O particulă de materie în fizica cuantică. Particule elementare de materie. Fax și copiator Quantum

Arte și Meserii

Artele și meșteșugurile atât din China, cât și din Japonia este, la prima vedere, o tradiție independentă, care nu are legătură directă cu substratul cultural general. Dar această impresie este eronată. Deși amplasarea locurilor de producție de porțelan, mătase, lac s-a datorat condițiilor naturale și geografice (clima, depozitele de materii prime și creșterea speciilor de arbori corespunzătoare), intensitatea dezvoltării acestor industrii și caracteristicile lor artistice. au fost determinate tocmai de factori istorici şi culturali.

În plus, artele și meșteșugurile au absorbit întreaga experiență artistică a Orientului Îndepărtat: pictură pe porțelan, modele pe țesături, sculptură pe lac, artă plastică în miniatură realizată în orice materiale - toate reproducând imagini figurative și simbolice universale pentru cultura de civilizaţia chineză.rangurile. Prin urmare, fiecare produs al artei decorative și aplicate este un reprezentant cu drepturi depline al bogăției culturale naționale.

Artele și meșteșugurile din China sunt reprezentate de multe meșteșuguri diferite, meșteșuguri și tehnici locale. Cu toate acestea, producția de lac, țesut de mătase și porțelan de către M.E. Kravtsov sunt considerate pe bună dreptate soiurile sale cele mai reprezentative. Istoria culturii chineze. SPb., 2003. - P.105.

Lacul este una dintre cele mai vechi producții din China: printre materialele arheologice din Neolitic au fost găsite fragmente de produse cu suprafață de lac. Diferite tipuri de articole - vase, articole de uz casnic, accesorii funerare (sicrie) - au fost realizate în epoca Yin și în diferite tehnici.

Lacul este o substanță de origine organică, obținută din sucul unui anumit soi chinezesc de arbori din familia Anacardiaceae (Sumak, sau Shmak). În funcție de tehnologia de producție și caracteristicile de decor, lacul este împărțit în trei soiuri principale: pictat, sculptat și încrustat. Lacul pictat este un tablou realizat cu vopsele de lac si acoperit cu lac incolor. Lac sculptat - sculptură pe lac, mai precis pe straturile sale, care se aplică unul după altul pe bază într-o cantitate de la 38 la 200. Lacul sculptat este de obicei de culoare roșie, cu toate acestea, permite și fabricarea de produse policrome: straturi sunt aplicate pe bază culoare diferita, iar apoi sculptura este efectuată ținând cont de straturile de deschidere

Lacul incrustat este realizat aproape exact în același mod ca și lacul sculptat, adică prin sculptură pe straturi de lac. Dar apoi golurile rezultate sunt umplute cu alte materiale. Din punct de vedere artistic și estetic, produsele cu incrustație sidef și coajă de ou. In tehnica lacului incrustat se pot produce si diverse tipuri si categorii de produse. A fost folosit mai ales pe scară largă în afacerea cu mobilă. Din secolul al XVIII-lea există un amestec de tehnici diferite într-un singur produs: de exemplu, lac roșu sculptat cu incrustație sau lac incrustat, completat de picturi. Centrul principal pentru fabricarea lacului încrustat este încă provincia sudică a Chinei Fujian Ibid., p.107.

Creșterea mătăsii și țesutul mătăsii, a cărei invenție este atribuită de tradiție semizeilor și eroilor (în special, Xilinchi, soția împăratului Galben Goanchi) Această legendă este cunoscută în Rusia în prelucrarea lui L.N. Tolstoi, de asemenea, era deja cunoscută, judecând după materialele arheologice, populației neolitice din China. Țesutul mătăsii a atins o scară specială și o perfecțiune tehnologică în epoca Han. În timpul dinastiei Tang, a suferit schimbări semnificative datorită împrumutării proceselor tehnologice de la popoarele de limbă turcă, precum și a sosirii în China a coloranților necunoscuți anterior.

Multe tipuri de mătase chinezească, precum satinul și brocartul, au apărut tocmai în secolele VII-VIII.

Porțelanul ocupă un loc special în cultura chineză.

Cuvântul „porțelan” este de origine persană și înseamnă „imperial” în farsi. Acest nume se potrivește perfect cu natura atitudinii față de porțelanul chinezesc din afara Chinei. În Europa medievală, bibelomele de porțelan care ajungeau accidental acolo erau venerate ca relicve prețioase. În China însăși, porțelanul nu era altceva decât una dintre varietățile de ceramică locală: denumirea sa terminologică inițială era „lutul caolin glazut”.

În prezent, ceramica chinezească cu caolin este de obicei împărțită în două soiuri independente: porțelanul în sine și ceramica „de piatră”. Porțelanul în sine, în primul rând, constă din două materiale naturale - argila caolin (termenul provine de la toponimul Gaoling, lit. "deal înalt" - numele zonei din provincia Jiangxi, unde se aflau principalele depozite de astfel de argile) și " piatră de porțelan” - o rocă specifică de origine vulcanică, care este o varietate de feldspat combinată cu mica albă Ibid., p.108.

În prezent, pe fundalul unui alt val de interes pentru fenomenele culturii chineze, atenția acordată produselor din porțelan din secolul al XIX-lea este în creștere. (În timpul dinastiei Qing din Manciuria). Fiind exemple ale unuia dintre fenomenele specifice artei tradiționale chineze, acestea rămân, în același timp, un obiect de colecție relativ accesibil, spre deosebire de lucrările anterioare, care în cea mai mare parte s-au instalat deja în colecțiile muzeelor. Criza sistemică generală a culturii Chinei din secolul al XIX-lea, care a provocat un declin în sectorul artizanat, a atins un punct extrem în domeniul producției de porțelan. Cu toate acestea, echilibrându-se în pragul colapsului complet, sufocându-se de expansiunea externă și de declinul pieței interne, a rezistat în continuare celor mai nefavorabile condiții - în a doua jumătate a secolului, dezvoltarea acestei industrii a primit din nou o dinamică pozitivă, în timp ce Meșterii au reușit să treacă de la produse mediocre care satisfac nevoile zilnice, la produse extrem de artistice de nivel palat.

Pe lângă analiza principalelor direcții în dezvoltarea artei porțelanului chinezesc, sunt identificate produse tipice pentru fiecare dintre ele. Acestea sunt, în primul rând, stilizări pentru clasici, reproducătoare diverse opțiuni decor, care deja la începutul secolului al XIX-lea. au fost considerate arhaice – de exemplu, pictura policromă precum utsai, doutsai, pictura din gama familiei verzi etc. O atenție deosebită s-a acordat ornamentelor de tip Ming și Qing – alături de caracteristicile lor comparative, evoluția acestora din urmă. este urmărită în lucrare. Astfel, ceramiştii au reprodus elemente din diverse stiluri ale trecutului, datorită cărora un produs modern a căpătat o notă de antichitate. Pe de altă parte, au căutat să păstreze direcția stilistică care se dezvoltase în sfârşitul XVI-leaÎn secolul al II-lea și în prima jumătate a secolului al XIX-lea, era încă perceput ca o tradiție vie - „stilul luxos” al erei Qianlong, care a devenit una dintre cele mai izbitoare expresii ale culturii imperiale. Disertația discută cele mai reprezentative exemple ale sale: produse cu pictură wanhua, produse cu pictură în stil cloisonne, porțelan brocart. O atenție deosebită este acordată așa-numitelor. Boluri Peking care au apărut în secolul al XIX-lea. una dintre cele mai izbitoare expresii ale metodei eclectice Vinogradova NA Artă tradițională din China. Dicționar terminologic. M., 1997. - P.282.

Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. unul dintre punctele de plecare pentru dezvoltarea producției de porțelan de stat a fost principiul tradițional al fangu (copierea antichității), care a determinat în mare măsură fenomenul restauraționalismului artistic, care s-a format în China pre-Qing. După cum se știe, copiarea monumentelor antice a fost în ochii chinezilor una dintre modalitățile de conservare a acestora și, în același timp, a fost percepută ca un semn al viabilității tradiției. Astfel, întoarcerea către trecut era deja un mijloc încercat și testat care a servit ca un fel de apel la autoritate, și nu întâmplător în repriza secundă. secolul al 19-lea Motto-ul politic al casei conducătoare Manchu a fost declarația renașterii valorilor spirituale naționale, care și-a găsit expresia în estetica modelului antic, care a stat în același timp și la baza dezvoltării și a tendințelor eclectice. Și dacă la începutul domniei lui Tongzhi (1862-1874) încă nu dezvăluie un vector clar de dezvoltare - arta ceramică este îndreptată către diverse stiluri din trecut, care s-au răspândit în perioada din epoca Song (din a 2-a jumătate a secolului al X-lea) până în epoca Qing-ului mijlociu (sec. XVIII), apoi, în perioada ulterioară, tradițiile Qing, care s-au format în secolul trecut și s-au înscris în ultimul sfert, sunt cele care sunt determinate cu prioritate. sursă. secolul al 19-lea deja un clasic. Într-un număr de componente diferite ale stilului Qing - Manchu, Chinez (Han), European, Sino-Tibetan, Chou - s-a dat preferință componentelor Manchu și Chou reale. Acesta din urmă a jucat rolul semnelor de mare antichitate sau a epocii de aur, care este un model standard de guvernare, la precedentul istoric al căruia dinastia Qing sa îndreptat nu pentru prima dată Vinogradova NA Arta tradițională a Chinei. Dicționar terminologic. M., 1997. - P.91.

În același timp, ceramiștii demonstrează dorința de a-și crea propriul stil, care a fost dezvăluit clar încă de la sfârșitul anilor 60. al XIX-lea, când eclectismul a căpătat un caracter sistemic și a căpătat semnificația unei direcții independente. Compilarea arbitrară a elementelor eterogene în organizarea unei opere de artă, care era caracteristică artei ceramice chineze în prima jumătate a secolului luat în considerare, a făcut loc unei alegeri conștiente care vizează căutarea unui fel de integritate artistică în arta curții. - propria sa versiune a stilului Qing, permițând ultimilor reprezentanți ai casei Manchu să-și demonstreze propria independență. Exemplul cel mai ilustrativ aici este corpul monumentelor, care în literatura științifică sunt asociate cu ordine speciale executate sub patronajul împărătesei văduve Ci Xi.

Perioada dinastiei Qing a fost faza finală a dezvoltării izolate a vechii Chine - o perioadă de prăbușire treptată, dar inexorabilă a Marelui Imperiu. Implicată în interacțiuni interculturale, ea a descoperit o criză în paradigma culturală tradițională: războaiele opiumului cu Occidentul și o serie de acorduri de pace ulterioare care au fost în detrimentul Chinei, cuplate cu tulburări interne și inundații repetate distructive ale râurilor, precum și un război cu Japonia, a adus Imperiul Qing în pragul dezastrelor naționale.

Acest conflict a determinat cei doi vectori principali ai gândirii politice și filozofice - occidentalismul și național-tradiționalismul. Trecând prin prisma practicii artistice, ele au provocat schimbări calitative în arte, al căror conținut în China antică a determinat interacțiunea tradiției cu inovația. Această abordare, bazată istoric pe o combinație a componentelor sale, în epoca modernă s-a caracterizat mai degrabă prin polaritatea lor: dacă în perioadele anterioare inovațiile aveau drept scop doar reînnoirea tradiției, asigurându-i continuitatea, fără a modifica universalitățile consacrate ale artisticului. limba, acum inovarea ar putea însemna sfârşitul acestei continuităţi, întrucât privea fundamentele ideologice fundamentale ale culturii.

Există o transformare structurală a sistemului artelor, exprimată într-un fel de difuzie, adică întrepătrunderea diferitelor elemente ale acestuia, precum, de exemplu, arta academică (elitista) și arta populară, care au reflectat o tendință spre democratizare. a culturii. În cadrul anumitor tipuri de artă, cercul tradițional de subiecte a fost rupt și au apărut genuri fundamental noi (jingju - drama muzicală la Peking, sichu nianhua - pictura populară teatrală etc.). Deja în prima jumătate a secolului al XIX-lea, maeștrii tindeau spre o sinteză a diferitelor tendințe stilistice, ceea ce mărturisește rolul în creștere al personalității creatoare, adică individualizarea artei și, în același timp, consolidarea eclecticismului. tendințe - o nouă țesătură artistică a operei s-a născut ca urmare a unei combinații de elemente tradiționale, diferențiate anterior și existente pe cont propriu. În plus, sub influența factorilor externi din literatură și artele vizuale, formarea unei metode realiste de exprimare are loc în paralel cu naturalismul, datorită popularității folclorului național Malyug Yu.Ya. Culturologie. - M.: Infra-M, 2006. - p.69.

Arta chineză s-a bucurat de multă vreme de o mare atenție din partea Japoniei. În perioada Qianlong, comerțul Suzhou cu alte țări, inclusiv cu Japonia, a fost extrem de dezvoltat, contactele dintre China și Japonia au fost ample, spre deosebire de dinastia Ming, când era interzisă comerțul cu Japonia. În 1698, în portul Nagasaki au ajuns 193 de nave chineze, erau nave mari cu un număr mare de oameni la bord. Au plecat din porturile Jiasu, Zhejiang și Guangdong. Shanghai era unul dintre cele mai importante porturi din țară la acea vreme. La începutul domniei Qing, comerțul chino-japonez era în principal schimbul de produse de mătase favorizate de japonezi cu bani de cupru japonezi. Materialul din care erau turnați banii de cupru la acea vreme a fost adus de negustorii chinezi din Japonia. Și majoritatea produselor din mătase au fost fabricate în Suzhou.

Odată cu renașterea relațiilor comerciale dintre cele două țări în perioada Tokugawa (1603-1868), acest interes a fost dezvoltat în continuare. Apariția noilor tendințe în arta japoneză a jucat, de asemenea, un rol semnificativ. Artiștii au căutat activ noi imagini, noi moduri de exprimare, noi tehnici de scriere. În secolul al XVIII-lea, a existat un val de atenție pentru pictura chineză. Shogunii Tokugawa au introdus activ ideile lui Confucius, așa că o mulțime de literatură relevantă a trebuit să fie importată pe navele chineze. Astfel, în Japonia, a apărut o idee despre picturile de „pictură intelectuală” („wenzhenhua”), care s-a reflectat în Nanga sau Bujinga și în apariția școlii realiste a lui Maruyama-Shijo. În timpul pătrunderii active a culturii chineze, navele olandeze au adus și o cantitate imensă de cărți occidentale.

Astfel, pe de o parte, „stilul liber” al picturii tradiționale chineze de „pictură intelectuală” a pătruns în Japonia, pe de altă parte, realismul picturii occidentale. Artiștii japonezi din acea vreme au tratat ambele stiluri cu mare atenție.

Este caracteristic culturii artistice japoneze că tradițiile artistice din Japonia au putut rezista influenței altor culturi. Cultura japoneză a procesat fiecare nouă influență, dându-i un sunet diferit. Dacă culturile continentale s-au dezvoltat pe largile întinderi ale Chinei sau Coreei, atunci Japonia, o țară a miniaturii, mereu înmuiată, a dat un lirism aparte creațiilor sale. Odată cu sosirea budismului în Japonia, au început să fie construite noi temple, pagode și mănăstiri. Apar un număr mare de sculpturi reprezentând zei, semizei, regi legendari, în ale căror trăsături spiritul samurai militant și stare emoțională, care aproape întotdeauna corespunde solicitării extreme a forțelor. Doar sculpturile lui Buddha sunt mereu pline de calm maiestuos și detașare. Sansom J. B. Japonia: Poveste scurta cultura / J. B. Sansom. - Ed. corect si suplimentare - St.Petersburg. : Eurasia, 2002. - P.107

Simbolismul este adesea găsit în reflectarea artistică a lumii de către diverse culturi. Simbolismul artei japoneze a fost mai ales pronunțat în poezia epocii Heinan („Pace și liniște”) din secolele VIII-XII. Au existat diverse perioade pe drumul literaturii japoneze spre culmile versificației.

