยกตัวออกไปนี้กระตุ้นให้ชาวญี่ปุ่นหันเข้าหาวัฒนธรรมของตนเอง และพัฒนาสไตล์ญี่ปุ่นใหม่ที่บริสุทธิ์ยิ่งขึ้น อันที่จริงเป็นภาพวาดทางโลกของศตวรรษที่ 10-12 เป็นภาษาญี่ปุ่นเกือบทั้งหมด - ทั้งในด้านเทคนิคและการจัดองค์ประกอบและโครงเรื่อง คุณสมบัติที่โดดเด่นม้วนหนังสือภาษาญี่ปุ่นเหล่านี้เรียกว่ายามาโตะ-เอะ เน้นวิชาเอนกิ (ต้นกำเนิด, ประวัติศาสตร์) มากกว่า ในขณะที่ม้วนหนังสือจีนส่วนใหญ่มักพรรณนาถึงความยิ่งใหญ่ ธรรมชาติที่น่าทึ่งภาพพาโนรามาของภูเขา ลำธาร หิน และต้นไม้ และผู้คนดูไม่มีนัยสำคัญนัก ในม้วนหนังสือเล่าเรื่องของญี่ปุ่น สิ่งสำคัญในภาพวาดและข้อความคือตัวบุคคล ภูมิทัศน์มีบทบาทเป็นพื้นหลังของเรื่องราวที่เล่าเท่านั้น ซึ่งอยู่ใต้บังคับบัญชาของตัวละครหลักหรือบุคคล ม้วนกระดาษหลายม้วนเป็นบันทึกเหตุการณ์ที่วาดด้วยมือเกี่ยวกับชีวิตของนักเทศน์ชาวพุทธที่มีชื่อเสียงหรือบุคคลในประวัติศาสตร์ การเดินทาง และการรณรงค์ทางทหาร คนอื่นเล่าถึงเรื่องราวโรแมนติกจากชีวิตของขุนนางและข้าราชบริพาร

รูปแบบที่โดดเด่นอย่างเห็นได้ชัดของม้วนกระดาษในยุคแรกมาจากภาพร่างด้วยหมึกธรรมดาๆ บนหน้าสมุดจดพุทธศาสนา เหล่านี้เป็นภาพวาดฝีมือดีที่ล้อเลียนพฤติกรรมของมนุษย์ผ่านภาพสัตว์ เช่น ลิงในชุดสงฆ์บูชากบพอง การแข่งขันระหว่างกระต่าย ลิง และกบ ม้วนหนังสือสมัยเฮอันตอนปลายเหล่านี้และม้วนอื่นๆ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับม้วนหนังสือเล่าเรื่องที่ซับซ้อนมากขึ้นของรูปแบบที่พัฒนาแล้วของศตวรรษที่ 13 และ 14

สมัยคามาคุระ

(1185–1392) ปลายศตวรรษที่ 12 นำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่ชีวิตทางการเมืองและศาสนาของญี่ปุ่น และแน่นอนว่ารวมถึงงานศิลปะด้วย ความสง่างามและความสวยงามของศาลเกียวโตถูกแทนที่ด้วยหรือตามประเพณีของกฎ "พิเศษ" "ได้รับการเพิ่มเติม" ในรูปแบบของกฎใหม่ที่รุนแรงและกล้าหาญ - โชกุนคามาคุระ แม้ว่าเมืองหลวงจะยังคงอยู่ในนามเกียวโต แต่โชกุนมินาโมโตะ โนะ โยริโตโมะ (ค.ศ. 1147–1199) ได้ก่อตั้งสำนักงานใหญ่ของเขาในเมืองคามาคุระ และในเวลาเพียง 25 ปีก็ได้สถาปนาระบบเผด็จการทหารและระบบศักดินาที่เข้มงวดขึ้น พุทธศาสนาซึ่งมีความซับซ้อนและมีพิธีกรรมมากจนคนธรรมดาทั่วไปไม่เข้าใจ ยังได้มีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ซึ่งไม่ได้สัญญาว่าจะได้รับการอุปถัมภ์ศิลปะเลย นิกายโยโดะ (ดินแดนบริสุทธิ์) รูปแบบหนึ่งของการบูชาพระอมิตาพุทธะ ภายใต้การนำของโฮเน็น โชนิน (ค.ศ. 1133–1212) ได้ปฏิรูปลำดับชั้นของพระพุทธเจ้าและเทพเจ้า และให้ความหวังแห่งความรอดแก่ทุกคนที่เชื่อในพระอมิตาภ์ หลักคำสอนเรื่องสวรรค์ที่เข้าถึงได้ง่ายนี้ถูกทำให้ง่ายขึ้นโดยพระภิกษุอีกองค์หนึ่งคือชินรัน (ค.ศ. 1173–1262) ผู้ก่อตั้งนิกายชินซึ่งตระหนักว่าความอ่อนน้อมถ่อมตนของอมิตานั้นยิ่งใหญ่มากจนไม่จำเป็นต้องประกอบพิธีกรรมทางศาสนาเพียงแค่ท่องคาถาซ้ำ " นะมุ อมิตา บุตสึ” (คำแรกแปลว่า เชื่อฟัง คำที่สองคือ “พระพุทธเจ้าอมิตา”) วิธีการง่ายๆ ในการช่วยชีวิตจิตวิญญาณนี้มีเสน่ห์อย่างยิ่ง และปัจจุบันมีผู้ใช้นับล้านคน รุ่นต่อมา นักเทศน์ผู้เข้มแข็งอย่างนิจิเร็น (1222–1282) ซึ่งเป็นผู้ที่ได้รับการตั้งชื่อนิกายตามนั้น ได้ละทิ้งรูปแบบศาสนาที่เรียบง่ายนี้ สาวกของพระองค์เคารพสัทธรรมปุณฑริกสูตร ซึ่งไม่ได้สัญญาว่าจะได้รับความรอดทันทีและไม่มีเงื่อนไข คำเทศนาของเขามักพูดถึงหัวข้อทางการเมือง ความเชื่อและข้อเสนอการปฏิรูปคริสตจักรและรัฐของเขาดึงดูดกลุ่มทหารใหม่ในคามาคุระ ในที่สุด ปรัชญาเซนซึ่งถือกำเนิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 8 เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในความคิดของชาวพุทธในช่วงเวลานี้ เซนเน้นย้ำถึงความสำคัญของการทำสมาธิและการดูหมิ่นภาพใดๆ ที่อาจขัดขวางมนุษย์ในการแสวงหาการรวมตัวกับพระเจ้า

ดังนั้น นี่คือช่วงเวลาที่ความคิดทางศาสนาจำกัดจำนวนผลงานจิตรกรรมและประติมากรรมที่จำเป็นสำหรับลัทธินี้ก่อนหน้านี้ อย่างไรก็ตาม ผลงานศิลปะญี่ปุ่นที่ดีที่สุดบางชิ้นถูกสร้างขึ้นในสมัยคามาคุระ แรงจูงใจคือความรักในศิลปะของญี่ปุ่นโดยธรรมชาติ แต่กุญแจสำคัญในการแก้ปัญหาอยู่ที่ทัศนคติของผู้คนต่อลัทธิใหม่ ไม่ใช่ความเชื่อเช่นนั้น แท้จริงแล้วผลงานเหล่านี้ชี้ให้เห็นถึงเหตุผลในการสร้างสรรค์ผลงานเหล่านี้ เนื่องจากงานประติมากรรมและภาพวาดจำนวนมากเหล่านี้เต็มไปด้วยชีวิตและพลังเป็นภาพบุคคล แม้ว่าปรัชญาเซนอาจถือว่าวัตถุทางศาสนาธรรมดาๆ เป็นอุปสรรคต่อการตรัสรู้ แต่ประเพณีการให้เกียรติครูก็ค่อนข้างเป็นที่ยอมรับ ภาพเหมือนในตัวมันเองไม่สามารถเป็นวัตถุสักการะได้ ทัศนคติต่อภาพเหมือนนี้ไม่เพียงแต่เป็นลักษณะเฉพาะของพุทธศาสนานิกายเซนเท่านั้น แต่รัฐมนตรีหลายคนของนิกายดินแดนบริสุทธิ์ได้รับการเคารพนับถือเกือบเหมือนเทพเจ้าในศาสนาพุทธ ต้องขอบคุณภาพเหมือน ทำให้มีรูปแบบสถาปัตยกรรมใหม่ปรากฏขึ้น - มิเอโดะ หรือโบสถ์ภาพเหมือน การพัฒนาอย่างรวดเร็วของความสมจริงนั้นอยู่ในจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยอย่างสมบูรณ์

แม้ว่าภาพเหมือนของนักบวชจะเห็นได้ชัดว่าเป็นภาพของคนโดยเฉพาะ แต่พวกเขาก็มักจะนำภาพวาดที่แสดงถึงผู้ก่อตั้งพุทธศาสนาชาวจีนมาใช้ใหม่ พวกเขาบรรยายภาพ อ้าปาก โบกมือ บางครั้งมีภาพพระภิกษุผู้กำลังเดินทางที่ยากลำบากเพื่อความรุ่งโรจน์แห่งศรัทธา

เรื่องที่ได้รับความนิยมมากที่สุดเรื่องหนึ่งคือเรื่องไรโก (การมาถึงที่ปรารถนา) ซึ่งเป็นภาพพระอมิตาภพุทธเจ้าพร้อมสหายเสด็จลงมาบนเมฆเพื่อช่วยดวงวิญญาณของผู้ศรัทธาบนเตียงมรณะและเคลื่อนย้ายขึ้นสวรรค์ สีของภาพดังกล่าวมักจะถูกเสริมด้วยทองคำ และเส้นหยัก เสื้อคลุมที่พลิ้วไหว และเมฆที่หมุนวนทำให้รู้สึกได้ถึงการเคลื่อนไหวจนถึงการเสด็จลงมาของพระพุทธเจ้า

อุนเคอิ ซึ่งมีบทบาทในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 และต้นศตวรรษที่ 13 เป็นผู้เขียนนวัตกรรมที่ช่วยอำนวยความสะดวกในการแกะสลักไม้ ซึ่งยังคงเป็นวัสดุยอดนิยมของช่างแกะสลักในสมัยคามาคุระ ก่อนหน้านี้ต้นแบบถูกจำกัดด้วยขนาดและรูปร่างของท่อนไม้หรือท่อนไม้ที่ถูกตัดร่าง แขนและองค์ประกอบเสื้อผ้าถูกนำมาใช้แยกกัน แต่ชิ้นงานที่ทำเสร็จแล้วมักจะมีลักษณะคล้ายกับรูปทรงทรงกระบอกดั้งเดิม ในเทคนิคใหม่นี้ ชิ้นส่วนเล็กๆ หลายสิบชิ้นถูกประกอบเข้าด้วยกันอย่างระมัดระวังจนกลายเป็นปิรามิดกลวง ซึ่งผู้ฝึกหัดจะสามารถแกะสลักรูปร่างออกมาคร่าวๆ ได้ ประติมากรมีวัสดุที่ยืดหยุ่นกว่าและมีความสามารถในการสร้างรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น ผู้พิทักษ์วิหารและเทพผู้แข็งแกร่งในเสื้อคลุมและเสื้อคลุมพลิ้วไหวดูมีชีวิตชีวามากขึ้นเช่นกันเพราะคริสตัลหรือแก้วเริ่มสอดเข้าไปในเบ้าตาของพวกเขา รูปปั้นเริ่มตกแต่งด้วยทองสัมฤทธิ์ปิดทอง พวกมันจะเบาลงและแตกน้อยลงเมื่อไม้แห้ง รูปปั้นไม้ของคูยะ โชนินที่กล่าวมาข้างต้น โดยโคโช ลูกชายของอุนเค แสดงให้เห็นถึงความสำเร็จสูงสุดของความสมจริงในยุคคามาคุระในด้านประติมากรรมภาพบุคคล แท้จริงแล้ว ประติมากรรมในเวลานี้มาถึงจุดสุดยอดในการพัฒนา และต่อมาก็ไม่ได้ครองตำแหน่งที่โดดเด่นในงานศิลปะอีกต่อไป

การวาดภาพทางโลกยังสะท้อนถึงจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยด้วย ม้วนคำบรรยายของยุคเฮอันตอนปลายซึ่งมีสีสันที่จำกัดและเส้นสายที่สง่างาม เล่าถึงการหลบหนีสุดโรแมนติกของเจ้าชายเก็นจิ หรือความบันเทิงของสตรีในราชสำนักสันโดษ ในปัจจุบัน ด้วยสีสันที่สดใสและฝีแปรงที่มีพลัง ศิลปินในยุคคามาคุระได้ถ่ายทอดภาพการต่อสู้ของชนเผ่าที่ทำสงคราม พระราชวังที่ปกคลุมไปด้วยเปลวเพลิง และผู้คนที่หวาดกลัวที่หลบหนีจากการโจมตีของกองทหาร แม้ว่าประวัติศาสตร์ทางศาสนาจะเปิดเผยบนม้วนหนังสือ แต่ภาพนี้ก็ไม่ได้เป็นสัญลักษณ์มากนัก เนื่องจากเป็นบันทึกทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับการเดินทางของผู้ศักดิ์สิทธิ์และการอัศจรรย์ที่พวกเขาทำ ในการออกแบบฉากเหล่านี้ เราสามารถมองเห็นความรักที่เพิ่มมากขึ้นต่อธรรมชาติและความชื่นชมในภูมิประเทศพื้นเมือง

ยุคมูโรมาจิหรืออาชิคางะ

(1392–1568) ในปี 1392 หลังจากความขัดแย้งยาวนานกว่า 50 ปี โชกุนคนที่ 3 ของตระกูลอาชิคางะ โยชิมิตสึ (1358–1408) ได้กลับมารวมตัวในประเทศอีกครั้ง ที่ตั้งของรัฐบาลได้กลายมาเป็นเมืองหลวงของเกียวโตอีกครั้ง ซึ่งโชกุนอาชิคางะสร้างพระราชวังในย่านมูโรมาจิ (ช่วงนี้บางครั้งเรียกว่ามูโรมาจิหรืออาชิคางะ) ในช่วงสงครามไม่ได้ละเว้นวัดหลายแห่ง - แหล่งสะสมงานศิลปะญี่ปุ่นซึ่งถูกเผาพร้อมกับสมบัติที่อยู่ที่นั่น ประเทศถูกทำลายอย่างไร้ความปราณีและแม้แต่ความสงบสุขก็ไม่ได้ช่วยบรรเทาทุกข์มากนักเนื่องจากกลุ่มที่ทำสงครามซึ่งประสบความสำเร็จได้แจกจ่ายความโปรดปรานตามความตั้งใจของพวกเขา ดูเหมือนว่าสถานการณ์จะไม่เอื้ออำนวยอย่างยิ่งต่อการพัฒนางานศิลปะ แต่ในความเป็นจริงแล้วโชกุนอาชิคางะให้การสนับสนุน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 15 และ 16 ซึ่งเป็นช่วงที่การวาดภาพมีความเจริญรุ่งเรือง

ปรากฏการณ์ทางศิลปะที่สำคัญที่สุดในเวลานี้คือภาพวาดหมึกขาวดำบทกวีที่ได้รับการสนับสนุนจากพุทธศาสนานิกายเซน และได้รับอิทธิพลจากตัวอย่างของราชวงศ์ซ่งและหยวนของจีน ในช่วงราชวงศ์หมิง (ค.ศ. 1368–1644) มีการติดต่อกับจีนอีกครั้ง และโยชิมิตสึ นักสะสมและผู้อุปถัมภ์ศิลปะ ได้สนับสนุนการรวบรวมและศึกษาภาพวาดจีน มันกลายเป็นต้นแบบและเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับศิลปินที่มีพรสวรรค์ในการวาดภาพทิวทัศน์ นก ดอกไม้ รูปนักบวชและนักปราชญ์ด้วยฝีแปรงที่เบาและคล่องแคล่ว ภาพวาดของญี่ปุ่นในยุคนี้มีลักษณะพิเศษคือความประหยัดของเส้น; ดูเหมือนว่าศิลปินจะดึงแก่นสารของโครงเรื่องที่บรรยายออกมา ทำให้ผู้ชมสามารถกรอกรายละเอียดได้ การเปลี่ยนผ่านของหมึกสีเทาและสีดำเงาในภาพวาดเหล่านี้มีความใกล้เคียงกับปรัชญาเซนมาก ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับผู้เขียนอย่างแน่นอน แม้ว่าความเชื่อนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากภายใต้การปกครองของทหารคามาคุระ แต่ความเชื่อนี้ยังคงแพร่กระจายอย่างรวดเร็วในศตวรรษที่ 15 และ 16 เมื่อมีอารามนิกายเซนหลายแห่งเกิดขึ้น การเทศนาแนวคิดเรื่อง "ความรอดในตนเอง" เป็นหลัก ไม่ได้เชื่อมโยงความรอดกับพระพุทธเจ้า แต่อาศัยวินัยในตนเองอันเข้มงวดของบุคคลมากกว่าเพื่อบรรลุ "การรู้แจ้ง" ตามสัญชาตญาณในทันทีที่รวมเขาเข้ากับความสมบูรณ์ การใช้หมึกอย่างประหยัดแต่ชัดเจนและองค์ประกอบที่ไม่สมมาตร ซึ่งส่วนที่ไม่ได้ทาสีของกระดาษมีบทบาทสำคัญในการแสดงภาพทิวทัศน์ นักปราชญ์ และนักวิทยาศาสตร์ในอุดมคติ สอดคล้องกับปรัชญานี้

หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของ sumi-e ซึ่งเป็นรูปแบบการวาดภาพด้วยหมึกขาวดำคือ Sesshu (1420–1506) นักบวชนิกายเซนผู้มีชีวิตที่ยืนยาวและมีผลทำให้เขาได้รับความเคารพอย่างยาวนาน ในช่วงบั้นปลายของชีวิต เขาเริ่มใช้สไตล์ฮาโบกุ (หมึกด่วน) ซึ่งตรงกันข้ามกับสไตล์ผู้ใหญ่ซึ่งต้องใช้ลายเส้นที่ชัดเจนและประหยัด ทำให้ประเพณีการวาดภาพเอกรงค์แทบจะกลายเป็นนามธรรม

ช่วงเวลาเดียวกันนี้ถือเป็นกิจกรรมของศิลปินตระกูล Kano และการพัฒนาสไตล์ของพวกเขา ในแง่ของการเลือกวิชาและการใช้หมึก มันใกล้เคียงกับภาษาจีน แต่ในแง่ของการแสดงออก มันยังคงเป็นภาษาญี่ปุ่น คาโนได้รับการสนับสนุนจากผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ กลายเป็นโรงเรียน "อย่างเป็นทางการ" หรือรูปแบบศิลปะในการวาดภาพ และเจริญรุ่งเรืองอย่างดีในช่วงศตวรรษที่ 19

ประเพณีอันไร้เดียงสาของยามาโตะเอะยังคงสืบสานต่อไปในผลงานของโรงเรียนโทสะ ซึ่งเป็นขบวนการสำคัญอันดับสองของการวาดภาพญี่ปุ่น ในความเป็นจริง ในเวลานี้ทั้งโรงเรียน คาโนะ และโทสะ มีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิด พวกเขาสนใจชีวิตสมัยใหม่เป็นหนึ่งเดียวกัน โมโตโนบุ คาโนะ (ค.ศ. 1476–1559) หนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นในยุคนี้ ไม่เพียงแต่แต่งงานกับลูกสาวของเขากับศิลปินชื่อดังโทสะเท่านั้น แต่ยังวาดภาพในลักษณะของเขาด้วย

ในศตวรรษที่ 15-16 มีงานประติมากรรมที่โดดเด่นเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่ปรากฏ อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าการพัฒนาละครนูซึ่งมีอารมณ์และอารมณ์ที่หลากหลายได้เปิดกิจกรรมใหม่สำหรับช่างแกะสลัก - พวกเขาแกะสลักหน้ากากสำหรับนักแสดง ในละครญี่ปุ่นคลาสสิกซึ่งแสดงโดยและเพื่อชนชั้นสูง นักแสดง (อย่างน้อยหนึ่งคน) สวมหน้ากาก พวกเขาถ่ายทอดความรู้สึกหลากหลายตั้งแต่ความกลัว ความวิตกกังวล และความสับสน ไปจนถึงความสุขที่ควบคุมไม่ได้ หน้ากากบางชิ้นได้รับการแกะสลักอย่างสวยงามจนการหันศีรษะของนักแสดงเพียงเล็กน้อยทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยในการแสดงความรู้สึก ตัวอย่างอันน่าทึ่งของหน้ากากเหล่านี้ถูกเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายปีในครอบครัวที่ตนเป็นสมาชิก

สมัยโมโมยามะ

(1568–1615) ในปี ค.ศ. 1593 เผด็จการทหารผู้ยิ่งใหญ่ ฮิเดโยชิ ได้สร้างปราสาทของเขาบนโมโมยามะ "เนินลูกท้อ" และด้วยชื่อนี้เป็นเวลา 47 ปีนับตั้งแต่การล่มสลายของรัฐบาลโชกุนอาชิคางะจนถึงการสถาปนาโทคุงาวะหรือเอโดะ โดยทั่วไปช่วงปี ค.ศ. 1615 เป็นที่ยอมรับ มันเป็นช่วงเวลาแห่งการครอบงำของชนชั้นทหารใหม่ทั้งหมด ซึ่งความมั่งคั่งมหาศาลมีส่วนทำให้งานศิลปะเจริญรุ่งเรือง ปราสาทอันน่าทึ่งที่มีโถงผู้ชมขนาดใหญ่และทางเดินยาวกลายเป็นแฟชั่นในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 และเรียกร้องการตกแต่งให้เหมาะสมกับความยิ่งใหญ่ มันเป็นช่วงเวลาของผู้คนที่เคร่งครัดและกล้าหาญ และผู้อุปถัมภ์ใหม่ ต่างจากชนชั้นสูงก่อนหน้านี้ ไม่สนใจเป็นพิเศษในการแสวงหาทางปัญญาหรือรายละเอียดปลีกย่อยของงานฝีมือ โชคดีที่ศิลปินรุ่นใหม่ค่อนข้างสอดคล้องกับผู้อุปถัมภ์ของพวกเขา ในช่วงเวลานี้ หน้าจอที่สวยงามและแผงที่สามารถเคลื่อนย้ายได้ปรากฏเป็นสีแดงเข้ม มรกต เขียว ม่วง และน้ำเงิน สีและรูปแบบการตกแต่งอันสดใสดังกล่าว มักอยู่บนพื้นหลังสีทองหรือสีเงิน ได้รับความนิยมอย่างมากมาเป็นเวลากว่าร้อยปี และผู้สร้างสิ่งเหล่านั้นได้รับการขนานนามอย่างถูกต้องว่า “นักตกแต่งผู้ยิ่งใหญ่” ด้วยรสนิยมแบบญี่ปุ่นที่ละเอียดอ่อน สไตล์ที่หรูหราจึงไม่พัฒนาไปสู่ความหยาบคาย และแม้ว่าความยับยั้งชั่งใจและการกล่าวน้อยเกินไปจะทำให้หรูหราและตกแต่งอย่างล้นเหลือ ชาวญี่ปุ่นก็สามารถรักษาความสง่างามได้

Eitoku Kano (1543–1590) หนึ่งในศิลปินผู้ยิ่งใหญ่กลุ่มแรกๆ ในยุคนี้ ทำงานในรูปแบบของ Kano และ Tosa โดยขยายแนวคิดการวาดภาพของแบบแรกและผสมผสานเข้ากับสีสันที่หลากหลายของแบบหลัง แม้ว่าจะมีผลงานเพียงไม่กี่ชิ้นที่สามารถเชื่อถือได้ว่ามาจากเอโทคุ แต่เขาก็ถือว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งสไตล์โมโมยามะ และศิลปินส่วนใหญ่ในยุคนี้ก็เป็นลูกศิษย์ของเขาหรือได้รับอิทธิพลจากเขา

สมัยเอโดะหรือโทคุงาวะ

(1615–1867) ช่วงเวลาแห่งสันติภาพอันยาวนานที่ตามมาหลังการรวมชาติญี่ปุ่นใหม่เรียกว่าช่วงเวลาของโทคุงาวะตามนามสกุลของผู้ปกครองหรือเอโดะ (โตเกียวในปัจจุบัน) เนื่องจากในปี 1603 เมืองนี้ได้กลายเป็นศูนย์กลางอำนาจแห่งใหม่ นายพลผู้มีชื่อเสียงสองคนในสมัยโมโมยามะอันสั้น ได้แก่ โอดะ โนบุนางะ (ค.ศ. 1534–1582) และโทโยโทมิ ฮิเดโยชิ (ค.ศ. 1536–1598) ผ่านการปฏิบัติการทางทหารและการทูต ในที่สุดก็สามารถประสานกลุ่มที่มีอำนาจและนักบวชติดอาวุธเข้าด้วยกันได้ในที่สุด เมื่อฮิเดโยชิสิ้นพระชนม์ในปี ค.ศ. 1598 อำนาจก็ตกเป็นของอิเอยาสึ โทกุงาวะ (ค.ศ. 1542–1616) ซึ่งดำเนินกิจกรรมเสร็จสิ้นโดยเริ่มต้นร่วมกัน การสู้รบขั้นแตกหักที่เซกิงาฮาระในปี 1600 ทำให้ตำแหน่งของอิเอยาสึแข็งแกร่งขึ้น การล่มสลายของปราสาทออสกาในปี 1615 มาพร้อมกับการล่มสลายครั้งสุดท้ายของราชวงศ์ฮิเดโยชิ และการสถาปนาการปกครองที่ไม่มีการแบ่งแยกของผู้สำเร็จราชการโทคุงาวะ

รัชสมัยอันสงบสุขของโทคุกาวะกินเวลา 15 รุ่นและสิ้นสุดลงในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น นี่เป็นช่วงเวลาส่วนใหญ่ของนโยบาย "ประตูปิด" กฤษฎีกา 1640 ห้ามชาวต่างชาติเข้าประเทศญี่ปุ่น และชาวญี่ปุ่นไม่สามารถเดินทางไปต่างประเทศได้ ความเชื่อมโยงทางการค้าและวัฒนธรรมเพียงอย่างเดียวคือกับชาวดัตช์และจีนผ่านทางท่าเรือนางาซากิ เช่นเดียวกับในช่วงเวลาแห่งความโดดเดี่ยวอื่นๆ ความรู้สึกของชาติมีเพิ่มมากขึ้นและการเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 โรงเรียนที่เรียกว่าจิตรกรรมและแกะสลักประเภทต่างๆ

เมืองหลวงที่เติบโตอย่างรวดเร็วของเอโดะกลายเป็นศูนย์กลางไม่เพียงแต่ของชีวิตทางการเมืองและธุรกิจของอาณาจักรเกาะเท่านั้น แต่ยังเป็นศูนย์กลางของศิลปะและงานฝีมืออีกด้วย ข้อกำหนดที่ว่าไดเมียวซึ่งเป็นขุนนางศักดินาประจำจังหวัดจะต้องอยู่ในเมืองหลวงในช่วงหนึ่งของทุกปี ทำให้เกิดความต้องการอาคารใหม่ รวมถึงพระราชวัง และด้วยเหตุนี้จึงต้องให้ศิลปินตกแต่งสิ่งเหล่านั้น ในเวลาเดียวกัน ชนชั้นใหม่ของพ่อค้าที่ร่ำรวยแต่ไม่ใช่ชนชั้นสูงได้มอบการอุปถัมภ์ศิลปินใหม่ๆ และมักจะไม่เป็นมืออาชีพ

ศิลปะในยุคเอโดะตอนต้นส่วนหนึ่งยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาสไตล์โมโมยามะ โดยเสริมแนวโน้มด้านความหรูหราและความงดงาม ความสมบูรณ์ของภาพที่แปลกประหลาดและโพลีโครมที่สืบทอดมาจากสมัยก่อนยังคงพัฒนาต่อไป รูปแบบการตกแต่งนี้ถึงจุดสูงสุดในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 ในสิ่งที่เรียกว่า ยุคเก็นโรคุในสมัยโทคุงาวะ (ค.ศ. 1688–1703) ในศิลปะการตกแต่งของญี่ปุ่น ไม่มีความฟุ่มเฟือยและความสมบูรณ์ของสีสันและลวดลายการตกแต่งในการวาดภาพ ผ้า สารเคลือบเงา และรายละเอียดทางศิลปะ ซึ่งถือเป็นคุณลักษณะของไลฟ์สไตล์ที่หรูหรา

เนื่องจากเรากำลังพูดถึงช่วงประวัติศาสตร์ที่ค่อนข้างล่าช้า จึงไม่น่าแปลกใจที่ชื่อของศิลปินหลายคนและผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ ที่นี่เป็นไปได้ที่จะบอกชื่อที่โดดเด่นที่สุดเพียงไม่กี่รายการเท่านั้น ตัวแทนของโรงเรียนมัณฑนากรที่อาศัยและทำงานในช่วงโมโมยามะและเอโดะ ได้แก่ ฮอนนามิ โคเอ็ตสึ (ค.ศ. 1558–1637) และโนโนมูระ โซทัตสึ (เสียชีวิต ค.ศ. 1643) ผลงานของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงความรู้สึกที่โดดเด่นในด้านการออกแบบ องค์ประกอบ และสีสัน Koetsu ช่างเซรามิกและเครื่องเคลือบที่มีพรสวรรค์ มีชื่อเสียงในด้านความงดงามของอักษรวิจิตรของเขา พวกเขาร่วมมือกับโซทัตสึในการสร้างสรรค์บทกวีบนม้วนหนังสือซึ่งเป็นที่นิยมในสมัยนั้น ในการผสมผสานระหว่างวรรณกรรม การประดิษฐ์ตัวอักษร และภาพวาด รูปภาพไม่ใช่ภาพประกอบง่ายๆ แต่สร้างหรือแนะนำอารมณ์ที่สอดคล้องกับการรับรู้ของข้อความ Ogata Korin (1658–1716) เป็นหนึ่งในทายาทของสไตล์การตกแต่ง และร่วมกับน้องชายของเขา Ogata Kenzan (1663–1743) ได้นำเทคนิคนี้ไปสู่ความสมบูรณ์แบบ Kenzan หรือที่รู้จักกันดีในฐานะนักเซรามิกมากกว่าในฐานะศิลปิน ยิงภาชนะที่มีดีไซน์ของพี่ชายผู้โด่งดังของเขา การฟื้นตัวของโรงเรียนแห่งนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 โดยกวีและศิลปิน Sakai Hoitsu (1761–1828) ถือเป็นกระแสการตกแต่งครั้งสุดท้าย ม้วนกระดาษและฉากที่สวยงามของ Horitsu ผสมผสานความรู้สึกในการออกแบบของ Korin เข้ากับความสนใจในธรรมชาติที่มีอยู่ในธรรมชาตินิยมของโรงเรียน Maruyama ซึ่งแสดงออกผ่านสีสันที่หลากหลายและลวดลายการตกแต่งที่เป็นลักษณะเฉพาะของยุคก่อนหน้านี้ ซึ่งได้รับการบรรเทาด้วยความงดงามและความสง่างามของงานพู่กัน

นอกจากสไตล์การตกแต่งแบบโพลีโครมแล้ว ภาพวาดหมึกแบบดั้งเดิมของโรงเรียนคาโนะยังได้รับความนิยมอย่างต่อเนื่อง ในปี ค.ศ. 1622 คาโน ทันยู (ค.ศ. 1602–1674) ได้รับแต่งตั้งให้เป็นจิตรกรในราชสำนักของโชกุนและถูกเรียกตัวมาที่เอโดะ ด้วยการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งนี้และการก่อตั้งโรงเรียนการวาดภาพคาโนะในเอโดะ ในเมืองโคบิกิโตะ ช่วงเวลาครึ่งศตวรรษของการเป็นผู้นำทางศิลปะของประเพณีนี้ได้เริ่มต้นขึ้น ซึ่งทำให้ตระกูลคาโนะกลับคืนสู่ตำแหน่งที่โดดเด่นและทำให้ผลงานของ สมัยเอโดะ มีความสำคัญที่สุดในการวาดภาพคาโนะ แม้จะได้รับความนิยมจากหน้าจอที่วาดด้วยสีทองและสีสันสดใสที่สร้างขึ้นโดย "นักตกแต่งผู้ยิ่งใหญ่" และคู่แข่ง แต่ Tanyu ต้องขอบคุณความสามารถและตำแหน่งอย่างเป็นทางการของเขาที่ทำให้ภาพวาดของโรงเรียน Kano ที่ได้รับการฟื้นฟูได้รับความนิยมในหมู่คนชั้นสูง สำหรับลักษณะดั้งเดิมของโรงเรียน Kano นั้น Tanyu ได้เพิ่มพลังและความเรียบง่ายโดยใช้เส้นแบ่งที่เข้มงวดและการจัดเรียงองค์ประกอบองค์ประกอบอย่างพิถีพิถันบนพื้นผิวที่ว่างขนาดใหญ่

ทิศทางใหม่ซึ่งคุณลักษณะหลักคือความสนใจในธรรมชาติเริ่มมีชัยเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 มารุยามะ โอเคียว (พ.ศ. 2276-2338) หัวหน้าโรงเรียนใหม่เป็นชาวนา จากนั้นก็กลายเป็นนักบวชและเป็นศิลปินในที่สุด การศึกษาสองครั้งแรกไม่ได้ทำให้เขามีความสุขหรือประสบความสำเร็จ แต่ในฐานะศิลปินเขาประสบความสำเร็จอย่างสูงและถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนมารุยามะที่สมจริง เขาเรียนกับอาจารย์โรงเรียนคาโนะ อิชิดะ ยูเท (เสียชีวิตประมาณปี พ.ศ. 2328); จากผลงานการแกะสลักของชาวดัตช์ที่นำเข้ามา เขาได้เรียนรู้เทคนิคการวาดภาพเปอร์สเปคทีฟแบบตะวันตก และบางครั้งก็คัดลอกงานแกะสลักเหล่านี้มาด้วย นอกจากนี้เขายังศึกษาสไตล์จีนจากราชวงศ์ซ่งและหยวน รวมถึงสไตล์ที่ละเอียดอ่อนและสมจริงของ Chen Xuan (1235–1290) และ Shen Nanping; หลังนี้อาศัยอยู่ในนางาซากิเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 โอเคียวสร้างผลงานมากมายจากชีวิต และการสังเกตทางวิทยาศาสตร์ของเขาทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการรับรู้ธรรมชาติซึ่งเป็นรากฐานของโรงเรียนมารุยามะ