Unul dintre cele mai vechi genuri de poezie japoneză este tanka, poezii de cinci linii care nu rime, constând din 31 de silabe (5-7-5-7-7). Ideea principală a rezervorului este exprimată în trei rânduri.

În proză apare un gen special de zuihitsu - ceea ce înseamnă scris, „urmând pensula”, notând tot ce-ți atrage atenția, scriind cu ușurință, supunând doar mișcării sufletului.

Începând cu a doua jumătate a secolului al X-lea, proza ​​japoneză a fost împărțită în „masculin” și „feminin”, deoarece în sistemul de scriere creat pe baza caracterelor chinezești a apărut un alfabet silabar pur japonez și, prin urmare, bărbații, de regulă, continuă să scrie în chineză, iar femeile - în japoneză Konrad N.I. Eseuri despre istoria culturii Japoniei medievale - M .: Art, 1980 - P.117.

Pictura japoneză a avut la început un caracter religios, dar din aproximativ secolul al XI-lea caracteristicile nationale. Pictura era adesea decorativă și aplicată. Tablourile de ecrane, evantai, diverse lucruri și decorațiuni ale vieții gospodărești compensate pentru simplitatea interiorului, au devenit decorația sa. Odată cu dezvoltarea literaturii, pictura a căpătat caracterul ilustrației. Au existat chiar și povești pitorești care ilustrează călătorii, romane și descrieri ale vieții împăraților și nobililor. Principalul lucru pentru ei a fost să transmită starea de spirit a eroului. Acest lucru a fost realizat cu ajutorul unei combinații de culori și nuanțe ale acestora, compoziție concisă și în același timp bogată, rafinată. Acest lucru s-a manifestat mai ales în mod clar în pictura de peisaj, în care pictura cu cerneală a fost stabilită în jurul secolului al XVI-lea.

În ceea ce privește profunzimea sentimentelor transmise de artiștii japonezi, pictura se îmbină cu poezia.

Poporul chinez a creat de-a lungul timpului multe obiecte de artizanat renumite în întreaga lume. Din cele mai vechi timpuri, s-au transmis abilitățile și secretele de a face produse din diferite tipuri de piatră, lemn, lut și lac, secretele producției de țesături și broderii. Deja în cele mai vechi timpuri, maeștrii Chinei, după ce au învățat să identifice și să arate calitățile artistice ale materialului, au folosit în acest scop jocul culorilor sale, petele, diferența de figuri, netezimea suprafeței. Cele mai vechi vase din lut și piatră se remarcă, ca și cele antice, printr-o armonie perfectă a formelor și claritatea articulației.

Meșterii chinezi au adoptat multe abilități, maniere și tehnici, forme tradiționale de tipare din antichitate. Cu toate acestea, însăși nevoile pe care le-a propus noua eră istorică au dat naștere a numeroase noi tipuri și tehnici de meșteșuguri artistice. Asociat cu viața de zi cu zi, cu nevoile tot mai mari ale populației urbane, meșteșugurile artistice în artele plastice ale Chinei nu a fost doar una dintre cele mai masive și populare, ci și una dintre cele mai active tipuri.

Întreaga lume folosește vaze, cești și alte articole chinezești. Acasă, porțelanul chinezesc, alături de alte tipuri de artă, are cea mai largă aplicație. Ceramica chinezească este, de asemenea, folosită pentru a face sculpturi.

Ceramică. Deja în antichitate, chinezii foloseau soiuri de lut de înaltă calitate pentru ceramica lor. Cu toate acestea, adevăratul merit al invenției porțelanului aparține maeștrilor Chinei medievale. În epoca Tang, în perioada de înaltă prosperitate în toate domeniile vieții spirituale chineze, au apărut și s-au răspândit rapid primele produse din porțelan. Porțelanul a fost cântat de poeți, venerat ca o bijuterie. Producția de porțelan în China a fost facilitată de depozitele bogate de materiale necesare pentru acesta: piatră de porțelan (un compus natural de feldspat și cuarț) și argilă locală - caolin. Combinația acestor două componente conferă plasticitatea și aliabilitatea necesare. Fiecare dintre articolele din porțelan din China este profund gândit, executat nu ca obiect de artizanat, ci ca o operă de artă independentă. Formele vaselor subțiri sunt rotunjite, moi și masive. Deosebit de faimos la acea vreme era porțelanul alb ca zăpada produs în orașul Xing-chou, neted și mat, care a păstrat monumentalitatea produselor antice. Multe vase din acea vreme erau vopsite cu glazuri colorate strălucitoare, care erau amestecate cu oxizi de cupru, fier și mangan, care dădeau tonuri bogate de galben, maro, verde și violet. Dar porțelanul ajunge la o varietate și noblețe deosebită în secolele XI-XIII. În perioada Tang, ceramica are o varietate de culori. Dar sub Sun, ea se distinge deja prin simplitate și modestie. Ceramica chineză are linii precise și fine și simplitatea culorii. Utilizarea culorilor naturale este tipică pentru această perioadă. Culorile gri-albastru și gri-verde pot fi adesea găsite pe un vas sau o vază chinezească. Crăpăturile mici nu sunt un defect al maestrului, ci un pas fin gândit. Neregulile în glazură, picăturile uscate ale căptușelii și micile fisuri pe toată suprafața produsului dau o senzație de completitudine.

Porțelanul Minsk, spre deosebire de porțelanul Sung, este multicolor. Maeștrii au folosit suprafața sa albă ca zăpada ca pe un fundal pitoresc pe care au fost plasate întregi compoziții de peisaj sau gen. Există o mulțime de parcele și tipuri de picturi, precum și combinații colorate: porțelan albastru-alb, pictat sub glazură cu cobalt de tip și model moale și nobil, glazuri colorate bogate în culori, tricolore și cinci culori. Și mai multe tehnici și tipuri de porțelan apar în secolele XVII-XVIII. Apar vase negre netede și strălucitoare, vase pictate deasupra cu emailuri strălucitoare și strălucitoare. Până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, când toate celelalte forme de artă căzuseră deja în declin, nivelul artistic al porțelanului chinezesc a rămas ridicat. Spre deosebire de perioadele anterioare, formele produselor din porțelan din timpul dinastiei Qing (secolele XVII-XIX) au fost mai sofisticate și mai rafinate. Repetarea modelelor vechi capătă proporții mai elegante, iar până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. se dezvoltă pretenţia excesivă a contururilor. Din acel moment, decorarea porțelanului s-a caracterizat printr-o varietate și bogăție de motive și teme, iar în unele cazuri - o mare bogăție de ornamente. Acest lucru este vizibil mai ales în pictura cu cobalt și în gama așa-numitei „familii verzi”. Scenele complexe cu mai multe figuri, micile motive vegetale sau oricare dintre nenumăratele teme ale picturii se disting prin marea complexitate și chibzuința construcției compoziționale.

Tipurile de arte aplicate Tang și Sung sunt diverse. În acest moment, oglinzile de bronz erau realizate după modelul antichității, bogat decorate pe revers cu un model magnific în relief de plante cu flori, animale zburdatoare, păsări și fructe. Adesea, astfel de oglinzi erau făcute din argint, acoperite cu cel mai subțire strat de aur, încrustate cu sidef și pietre prețioase.

Modelele de țesături „ke-sy” (mătase tăiată) sunt deosebit de apropiate de pictura din acest timp. Au fost create după mostre ale unor artiști celebri. Ke-sy se distinge prin moliciune extraordinară, tandrețe, textura mată granulată prețioasă. Păsările ușoare pe ramuri, peisajele, mugurii înfloriți ai prunului meihua roz pal sunt principalele motive descrise în ke-si.

Apariția atelierelor pentru producția de emailuri pictate în China datează din perioada Kangxi, asociate cu influențe vest-europene venite din Franța. Influența gravurilor religioase aduse de misionarii iezuiți poate explica emailurile chinezești pe metal din secolul al XVIII-lea, care sunt comune pentru picturi. tehnici de umbrire, mângâiere imagini de-a lungul conturului și alte, grafice la baza lor, mijloace de exprimare artistică. Urmele influențelor europene sunt vizibile nu numai în subiectele și modul de pictură, ci și în formele emailurilor chinezești din secolul al XVIII-lea. Articolele din cupru și argint germane și engleze din secolele XVI-XVIII au servit adesea drept prototipuri. Emailurile făcute pentru cea mai mare utilizare au fost numite „huang zhi” - „vase galbene (adică „imperial”)”, deoarece galbenul a fost mult timp considerat culoarea simbolică a împăratului chinez. Decorarea unor astfel de emailuri este dominată de imagini din genul huangyao (floare de pasăre), scene narative chinezești și compoziții ornamentale: imaginea capetelor de flori de lotus țesute într-un lăstar sub formă de viță de vie și un model zoomorf care merge înapoi la decorul vaselor antice din bronz. În emailurile pictate, sunt populare seturile compozite de farfurii de diferite forme, care au fost dezvoltate în porțelan chinezesc deja în perioada Kangxi. Adesea, plăcilor li s-a dat forma unui evantai deschis, decorat cu imagini din genul „florilor-păsări” pe un fundal alb. Porțelanul și emailurile pe metal, într-o serie de cazuri, sunt legate atât de căile comune de a ajunge în Europa, cât și de asemănarea formelor, motivelor de pictură și colorare. Cu toate acestea, în ciuda asemănării fără îndoială cu porțelanul, emailurile pictate pe metal se caracterizează printr-o originalitate artistică destul de evidentă la fel de completă un fel deosebit Meșteșugurile chinezești, mai îndrăznețe în comparație cu tipurile sale tradiționale, care au intrat în contact cu arta europeană.

Meșteșuguri artistice, artă aplicată în Japonia se numește cuvântul „kogei”. Sursa majorității ideilor artistice ale operelor de artă a fost dragostea profundă pentru natură. Oamenii i-au simțit de multă vreme frumusețea în cele mai obișnuite, mărunte, fenomene de zi cu zi.

Lucrările de artă și meșteșuguri japoneze includ în mod tradițional lac, porțelan și produse ceramice, sculpturi în lemn, oase și metal, țesături și îmbrăcăminte decorate artistic, opere de artă a armelor etc. Specificul operelor de artă aplicată este următorul: au un aplicație pur practică, utilitară, dar, în același timp, joacă și un rol pur estetic, servind ca o podoabă a vieții de zi cu zi a unei persoane. Estetica obiectelor din jur pentru japonezi nu era mai puțin importantă decât scopul lor practic.

Norocos. Încă din cele mai vechi timpuri, articolele de lac sunt cunoscute în Japonia; rămășițele lor se găsesc în situri arheologice din epoca Jomon. Într-un climat cald și umed, straturile de lac au protejat lemnul, pielea și chiar produsele din metal de distrugere. Produsele de lac din Japonia au găsit cea mai largă aplicație: vase, ustensile de uz casnic, arme, armuri. Lacurile tradiționale japoneze sunt roșii și negre, precum și aurii; spre sfârșitul perioadei Edo a început producția de lac galben, verde, maro. Inapoi sus

Secolului 20 s-a obtinut un lac de culori alb, albastru si violet. Există multe tehnici decorative asociate cu utilizarea lacului: maki-e - utilizarea pulberii de aur și argint; urushi-e - pictura cu lac; hyomon - o combinație de pictură cu lac cu incrustații de aur, argint și sidef. Până pe la mijlocul secolului al XVII-lea. Kyoto a rămas principalul centru pentru dezvoltarea artei lacului. Acolo și-a început cariera Ogato Korin. Lacurile sale au fost marcate de o unitate deosebită de forme și decor, care „curgea” lin de la o parte la alta a produsului. Combinația de materiale diferite a creat o textură de suprafață neobișnuită și o schemă de culori rară.

Ceramică. Japonezii sunt în special pasionați de produsele ceramice. Cele mai vechi dintre acestea sunt cunoscute din săpăturile arheologice și datează din perioada Jōmon (Epoca de Piatră). Dezvoltarea ceramicii japoneze și, mai târziu, a porțelanului a fost influențată semnificativ de tehnologiile chineze și coreene, în special, arderea și glazura colorată. O trăsătură distinctivă a ceramicii japoneze este atenția nu numai la forma, ornamentul decorativ și culoarea produsului, ci și la senzațiile tactile pe care le evoca atunci când a intrat în contact cu palma unei persoane. Abordarea japoneză a ceramicii a presupus neuniformități de formă, rugozitate a suprafeței, fisuri, dungi de glazură, amprentele maestrului și demonstrarea texturii naturale a materialului. Produsele ceramice artistice includ în primul rând boluri pentru ceremoniile ceaiului, ceainice, vaze, oale, vase decorative, vase de drag. Inițial, forma vasului era făcută din crenguțe și iarbă, apoi era acoperită cu lut, iar la ardere, crengile și iarba ardeau, lăsându-și urmele pe pereții vaselor. Vasele din perioada Jōmon mijlocie și târzie seamănă deja cu vase sculpturale. În secolele VI-XI. Sub influența olarilor coreeni, meșterii japonezi au trecut la arderea produselor din lut cu o glazură galben-verzuie. Cam in aceeasi perioada au aparut produse din faianta adevarata - argila higroscopica acoperita cu glazura.

Produsele din porțelan sunt în principal vaze cu pereți subțiri, cu decor rafinat, seturi de ceai și vin și diverse figurine. În masa de produse din porțelan, care au fost produse în secolele XVII-XVIII. în toată țara s-au distins două tipuri principale: produsele scumpe, pictate fin, ale atelierelor din Kutani și Nabeshima și porțelanul Arita și Seto, care a fost lansat în serie mare. Produsele atelierelor Kutani aveau o formă neuniformă din plastic. Pictura lor a fost realizată folosind pete mari de culoare și amplasate liber pe suprafața vaselor. Articolele Nabeshima erau de obicei decorate cu o singură pictură subglazură a unui motiv vegetal, uneori completată cu pictură policromă supraglazuită. Atelierele lui Arita și Seto făceau produse de masă. Aceste feluri de mâncare au fost decorate cu compoziții decorative elegante de flori, fluturi, păsări. O parte semnificativă a porțelanului japonez a fost special făcută pentru export în țările occidentale.