นอกจากความสนใจในลัทธิธรรมชาตินิยมในศตวรรษที่ 18 แล้ว อิทธิพลของประเพณีศิลปะจีนได้รับการต่ออายุ ตัวแทนของขบวนการนี้มุ่งสู่โรงเรียนวาดภาพของศิลปิน-นักวิทยาศาสตร์ในยุคหมิง (1368–1644) และชิง (1644–1912) แม้ว่าความคิดของพวกเขาเกี่ยวกับศิลปะสมัยใหม่ในจีนอาจมีจำกัดก็ตาม ศิลปะของโรงเรียนญี่ปุ่นแห่งนี้เรียกว่า bujinga (ศิลปะของผู้มีการศึกษา) ศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุดคนหนึ่งที่ทำงานในรูปแบบบูจินกะคืออิเคโนะ ไทกะ (ค.ศ. 1723–1776) ศิลปินและช่างอักษรวิจิตรชื่อดัง สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาโดดเด่นด้วยเส้นขอบหนาที่เต็มไปด้วยลายเส้นแสงและหมึกที่เบาบาง นอกจากนี้เขายังวาดภาพด้วยหมึกสีดำที่กว้างและฟรี ซึ่งเป็นภาพลำต้นไม้ไผ่ที่โค้งงอตามลมและฝน ด้วยเส้นโค้งสั้นๆ ทำให้เขาได้เอฟเฟ็กต์ที่เหมือนการแกะสลักในภาพภูเขาหมอกเหนือทะเลสาบที่ล้อมรอบด้วยป่าไม้

ศตวรรษที่ 17 ทำให้เกิดความเคลื่อนไหวทางศิลปะอันน่าทึ่งอีกประการหนึ่งของสมัยเอโดะ สิ่งเหล่านี้คือสิ่งที่เรียกว่าอุกิโยะเอะ (ภาพของโลกที่เปลี่ยนแปลง) ซึ่งเป็นฉากประเภทต่างๆ ที่สร้างขึ้นโดยและสำหรับคนทั่วไป ภาพอุกิโยะยุคแรกปรากฏในเมืองหลวงเก่าของเกียวโตและส่วนใหญ่จะงดงามราวกับภาพวาด แต่ในไม่ช้าศูนย์กลางการผลิตก็ย้ายไปที่เอโดะ และความสนใจของช่างฝีมือก็มุ่งเน้นไปที่การแกะสลักไม้ ความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างภาพพิมพ์แกะไม้กับภาพอุกิโยะทำให้เกิดความเข้าใจผิดว่าภาพพิมพ์แกะไม้เป็นการค้นพบในยุคนี้ อันที่จริงมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 11 ภาพในยุคแรกๆ ดังกล่าวมีลักษณะเป็นการสักการะ โดยแสดงถึงผู้ก่อตั้งศาสนาพุทธและเทพเจ้าต่างๆ และในสมัยคามาคุระ ม้วนหนังสือเล่าเรื่องบางภาพถูกสร้างขึ้นใหม่จากบล็อกแกะสลัก อย่างไรก็ตาม ศิลปะการแกะสลักได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ถึงศตวรรษที่ 19

หัวข้อของภาพพิมพ์อุกิโยะคือโสเภณีแสนสวยจากย่านที่ร่าเริง นักแสดงคนโปรด และฉากจากละคร ต้นที่เรียกว่า การแกะสลักแบบดั้งเดิมใช้สีดำ โดยมีเส้นหยักเป็นจังหวะชัดเจน และมีความโดดเด่น การวาดภาพง่ายๆ- บางครั้งเขียนด้วยมือด้วยสีส้มแดงที่เรียกว่าสีแทนอี (ภาพเขียนสีแดงสดใส) โดยมีสีเหลืองมัสตาร์ดและเขียว ศิลปิน "ยุคดึกดำบรรพ์" บางคนใช้การวาดภาพด้วยมือที่เรียกว่า urushu-e (ภาพวาดลงรัก) ซึ่งในบริเวณที่มืดได้รับการปรับปรุงและเพิ่มความสว่างด้วยการเติมกาว ภาพพิมพ์หลายสีในยุคแรกๆ ปรากฏในปี 1741 หรือ 1742 เรียกว่าเบนิซูริ-เอะ (ภาพพิมพ์สีแดงเข้ม) และมักจะใช้สามสี ได้แก่ กุหลาบแดง เขียว และบางครั้งก็เหลือง ภาพพิมพ์หลากสีอย่างแท้จริงโดยใช้ทั้งจานสีและเรียกว่านิชิกิเอ (ภาพผ้าปัก) ปรากฏในปี ค.ศ. 1765

นอกเหนือจากการสร้างภาพพิมพ์ส่วนบุคคลแล้ว ช่างแกะสลักหลายคนยังวาดภาพหนังสือและสร้างรายได้ด้วยการผลิตภาพประกอบที่เร้าอารมณ์ในหนังสือและบนม้วนกระดาษ โปรดทราบว่าการแกะสลักภาพอุกิโยะประกอบด้วยกิจกรรมสามประเภท: เป็นงานของช่างเขียนแบบซึ่งมีชื่อพิมพ์ ช่างแกะสลัก และเครื่องพิมพ์

ฮิชิกาวะ โมโรโนบุ (ประมาณปี 1625–1694) ถือเป็นผู้ก่อตั้งประเพณีการพิมพ์ภาพอุคิโยเอะ ศิลปิน "ยุคดึกดำบรรพ์" คนอื่นๆ ของขบวนการนี้ ได้แก่ คิโยมาสุ (ค.ศ. 1694–1716) และกลุ่มไคเง็ตสึโดะ (กลุ่มศิลปินแปลก ๆ ที่การดำรงอยู่ยังไม่ชัดเจน) เช่นเดียวกับโอคุมุระ มาซาโนบุ (ค.ศ. 1686–1764)

ศิลปิน ช่วงการเปลี่ยนแปลงผู้สร้างภาพพิมพ์เบนิซูริเอ ได้แก่ อิชิคาวะ โทโยโนบุ (ค.ศ. 1711–1785), โทริอิ คิโยฮิโระ (ค.ศ. 1751–1760) และโทริอิ คิโยมิตสึ (ค.ศ. 1735–1785)

ผลงานของ Suzuki Harunobu (1725–1770) ถือเป็นจุดเริ่มต้นสู่ยุคแห่งการแกะสลักแบบโพลีโครม ภาพพิมพ์ของ Harunobu เต็มไปด้วยสีสันที่นุ่มนวลและเกือบจะเป็นกลาง ซึ่งเต็มไปด้วยผู้หญิงที่สง่างามและผู้ชื่นชอบความกล้าหาญ ภาพพิมพ์ของ Harunobu ประสบความสำเร็จอย่างมาก คัตสึกาวะ ชุนโช (ค.ศ. 1726–1792), โทริอิ คิเอนางะ (1752–1815) และคิตะกาวะ อุตามาโระ (1753–1806) ทำงานร่วมกับเขาในช่วงเวลาเดียวกัน แต่ละคนมีส่วนช่วยในการพัฒนาประเภทนี้ ปรมาจารย์นำภาพแกะสลักที่แสดงถึงความงามอันสง่างามและนักแสดงชื่อดังมาสู่ความสมบูรณ์แบบ ในช่วงไม่กี่เดือนในปี พ.ศ. 2337-2338 โทสุไซ ซาราคุผู้ลึกลับได้สร้างสรรค์ภาพเหมือนของนักแสดงในยุคนั้นอย่างทรงพลังและตรงไปตรงมา

ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ประเภทนี้ถึงวัยเจริญพันธุ์และเริ่มลดลง คัตสึชิกะ โฮคุไซ (ค.ศ. 1760–1849) และอันโดะ ฮิโรชิเงะ (ค.ศ. 1797–1858) คือปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ซึ่งผลงานของเขาเชื่อมโยงความเสื่อมถอยของศิลปะการแกะสลักในศตวรรษที่ 19 และการฟื้นฟูครั้งใหม่เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ทั้งสองเป็นจิตรกรภูมิทัศน์เป็นหลักซึ่งบันทึกเหตุการณ์ในชีวิตสมัยใหม่ไว้ในงานแกะสลัก ความเชี่ยวชาญอันยอดเยี่ยมของเทคนิคของช่างแกะสลักและเครื่องพิมพ์ทำให้สามารถถ่ายทอดในการแกะสลักเส้นที่แปลกตาและเฉดสีที่น้อยที่สุดของดวงอาทิตย์ตกหรือหมอกที่เพิ่มขึ้นในยามเช้า

การฟื้นฟูเมจิและยุคใหม่

บ่อยครั้งเกิดขึ้นที่ศิลปะโบราณของชนกลุ่มหนึ่งไม่มีชื่อ วันที่ และผลงานที่ยังหลงเหลืออยู่ ดังนั้นการตัดสินใดๆ สามารถทำได้ด้วยความระมัดระวังและมีเงื่อนไขอย่างยิ่งเท่านั้น อย่างไรก็ตาม การตัดสินศิลปะร่วมสมัยไม่ใช่เรื่องยากอีกต่อไป เนื่องจากเราขาดมุมมองทางประวัติศาสตร์ในการประเมินขนาดของการเคลื่อนไหวหรือศิลปินและผลงานของเขาอย่างถูกต้อง การศึกษาศิลปะญี่ปุ่นก็ไม่มีข้อยกเว้น และสิ่งที่สามารถทำได้มากที่สุดคือการนำเสนอภาพพาโนรามาของศิลปะร่วมสมัยและสรุปเบื้องต้นเบื้องต้น

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ท่าเรือของญี่ปุ่นถูกเปิดอีกครั้งเพื่อการค้า และการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เกิดขึ้นในฉากทางการเมือง ในปี ค.ศ. 1868 รัฐบาลโชกุนถูกยกเลิก และการปกครองของจักรพรรดิเมจิกลับคืนมา เมืองหลวงอย่างเป็นทางการและที่ประทับของจักรพรรดิถูกย้ายไปยังเอโดะ และเมืองนี้กลายเป็นที่รู้จักในนามโตเกียว (เมืองหลวงทางตะวันออก)

เช่นเดียวกับที่เคยเกิดขึ้นในอดีต การสิ้นสุดของการแยกตัวออกจากประเทศทำให้เกิดความสนใจอย่างมากในความสำเร็จของประเทศอื่นๆ ในเวลานี้ ชาวญี่ปุ่นได้ก้าวกระโดดครั้งใหญ่ในด้านวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี ในเชิงศิลปะ การเริ่มต้นของยุคเมจิ (พ.ศ. 2411-2455) แสดงให้เห็นถึงการยอมรับทุกสิ่งแบบตะวันตก รวมถึงเทคโนโลยีด้วย อย่างไรก็ตาม ความกระตือรือร้นนี้เกิดขึ้นได้ไม่นาน และตามมาด้วยช่วงเวลาแห่งการดูดซึม การเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่ที่ผสมผสานการกลับคืนสู่ประเพณีของตนเองและกระแสตะวันตกใหม่ ๆ

ศิลปินที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) และ Tomioka Tessai (1836–1942) สามรายการแรกยึดมั่นในสไตล์และเนื้อหาแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม แม้ว่าจะพยายามสร้างอารมณ์และเทคนิคดั้งเดิมก็ตาม ตัวอย่างเช่น Seiho ทำงานในบรรยากาศที่เงียบสงบและอนุรักษ์นิยมของเกียวโต ผลงานในช่วงแรกของเขาถูกสร้างขึ้นในสไตล์มารุยามะที่เป็นธรรมชาติ แต่ต่อมาเขาได้เดินทางไปอย่างกว้างขวางในประเทศจีน และได้รับอิทธิพลอย่างลึกซึ้งจากการวาดภาพด้วยหมึกของจีน การเดินทางไปพิพิธภัณฑ์และศูนย์ศิลปะชั้นนำในยุโรปยังทิ้งร่องรอยไว้ในงานของเขาอีกด้วย ในบรรดาศิลปินที่โดดเด่นทั้งหมดในยุคนี้ มีเพียงโทมิโอกะ เทสไซเพียงคนเดียวเท่านั้นที่เข้าใกล้การพัฒนารูปแบบใหม่ ผลงานที่มีพลังและทรงพลังของเขาผสมผสานเส้นที่หยาบ บิดเบี้ยว และรอยเปื้อนของหมึกสีดำเข้ากับพื้นที่สีที่แสดงผลอย่างประณีต ในปีต่อๆ มา จิตรกรสีน้ำมันรุ่นเยาว์บางคนประสบความสำเร็จในตำแหน่งที่ปู่ของพวกเขาล้มเหลว ความพยายามครั้งแรกในการทำงานกับวัสดุที่ผิดปกตินี้ชวนให้นึกถึงผืนผ้าใบของชาวปารีสและไม่โดดเด่นด้วยคุณค่าพิเศษหรือคุณลักษณะเฉพาะของญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม ขณะนี้ผลงานที่น่าดึงดูดเป็นพิเศษกำลังถูกสร้างขึ้นโดยให้ความรู้สึกถึงสีสันและความสุขุมตามแบบฉบับของญี่ปุ่นที่ส่องประกายผ่านธีมนามธรรม ศิลปินคนอื่นๆ ที่ทำงานโดยใช้หมึกที่เป็นธรรมชาติและเป็นแบบดั้งเดิม และบางครั้งก็ใช้การประดิษฐ์ตัวอักษรเป็นแนวคิดเริ่มต้น สร้างสรรค์ผลงานนามธรรมที่มีพลังด้วยสีดำสดใสพร้อมเฉดสีเทา

เช่นเดียวกับในสมัยเอโดะ ในศตวรรษที่ 19 และ 20 ประติมากรรมไม่ได้รับความนิยม แต่ถึงแม้ในพื้นที่นี้ตัวแทน คนรุ่นใหม่ซึ่งศึกษาอยู่ที่อเมริกาและยุโรปทดลองได้สำเร็จมาก ประติมากรรมสำริดขนาดเล็กที่มีรูปทรงนามธรรมและมีชื่อแปลก ๆ แสดงให้เห็นถึงความรู้สึกของเส้นและสีสันแบบญี่ปุ่น เห็นได้จากการใช้คราบสีเขียวอ่อนหรือสีน้ำตาลอบอุ่น การแกะสลักไม้เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงความรักของญี่ปุ่นที่มีต่อพื้นผิวของวัสดุ

Sosaku hanga ซึ่งเป็น "ภาพพิมพ์เชิงสร้างสรรค์" ของญี่ปุ่น ปรากฏเฉพาะในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น แต่ในฐานะที่เป็นขบวนการศิลปะพิเศษ มันได้บดบังศิลปะสมัยใหม่ด้านอื่นๆ ทั้งหมด หากพูดอย่างเคร่งครัดแล้ว ภาพพิมพ์แกะไม้สมัยใหม่นี้ไม่ใช่การสืบต่อจากภาพพิมพ์แกะไม้อุกิโยะ-เอะแบบเก่า พวกเขาต่างกันทั้งสไตล์ วิชา และวิธีการสร้างสรรค์ ศิลปินหลายคนได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจิตรกรรมตะวันตก ตระหนักถึงความสำคัญของมรดกทางศิลปะของตนเอง และพบว่าไม้เป็นวัสดุที่เหมาะสมสำหรับการแสดงอุดมคติเชิงสร้างสรรค์ของตน ปรมาจารย์ Hanga ไม่เพียงแต่วาดภาพเท่านั้น แต่ยังแกะสลักภาพบนบล็อกไม้และพิมพ์ด้วยตนเองอีกด้วย แม้ว่าความสำเร็จสูงสุดในรูปแบบศิลปะนี้จะเกี่ยวข้องกับงานไม้ แต่เทคนิคการแกะสลักแบบตะวันตกสมัยใหม่ทั้งหมดก็ถูกนำมาใช้ การทดลองกับใบไม้ เชือก และ “วัตถุที่พบ” สามารถสร้างเอฟเฟกต์พื้นผิวที่เป็นเอกลักษณ์ได้ในบางกรณี ในตอนแรก ปรมาจารย์ของขบวนการนี้ถูกบังคับให้แสวงหาการยอมรับ ท้ายที่สุดแล้ว แม้แต่ความสำเร็จที่ดีที่สุดของโรงเรียนอุกิโยะเอะก็ยังเชื่อมโยงระหว่างศิลปินผู้รอบรู้กับฝูงชนที่ไม่รู้หนังสือและถือว่าเป็นศิลปะที่ไร้เหตุผล ศิลปินเช่น อนชิ โคชิโระ ฮิรัตสึกะ อูนิจิ และมาเอคาวะ เซ็นปัน พยายามอย่างมากในการฟื้นฟูความเคารพต่อภาพพิมพ์ และสร้างให้ที่นี่เป็นสาขาที่คู่ควรของวิจิตรศิลป์ พวกเขาดึงดูดศิลปินรุ่นเยาว์จำนวนมากให้เข้าร่วมกลุ่ม และปัจจุบันช่างแกะสลักมีจำนวนหลายร้อยคน ในบรรดาปรมาจารย์ของคนรุ่นนี้ที่ได้รับการยอมรับในญี่ปุ่นและตะวันตก ได้แก่ Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen และ Saito Kiyoshi เหล่านี้คือปรมาจารย์ที่มีนวัตกรรมและพรสวรรค์ที่ไม่อาจปฏิเสธได้ ทำให้พวกเขาได้รับตำแหน่งที่ถูกต้องในหมู่ศิลปินชั้นนำของญี่ปุ่น เพื่อนร่วมงานและศิลปิน Hanga รุ่นเยาว์คนอื่นๆ หลายคนก็ผลิตภาพพิมพ์ที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน การที่เราไม่เอ่ยชื่อของพวกเขาที่นี่ไม่ได้หมายความว่าจะมีการประเมินงานของพวกเขาต่ำ

ศิลปะการตกแต่ง สถาปัตยกรรม และสวน

ส่วนก่อนหน้านี้เกี่ยวข้องกับการวาดภาพและประติมากรรมเป็นหลัก ซึ่งในประเทศส่วนใหญ่ถือเป็นวิจิตรศิลป์ประเภทหลัก อาจไม่ยุติธรรมที่จะรวมไว้ท้ายบทความศิลปะการตกแต่งและงานฝีมือพื้นบ้าน ศิลปะในสวนและสถาปัตยกรรม ซึ่งเป็นรูปแบบที่ก่อให้เกิดส่วนสำคัญและเป็นส่วนสำคัญของศิลปะญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม อาจมีข้อยกเว้นด้านสถาปัตยกรรม พวกเขาจำเป็นต้องพิจารณาเป็นพิเศษ นอกเหนือจากการเปลี่ยนแปลงศิลปะญี่ปุ่นในยุคทั่วไปและการเปลี่ยนแปลงรูปแบบ