Smalț. Perioada de la mijlocul până la sfârșitul secolului al XVII-lea. a devenit foarte fructuoasă în istoria dezvoltării artei smalțului în Japonia. În acest moment, maeștrii japonezi au atins perfecțiunea în culoare. Folosind metoda de probă, ei au selectat topirea optimă a sticlei, care a servit drept bază pentru smalț și diverse variații de oxizi, dându-i una sau alta nuanță, transparență sau reflexie lăptoasă, strălucire misterioasă. Toate rețetele care s-au justificat au devenit un secret, păzit cu grijă în familia maestrului. În Japonia, emailurile erau numite „sippo”, care înseamnă „șapte pietre prețioase”. Aceasta a însemnat că în bijuterii, smalțul poate înlocui aurul, argintul, smaraldul, coralul, agat, cristalul, perlele. Cel mai vechi exemplu de email găsit în Japonia datează de la sfârșitul secolului al VII-lea î.Hr. Două tehnici de email cunoscute pe scară largă - champlevé și cloisonné - s-au răspândit în Japonia aproape simultan. Meșterii foloseau smalțul cloisonne pentru a decora gărzile (tsuba) săbiilor de samurai, arcuri și săgeți decorative, atunci când decorau case, cufere, sertare pentru depozitarea pensulelor și cerneală pentru caligrafie, pudră de ceai și tămâie. Atelierele primilor artizani care au lucrat la smalț se aflau în Kyoto, mai aproape de palatele împăraților și nobililor, care erau principalii cumpărători ai acestui produs.

Reînvierea tehnicii smalțului este asociată cu munca maestrului Tsunekichi Kaji (1803-1883), care a trăit la periferia orașului Nagoya. A studiat meșteșugurile străine, în mare parte europene, care au venit în Japonia și, pe baza acestora, a dezvoltat noi tehnologii pentru lucrul cu email cloisonné. Succesul lui Kaji a inspirat alți artizani. A început căutarea unor noi metode de lucru. Așadar, în acel moment, a apărut tehnologia „contra-smalț”, tehnica gin-bari, care consta în faptul că folie de argint era lipită pe o suprafață de cupru acoperită cu un strat subțire de email. Tehnologia Musen-jippo, dezvoltată de maestrul Sosuke Namikawa (1847-1910), prevedea îndepărtarea firelor de separare după uscarea primului strat de strat de email și o nouă umplutură cu email transparent. Au existat câteva zeci de variații ale tehnicii - moriage, utidasi, akasuke, my kodai, nagare-gusuri și altele, care au făcut posibilă obținerea unor rezultate excelente atunci când sunt combinate. Japonia este prima țară din lume în care smalțul a fost aplicat nu numai pe semifabricate metalice, ci și pe ceramică și porțelan. Celebru în tehnica smalțului pe ceramică a fost maestrul Yasuyuki Namikawa (1845-1927), care a lucrat la Kyoto.

Imaginile cu flori (crizanteme, bujori, inflorescențe de paulownia, prune, cireșe) și imagini oarecum japoneze cu dragoni, lei și alte fiare mitice, păsări, fluturi au devenit un model tipic împrumutat din China pentru produsele japoneze de email. Adesea, simbolismul urărilor de bine a fost încorporat în imagini. Nuanțele paletei au variat în funcție de scopul produsului. Astfel, mărfurile de export erau executate în culori strălucitoare, chiar sclipitoare, care erau preferate de clienții europeni, și destinate uzului casnic – într-o gamă calmă, mai în concordanță cu viziunea estetică asupra lumii a japonezilor.

Arta și cultura Chinei și Japoniei sunt extrem de distinctive, ceea ce i-a interesat și a atras întotdeauna pe europeni. Începând cu secolul al XVII-lea, atât motivele chinezești, cât și cele japoneze au pătruns în tendințele artistice și stilistice ale Europei de Vest. Până în prezent, cultura acestor două țări este interesantă atât pentru studiu, cât și pentru împrumut.

în sferă produse de artă metalul a inclus sculptura din templu și ustensile, arme și obiecte decorative utilizate în viața de zi cu zi, varietatea și perfecțiunea prelucrării metalelor tradiționale (bronz, fier, cupru, oțel) au fost combinate cu utilizarea aliajelor complexe, remarcate prin bogăția de culoare nuanțe și proprietăți plastice. Cele mai frecvente dintre acestea au fost shakudo, care producea diferite nuanțe de negru, maro, albastru și violet, și shibuichi, care a servit ca o sursă aproape inepuizabilă de tonuri de gri. Rețetele de fabricare a aliajelor erau un secret profesional și se transmiteau de la maestru la ucenic.

În secolele XVII-XVIII. La cererea orăşenilor înstăriţi, s-au realizat imagini sculpturale pentru altarele casei, precum şi imagini care aveau un sens binevoitor şi protejau vatra familiei. Printre ei se numără Daruma, legendarul călugăr al cărui nume este asociat cu originea ceaiului în Japonia, Daikoku este zeitatea fericirii și a bogăției, Jurojin este zeitatea fericirii și longevității.

Odată cu aceasta, unele obiecte de uz casnic au servit scopului decorativ. Acestea erau arzătoare de tămâie, vaze, vase, sicrie, tăvi, care s-au caracterizat prin combinarea diferitelor metale într-un singur produs, utilizarea sculpturii ajurate, gravării, crestăturilor și incrustațiilor.

Tradiția aplicării decorului emailat pe o bază metalică a venit în Japonia din China la sfârșitul secolului al XVI-lea. Tehnica smalțului a avut 4 varietăți: cloisonné, champlevé, gravat și pictat. Smalțurile erau numite „siplo” - șapte bijuterii: aur, argint, smarald, coral, diamant, agat, perle, care, conform credințelor populare, aduceau fericire oamenilor. Emailurile japoneze cloisonne din secolele XVII-XVIII, bazate în mare parte pe mostre chinezești, s-au distins printr-o paletă limitată de tonuri ușor atenuate, un model geometric clar și un fundal de culoare verde închis. La mijlocul secolului al XIX-lea. tehnica smalțului a cunoscut o renaștere. S-au obținut emailuri strălucitoare multicolore, care au aderat strâns la baza metalică și se pretează bine la șlefuire. Perioada de glorie a artei smalțului cloisonné la sfârșitul secolului al XIX-lea. a fost asociat cu numele celebrului maestru Namikawa Yasuyuki. Din atelierul lui au iesit obiecte mici, acoperite complet cu emailuri, aplicate cu grija de bijutier. Imagini cu flori, păsări, fluturi, dragoni și fenix, numeroase tipuri de ornamente tradiționale și-au găsit un loc în modelul de dantelă complex țesut. Folosirea foliei de aur a creat o strălucire strălucitoare a suprafeței lustruite a produsului.

Fabricarea și decorarea armelor are tradiții străvechi în Japonia. Sabia a fost văzută ca un obiect sacru dat de zeița soarelui Amaterasu Omikami nepotului ei, pe care l-a trimis pentru a conduce pământul și a eradica răul. O sabie dreaptă cu două tăișuri (Ken sau Tsurugi) a devenit un atribut al cultului șintoist și a devenit unul dintre regaliile imperiale.

În Evul Mediu, sabia a devenit un simbol al clasei războinice, care întruchipa puterea, curajul și demnitatea samurailor. Se credea, de asemenea, că în ea trăiesc sufletele strămoșilor morți. În secolul al VII-lea a fost creată o formă de sabie cu o ușoară îndoire pe spatele lamei de ascuțire unilaterală, care a rămas aproape neschimbată până în secolul al XIX-lea. și a fost numit „nihonto” (sabia japoneză).

Din secolul al XVI-lea aristocrații și reprezentanții clasei militare au fost obligați să poarte două săbii: una lungă - „katana” și una scurtă - „wakizashi”, care era destinată să comită sinucidere rituală. În cazul încălcării codului de onoare, oamenilor de știință, artizanilor și țăranilor, cu permisiunea specială, li se permitea să poarte doar un wakizashi sau o sabie fără o gardă „aikuchi”.

Procesul lung și laborios de realizare a lamei a fost aranjat ca un ritual solemn, însoțit de rugăciuni speciale, vrăji și îmbrăcarea fierarului în haine de ceremonie. Lama a fost sudată din mai multe benzi, forjată de cel puțin cinci ori, șlefuită și lustruită. De la sfârșitul secolului al XII-lea. lamele au început să fie decorate cu șanțuri, imagini ale soarelui, lunii, stele, dragoni, inscripții-vrăji realizate prin gravură și relief în profunzime.