เซรามิกและเครื่องลายคราม

ศิลปะและงานฝีมือที่สำคัญที่สุดในญี่ปุ่น ได้แก่ เซรามิกและเครื่องลายคราม ศิลปะเซรามิกโดยธรรมชาติแบ่งออกเป็นสองประเภท เครื่องเคลือบดินเผาหลากสีอิมาริ นาเบชิมะ และคาคิเอมอนได้ชื่อมาจากสถานที่ผลิต และการลงสีอย่างเข้มข้นบนพื้นผิวสีครีมหรือสีขาวอมฟ้านั้นมีไว้สำหรับขุนนางและแวดวงราชสำนัก กระบวนการทำเครื่องเคลือบดินเผาอย่างแท้จริงเริ่มเป็นที่รู้จักในญี่ปุ่นในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 หรือต้นศตวรรษที่ 17 จานและชามเคลือบเรียบ มีลวดลายไม่สมมาตรหรือคล้ายผ้า มีคุณค่าทั้งที่บ้านและทางตะวันตก

ต่างจากเครื่องเคลือบดินเผาในจานหยาบที่ทำจากดินเหนียวหรือหินคุณภาพต่ำซึ่งเป็นลักษณะของชิโนโอริเบะและบิเซ็นความสนใจมุ่งเน้นไปที่วัสดุการจัดองค์ประกอบตกแต่งที่ดูเหมือนไม่ระมัดระวัง แต่รอบคอบ ได้รับอิทธิพลจากแนวคิดของพุทธศาสนานิกายเซน ภาชนะดังกล่าวได้รับความนิยมอย่างมากในแวดวงปัญญา และมีการใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเฉพาะในพิธีชงชา ถ้วย กาน้ำชา และกาน้ำชาจำนวนมาก ซึ่งเป็นคุณลักษณะของศิลปะในพิธีชงชา รวบรวมแก่นแท้ของพุทธศาสนานิกายเซน: ความมีวินัยในตนเองที่เข้มงวดและความเรียบง่ายที่เข้มงวด ในช่วงรุ่งเรืองของศิลปะการตกแต่งของญี่ปุ่น ศิลปินที่มีพรสวรรค์อย่าง Korin และ Kenzan ได้มีส่วนร่วมในการตกแต่งผลิตภัณฑ์เซรามิก ควรจำไว้ว่าชื่อเสียงของ Kenzan มีความเกี่ยวข้องกับพรสวรรค์ของเขาในฐานะช่างทำเซรามิกมากกว่าในฐานะจิตรกร ประเภทและเทคนิคภาชนะที่ง่ายที่สุดบางส่วนมาจากประเพณีหัตถกรรมพื้นบ้าน เวิร์กช็อปสมัยใหม่ที่สืบสานประเพณีเก่าๆ สร้างสรรค์ผลิตภัณฑ์ที่สวยงามซึ่งพึงพอใจกับความเรียบง่ายที่หรูหรา

ผลิตภัณฑ์แล็คเกอร์

แล้วในศตวรรษที่ 7-8 สารเคลือบเงามีชื่อเสียงในญี่ปุ่น นับจากนั้นเป็นต้นมา ฝากล่องก็ยังคงอยู่ ตกแต่งด้วยรูปคนและลวดลายเรขาคณิตที่ทาด้วยเส้นสีทองบางๆ เราได้พูดถึงความสำคัญของเทคนิคการเคลือบเงาแบบแห้งสำหรับประติมากรรมในศตวรรษที่ 8 และ 9 แล้ว ในเวลาเดียวกันและต่อมาก็มีการทำของตกแต่ง เช่น กล่องใส่จดหมาย หรือกล่องธูป ในสมัยเอโดะ ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ถูกสร้างขึ้นในปริมาณมากและมีการตกแต่งที่หรูหราที่สุด กล่องอาหารกลางวัน เค้ก ธูป และยาที่ตกแต่งอย่างหรูหรา เรียกว่า อินโร สะท้อนให้เห็นถึงความมั่งคั่งและความรักในความหรูหราที่มีอยู่ในเวลานี้ พื้นผิวของวัตถุตกแต่งด้วยลวดลายของผงทองคำและเงิน ชิ้นส่วนของกระดาษฟอยล์ แยกหรือรวมกับเปลือกหอย หอยมุก โลหะผสมของดีบุกและตะกั่ว ฯลฯ ลวดลายเหล่านี้ตัดกับพื้นผิวเคลือบสีแดง สีดำ หรือสีน้ำตาล บางครั้งภาพวาดเคลือบเงาก็ทำโดยศิลปินเช่น Korin และ Koetsu แต่ไม่น่าเป็นไปได้ที่พวกเขาจะมีส่วนร่วมในผลงานเหล่านี้เป็นการส่วนตัว

ดาบ

ดังที่ได้กล่าวไปแล้วว่าชาวญี่ปุ่นเป็นนักรบมาเป็นเวลานานในประวัติศาสตร์ อาวุธและชุดเกราะถือเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับประชากรส่วนใหญ่ ดาบเป็นความภาคภูมิใจของผู้ชาย ทั้งตัวดาบและส่วนอื่นๆ ของดาบ โดยเฉพาะด้าม (สึบะ) ได้รับการตกแต่งโดยใช้เทคนิคต่างๆ สึบะที่ทำจากเหล็กหรือทองสัมฤทธิ์ตกแต่งด้วยการฝังทองคำและเงิน ปิดด้วยงานแกะสลัก หรือตัดแต่งทั้งสองอย่าง เป็นภาพทิวทัศน์หรือรูปคน ดอกไม้ หรือตราประจำตระกูล (มอญ) ทั้งหมดนี้ช่วยเสริมการทำงานของผู้สร้างดาบ

ผ้า.

ผ้าไหมที่มีลวดลายหรูหราและผ้าอื่นๆ ที่ชื่นชอบของราชสำนักและนักบวชในช่วงเวลาแห่งความมั่งมีและความอุดมสมบูรณ์ เช่นเดียวกับผ้าเรียบง่ายที่มีการออกแบบที่เกือบจะดั้งเดิมของศิลปะพื้นบ้าน ล้วนแสดงถึงพรสวรรค์ระดับชาติของญี่ปุ่นเช่นกัน หลังจากที่มาถึงจุดสูงสุดในยุคเก็นโรคุที่มั่งคั่ง ศิลปะสิ่งทอก็เจริญรุ่งเรืองอีกครั้งในญี่ปุ่นยุคใหม่ ผสมผสานแนวคิดและเส้นใยประดิษฐ์จากตะวันตกเข้ากับสีสันและลวดลายการตกแต่งแบบดั้งเดิมได้สำเร็จ

สวน.

ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ความสนใจในสวนและสถาปัตยกรรมของญี่ปุ่นเพิ่มขึ้นเนื่องจากการที่สาธารณชนชาวตะวันตกเปิดรับรูปแบบศิลปะเหล่านี้เพิ่มมากขึ้น สวนเป็นสถานที่พิเศษในญี่ปุ่น เป็นการแสดงออกและสัญลักษณ์ของความจริงทางศาสนาและปรัชญาชั้นสูง และเสียงหวือหวาเชิงสัญลักษณ์ที่คลุมเครือเหล่านี้เมื่อรวมกับความงามที่ชัดเจนของสวนก็ดึงดูดความสนใจของโลกตะวันตก ไม่สามารถพูดได้ว่าแนวคิดทางศาสนาหรือปรัชญาเป็นสาเหตุหลักในการสร้างสวน แต่เมื่อวางแผนและสร้างสวน นักวางแผนศิลปินได้พิจารณาองค์ประกอบดังกล่าว ซึ่งการไตร่ตรองซึ่งจะทำให้ผู้ชมนึกถึงความจริงทางปรัชญาต่างๆ ในที่นี้ แง่มุมของการใคร่ครวญของพุทธศาสนานิกายเซนนั้นรวมอยู่ในกลุ่มหินที่แปลกตา คลื่นของทรายที่คราดและกรวดรวมกับสนามหญ้า หรือต้นไม้ที่จัดเรียงเพื่อให้กระแสน้ำที่อยู่ด้านหลังหายไปและปรากฏขึ้นอีกครั้ง ซึ่งทั้งหมดนี้กระตุ้นให้ผู้ชมดำเนินการตามความตั้งใจของการก่อสร้างให้เสร็จสิ้น . ไอเดียจัดสวน. การชอบคำใบ้ที่คลุมเครือมากกว่าคำอธิบายที่ชัดเจนเป็นคุณลักษณะของปรัชญาเซน ความต่อเนื่องของแนวคิดเหล่านี้คือต้นบอนไซแคระและสวนเล็กๆ ในกระถาง ซึ่งปัจจุบันได้รับความนิยมในโลกตะวันตก

สถาปัตยกรรม.

อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมที่สำคัญของญี่ปุ่น ได้แก่ วัด อาราม ปราสาทศักดินา และพระราชวัง ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงทุกวันนี้ ไม้เป็นวัสดุก่อสร้างหลักและเป็นตัวกำหนดคุณสมบัติการออกแบบเป็นส่วนใหญ่ อาคารทางศาสนาที่เก่าแก่ที่สุดคือศาลเจ้าของศาสนาชินโตประจำชาติญี่ปุ่น เมื่อพิจารณาจากข้อความและภาพวาด พวกมันมีโครงสร้างที่ค่อนข้างเรียบง่ายและมีหลังคามุงจากเหมือนบ้านเรือนโบราณ อาคารวัดที่สร้างขึ้นหลังจากการเผยแพร่พุทธศาสนาและเกี่ยวข้องกับวัดนี้โดยอิงตามต้นแบบของจีนทั้งในรูปแบบและการจัดวาง สถาปัตยกรรมของวัดพุทธแตกต่างกันไปตามกาลเวลา และการตกแต่งและการจัดวางอาคารก็แตกต่างกันไปตามนิกายต่างๆ อาคารของญี่ปุ่นมีความโดดเด่นด้วยห้องโถงขนาดใหญ่ที่มีหลังคาสูงและ ระบบที่ซับซ้อนคอนโซลและการตกแต่งสะท้อนถึงรสนิยมในยุคนั้น สถาปัตยกรรมที่เรียบง่ายและสง่างามของอาคารโฮริวจิ ซึ่งสร้างขึ้นใกล้กับเมืองนาราในช่วงต้นศตวรรษที่ 7 มีลักษณะเฉพาะของยุคอะสุกะ เช่นเดียวกับความงามและความสง่างามของสัดส่วนของฮูโดะ “ห้องโถงฟีนิกซ์” ที่อุจิ ซึ่งสะท้อนอยู่ในทะเลสาบโลตัส เป็นของสมัยเฮอัน อาคารที่ซับซ้อนมากขึ้นในสมัยเอโดะได้รับการตกแต่งเพิ่มเติมในรูปแบบของการทาสีอย่างหรูหรา ประตูบานเลื่อนและฉากกั้นที่ทำโดย “ช่างตกแต่งผู้ยิ่งใหญ่” คนเดียวกันกับที่ตกแต่งภายในปราสาทและพระราชวังของขุนนางศักดินาที่ล้อมรอบด้วยคูน้ำ

สถาปัตยกรรมและสวนของญี่ปุ่นมีความเชื่อมโยงกันอย่างใกล้ชิดจนถือได้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของกันและกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับอาคารและบ้านสวนสำหรับพิธีชงชา ความเปิดกว้าง ความเรียบง่าย และความสัมพันธ์อย่างรอบคอบกับภูมิทัศน์และมุมมอง มีอิทธิพลสำคัญต่อสถาปัตยกรรมตะวันตกสมัยใหม่

อิทธิพลของศิลปะญี่ปุ่นที่มีต่อตะวันตก

ภายในเวลาเพียงหนึ่งศตวรรษ ศิลปะของญี่ปุ่นกลายเป็นที่รู้จักในโลกตะวันตกและมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะดังกล่าว ก่อนหน้านี้มีการติดต่อกัน (เช่น ชาวดัตช์ค้าขายกับญี่ปุ่นผ่านทางท่าเรือนางาซากิ) แต่สิ่งของที่ไปถึงยุโรปในศตวรรษที่ 17 ส่วนใหญ่เป็นงานศิลปะประยุกต์ - เครื่องลายครามและเครื่องเขิน พวกเขาถูกรวบรวมอย่างกระตือรือร้นเพื่ออยากรู้อยากเห็นและคัดลอกในรูปแบบต่างๆ แต่การส่งออกเพื่อการตกแต่งเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนถึงแก่นแท้และคุณภาพของงานศิลปะญี่ปุ่นและยังทำให้ชาวญี่ปุ่นมีความคิดที่ไม่ประจบประแจงเกี่ยวกับรสนิยมตะวันตก

ครั้งแรกที่ภาพวาดตะวันตกได้รับอิทธิพลโดยตรงจากศิลปะญี่ปุ่นในยุโรปคือในปี 1862 ระหว่างการจัดนิทรรศการระดับนานาชาติครั้งใหญ่ในลอนดอน เมื่อนำเสนอที่นิทรรศการปารีสในอีกห้าปีต่อมา ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่นก็กระตุ้นความสนใจอย่างมากอีกครั้ง คอลเลกชั่นงานแกะสลักส่วนตัวหลายชิ้นปรากฏขึ้นทันที Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh และคนอื่นๆ มองว่าภาพพิมพ์สีของญี่ปุ่นเป็นการเปิดเผย อิทธิพลเล็กน้อยแต่เป็นที่จดจำได้เสมอของภาพพิมพ์ของญี่ปุ่นที่มีต่ออิมเพรสชั่นนิสต์มักถูกสังเกต ชาวอเมริกัน Whistler และ Mary Cassatt ได้รับความสนใจจากเส้นสายและจุดสีสันสดใสของภาพพิมพ์และภาพวาดภาพอุกิโยะ

การเปิดประเทศญี่ปุ่นให้กับชาวต่างชาติในปี พ.ศ. 2411 สร้างความคลั่งไคล้ให้กับทุกสิ่งที่เป็นตะวันตก และทำให้ชาวญี่ปุ่นหันเหความสนใจจากวัฒนธรรมและมรดกทางศิลปะอันมั่งคั่งของตนเอง ในเวลานี้มีภาพวาดและประติมากรรมที่สวยงามจำนวนมากถูกขายและไปอยู่ในพิพิธภัณฑ์ตะวันตกและของสะสมส่วนตัว นิทรรศการวัตถุเหล่านี้ทำให้ชาวตะวันตกรู้จักญี่ปุ่นและกระตุ้นความสนใจในการเดินทางไปญี่ปุ่น ตะวันออกอันไกลโพ้น- แน่นอนว่าการยึดครองญี่ปุ่นโดยกองทหารอเมริกันในช่วงสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สองเปิดโอกาสมากขึ้นในการสำรวจและเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับวัดญี่ปุ่นและสมบัติของพวกเขา ความสนใจนี้สะท้อนให้เห็นจากการเข้าร่วมพิพิธภัณฑ์ในอเมริกา ความสนใจในภาคตะวันออกโดยทั่วไปกระตุ้นให้เกิดการจัดนิทรรศการงานศิลปะญี่ปุ่น โดยคัดเลือกจากคอลเลกชันสาธารณะและส่วนตัวของญี่ปุ่น และนำเข้าไปยังอเมริกาและยุโรป

การวิจัยทางวิทยาศาสตร์ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมาได้ช่วยหักล้างแนวคิดที่ว่าศิลปะญี่ปุ่นเป็นเพียงภาพสะท้อนของศิลปะจีนเท่านั้น และสิ่งพิมพ์ภาษาญี่ปุ่นจำนวนมากที่เป็นภาษาอังกฤษได้แนะนำชาวตะวันตกให้รู้จักกับอุดมคติของตะวันออก



ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับสถานะของประเทศญี่ปุ่น

ชื่อของประเทศ - ญี่ปุ่นในภาษายุโรปทั้งหมด - มาจากการอ่านอักขระอักษรอียิปต์โบราณสองตัวที่บิดเบี้ยวซึ่งประกอบเป็นชื่อที่ถูกต้องของประเทศนี้ - Nihon หรือ Nippon ในสไตล์ที่เคร่งขรึมและเป็นทางการมากขึ้น สัญญาณแรกหมายถึงดวงอาทิตย์ และสัญญาณที่สองคือรากหรือฐาน ด้วยเหตุนี้ จึงมีการกำหนดเชิงเปรียบเทียบของญี่ปุ่นว่าเป็นดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัย ชื่อภาษาญี่ปุ่นคือ “นิฮอนจิน” (“จิน” แปลว่าบุคคล) เมืองหลวงของญี่ปุ่นคือโตเกียว

ญี่ปุ่นเป็นรัฐเกาะที่ตั้งอยู่ในเอเชียตะวันออก ใกล้กับขอบตะวันออกสุดของรัสเซีย คาบสมุทรเกาหลี และบริเวณชายฝั่งของสาธารณรัฐประชาชนจีน อาณาเขต - 372,000 ตารางเมตร ม. กม. ประชากร - 127.4 ล้านคน (ประมาณการปี 2553) ญี่ปุ่นอยู่ในอันดับที่ 10 ของโลกในแง่ของจำนวนประชากร ความหนาแน่นของประชากรเฉลี่ย 337 คนต่อ 1 ตร.ม. กม.

ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ของญี่ปุ่นมีลักษณะพิเศษคือมีความยาวจากทิศตะวันออกเฉียงเหนือไปทางทิศตะวันตกเฉียงใต้อย่างมาก ซึ่งนำไปสู่สภาพธรรมชาติที่หลากหลาย พื้นที่ทางตอนเหนือสุดของประเทศอยู่ในเขตภูมิอากาศหนาวเย็น พื้นที่ตอนกลางอยู่ในเขตอบอุ่น และภาคใต้อยู่ในเขตกึ่งเขตร้อน

เกาะหลักของประเทศ ได้แก่ ฮอนชู คิวชู ชิโกกุ และฮอกไกโด อยู่ติดกับเกาะเล็กๆ กว่า 4,000 เกาะ มีเพียงแผนที่นำทางพิเศษเท่านั้นที่สะท้อนถึงความหลากหลายของโลกเกาะอันกว้างใหญ่แห่งนี้

กลุ่มเกาะเล็กๆ ในมหาสมุทรแปซิฟิก ได้แก่ อิซุโนชิชิโตะ โอกาซาวาระ (โบนิน) โยริโตะ (ซัลเฟอร์) และเกาะเล็กๆ หลายแห่งที่มีต้นกำเนิดจากภูเขาไฟ ห่างจากโตเกียวไปทางตะวันออกเฉียงใต้ 1,800 กม. ใกล้กับเขตร้อนของมะเร็ง มีเกาะเล็กๆ ชื่อว่า Marcus (Minami-Tori-Shima) ซึ่งเป็นเขตชานเมืองทางตะวันออกของญี่ปุ่น การครอบครองเกาะเหล่านี้ซึ่งมีที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ได้เปรียบ ทำให้พรมแดนทางตะวันออกของญี่ปุ่นไกลออกไปในมหาสมุทรแปซิฟิก

พื้นที่ชานเมืองทางตอนใต้ของญี่ปุ่นก่อตั้งโดยกลุ่มเกาะริวกิว (นันเซ) ริวกิวประกอบด้วยเกาะ 211 เกาะ หลายเกาะมีต้นกำเนิดจากปะการัง

หมู่เกาะญี่ปุ่นถูกแยกออกจากแผ่นดินใหญ่ในเอเชียโดยทะเล ได้แก่ ทะเลญี่ปุ่น ทะเลเหลือง และทะเลจีนตะวันออก ชายฝั่งตะวันตกของฮอนชูอยู่ห่างจากชายฝั่งเอเชียมากที่สุด - เกือบ 1,000 กม. ระยะทางที่สั้นที่สุดเมื่อข้ามช่องแคบเกาหลีเป็นเส้นตรงจากชายฝั่งญี่ปุ่นไปยังคาบสมุทรเกาหลีคือ 220 กม.

ญี่ปุ่นเป็นสถาบันกษัตริย์ที่มีพระมหากษัตริย์เป็นประมุขตามรัฐธรรมนูญมาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2490 หน่วยงานนิติบัญญัติที่สูงที่สุดของประเทศคือรัฐสภา ประกอบด้วยสภาผู้แทนราษฎร (ล่าง) และสภาผู้แทนราษฎร (บน) ผู้บริหารสูงสุดคือคณะรัฐมนตรี ตามรัฐธรรมนูญ นายกรัฐมนตรีมีหน้าที่รับผิดชอบต่อรัฐสภา

ในปีพ.ศ. 2498 อันเป็นผลมาจากการรวมพรรคเสรีนิยมและประชาธิปไตยเข้าด้วยกัน พรรคเสรีประชาธิปไตย (LDP) จึงได้ก่อตั้งขึ้น เป็นตัวแทนของผลประโยชน์ของทุนผูกขาดขนาดใหญ่และชนชั้นสูงในระบบราชการ โดยแก่นแท้แล้วคือพรรคกระฎุมพี อย่างไรก็ตาม มันเป็นตัวแทนของกลุ่มประชากรที่หลากหลายที่สุด - ชนชั้นกระฎุมพีน้อยและชนชั้นกลาง, ชาวนาที่ร่ำรวย ประกอบด้วยเจ้าหน้าที่จำนวนมาก (ทั้งจากหน่วยงานบริหารส่วนกลางและท้องถิ่น) ซึ่งทำหน้าที่เป็นกลไกเพิ่มเติมของอิทธิพลของพรรคต่อผู้มีสิทธิเลือกตั้ง

สภาพทางธรรมชาติและภูมิอากาศของสถาปัตยกรรมโพลีโครมี

สระน้ำสีภูมิทัศน์ธรรมชาติ

บนฝั่งแห่งความงาม อ่าวเบปปุ(เบปปุ) ตั้งอยู่ในพื้นที่ที่เกิดภูเขาไฟ บ่อเลือด (บ่อน้ำร้อนบ่อเลือด) เป็นที่รู้จักจากโคลนสีเลือด น้ำสีแดงมาจากหินและมีธาตุเหล็กค่อนข้างมาก ซึ่งทำให้อ่างเก็บน้ำมีสีแดงผิดปกติ นี่คือที่ที่ คอมเพล็กซ์ระบายความร้อน “เก้าวงกลมแห่งนรก”สถานที่ที่อิ่มตัวที่สุดในโลกด้วยบ่อน้ำพุร้อน นักท่องเที่ยวได้รับคำเตือนว่าห้ามว่ายน้ำที่นี่เช่น อุณหภูมิสูงถึง 90 องศาเซลเซียส.

ปราสาทนกกระสาขาว(ฮิเมจิ) เป็นหนึ่งในปราสาทที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ในญี่ปุ่นและเป็นที่นิยมมากที่สุดในหมู่นักท่องเที่ยว โดยรวมแล้วกลุ่มปราสาทประกอบด้วยอาคาร 83 หลังซึ่งเกือบทั้งหมดสร้างด้วยไม้ การก่อสร้างปราสาทที่เชิงเขาฮิเมะ (จังหวัดเฮียวโกะ ภูมิภาคฮาริมะ) เริ่มขึ้นในกลางศตวรรษที่ 14 ได้ชื่อมาจากรูปทรงและความสง่างามเป็นพิเศษ ชวนให้นึกถึงนกที่สวยงามสีขาวเหมือนหิมะ ฮิเมจิทำหน้าที่เป็นต้นแบบของปราสาทนับไม่ถ้วนในรุ่นต่อๆ มา ฐานหินสูง ผนังฉาบปูนขาว ช่องโหว่ และรั้วกั้นได้เข้าสู่คลังแสงของเทคนิคสถาปัตยกรรมญี่ปุ่นอย่างเหนียวแน่น ปราสาทดั้งเดิมที่สร้างขึ้นในปี 1333-1346 ส่งต่อจากตระกูลซามูไรหนึ่งไปยังอีกกลุ่มหนึ่งมากกว่าหนึ่งครั้ง ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ปราสาทแห่งนี้ได้รับความเสียหายจากความขัดแย้งกลางเมืองและจำเป็นต้องดำเนินการ ยกเครื่อง- จากนั้นโครงสร้างปัจจุบันเกือบทั้งหมดก็ปรากฏขึ้น โดยเหนือหอคอยหลักเจ็ดชั้นนั้นมีความสูงถึง 45 เมตร

พืชและสัตว์

สถาปัตยกรรมตกแต่งภายในประเทศญี่ปุ่น

ฟลอรา

ป่าไม้ครอบคลุมมากกว่า 66% ของประเทศ พืชในญี่ปุ่นประกอบด้วยต้นไม้และพุ่มไม้มากกว่า 700 สายพันธุ์ และสมุนไพรประมาณ 3,000 สายพันธุ์

ฮอกไกโดถูกครอบงำด้วยป่าสนที่มีต้นสนและต้นสนและมีต้นไผ่หนาทึบอยู่ในพง ด้วยความสูง ป่าจะค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยป่าสนซีดาร์แคระและป่าเบิร์ช พุ่มไม้ล้มลุก และพุ่มไม้พุ่ม ทางตอนเหนือของเกาะ ขอบเขตด้านบนของป่าสนอยู่ที่ 500 ม. ในพื้นที่ทางใต้จะถูกแทนที่ด้วยป่าใบกว้าง ทางตะวันตกเฉียงใต้ของฮอกไกโด มีป่าใบกว้างขึ้นจากชายฝั่งถึงระดับความสูง 500 เมตร

ป่าผลัดใบกว้างก็พบเห็นได้ทั่วไปในฮอนชู เช่น ต้นโอ๊ก บีช เมเปิ้ล เกาลัด ขี้เถ้า ลินเด็น ฯลฯ พวกมันมีความสูงถึง 1,800 ม. และป่าสนสิ้นสุดที่ระดับความสูง 1,800-2,000 ม. ส่วนล่างของเนินเขาฮอนชูทางใต้ของละติจูด 38° เหนือ และเนินภูเขาบนเกาะชิโกกุและคิวชูขึ้นไป ที่ระดับความสูง 800 ม. ปกคลุมไปด้วยป่ากึ่งเขตร้อนเขียวชอุ่ม (รวมถึงต้นโอ๊กเขียวชอุ่ม แมกโนเลีย ต้นการบูร คริปโตเมเรีย ไซเปรสญี่ปุ่น ฯลฯ) พร้อมด้วยพงไม้ที่อุดมสมบูรณ์และเถาวัลย์มากมาย ทางตอนใต้สุดของคิวชูและหมู่เกาะริวกิว มีป่ามรสุมอยู่ทั่วไปที่ระดับความสูง 300 เมตร โดยจะพบต้นปาล์ม ต้นไทรคัส เฟิร์น ไผ่ และกล้วยไม้

สัตว์

เนื่องจากการแยกเกาะของญี่ปุ่นออกไป สัตว์ต่างๆ จึงค่อนข้างหมดลงเมื่อเทียบกับแผ่นดินใหญ่ (และรูปแบบต่างๆ ถูกบดขยี้) แต่สัตว์ประจำถิ่นและสัตว์ที่สูญพันธุ์จำนวนมากได้รับการอนุรักษ์ไว้ในประเทศ สัตว์ประจำถิ่นประกอบด้วยสัตว์เลี้ยงลูกด้วยนม 270 สายพันธุ์ นกประมาณ 800 สายพันธุ์ และสัตว์เลื้อยคลาน 110 สายพันธุ์ ทะเลรอบๆ ประเทศเป็นที่อยู่อาศัยของปลามากกว่า 600 สายพันธุ์ และหอยมากกว่า 1,000 สายพันธุ์ เนื่องจากภูมิประเทศเป็นภูเขา สายพันธุ์ที่ปรับตัวให้เข้ากับชีวิตในป่าภูเขาจึงมีมากกว่า

บนเกาะฮอกไกโดมีหมีสีน้ำตาล เซเบิล แมร์มีน และพังพอน นอกจากนี้ หมาป่า สุนัขจิ้งจอก แบดเจอร์ สุนัขแรคคูน นาก และกระต่ายอาศัยอยู่ที่นั่นและบนเกาะฮอนชู ทางตอนใต้ของช่องแคบ Sangar มีหมีดำ ลิงแสมญี่ปุ่น แอนตีโลป และซาลาแมนเดอร์ขนาดยักษ์อาศัยอยู่ ทางตอนใต้ของช่องแคบโทการะในญี่ปุ่นเป็นที่อยู่ของสัตว์เขตร้อน

นก ได้แก่ นกหัวขวาน นกนางแอ่น หัวนม นกนางแอ่น นกกิ้งโครง นกบ่นดำ นกกระเรียน นกกระสา เหยี่ยว นกอินทรี นกฮูก และยังมีนกทะเลจำนวนมากนอกชายฝั่ง ปลาน้ำจืด - ปลาคาร์พ, ปลาดุก, ปลาไหล, ปลาแลมเพรย์; ปลาไหลและปลาแซลมอนรวมทั้งปลาเทราท์เป็นพันธุ์เทียม ปลาเชิงพาณิชย์ในน่านน้ำชายฝั่ง: ปลาเฮอริ่งแปซิฟิก อิวาซิ ปลาทูน่า ปลาคอด ปลาลิ้นหมา นอกจากนี้ยังมีปู กุ้ง และหอยนางรมด้วย

สัญลักษณ์สีและภาษาของสีทางสถาปัตยกรรม

สัญลักษณ์แห่งสีในภาคตะวันออก

ในภาคตะวันออก สีไม่เพียงแต่ก่อให้เกิดภาระทางอารมณ์เท่านั้น แต่ยังประกอบไปด้วยเนื้อหาเฉพาะและความสำคัญในการใช้งานอีกด้วย ตัวแทนของกลุ่มสังคมกลุ่มหนึ่งหรือกลุ่มอื่นจำเป็นต้องสวมเสื้อผ้าในชนชั้นของเขา (วรรณะ) สีและรูปร่างที่ใช้ในการตัดสินอาชีพของเขาและตามทรัพย์สินคือความมั่งคั่งของเขา ในบทความอินเดียโบราณการแบ่งแยกชนชั้นทางสังคมของสังคมสะท้อนให้เห็นเป็นสี: พราหมณ์ (นักบวช) สวมชุดสีขาว kshatriyas (นักรบและผู้ปกครอง) - สีแดง vaishyas (พ่อค้าและช่างฝีมือ) - สีเหลือง shudras (คนรับใช้) - สีดำ

พวกเขามีบทบาทสำคัญในการรวมหลักการสีเข้าด้วยกัน คำสอนทางศาสนา- ดังนั้นสีน้ำเงินจึงเป็นสีของพลอยแซฟไฟร์ซึ่งตามโหราศาสตร์อินเดียมีความเกี่ยวข้องกับดาวเสาร์ นี่ก็เป็นสีของเทพเจ้าแห่งความรักด้วย ศิลปินชาวอินเดียพรรณนาถึงพระกฤษณะ เทพผู้รักผิวสีฟ้า ซึ่งปกติจะแต่งกายด้วยสีเหลือง และราธา สาวเลี้ยงแกะที่รักของเขาในชุดสีน้ำเงิน สีดำมีความเกี่ยวข้องกับความตาย โดยได้รับการอุปถัมภ์โดยพระเจ้าดำผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นหนึ่งในอวตารของพระศิวะผู้ทำลายล้าง สีแดง ซึ่งเป็นสีของเลือด เกี่ยวข้องกับสงคราม

ในสมัยโบราณ ในหมู่ชนชาติต่างๆ สีแดงเป็นสัญลักษณ์ของหลักการของผู้หญิง และสีขาวเป็นสัญลักษณ์ของหลักการของผู้ชาย กำลังเข้า ชีวิตผู้ใหญ่ชายหนุ่มได้เข้าพิธีประทับจิตซึ่งร่างของคนหนุ่มสาวถูกทาด้วยสีขาว ในพิธีกรรมต่างๆ มากมายที่อุทิศให้กับเจ้าแม่ เด็กผู้หญิงได้ทาแป้งสีแดงบนใบหน้าและมือ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของเลือด ซึ่งชวนให้นึกถึงการเสียสละนองเลือดให้กับเทพธิดาองค์นี้ซึ่งเป็นอดีตไปแล้ว ผู้หญิงอินเดียสมัยใหม่ที่นับถือศาสนาฮินดู กำลังเตรียมตัวแต่งงาน ทาสีมือและเท้าด้วยแลคเกอร์สีแดงหรือเฮนนา เจ้าสาวสวมส่าหรีสีแดงหรือผ้าคลุมสีแดง เจ้าบ่าวสวมเสื้อผ้าสีขาว โดยปกติผ้าโพกศีรษะของเขาจะเป็นสีแดง

ในประเทศจีน สัญลักษณ์สีได้รับอิทธิพลจากลัทธิขงจื๊อ ตามหลักการ สีม่วงหมายถึงคุณธรรม สีเขียวหมายถึงมนุษยชาติ สีแดงหมายถึงพิธีการและความเป็นระเบียบ สีเหลืองหมายถึงความศรัทธา สีขาวหมายถึงความจริง หน้าที่ การเสียสละตนเอง สีดำหมายถึงปัญญาและความรู้ สัญลักษณ์ของสีบนเสื้อผ้าสะท้อนให้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ จักรพรรดิสวมเสื้อคลุมสีเหลือง นักวิทยาศาสตร์สวมชุดสีดำ ผู้ทรงเกียรติสวมชุดสีน้ำตาลหรือสีขาว และนักรบสวมชุดสีแดงหรือสีน้ำเงิน ในประเทศจีนโบราณ สีมีความสัมพันธ์กับช่วงเวลาของปีและทิศทางที่สำคัญ สวมเสื้อผ้าโทนสีเขียวต้อนรับฤดูใบไม้ผลิ พิธีจัดขึ้นที่ฝั่งตะวันออกของเมือง สีแดง - ทางด้านทิศใต้ - พวกเขาต้อนรับฤดูร้อน ทางด้านตะวันตกเป็นสีเหลืองหรือสีขาว ต้อนรับฤดูใบไม้ร่วง ในเทศกาลฤดูหนาวซึ่งจัดขึ้นทางด้านเหนือนั้น สีดำเป็นสีหลักในเสื้อผ้า ตามตำนานจีน แม่สีทั้งห้าสี (เขียว แดง ขาว เหลือง ดำ) ไม่เพียงแต่เป็นสัญลักษณ์ของฤดูกาลและทิศทางที่สำคัญเท่านั้น แต่ยังรวมถึงองค์ประกอบหลักทั้งห้าด้วย (ไม้ ไฟ ดิน โลหะ น้ำ)