Detalii și rama sabiei din secolul al XVI-lea. au fost create de maeștri speciali - armurieri-bijutieri. Lama era introdusă în mâner, care avea la bază două bare de lemn, prinse cu un inel metalic „futi” și vârfuri „kashira”, mânerul era adesea învelit în piele de rechin sau de raie, numită „la fel” (rechin). Exista credința că un astfel de mâner păstrează puritatea rituală a sabiei și protejează proprietarul. Mici părți metalice în relief ale menuki au fost atașate de mâner pe ambele părți, ceea ce asigura o strângere mai puternică a sabiei cu ambele mâini. Pe deasupra, mânerul a fost înfășurat cu un șnur sau împletitură, creând un model împletit la suprafață. Un detaliu important al sabiei a fost „tsuba” (garda) - un plastic de protecție care separă lama de mâner, teaca unei săbii mici era adesea decorată cu plăci metalice finisate cu grijă „kozuka”, care era mânerul unui cuțit mic introdus într-un buzunar special din teacă.

În secolele XVII-XIX. armele care și-au pierdut valoare practică, transformat într-un plus decorativ la costumul bărbătesc. Folosit în decorarea sa diverse materialeși tehnici de lucru de bijuterii, sculptură ajurata, încrustate cu aliaje, diverse metode de realizare a compozițiilor în relief, emailuri și lac. Tsuba, care a început să fie privită ca o operă de artă independentă, a dobândit o completitudine artistică deosebită. Ploturile imaginilor erau motive tradiționale caracteristice altor tipuri de artă: flori, păsări, peisaje, pilde budiste, legende istorice, chiar estimări ale vieții urbane. Detaliile unei săbii au fost combinate în stil și adesea reprezentau dezvoltarea unui singur complot.

Printre armurierii care s-au specializat în decorarea săbiilor, cel înființat în secolul al XV-lea era deosebit de renumit. școala goto, ale cărei șaptesprezece generații de maeștri și-au menținut gloria timp de 400 de ani.

(nu despre dezvoltarea costumului) În mod tradițional, lucrările de artă și meșteșuguri japoneze includ lac, porțelan și produse ceramice, sculpturi în lemn, oase și metal, țesături și haine decorate artistic, opere de artă a armelor etc. Specificul operelor de artă iar meșteșugurile constă în următoarele: au, de regulă, o aplicație pur practică, utilitară, dar în același timp joacă și un rol pur estetic, servind ca podoabă a vieții de zi cu zi a unei persoane. Estetica obiectelor din jur pentru japonezi nu era mai puțin importantă decât scopul lor practic: admirarea frumuseții. Mai mult, conștiința tradițională a japonezilor se caracterizează printr-o atitudine deosebită față de frumos ca unul dintre misterele universului. Frumusețea pentru japonezi este un fenomen care depășește lumea noastră de zi cu zi, care poate fi descris în cuvinte și înțeles prin rațiune. Cultura occidentală modernă, cu cât mai departe, cu atât mai mult încearcă să reducă viata umana la cadrul viziunii raționale, cotidiene asupra lumii, unde domină legile așa-numitului „bun simț”. Pentru japonezi, în ciuda practicității și pragmatismului lor extrem în treburile de zi cu zi, lumea obișnuită, materială, desigur, era percepută ca iluzorie și trecătoare. Și că dincolo de granițele sale există o altă lume, nemanifestată, care sfidează fundamental standardele „bunului simț” și care nu poate fi descrisă în cuvinte. Acolo trăiesc ființe superioare, misterul vieții și al morții este legat de el, precum și multe secrete ale vieții, inclusiv principiile frumuseții. Acea lume se reflectă în a noastră, ca luna de la suprafața apei, răsunând în sufletele oamenilor cu un sentiment ascuțit și plin de frumusețe și mister. Cei care nu sunt capabili să vadă și să aprecieze acest joc subtil și cu mai multe fațete de semnificații și nuanțe de frumusețe, japonezii îi consideră barbari fără speranță, nepoliticoși.

Pentru a se impune în participarea lor în lumea transcendentă, japonezii (în primul rând, elita, aristocrația) au acordat o mare importanță acțiunilor rituale și mai ales laturii lor estetice. De aici se desfășoară ceremonii de admirare a florilor de cireș, artarului stacojiu, primei ninsori, răsărituri și apusuri, precum și concursuri de poezie, aranjamente florale (ikebana), spectacole de teatru etc.. Chiar și situații simple de zi cu zi precum băutul de ceai sau sake, întâlnirea invitati sau intrare in intimitate, japonezii acordau importanta actiunii mistice. Articolele de uz casnic au jucat în același timp rolul de atribute rituale. Meșterii care au creat astfel de obiecte au căutat să le dea un aspect estetic impecabil. De exemplu, multe boluri pentru ceremonia ceaiului, la prima vedere, aspre și inegale, au fost apreciate neobișnuit de foarte mult, în primul rând pentru că purtau pecetea frumuseții „de altă lume”, păreau să conțină întregul Univers.

Același lucru este valabil și pentru multe alte lucrări de artă și meșteșuguri: figurine, netsuke, cutii - inro, lac, kosode elegant (kimono cu mâneci scurte) cu decor rafinat și capricios, ecrane, evantai, felinare și, mai ales, o armă tradițională japoneză. . Vom lua în considerare implementarea practică a principiilor estetice tradiționale în artele și meșteșugurile japoneze folosind exemplul săbiilor artistice japoneze.

Încă din cele mai vechi timpuri, articolele de lac sunt cunoscute în Japonia; rămășițele lor se găsesc în situri arheologice din epoca Jomon. Într-un climat cald și umed, straturile de lac au protejat lemnul, pielea și chiar produsele din metal de distrugere. Produsele lac în Japonia au găsit cea mai largă aplicație: vase, ustensile de uz casnic, arme, armuri etc. Produsele lac au servit și ca decorațiuni interioare, în special în casele nobilimii. Lacurile tradiționale japoneze sunt roșii și negre, precum și aurii; spre sfârșitul perioadei Edo a început producția de lac galben, verde, maro. Până la începutul secolului XX. lacul a fost obținut în alb, albastru și Violet. Lacul se aplică pe o bază de lemn într-un strat foarte gros - până la 30-40 de straturi, apoi lustruit până la un finisaj în oglindă. Există multe tehnici decorative asociate cu utilizarea lacului: maki-e - utilizarea pulberii de aur și argint; urushi-e - pictura cu lac; hyomon - combinație; pictura lacuita cu incrustatie de aur, argint si sidef. Lacurile artistice japoneze sunt foarte apreciate nu numai în Japonia, ci și în Occident, iar producția lor este încă înfloritoare.

Japonezii sunt în special pasionați de produsele ceramice. Cele mai vechi dintre acestea sunt cunoscute din săpăturile arheologice și datează din perioada Jomon. Dezvoltarea ceramicii japoneze și, mai târziu, a porțelanului a fost influențată semnificativ de tehnologiile chineze și coreene, în special, arderea și glazura colorată. O trăsătură distinctivă a ceramicii japoneze este că maestrul a acordat atenție nu numai formei, ornamentului decorativ și culorii produsului, ci și senzațiilor tactile pe care le provoca atunci când intră în contact cu palma unei persoane. Spre deosebire de abordarea occidentală a ceramicii, abordarea japoneză a ceramicii a presupus neuniformități de formă, rugozitate a suprafeței, crăpături, dungi de glazură, amprente ale maestrului și demonstrarea texturii naturale a materialului. Produsele ceramice artistice includ, în primul rând, boluri pentru ceremoniile ceaiului, ceainice, vaze, oale, vase decorative, vase pentru sake etc. Produsele din porțelan sunt în principal vaze cu pereți subțiri cu decor rafinat, seturi de ceai și vin și diverse figurine. O parte semnificativă a porțelanului japonez a fost special făcută pentru export în țările occidentale.