แตกต่างจากอินเดียหรือจีนตรงที่มีศีลสีอยู่ร่วมกันในญี่ปุ่นซึ่งก่อตั้งโดยศาสนาที่แตกต่างกัน (ลัทธิขงจื๊อ พุทธศาสนา และชินโต) นอกจากนี้ชาวญี่ปุ่นยังโดดเด่นด้วยการรับรู้สีส่วนตัวและใกล้ชิดมาโดยตลอด ความเอาใจใส่และความรักในสีสันผสมผสานกับทัศนคติที่ละเอียดอ่อนและละเอียดอ่อนต่อธรรมชาติ ตามกฎแล้วสีในญี่ปุ่นไม่ได้ถูกตั้งชื่อตามวัสดุที่ใช้ผลิตตามธรรมเนียมในยุโรป (สีเหลืองสด, สังกะสีสีขาว, คราม, คราปลาค, โคบอลต์, เซียนน่าเผา ฯลฯ ) แต่ใช้สีจากธรรมชาติ “อาราไฮโร” - “ด้านหลังของใบไม้และสมุนไพร” - หมายถึงโทนสีแกมเขียวหม่นและนุ่มนวล “ uguisuiro” -“ สีของปีกของนกไนติงเกลญี่ปุ่น” - สีเทาอมฟ้า - เขียว; “อาคุอิโระ” - “ขี้เถ้าเย็น”; "sabiiro" - "สนิม" ฯลฯ

ด้วยการฝึกอบรมบางอย่าง ชาวญี่ปุ่นสามารถแยกแยะสีได้มากถึง 240 เฉด เด็กนักเรียนญี่ปุ่นสมัยใหม่ ชั้นเรียนประถมศึกษาพวกเขาสามารถแยกแยะสีได้ประมาณ 40 สีได้อย่างง่ายดาย
สัญลักษณ์ของสีถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันในโรงละครแบบดั้งเดิมของตะวันออก สีของชุดสูทมีความเกี่ยวข้องกับตัวละครของตัวละคร โดยบ่งบอกถึงสถานะทางสังคม เพศ อายุ สีที่ประเสริฐที่สุดคือสีขาว ซึ่งนิยมใช้กันอย่างแพร่หลายในการแต่งกายของเทพ วีรบุรุษผู้ดี และสาวงาม

สีมีบทบาทสำคัญในโรงละครโนห์ของญี่ปุ่น เสื้อผ้าสีขาวและเข็มขัดสีแดงแสดงถึงความเข้มแข็งของวัยเยาว์ ในประเทศจีน หน้ากากดำเป็นสัญลักษณ์ของสติปัญญา สีแดงเป็นสัญลักษณ์ของความโกรธและความกระหายเลือด

ความสัมพันธ์ใกล้ชิดระหว่างสัญลักษณ์ของสีกับการพรรณนาอารมณ์และความรู้สึกมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนางานศิลปะซึ่งตามที่เชื่อกันในสมัยโบราณมีจุดประสงค์เพื่อเปิดเผยความชั่วร้ายและยกย่องความดี

ชุดประจำชาติ

ฉันอยากจะเริ่มต้นจากดินแดนอาทิตย์อุทัย - ญี่ปุ่น ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 ชุดกิโมโนถือเป็น "ชุดประจำชาติ" ของญี่ปุ่น กิโมโนยังเป็นชุดทำงานของเกอิชาและไมโกะ (เกอิชาในอนาคต) ชุดกิโมโนเน้นเฉพาะไหล่และเอว ปกปิดข้อบกพร่องทางรูปร่าง แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับความชอบแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นและแนวคิดเรื่องรัฐธรรมนูญในอุดมคติ - "ยิ่งนูนและความผิดปกติน้อยลงเท่าไหร่ก็ยิ่งสวยงามมากขึ้นเท่านั้น"

ศิลปะการตกแต่ง

ศิลปะแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นขึ้นอยู่กับหลักการดั้งเดิมและดั้งเดิม รสนิยมและความชอบของคนญี่ปุ่นนั้นแตกต่างอย่างมากจากลำดับความสำคัญด้านสุนทรียภาพของผู้อยู่อาศัยในประเทศอื่น ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในญี่ปุ่นก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเองเช่นกัน

งานตกแต่ง ถูกสร้างขึ้นในประเทศนี้มานานหลายศตวรรษ ซึ่งรวมถึงผลิตภัณฑ์เซรามิกและพอร์ซเลน ผ้าและเสื้อผ้าตกแต่ง ไม้ โลหะและกระดูกแกะสลัก อาวุธที่สวยงาม และอื่นๆ อีกมากมาย

โดยทั่วไปแล้ว ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์จะเน้นไปที่จุดใดจุดหนึ่ง ผลิตภัณฑ์ต่างๆ ถูกสร้างขึ้นไม่เพียงแต่เพื่อให้เพลิดเพลินในการไตร่ตรองอย่างมีสุนทรีย์เท่านั้น แต่ยังเพื่อใช้ในชีวิตประจำวันอีกด้วย

และสำหรับชาวญี่ปุ่นแล้ว สิ่งที่สำคัญมากไม่ใช่แค่การใช้งานศิลปะประเภทนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงด้วย ตกแต่งชีวิตของคุณชื่นชมความงามของพวกเขา คนญี่ปุ่นมีทัศนคติต่อความงามเป็นพิเศษมาโดยตลอด พวกเขาจินตนาการว่าความยิ่งใหญ่และความสง่างามสามารถถ่ายทอดออกมาเป็นคำพูดได้ อย่างไรก็ตาม ความงามนั้นอยู่เหนือโลกธรรมดา ชีวิตทั้งชีวิตของบุคคลนั้นเป็นเพียงชั่วคราว หลังจากความตาย วิญญาณก็ย้ายไปยังโลกที่สวยงามและลึกลับ

คุณสมบัติที่ระบุไว้ทั้งหมดของโลกทัศน์ของญี่ปุ่นสะท้อนให้เห็นในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ การกระทำใดๆพร้อมด้วยการใช้ Gizmos ที่ทำขึ้นเป็นพิเศษเพื่อจุดประสงค์นี้

ตัวอย่างเช่น, ชาหรือสาเก พวกเขาดื่มจากถ้วยที่หยาบและไม่สม่ำเสมอ อย่างไรก็ตาม พวกเขาคือผู้ที่มีคุณค่าในความงามของตนซึ่งมีอยู่ในอีกโลกหนึ่ง

ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้ยิ่งใหญ่สร้างสรรค์วัตถุให้มีลักษณะสวยงาม ฟิกเกอร์ - เนทสึเกะ, กล่อง - อินโร, เครื่องเขิน, โคโซเดะที่หรูหรา, ฉากกั้น, พัด - ทั้งหมดนี้ตกแต่งด้วยรสนิยมทางศิลปะและความสง่างาม

ประติมากรรมขนาดเล็ก เน็ตสึเกะผู้ชายใช้พกพาสิ่งของต่างๆ ไปป์ กระเป๋า หรือกระเป๋าเงินติดอยู่กับเข็มขัดของชุดกิโมโนโดยใช้เน็ตสึเกะ

แต่ละ ตุ๊กตาจิ๋ว ถือบันทึกเชิงสัญลักษณ์เหล่านั้น.หมายถึงบางสิ่งบางอย่าง

ความเป็นมืออาชีพในการดำเนินการเห็นได้จากประติมากรรมของญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม ศิลปะในการสร้างเนทสึเกะมีต้นกำเนิดมาค่อนข้างเร็ว ๆ นี้ ในปี 1603-1868 ของปี. ช่วงเวลานี้ในประเทศญี่ปุ่นเรียกว่า เอโดะ.

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นคือ โดรากุไซ (ศตวรรษที่สิบแปด) ซิวหมิน (ปลายศตวรรษที่ 18) โทโมทาดะ (ศตวรรษที่สิบแปด) มาซัตสึกุ (ศตวรรษที่ 19) เกียวคุมิน (ศตวรรษที่ XIX) และอื่น ๆ.

รูปภาพประเภทใดที่ไม่ได้ใช้ในการสร้างเนทสึเกะ และกิจกรรมประจำวันของพลเมืองและแนวคิดทางศาสนาและรูปสัตว์ต่างๆ ปรมาจารย์ชอบวาดภาพวีรบุรุษในวรรณกรรม เทพนิยาย และนักรบญี่ปุ่นผู้โด่งดัง

หากก่อนศตวรรษที่ 19 มีใครสังเกตเห็นในประติมากรรม ความไม่สมดุลของแบบฟอร์มและไม่สอดคล้องกับภาพจริง จากนั้นปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นในเวลาต่อมาก็พยายามถ่ายทอดตัวละครและถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของเขาได้แม่นยำยิ่งขึ้น โลกธรรมชาติกลายเป็นที่น่าดึงดูดสำหรับผู้สร้างเนทสึเกะมากขึ้น

ตลอดหลายทศวรรษที่ผ่านมา เทคโนโลยีในการสร้างตุ๊กตาจิ๋วได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

หากในช่วงเริ่มต้นของแนวโน้มนี้ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่นวัสดุนี้มักจะถูกนำมาใช้ ไม้หรืองาช้างจากนั้นในศตวรรษที่ 19 ปรมาจารย์ก็เริ่มใช้ เครื่องลายคราม ปะการัง โลหะ อาเกตและวัสดุอื่นๆ เน็ทสึเกะไม้จำเป็นต้องขัดด้วยผงถ่าน ถูด้วยน้ำมันแฟลกซ์ และเคลือบเงาด้วยผ้าไหม กระบวนการวาดภาพมีเส้นทางที่ซับซ้อนมากขึ้น

Inro - กล่องสำหรับใส่สิ่งของจำเป็น

สิ่งของที่ประณีตที่สุดในงานศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่นถือเป็นกล่อง - อินโร เหมือนกล่องจิ๋วมากกว่า

พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของเครื่องแต่งกายของผู้หญิงหรือผู้ชาย หากผู้ชายแขวนอินโรเหมือนเนสึเกะจากเข็มขัดชุดกิโมโน ผู้หญิงก็จะสวมไว้หลังแขนเสื้อ

อินโรที่แปลคือ กล่องแสตมป์ซึ่งใช้ใส่สิ่งของเล็กๆ น้อยๆ ต่างๆ มีสาขาภายในหลายสาขา ช่างฝีมือที่ทำผลิตภัณฑ์ประเภทนี้พยายามทำให้อินโรเสร็จสิ้นด้วยความสง่างามและรสนิยมทางศิลปะ ใช้การลงแล็คเกอร์ การฝังหอยมุก และการตกแต่งด้วยงาช้างและหินมีค่า ตลอดจนเทคนิคต่างๆ ในการตกแต่งภายใน

โคโซเดะ - กิโมโนแขนสั้น

โคโซเดะ เป็นที่รู้จักมายาวนานว่าเป็นเสื้อผ้าญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม เฉพาะในสมัยเอโดะเท่านั้นที่ชุดกิโมโนแขนสั้นเริ่มได้รับการตกแต่งอย่างสดใสโดยใช้เทคโนโลยีการย้อมผ้าแบบใหม่

โคโซเดะกลายเป็นวัตถุของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ควรสังเกตว่าขึ้นอยู่กับโอกาสในชีวิตของคนญี่ปุ่น ชาวญี่ปุ่นจะสวมโคโซเดะที่ตกแต่งในลักษณะใดลักษณะหนึ่ง การใช้เส้นไหมที่หลากหลายให้ผลลัพธ์ที่น่าอัศจรรย์ โคโซเดะแต่ละตัวเป็นตัวแทน วัตถุแห่งศิลปะการตกแต่งคนญี่ปุ่น.

พัดเป็นผลงานศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่น

พัดลมยังดึงดูดความสนใจของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นและกลายเป็นวิชาศิลปะอีกด้วย พัดลม - sensuมาญี่ปุ่นน่าจะมาจากจีนมากที่สุด และปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นก็ได้มอบรูปลักษณ์ที่หรูหราและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของตัวเองแล้ว

ประเภทพัดลม - อูติวา ถือเป็นสิ่งประดิษฐ์ของญี่ปุ่นล้วนๆ นี่คือพัดกลีบดอกไม้ที่ทำจากไม้ชิ้นเดียว แล้วหุ้มด้วยผ้าไหมหรือกระดาษราคาแพง ลงบนลวดลายที่สวยงาม

หัวข้อของภาพวาดมีตัวละครที่แตกต่างกัน ประเพณีของญี่ปุ่นสามารถมองเห็นได้ด้วยตาเปล่าในงานศิลปะทุกชิ้น เช่น พัด

อย่างไรก็ตาม ญี่ปุ่นยังสร้างพัดเวอร์ชันที่ใช้ในการต่อสู้ด้วย ตามปกติแล้ว ไอเทมดังกล่าวจะถูกนำมาใช้เมื่อให้คำแนะนำในสนามรบ การตกแต่งบางประเภทมาพร้อมกับพัดลมตัวนี้ บ่อยครั้งที่ภาพนี้แสดงวงกลมสีแดงบนพื้นหลังสีเหลืองด้านหนึ่ง และวงกลมสีเหลืองบนพื้นหลังสีแดงอีกด้านหนึ่ง

ดาบศิลปะญี่ปุ่น

หลักการทางสุนทรีย์ของศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่นแสดงออกอย่างเต็มที่ในการผลิตและการตกแต่งดาบเชิงศิลปะ

มเอค -เป็นวัตถุสักการะพิเศษสำหรับชาวญี่ปุ่น และใช้วัสดุและเทคนิคต่างๆ ในการสร้าง

ดาบญี่ปุ่นไม่เพียงแต่สง่างามในรูปแบบเท่านั้น โครงสร้างพิเศษของเหล็ก เส้นแวววาวของใบมีด พื้นผิวที่ได้รับการขัดเงาอย่างพิถีพิถัน ถือเป็นคุณลักษณะเฉพาะของวัตถุชิ้นนี้ว่าเป็นผลงานศิลปะชั้นสูงของญี่ปุ่น ดาบบางเล่มยังตกแต่งด้วยรูปปั้นมังกร ตราแผ่นดินซามูไร และประดับด้วยอักษรอียิปต์โบราณ

ที่ญี่ปุ่นก็มี โรงเรียนช่างปืนซึ่งผลิตต่างๆ ดาบต่อสู้เชี่ยวชาญด้านการตกแต่งอาวุธอย่างมีศิลปะ ช่างทำปืนที่มีชื่อเสียงเช่น มาซามุเนะ (จบ.สิบสามศตวรรษ - จุดเริ่มต้นที่สิบสี่ศตวรรษ)มีชื่อเสียงไปทั่วญี่ปุ่นในด้านทักษะของเขา ผู้ร่วมสมัยของเราซึ่งเป็นผู้ชื่นชอบอาวุธญี่ปุ่นหลายคนใฝ่ฝันที่จะซื้อดาบที่เขาสร้างขึ้น

ผลิตภัณฑ์แล็คเกอร์และเซรามิก

ผลิตภัณฑ์แล็คเกอร์ ใช้ทุกที่ในญี่ปุ่น ซึ่งรวมถึงจาน เครื่องใช้ในครัวเรือน สิ่งของที่จำเป็นสำหรับการดูแลส่วนบุคคล ชุดเกราะ และแม้กระทั่งอาวุธ บ้านของขุนนางก็ตกแต่งด้วยผลิตภัณฑ์ที่คล้ายกัน

เคลือบเงาแบบดั้งเดิมสีที่ช่างฝีมือชาวญี่ปุ่นใช้คือสีแดง สีดำ และสีทอง สิ้นสุดยุคเอโดะโดดเด่นด้วยการผลิตวาร์นิชสีเขียว สีน้ำตาล และสีเหลือง และเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ชาวญี่ปุ่นได้ผลิตสีเคลือบเงาสีขาว สีม่วง และสีน้ำเงิน เคลือบแลคเกอร์การใช้ทองคำ หอยมุก และเงินเป็นวิธีการที่งดงามที่สุดในการตกแต่งผลิตภัณฑ์ต่างๆ โดยช่างฝีมือชาวญี่ปุ่น

ผลิตภัณฑ์เซรามิคยังเป็นวิชาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่นอีกด้วย เทคโนโลยีหลายอย่างนำมาจากประเทศจีนและเกาหลี อย่างไรก็ตาม เครื่องเซรามิกของญี่ปุ่นมีความแตกต่างกันตรงที่ช่างฝีมือจ่าย ความสนใจอย่างมากไม่เพียงแต่พารามิเตอร์ต่างๆ เช่น รูปร่าง เครื่องประดับ และสีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความรู้สึกที่ผลิตภัณฑ์เซรามิกจะเกิดขึ้นเมื่อสัมผัสกับฝ่ามือของมนุษย์อีกด้วย

ผลิตภัณฑ์ศิลปะเซรามิกในญี่ปุ่นมีอาหารหลากหลายประเภท เช่น กาน้ำชา ภาชนะสาเก จานตกแต่ง หม้อ และอื่นๆ แจกันพอร์ซเลนผนังบางยังคงเป็นที่ต้องการในประเทศตะวันตก

การตกแต่งภายในแบบดั้งเดิม

สไตล์ญี่ปุ่นนำพาจิตวิญญาณของเกอิชาที่มีเสน่ห์และเซ็กซี่และซามูไรผู้ทรงพลัง คู่รักที่ร่วมรักกันในห้องนอนสไตล์ญี่ปุ่นทำให้เกิดความอิจฉาและความปรารถนาที่จะทำตามแบบอย่างของพวกเขา

แต่ก่อนที่เราจะทำเช่นนั้น เรามาทำความรู้จักกับองค์ประกอบบางประการของวัฒนธรรมญี่ปุ่นกันดีกว่า ผู้อยู่อาศัยในประเทศนี้เชื่อว่าบ้านคือสิ่งมีชีวิต และความสะดวกสบายของบ้านดังกล่าวสามารถรักษาได้ สิ่งของต่างๆ ในที่อยู่อาศัยของญี่ปุ่นมีหน้าที่ของตัวเอง ไม่มีสิ่งที่ไม่จำเป็นหรือสุ่มเสี่ยง

หากคุณเชื่อถือความคิดเห็นนี้คุณควรเลือกเฟอร์นิเจอร์ที่มีรูปทรงเรขาคณิตเรียบง่ายสำหรับบ้านของคุณ และไม่ควรมีสถานที่สำหรับตกแต่งที่ไร้ความหมายเลย

มีนักออกแบบจำนวนหนึ่งที่มองว่าสไตล์ญี่ปุ่นนั้นน่าเบื่อและว่างเปล่า แต่ชาวญี่ปุ่นเองก็เชื่อว่าความว่างเปล่าดังกล่าวส่งเสริมการเคลื่อนที่ของพลังงานที่มีประจุบวกอย่างอิสระ

ห้องนอนของญี่ปุ่นยังคงมีเครื่องประดับบางอย่างอยู่ แม้ว่าหลายสิ่งหลายอย่างถือว่าไม่มีความหมายสำหรับผู้อยู่อาศัยในประเทศนี้ก็ตาม มีลวดลายดั้งเดิมของวัฒนธรรมญี่ปุ่นและเครื่องประดับแบบญี่ปุ่น

ดังนั้นเพื่อเป็นการตกแต่งในห้องนอน คุณสามารถวางรูปปั้นจิ๋ว ตุ๊กตาในชุดกิโมโน แจกันเซรามิก พัดญี่ปุ่นที่มีรูปดอกซากุระ ฯลฯ แต่ไม่สามารถละเมิดเงื่อนไขข้อหนึ่งได้ - อุปกรณ์เสริมต้องทำจากวัสดุธรรมชาติ

แม้ว่าการตกแต่งภายในห้องนอนแบบญี่ปุ่นจะเรียบง่ายและใช้งานได้จริง แต่ก็อนุญาตให้ใช้ดอกไม้ได้ เนื่องจากปรัชญาของคนกลุ่มนี้ระบุว่าเราควรอยู่ร่วมกับธรรมชาติเสมอ

ที่มุมห้องนอนคุณสามารถวางต้นบันไซเล็กๆ หรือดอกไม้ที่คุณชื่นชอบในแจกัน ผนังห้องของคุณจะดูดีหากคุณตกแต่งด้วยดอกไม้อิเคบานะ ทั้งสดและแห้ง

เพื่อตอบสนองความต้องการหลักของชาวญี่ปุ่น - เพื่อให้สอดคล้องกับธรรมชาติ ทุกสิ่งในบ้านจะต้องทำจากวัสดุธรรมชาติ เช่น ไม้ คอนกรีต ปูนปลาสเตอร์ อิฐ วอลล์เปเปอร์ด้วยไม้ไผ่ และอื่นๆ แก้วยังสามารถใช้ภายในได้

สไตล์ญี่ปุ่นหมายถึงแสงสว่างที่ดีในบ้าน แสงไม่ควรสว่างและนุ่มนวลเกินไป คุณสามารถทำเช่นนี้ได้โดยใช้โป๊ะโคมที่ติดตั้งบนโคมไฟธรรมดา ด้วยแสงไฟนี้ สิ่งของในห้องนอนทั้งหมดจึงถูกนำเสนอด้วยแสงที่น่าพึงพอใจ แสงและเงาผสมผสานกันทำให้รู้สึกผ่อนคลายมาก

ภายในสไตล์ญี่ปุ่นจะใช้สีเดียวเท่านั้น เสริมด้วยฮาล์ฟโทน เพื่อสร้างการตกแต่งห้องนอนที่เหมาะสม ควรใช้โทนสีขาว สีดำ สีเทา และสีครีม

ห้องนอนสไตล์ญี่ปุ่นโดดเด่นด้วยความเรียบง่าย การผสมผสานระหว่างพื้นผิวและสีที่กลมกลืนกันในระดับปานกลาง ความเรียบง่าย และการมีอยู่ของวัสดุธรรมชาติในการตกแต่งภายใน เมื่ออยู่ในห้องที่ตกแต่งสไตล์นี้ จิตวิญญาณจะได้สัมผัสถึงความกลมกลืนและความเงียบสงบ และร่างกายจะได้ผ่อนคลายจากการทำงานหนักมาทั้งวัน ห้องนอนดังกล่าวเต็มไปด้วยพื้นที่ว่างด้วยโอกาสและความปรารถนาในการสร้างสรรค์ที่เปิดกว้างและคุณยังสามารถซ่อนตัวจากความเร่งรีบและวุ่นวายในชีวิตประจำวันได้

สถานที่พักผ่อนในห้องนอนสไตล์ญี่ปุ่นควรตั้งอยู่กลางห้อง และเฟอร์นิเจอร์ควรดูหรูหราและซับซ้อนที่ทำจากวัสดุธรรมชาติ โดยเฉพาะไม้ไผ่ ส่วนใหญ่ใช้เป็นเบาะ ผ้าธรรมชาติ- ผ้าไหมและผ้าฝ้าย

หนึ่งใน องค์ประกอบสำคัญห้องนอนสไตล์ญี่ปุ่นโดดเด่นด้วยฉากบานเลื่อนซึ่งมักติดตั้งเพื่อซ่อนเตียงจากการสอดรู้สอดเห็น ใช้งานง่ายมาก หากคุณต้องการลบออก ก็ไม่ยากเลย ส่วนพื้นก็มักจะทำจากไม้ ผนังเสร็จสิ้นเพื่อสร้างโครงสร้างรับน้ำหนัก

และสำหรับการตกแต่งห้องนอนของญี่ปุ่นตกแต่งด้วยอิเคบานะ พัด ใบมีดและดาบ รูปเทพเจ้าจิ๋ว หีบและโคมไฟที่ทำจากกระดาษ อุปกรณ์เสริม ได้แก่ ต้นไม้ประดับหรือแจกันที่ดูดีที่มุมห้องหรือบนชั้นวางติดผนัง อย่างไรก็ตามไม่แนะนำให้วางอุปกรณ์เสริมมากเกินไปในการตกแต่งภายใน สไตล์ญี่ปุ่น หมายถึงความพอประมาณในทุกสิ่ง

การตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่นคืออะไร? ประการแรก นี่คือความเรียบง่ายเชิงสุนทรีย์อันละเอียดอ่อนในทุกสิ่ง มีพื้นฐานอยู่บนปรัชญาเซนซึ่งค้นพบความงดงามในทุกสิ่งที่กระชับ นั่นคือเหตุผลว่าทำไมหลักการสำคัญของการตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่นก็คือ “ความงามเล็กๆ น้อยๆ” สำหรับชาวญี่ปุ่น แนวคิดเรื่องความชัดเจนและการใช้คำฟุ่มเฟือยเป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้ ประการแรกคือ "การด้อยค่า" บางประการ ซึ่งจะลดการประดิษฐ์ให้เหลือน้อยที่สุด และทิ้งความงามตามธรรมชาติของวัสดุไว้บนพื้นผิว

สิ่งที่เรียบง่ายที่สุดสำหรับชาวญี่ปุ่นถือเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจและสุนทรียศาสตร์ ตั้งแต่สมัยโบราณ ต้นซากุระที่บานสะพรั่งหรือลำธารไหลรินได้แสดงถึงความสงบและจิตวิญญาณของจิตวิญญาณมนุษย์ และในขณะเดียวกัน หลักการทางศิลปะไม่ใช่งานฝีมือ มีความสำคัญอันศักดิ์สิทธิ์ พื้นที่นี้ขึ้นอยู่กับวัตถุขั้นต่ำซึ่งแต่ละชิ้นมีความหมายที่ลึกซึ้ง

เมื่อพิจารณาถึงปัญหาการขาดแคลนที่ดินที่มีมายาวนาน วัฒนธรรมญี่ปุ่นจึงใช้รูปแบบย่อส่วนมายาวนาน และทรัพยากรธรรมชาติที่มีจำกัดได้นำไปสู่การตกแต่งภายในที่เล็กลงและสวยงามยิ่งขึ้น สวนญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมมักครอบครองพื้นที่เล็กๆ และอาจประกอบด้วยต้นไม้ต้นเดียว บ่อน้ำเล็กๆ และหินสองสามก้อน

ชาวญี่ปุ่นถือว่าการตกแต่งภายในเป็นการตกแต่งบ้านของตน อิทธิพลขั้นต่ำของวัฒนธรรมอื่นนำไปสู่การสร้างเทคนิคเฉพาะและลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมญี่ปุ่นเท่านั้น วัสดุหลักที่ใช้คือ กระดาษ ไหม และกก ไม่รวมงานฝีมือหินและเหล็ก และแม้แต่พระราชวังก็ยังทำจากวัสดุแบบดั้งเดิมล้วนๆ

ญี่ปุ่นมักได้รับผลกระทบจากแผ่นดินไหว ที่อยู่อาศัยจึงถูกวางไว้บนเสาสูง

เส้นตรงและมุมฉากในทุกสิ่ง - นี่คือการตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่น อักษรอียิปต์โบราณและผ้าที่วาดด้วยลวดลายเรียบลื่นทำให้ดูนุ่มนวลและเพิ่มความซับซ้อนเล็กน้อย และในปัจจุบันเฟอร์นิเจอร์ของญี่ปุ่นมีพื้นผิวเรียบ โต๊ะและที่นั่งก็ต่ำมากเหมือนเมื่อหลายศตวรรษก่อน บ่อยครั้งที่ชาวญี่ปุ่นจะนั่งบนพื้นหน้าโต๊ะ วิธีการด้นสด (กล่องสำหรับตะเกียบหรือฝากล่อง) มักใช้เป็นเครื่องใช้

นอกจากความเบาตามปกติแล้ว ภายในห้องโดยสารแบบญี่ปุ่นยังมีความเข้มงวดพอสมควรอีกด้วย พื้นที่ใดก็ตามมีเหตุผลเชิงปรัชญาของตัวเองซึ่งอยู่ใกล้กับธรรมชาติมากที่สุด นี่คือสิ่งที่สั่งสอนมาตั้งแต่กำเนิดของประเพณีทางศาสนาในญี่ปุ่น

เสื่อทาทามิทำจากฟางข้าวและมักใช้เป็นพื้น ขนาดของมันคือ 180 × 90 อย่างเคร่งครัด ชาวญี่ปุ่นให้ความสนใจเป็นพิเศษกับพื้น เนื่องจากไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นที่นั่งเท่านั้น แต่ยังเป็นสถานที่รับประทานอาหารอีกด้วย โดยทั่วไปแล้วพรมปูพื้นกกมักทำด้วยสีเหลืองหรือสีครีม และวัสดุปูพื้นสำหรับเทศกาลวันหยุดก็ทำด้วยด้ายสี สำหรับการนั่งจะวางหมอนนุ่ม ๆ ไว้บนเสื่อและติดตั้งขาตั้งที่ด้านข้างสำหรับข้อศอก ทุกสิ่งในการตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่นมุ่งมั่นเพื่อความเรียบง่าย แม้แต่คนญี่ปุ่นที่มีส่วนสูงก็มีส่วนทำให้บ้านมีความสูงต่ำ

สำหรับอพาร์ทเมนต์ญี่ปุ่นสมัยใหม่ ตู้แบบยุโรปยังคงเป็นสิ่งมหัศจรรย์มาจนถึงทุกวันนี้ และสิ่งของที่จำเป็นทั้งหมดจะถูกเก็บไว้ในตู้ที่ตกแต่งด้วยงานแกะสลักและหอยมุก ตามธรรมเนียมแล้ว ในบ้านของญี่ปุ่น จะมีการเจาะรูบนผนัง หนึ่งในนั้น (โทโคโนมะ) เมื่อแขกมาถึง มีการติดตั้งฟิกเกอร์ และวางอิเคบานะ นอกจากนี้ ห้องพักอันแสนสบายยังตกแต่งด้วยม้วนกกและตุ๊กตาสัตว์ต่างๆ (เนทสึเกะ)

ชาวญี่ปุ่นใช้หมอนเพื่อการนั่งที่สบายโดยเฉพาะ และสำหรับการนอน หมอนที่ทำจากพอร์ซเลนและไม้มีการผลิตมายาวนานโดยวางไว้ใต้ศีรษะและนวดกล้ามเนื้อคอ แสงสว่างในบ้านของญี่ปุ่นนั้นดั้งเดิมทำด้วยเทียนเซรามิกและเชิงเทียนหิน หรือโคมไฟที่คลุมด้วยโป๊ะกระดาษข้าวอันหรูหรา

จานสีที่เข้มงวดบวกกับเฟอร์นิเจอร์ที่เรียบง่ายแต่เน้นความเรียบง่ายของการตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่น ผนังมักจะสว่างและเฟอร์นิเจอร์ทำจากไม้สีเข้ม เชื่อกันว่าชาวญี่ปุ่นเก่งกว่าชนชาติอื่นในการแยกแยะเฉดสีที่หายาก สีของมันเป็นธรรมชาติโดยเฉพาะ: สีชมพูเหมือนสีของซากุระ หรือสีฟ้าเหมือนคลื่นทะเล นั่นคือเหตุผลที่ชาวญี่ปุ่นสามารถเห็นการผสมสีที่ไม่ธรรมดาสำหรับสไตล์ยุโรป สีที่ชอบคือผสมสีน้ำเงินและสีเขียว สีส้มและสีม่วง

จุดเด่นของบ้านแบบญี่ปุ่นคือฉากกั้นที่สามารถเคลื่อนย้ายได้อย่างสวยงาม (fusuma) มีประโยชน์อย่างมากในการจัดโครงสร้างพื้นที่ขนาดเล็ก การย้ายฟูซุมะไปถูกที่จะทำให้คุณมีห้องนั่งเล่นและห้องครัวในห้องเดียวได้อย่างง่ายดาย นอกจากนี้ในบ้านญี่ปุ่นไม่มีประตู แต่จะถูกแทนที่ด้วยผ้าม่านและมุ้งลวด

วัสดุของญี่ปุ่นสร้างความประหลาดใจให้กับจินตนาการอันซับซ้อนของชาวยุโรปมาโดยตลอด มีการตกแต่งอย่างประณีตด้วยลวดลายดอกไม้ ผ้าหรือผ้าไหมญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมซึ่งใช้สำหรับมุ้งลวด ผ้าม่าน หมอน และผ้าคลุมเตียง

ศิลปะการจัดช่อดอกไม้ (อิเคบานะ) ถือเป็นสถานที่พิเศษในวัฒนธรรมญี่ปุ่น วงดนตรีดอกไม้ดังกล่าวสามารถถ่ายทอดอารมณ์ของเจ้าของบ้านได้อย่างง่ายดาย อิเคบานะมีสองสไตล์ ได้แก่ โมริบานะ และนาเกอิเระ ซึ่งแตกต่างกันในแจกันสำหรับวางดอกไม้: ต่ำหรือสูง ศิลปะการปลูกต้นไม้จิ๋ว (บอนไซ) ได้รับความนิยมไม่น้อยในญี่ปุ่น บอนไซช่วยเติมเต็มการตกแต่งภายในของบ้านญี่ปุ่นทุกหลัง

ญี่ปุ่นปลูกสวนเล็ก ๆ รอบบ้านซึ่งจำเป็นต้องมีบ่อน้ำเทียม มอส หินหลายก้อนและดอกไม้แบบดั้งเดิม (ไอริส ดอกเบญจมาศ) สวนแต่ละแห่งสอดคล้องกับปรัชญาภายในของเจ้าของ ดังนั้นแผนผังของสวนจึงเป็นงานพิเศษ

ในปัจจุบัน นักออกแบบที่ใช้สไตล์ญี่ปุ่นมีความเรียบง่าย ตู้เสื้อผ้าบิวท์อินและโต๊ะเตี้ยมักพบในบ้านสไตล์ยุโรป ฉากกั้นแบบเคลื่อนที่ได้ และฉากกั้นขนาดกะทัดรัด แต่ชาวยุโรปเองก็มองว่าการตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่นเป็นสิ่งเล็กๆ เหมือนกระดาษ มีความซับซ้อน และซับซ้อน เช่นเดียวกับอิเคบานะ ถึงกระนั้นปรมาจารย์หลายคนยังไม่หยุดทำงานเกี่ยวกับความลับของศิลปะภายในของดินแดนอาทิตย์อุทัย

เมือง. ความเชื่อมโยงระหว่างสถาปัตยกรรมประวัติศาสตร์และสถาปัตยกรรมสมัยใหม่

สถาปัตยกรรมตกแต่งภายในสีสัน

โกเบเป็นเมืองใหญ่อันดับหกของญี่ปุ่น ตั้งอยู่บนชายฝั่งทางใต้ของเกาะฮอนชู

เช่นเดียวกับที่โยโกฮาม่าเป็นเมืองท่าที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม จำนวนประชากรก็น้อยกว่าเกือบ 2 เท่า - เพียงประมาณ 1.5 ล้านคนเท่านั้น แม้ว่าการตั้งถิ่นฐานบนพื้นที่โกเบจะมีมาเป็นเวลานาน (การกล่าวถึงครั้งแรกเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 201) แต่ก็ไม่ได้มีส่วนร่วมในกิจกรรมทางการเมืองเป็นพิเศษ เพียงในปี พ.ศ. 2432 การตั้งถิ่นฐานได้ก่อตัวเป็นเมืองขึ้นและมีความคล้ายคลึงกับที่เป็นอยู่ในปัจจุบัน โกเบเป็นหนึ่งในเมืองที่เปิดทำการค้ากับชาติตะวันตก เมืองนี้ได้รับความเดือดร้อนอย่างมากในปี 1995 ในช่วงแผ่นดินไหวครั้งใหญ่ฮันชิน

สถานที่ที่มีชื่อเสียงในโกเบ ได้แก่ หอคอยท่าเรือโกเบ พิพิธภัณฑ์การเดินเรือโกเบ (มีหลังคาทรงแปลกตา) และตั้งอยู่ในจัตุรัสฮาร์เบอร์แลนด์ ตรงข้ามกับย่านบันเทิงมาริคังพาร์ค

โพสต์บน Allbest.ru

...