Separat pentru fiecare:

CERAMICĂ
Cea mai veche ceramică din Japonia
Japonezii au de multă vreme o dragoste puternică pentru yakimono.* Cuptoarele produceau o varietate de articole de ceramică care variau ca culoare, formă și textura suprafeței. Cultura particulară a vieții de zi cu zi, creată de japonezi, începe cu vesela ceramică - boluri de orez, căni fără mânere și suporturi pentru betisoare. Aceste pagini ne dau o idee despre fascinația japoneză pentru ceramică și porțelan.
* În japoneză, ceramica („toki”) și porțelanul („jiki”) sunt cunoscute în mod colectiv ca „yakimono”.

Istoria dezvoltării ceramicii japoneze
Prima ceramică a fost făcută în arhipelagul japonez în urmă cu aproximativ 13.000 de ani. Din câte se știe, acest lucru s-a întâmplat mai devreme decât oriunde altundeva în lume. Cele mai cunoscute sunt oalele mari, adânci, pentru fierberea lichidelor. Produsele au fost decorate cu un ornament dintr-o moletă sau o amprentă a unei frânghii împletite. Pentru aceste decorațiuni de frânghie, ceramica acelor vremuri era numită „jomon doki” („jo” = frânghie; „mon” = ornament, „doki” = ceramică). În urmă cu aproximativ 5.000 de ani, în timpul erei Jomon, au apărut modele în formă dinamică cu un ornament sub forma unui val în creștere pe gâtul borcanelor și modele bizare care acoperă întreaga suprafață exterioară a produselor.
În timpul erei Yayoi ulterioare, odată cu începutul cultivării orezului, au fost introduse noi tipuri de ceramică din peninsula coreeană. Ustensilele Yayoi făceau parte din viața de zi cu zi și erau folosite pentru depozitarea și pregătirea alimentelor, precum și pentru servirea mâncărurilor la masă. Era mai puțin decorat decât articolele Jōmon, iar în decorarea sa au fost folosite în mare parte culori deschise.
Pe la începutul secolului al V-lea. s-au produs schimbări majore asociate cu venirea în Japonia, din nou din Peninsula Coreeană, a noilor tehnologii. Anterior, produsele din argilă erau arse pe foc, dar un nou tip de ceramică, Sueki, a început să fie supus prelucrării la temperatură ridicată în cuptoare speciale tunel dispuse pe versanții dealurilor. Produsele Sueki erau deja adevărate ceramice.
Pe la mijlocul secolului al VII-lea. Olarii japonezi au început să studieze tehnologiile coreene și chineze. De la vecinii lor, au învățat cum să folosească glazura și argila de foc la temperaturi relativ scăzute. Produsele acelor vremuri erau acoperite cu glazură de un ton de verde închis sau, ca ceramica din Nara Sansai, glazură policromă, care era dominată de roșu, galben și culori verzi. Cu toate acestea, ambele tipuri de ceramică au fost populare numai în rândul membrilor curții imperiale, nobilimii curții și însoțitorii templului și începând cu secolul al XI-lea. aceste articole nu au mai fost produse.
Noile evoluții care însoțesc crearea produselor Sueka au dat impuls demarării construcției de cuptoare în toată țara. Olarii au observat că cenușa de lemn dintr-un cuptor încins a interacționat cu argila, formând o glazură naturală. Acest lucru le-a sugerat tehnologia de stropire a ceramicii cu cenusa in timpul arderii lor. Metoda de glazură naturală cu cenușă a fost folosită pentru prima dată în cuptoarele Sanage din provincia Owari (acum nord-vestul prefecturii Aichi).
Producția de ceramică suecă în Evul Mediu a stimulat dezvoltarea noilor tehnologii. Cele șase centre istorice de ceramică din Japonia - Seto, Tokoname, Echizen, Shigaraki, Tamba și Bizen - au fost fondate în acel moment. Cuptoarele lor sunt încă în funcțiune astăzi. Aproape toate produc vase de faianta care arata ca ceramica - mai ales ulcioare mari, vaze si oale.
Articolele de lux glazurate erau produse doar în Seto, situat în apropierea vechilor cuptoare Sanage. Olarii Seto au încercat să răspundă cerințelor aristocraților și samurailor care au manifestat un mare interes pentru ceramică și porțelan în stilul cântecului chinezesc. Noi culori au fost încorporate în finisajele lor. O trăsătură caracteristică a acestui fel de mâncare a fost folosirea galbenului cu nuanțe de roșu, maro sau verde. Olarii s-au inspirat din mostre aduse de pe continent. În același timp, au adus idealurile stilului Song în concordanță cu gusturile japonezilor, cu ideile lor despre forme noi și decorarea ustensilelor de uz casnic. Până cam la sfârșitul secolului al XVI-lea. Seto a fost singurul centru din Japonia care producea ceramică glazurată.

În epoca războaielor intestine (1467-1568), care au cuprins întreaga țară, olarii din Seto au mers la nord, peste munți, la Mino (azi este partea de sud a prefecturii Gifu). Aici a fost pus începutul unor noi stiluri, caracteristice Japoniei. Ei sunt cel mai bine reprezentați de produsele Kiseto, Seto-guro, Shino și Oribe.
În acest moment s-a născut ceremonia ceaiului. Obiceiul de a bea ceai a venit din China la sfârșitul secolului al XII-lea, dar abia în secolul al XVI-lea a devenit la modă acordarea unei atenții deosebite ceremoniei de servire a ceaiului la primirea oaspeților.
Nuanțele de galben, alb, negru, verde și alte culori ale ceramicii Mino indică influența ceramicii chineze și coreene, dar forma asimetrică și modelele abstracte indică caracterul său distinctiv japonez. Ceremonia din ce în ce mai populară a ceaiului a necesitat cești rafinate, farfurii, vase, cutii de tămâie, vaze cu flori și sfeșnice. Atelierele lui Mino au răspuns în mod viu acestor solicitări.
Odată cu apariția erei Momoyama (sfârșitul secolului al XVI-lea), războaiele interne s-au încheiat, care s-au încheiat cu unificarea Japoniei, iar ceremonia ceaiului a fost dezvoltată în continuare. În acest moment, ceramica japoneză este în curs de schimbări. Toyotomi Hideyoshi a început o campanie militară în peninsula coreeană, care a deschis oportunități pentru samurai, fani ai ceremoniei ceaiului, de a aduce olari coreeni în Japonia și de a-i implica în construcția cuptoarelor. Au fost înființate multe centre de producție noi în diferite părți ale Kyushu, inclusiv Karatsu, Agano, Takatori, Satsuma, Hagi. Producția de produse Karatsu a fost cea mai diversă și pe scară largă - de acolo au fost livrate boluri de ceai, vaze cu flori și multe articole de uz casnic în toate colțurile țării.
Porțelanul a apărut în Japonia abia la începutul secolului al XVII-lea, când olarii coreeni au început să-l producă aici. Acesta a fost o piatră de hotar importantă în dezvoltarea ceramicii japoneze. La scurt timp după aceea, la Izumiyama, Arita, Kyushu au fost descoperite zăcăminte de argilă china, cunoscută acum ca caolin. S-a dovedit a fi ideal pentru producerea de produse cu pereți subțiri, ușoare și puternice. Cu pictura lor albastră strălucitoare pe un fundal alb, au devenit o marfă fierbinte în toată Japonia. Și pentru că piesele au fost expediate din portul Imari din apropiere, au devenit cunoscute sub numele de porțelan Imari. Pe stadiul inițial Existența producției Imari a fost clar influențată de porțelanul coreean, dar în curând au fost importate din China un număr mare de produse din porțelan, care au devenit și obiectul de studiu al artizanilor japonezi. Treptat, calitatea ustensilelor ceramice casnice s-a îmbunătățit semnificativ. Un meșter pe nume Sakaida Kakiemon a inventat o metodă de aplicare a nuanțelor moi portocalii-roșu pe suprafața produsului, ceea ce a făcut posibilă crearea de modele uimitoare de culoare pe un fundal alb lăptos.
Curțile regale europene și nobilimea, fascinate de frumusețea artei orientale, se întreceau pentru a smulge produsele din porțelan Imari. Curând, artizanii din Meissen (Germania), Delft (Olanda) și alte centre europene au început să copieze produsele Imari, inclusiv stilul Kakiemon. Aceasta a fost epoca de aur a ceramicii japoneze.
Nonomura Ninsei, care a trăit în secolul al XVII-lea. în Kyoto, orașul imperial și-a creat propriul stil regal, deschizând o lume întreagă de fantezie colorată. Ogata Kenzan, Okuda Eisen și Aoki Mokubei au îmbogățit această lume sofisticată a ceramicii Kyo, creând scena pentru dezvoltarea stilului modern Kyomizu.