เอกสารที่คล้ายกัน

ศึกษาวัฒนธรรมจีนและญี่ปุ่น สถานที่พิเศษของจีนในภูมิภาคเอเชียแปซิฟิก ลัทธิขงจื๊อและลัทธิเต๋า การผสมผสานสมัยใหม่ของวัฒนธรรมญี่ปุ่น จิตรกรรมและสถาปัตยกรรม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ พิธีกรรมและปฏิทินทางศาสนา

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 17/03/2556


ศิลปะชาติพันธุ์และการตกแต่งและประยุกต์ของชาวอัลไตในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 การแปรรูปเครื่องประดับและโลหะ แปรรูปผ้าสักหลาดและวัสดุผ้าเนื้อนุ่ม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของชาวคาซัค ลักษณะของหัตถกรรมพื้นบ้าน

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 06/07/2014


ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมญี่ปุ่น ภาษาและการเขียนภาษาญี่ปุ่น วรรณคดีและจิตรกรรม การประดิษฐ์ตัวอักษร ประติมากรรม ศิลปะและงานฝีมือ งานฝีมือ ภาพยนตร์ สถาปัตยกรรม ศาสนา ประเภทเสื้อผ้าหลักคุณลักษณะของอาหารประจำชาติ ตำนานเกี่ยวกับซามูไร

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 25/04/2556


ศึกษาวัฒนธรรมจีนในศตวรรษที่ 14-19 คณะวัดแห่งกรุงปักกิ่ง สถาปัตยกรรม จิตรกรรม และมัณฑนศิลป์ในสมัยหมิงและชิง การสร้างอาคารพระราชวัง: พระราชวังอิมพีเรียล (เมืองต้องห้าม) สถานที่ฝังศพของจักรพรรดิซือซานหลิง

งานหลักสูตรเพิ่มเมื่อ 06/11/2014


การยอมรับศาสนาคริสต์และอิทธิพลของศาสนาคริสต์ต่อวัฒนธรรมรัสเซีย การเขียนและการศึกษาการรู้หนังสือของประชากร แก่นและประเภทของวรรณกรรมพงศาวดาร สถาปัตยกรรมและการก่อสร้าง จิตรกรรม และดนตรี ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และวัฒนธรรมทางวัตถุ

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 26/07/2010


ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์เป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมประจำชาติ บทบาทของสิ่งของในครัวเรือน ประเพณีพื้นบ้านเฉลิมฉลองเหตุการณ์สำคัญในชีวิต ผ้าขนหนูที่มีปลายปักหรือทอยาว ทัพพีทาสีเป็นรูปเรือ

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 03/04/2013


ช่วงเวลาหลักของการพัฒนาอินโดนีเซียในฐานะรัฐ ปัจจัยที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมทางวัตถุและจิตวิญญาณของอินโดนีเซีย องค์ประกอบและลักษณะทางชาติพันธุ์ของเครื่องแต่งกายประจำชาติของชาวอินโดนีเซีย ศิลปะและงานฝีมือของชาวอินโดนีเซีย

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 17/03/2017


วัฒนธรรมและประเพณีของสเปน คุณสมบัติการออกแบบ ลักษณะของชุดประจำชาติสเปน - รูปร่างโทนสีการตกแต่ง ภาพสะท้อนความเป็นเอกลักษณ์ของเครื่องแต่งกายประจำชาติสเปนและองค์ประกอบในคอลเลกชันของนักออกแบบและนักออกแบบเสื้อผ้าสมัยใหม่

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 05/01/2012


วัฒนธรรมของญี่ปุ่นศตวรรษที่ XV-XVII - ยุคแห่งความสัมพันธ์ศักดินาที่พัฒนาแล้ว แนวโน้มการพัฒนาหลัก สถาปัตยกรรม. ศิลปะจัดสวน. จิตรกรรมขาวดำ พิธีชงชา การก่อสร้างป้อมปราการ การศึกษา. วรรณกรรม. ละคร - คาบูกิและหนู

วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 26/04/2551


ลักษณะเด่นลักษณะเด่นของอารยธรรมอียิปต์โบราณ ลัทธิเทพเจ้าแห่งอียิปต์ศาสนาเดียวซึ่งเป็นศาสนาของชาวอียิปต์โบราณ การเขียน การตรัสรู้ และวิทยาศาสตร์ในอียิปต์โบราณ สถาปัตยกรรม วิจิตรศิลป์ และมัณฑนศิลป์ของอียิปต์

ศิลปะแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นขึ้นอยู่กับหลักการดั้งเดิมและดั้งเดิม รสนิยมและความชอบของคนญี่ปุ่นนั้นแตกต่างอย่างมากจากลำดับความสำคัญด้านสุนทรียภาพของผู้อยู่อาศัยในประเทศอื่น ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในญี่ปุ่นก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเองเช่นกัน

งานตกแต่งถูกสร้างขึ้นในประเทศนี้มานานหลายศตวรรษ ซึ่งรวมถึงผลิตภัณฑ์เซรามิกและพอร์ซเลน ผ้าและเสื้อผ้าตกแต่ง ไม้ โลหะและกระดูกแกะสลัก อาวุธที่สวยงาม และอื่นๆ อีกมากมาย

โดยทั่วไปแล้ว ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์จะเน้นไปที่จุดใดจุดหนึ่ง ผลิตภัณฑ์ต่างๆ ถูกสร้างขึ้นไม่เพียงแต่เพื่อให้เพลิดเพลินในการไตร่ตรองอย่างมีสุนทรีย์เท่านั้น แต่ยังเพื่อใช้ในชีวิตประจำวันอีกด้วย

และสำหรับชาวญี่ปุ่นแล้ว สิ่งที่สำคัญมากไม่ใช่แค่การใช้งานศิลปะประเภทนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงด้วย ตกแต่งชีวิตของคุณชื่นชมความงามของพวกเขา คนญี่ปุ่นมีทัศนคติต่อความงามเป็นพิเศษมาโดยตลอด พวกเขาจินตนาการว่าความยิ่งใหญ่และความสง่างามสามารถถ่ายทอดออกมาเป็นคำพูดได้ อย่างไรก็ตาม ความงามนั้นอยู่เหนือโลกธรรมดา ชีวิตทั้งชีวิตของบุคคลนั้นเป็นเพียงชั่วคราว หลังจากความตาย วิญญาณก็ย้ายไปยังโลกที่สวยงามและลึกลับ

คุณสมบัติที่ระบุไว้ทั้งหมดของโลกทัศน์ของญี่ปุ่นสะท้อนให้เห็นในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ การกระทำใดๆพร้อมด้วยการใช้ Gizmos ที่ทำขึ้นเป็นพิเศษเพื่อจุดประสงค์นี้

ตัวอย่างเช่น, ชาหรือสาเกพวกเขาดื่มจากถ้วยที่หยาบและไม่สม่ำเสมอ อย่างไรก็ตาม พวกเขาคือผู้ที่มีคุณค่าในความงามของตนซึ่งมีอยู่ในอีกโลกหนึ่ง

ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้ยิ่งใหญ่สร้างสรรค์วัตถุให้มีลักษณะสวยงาม ฟิกเกอร์ - เนทสึเกะ, กล่อง - อินโร, เครื่องเขิน, โคโซเดะที่หรูหรา, ฉากกั้น, พัด - ทั้งหมดนี้ตกแต่งด้วยรสนิยมทางศิลปะและความสง่างาม

Netsuke - ประติมากรรมจิ๋ว

ผู้ชายใช้ประติมากรรมขนาดจิ๋วเพื่อบรรทุกสิ่งของต่างๆ ไปป์ กระเป๋า หรือกระเป๋าเงินติดอยู่กับเข็มขัดของชุดกิโมโนโดยใช้เน็ทสึเกะ

แต่ละ ตุ๊กตาจิ๋วดำเนินการบันทึกเชิงสัญลักษณ์เช่น หมายถึงบางสิ่งบางอย่าง

ความเป็นมืออาชีพในการดำเนินการเห็นได้จากประติมากรรมของญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม ศิลปะในการสร้างเนทสึเกะมีต้นกำเนิดมาค่อนข้างเร็ว ๆ นี้ ในปี 1603 - 1868ของปี. ช่วงเวลานี้ในประเทศญี่ปุ่นเรียกว่า เอโดะ.

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นคือ โดรากุไซ(ศตวรรษที่สิบแปด) ซิวหมิน(ปลายศตวรรษที่ 18) โทโมทาดะ(ศตวรรษที่สิบแปด) มาซัตสึกุ(ศตวรรษที่ 19) เกียวคุมิน(ศตวรรษที่ XIX) และอื่น ๆ

รูปภาพประเภทใดที่ไม่ได้ใช้ในการสร้างเนทสึเกะ และกิจกรรมประจำวันของพลเมืองและแนวคิดทางศาสนาและรูปสัตว์ต่างๆ ปรมาจารย์ชอบวาดภาพวีรบุรุษในวรรณกรรม เทพนิยาย และนักรบญี่ปุ่นผู้โด่งดัง

หากก่อนศตวรรษที่ 19 มีใครสังเกตเห็นในประติมากรรม ความไม่สมดุลของแบบฟอร์มและไม่สอดคล้องกับภาพจริง จากนั้นปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นในเวลาต่อมาก็พยายามพรรณนาตัวละครและถ่ายทอดลักษณะเฉพาะของเขาให้แม่นยำยิ่งขึ้น โลกธรรมชาติกลายเป็นที่น่าดึงดูดสำหรับผู้สร้างเนทสึเกะมากขึ้น

ตลอดหลายทศวรรษที่ผ่านมา เทคโนโลยีในการสร้างตุ๊กตาจิ๋วได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

หากในช่วงเริ่มต้นของแนวโน้มนี้ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่นวัสดุนี้มักจะถูกนำมาใช้ ไม้หรืองาช้างจากนั้นในศตวรรษที่ 19 ปรมาจารย์ก็เริ่มใช้ เครื่องลายคราม ปะการัง โลหะ อาเกตและวัสดุอื่นๆ เน็ทสึเกะไม้จำเป็นต้องขัดด้วยผงถ่าน ถูด้วยน้ำมันแฟลกซ์ และเคลือบเงาด้วยผ้าไหม กระบวนการวาดภาพมีเส้นทางที่ซับซ้อนมากขึ้น

Inro - กล่องสำหรับใส่สิ่งของจำเป็น

สิ่งที่สวยงามที่สุดในงานศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่นถือเป็นกล่อง - เหมือนกล่องจิ๋ว

พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของเครื่องแต่งกายของผู้หญิงหรือผู้ชาย หากผู้ชายแขวนอินโระเหมือนเนสึเกะจากเข็มขัดชุดกิโมโน ผู้หญิงก็จะสวมไว้หลังแขนเสื้อ

อินโรที่แปลคือ กล่องแสตมป์ซึ่งใช้ใส่สิ่งของเล็กๆ น้อยๆ ต่างๆ มีสาขาภายในหลายสาขา ช่างฝีมือที่ทำผลิตภัณฑ์ประเภทนี้พยายามทำให้อินโรเสร็จสิ้นด้วยความสง่างามและรสนิยมทางศิลปะ ใช้การลงแล็คเกอร์ การฝังหอยมุก และการตกแต่งด้วยงาช้างและหินมีค่า ตลอดจนเทคนิคต่างๆ ในการตกแต่งภายใน

โคโซเดะ - กิโมโนแขนสั้น

โคโซเดะเป็นที่รู้จักมายาวนานว่าเป็นเสื้อผ้าญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม เฉพาะในสมัยเอโดะเท่านั้นที่ชุดกิโมโนแขนสั้นเริ่มได้รับการตกแต่งอย่างสดใสโดยใช้เทคโนโลยีการย้อมผ้าแบบใหม่

โคโซเดะกลายเป็นวัตถุของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ควรสังเกตว่าขึ้นอยู่กับโอกาสในชีวิตของคนญี่ปุ่น ชาวญี่ปุ่นจะสวมโคโซเดะที่ตกแต่งในลักษณะใดลักษณะหนึ่ง การใช้เส้นไหมที่หลากหลายให้ผลลัพธ์ที่น่าอัศจรรย์ โคโซเดะแต่ละตัวเป็นตัวแทน วัตถุแห่งศิลปะการตกแต่งคนญี่ปุ่น.

พัดเป็นผลงานศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่น

พัดลมยังดึงดูดความสนใจของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นและกลายเป็นวิชาศิลปะอีกด้วย พัดลม - sensuมาญี่ปุ่นน่าจะมาจากจีนมากที่สุด และปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นก็ได้มอบรูปลักษณ์ที่หรูหราและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของตัวเองแล้ว

ประเภทพัดลม - อูติวาถือเป็นสิ่งประดิษฐ์ของญี่ปุ่นล้วนๆ นี่คือพัดกลีบดอกไม้ที่ทำจากไม้ชิ้นเดียว แล้วหุ้มด้วยผ้าไหมหรือกระดาษราคาแพง ลงบนลวดลายที่สวยงาม

หัวข้อของภาพวาดมีตัวละครที่แตกต่างกัน ประเพณีของญี่ปุ่นสามารถมองเห็นได้ด้วยตาเปล่าในงานศิลปะทุกชิ้น เช่น พัด

อย่างไรก็ตาม ญี่ปุ่นยังสร้างพัดเวอร์ชันที่ใช้ในการต่อสู้ด้วย ตามปกติแล้ว ไอเทมดังกล่าวจะถูกนำมาใช้เมื่อให้คำแนะนำในสนามรบ การตกแต่งบางประเภทมาพร้อมกับพัดลมตัวนี้ บ่อยครั้งที่ภาพนี้แสดงวงกลมสีแดงบนพื้นหลังสีเหลืองด้านหนึ่ง และวงกลมสีเหลืองบนพื้นหลังสีแดงอีกด้านหนึ่ง

ดาบศิลปะญี่ปุ่น

หลักการทางสุนทรีย์ของศิลปะและงานฝีมือของญี่ปุ่นแสดงออกอย่างเต็มที่ในการผลิตและการตกแต่งดาบเชิงศิลปะ

ม เอคเป็นวัตถุสักการะพิเศษสำหรับชาวญี่ปุ่น และใช้วัสดุและเทคนิคต่างๆ ในการสร้าง

ดาบญี่ปุ่นไม่เพียงแต่สง่างามในรูปแบบเท่านั้น โครงสร้างพิเศษของเหล็ก เส้นแวววาวของใบมีด พื้นผิวที่ได้รับการขัดเงาอย่างพิถีพิถัน ถือเป็นคุณลักษณะเฉพาะของวัตถุชิ้นนี้ว่าเป็นผลงานศิลปะชั้นสูงของญี่ปุ่น ดาบบางเล่มยังตกแต่งด้วยรูปปั้นมังกร ตราแผ่นดินซามูไร และประดับด้วยอักษรอียิปต์โบราณ

ที่ญี่ปุ่นก็มี โรงเรียนช่างปืนผู้สร้างดาบต่อสู้ต่าง ๆ เชี่ยวชาญในการตกแต่งอาวุธอย่างมีศิลปะ ช่างทำปืนที่มีชื่อเสียงเช่น มาซามุเนะ (จบ.สิบสามศตวรรษ - จุดเริ่มต้นที่สิบสี่ศตวรรษ)มีชื่อเสียงไปทั่วญี่ปุ่นในด้านทักษะของเขา ผู้ร่วมสมัยของเราซึ่งเป็นผู้ชื่นชอบอาวุธญี่ปุ่นหลายคนใฝ่ฝันที่จะซื้อดาบที่เขาสร้างขึ้น

ผลิตภัณฑ์แล็คเกอร์และเซรามิก

ผลิตภัณฑ์แล็คเกอร์ใช้ทุกที่ในญี่ปุ่น ซึ่งรวมถึงจาน เครื่องใช้ในครัวเรือน สิ่งของที่จำเป็นสำหรับการดูแลส่วนบุคคล ชุดเกราะ และแม้กระทั่งอาวุธ บ้านของขุนนางก็ตกแต่งด้วยผลิตภัณฑ์ที่คล้ายกัน

เคลือบเงาแบบดั้งเดิมสีที่ช่างฝีมือชาวญี่ปุ่นใช้คือสีแดง สีดำ และสีทอง สิ้นสุดยุคเอโดะโดดเด่นด้วยการผลิตวาร์นิชสีเขียว สีน้ำตาล และสีเหลือง และเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ชาวญี่ปุ่นได้ผลิตสีเคลือบเงาสีขาว สีม่วง และสีน้ำเงิน เคลือบแลคเกอร์การใช้ทองคำ หอยมุก และเงินเป็นวิธีการที่งดงามที่สุดในการตกแต่งผลิตภัณฑ์ต่างๆ โดยช่างฝีมือชาวญี่ปุ่น

ผลิตภัณฑ์เซรามิคยังเป็นวิชาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ของญี่ปุ่นอีกด้วย เทคโนโลยีหลายอย่างนำมาจากประเทศจีนและเกาหลี อย่างไรก็ตาม เซรามิกของญี่ปุ่นมีความโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าช่างฝีมือให้ความสนใจอย่างมากไม่เพียงแต่กับพารามิเตอร์ต่างๆ เช่น รูปร่าง เครื่องประดับ และสีเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงความรู้สึกที่ผลิตภัณฑ์เซรามิกจะกระตุ้นเมื่อสัมผัสกับฝ่ามือของมนุษย์ด้วย

ผลิตภัณฑ์ศิลปะเซรามิกในญี่ปุ่นมีอาหารหลากหลายประเภท เช่น กาน้ำชา ภาชนะสาเก จานตกแต่ง หม้อ และอื่นๆ แจกันพอร์ซเลนผนังบางยังคงเป็นที่ต้องการในประเทศตะวันตก

ความสนใจ!สำหรับการใช้งานเนื้อหาใดๆ ของไซต์ จำเป็นต้องมีลิงก์ที่ใช้งานอยู่!