În secolul 19 producția de ceramică s-a dezvoltat rapid în toată țara. Stilurile Goshu-akae (glazură roșie) și senzui, dezvoltate din exemplele ulterioare ale stilului chinezesc Ming, au câștigat o popularitate imensă în acest timp, așa cum o demonstrează vesela japoneza modernă.
Ceramica realizată în Japonia a fost expusă la expozițiile internaționale de la Paris la sfârșitul secolului al XIX-lea, astfel încât produsele Imari, Satsuma și Kutani au influențat maniera artizanilor europeni. Interesul pentru produsele japoneze s-a reflectat în evoluția artei contemporane.
Istoria ceramicii japoneze este de neconceput fără influența coreeană și chineză. Cu toate acestea, este, de asemenea, clar că, răspunzând gusturilor artistice și stilului de viață al japonezilor, acest meșteșug a mers pe drumul său și a dus la crearea unei arte unice și a unei întregi industrii.

O varietate extraordinară de produse ceramice în Japonia
În întreaga lume, ceramica japoneză este considerată de neegalat în numărul și varietatea tehnologiilor și stilurilor existente. Vesela modernă – ceramică sau porțelan – este produsă în Japonia într-o gamă largă de forme și soluții decorative.
Ceramica japoneză poate fi împărțită în trei grupe: (1) ceramică cu o textură unică care se simte ca pământul la atingere, cel mai bine reprezentată de Bizen, Shigaraki, Echizen și Tokoname; (2) ceramică smălțuită cu o nuanță caldă, pământească, făcută celebră de articolele pentru ceremonia ceaiului Oribe și Mino, articolele simple Mashiko și articolele Karatsu și Hagi, ecou cu arta ceramică din peninsula coreeană; și (3) porțelan, reprezentat de articolele Imari, cunoscute pentru utilizarea unui fundal alb spectaculos în decorarea sa, și articolele Kutani cu o colorare orbitoare pe toată suprafața. Oricare ar fi tehnologia și designul cuptorului, ceramica creată de meșteri japonezi a mărturisit întotdeauna o căutare de secole a frumuseții.
De ce există atât de multă varietate în fiecare grup de ceramică? Pentru a răspunde la această întrebare, trebuie să luăm în considerare relația strânsă dintre ceramică și ceremonia ceaiului.
Idealurile ceremoniei ceaiului, care consta în simplitate și pace, și-au găsit cea mai izbitoare întruchipare în epoca Momoyama (sfârșitul secolului al XVI-lea). Expresia acestor noi idealuri pentru acea vreme a fost cuvântul wabi, adică simplitate și liniște. Maeștrii ceremoniei ceaiului, care doreau ca preparatele lor să transmită spiritul wabi, și-au demonstrat originalitatea și și-au extins influența comandând boluri de ceai și alte obiecte de la artizani care păreau în exterior să „respire” aceste idealuri.
Energia creativă extraordinară a erei Momoyama a dat o nouă viață artei ceramicii japoneze. Acest lucru se poate observa la marfa Seto-guro, cu tonurile lor complet negre obtinute prin scoaterea marfurilor din cuptor in timpul procesului de ardere; în ustensilele atelierului Kiseto cu designul său dinamic; în ceramică Oribe, cu formele sale îndrăznețe și modelele complicate, realizate cu glazuri verzi și de culoarea fierului; în produse stricte simple de Sino.
Artistii ceremoniei ceaiului dau uneori nume anumitor articole care le plac cel mai mult, cum ar fi o ceașcă de ceai, o vază, un vas cu apă sau o cutie de tămâie. Unde altundeva în lume poți găsi o asemenea atitudine față de ceramică? Nu este aceasta o dovadă a profunzimii pasiunii japoneze pentru ceramică?

Un alt motiv pentru o varietate atât de mare de produse ceramice este faptul că bucătăria japoneză necesită o gamă largă de tacâmuri, mult mai mult decât orice altă bucătărie din lume.
În cele mai vechi timpuri, nobilimea japoneză prefera să mănânce și să bea folosind în mare parte vase de lac, dar acest lucru s-a schimbat datorită maeștrilor ceremoniei ceaiului. Au început să folosească seturi de ceramică pentru a servi gustări kaiseki înainte de ceai și, treptat, au realizat că vesela ceramică adaugă o senzație vizuală mai tactilă și prospețime alimentelor. Ustensilele pentru ceremonia ceaiului au fost alese în funcție de anotimpuri, iar prin servirea veselei, precum farfurii de muko-zuke pentru servirea bucăților de sashimi, mâncărurile pentru servirea sake-ului și prăjelii, proprietarul a satisfăcut exigențele estetice ridicate ale invitaților. Maeștrii ceremoniei ceaiului au fost cei care au îmbogățit ritualul de a mânca, aducând în el un moment de plăcere vizuală, estetică.
De la mijlocul secolului al XIX-lea, porțelanul a ocupat un loc important pe masa de sufragerie datorită ușurinței sale de utilizare. Astăzi, vesela ceramică a devenit norma vieții de zi cu zi. Și numai supa miso se bea în mod tradițional din cești netede lăcuite. Aceste căni nu sunt destinate utilizării zilnice.
Orezul, care formează baza dietei japoneze, este de obicei consumat dintr-un castron mic ținut în mână, iar în multe familii fiecare are propriile boluri cu orez. Astfel de tradiții de masă nu au făcut decât să întărească dragostea japoneză pentru mâncărurile din ceramică.

LAC
pe scurt, este făcut din rășină de copac.

Există dovezi că lacul a fost folosit în Japonia din epoca de piatră, acum 5.000 până la 6.000 de ani, ca adeziv folosit pentru atașarea vârfurilor de săgeți. Dar încă de acum aproximativ 4000 de ani, lacul roșu strălucitor și negru a fost folosit ca acoperire pe ustensile, arme și bijuterii. De asemenea, se știe că la aproximativ 100 de ani după Yamato Takeru no Mikoto, a existat o breaslă de artizani numită „Urushi-be” care s-a specializat în arta lacului.

Tehnica lacului decorativ a venit în Japonia în secolul al V-lea sau al VI-lea, în timpul introducerii budismului din China, unde, cu mult înainte de unificarea Japoniei, meșterii creau capodopere de artă aplicată din lac multistrat negru și roșu.

La sfârșitul secolului al VIII-lea, în timpul perioadei Heian timpurii, Japonia a încetat să mai trimită misiuni comerciale în China. Cultura Japoniei a fost izolată de influența continentală. În perioada Heian, de la sfârșitul secolului al VIII-lea până în secolul al XII-lea, arta lacului din Japonia sa dezvoltat într-un stil japonez complet unic. Ustensilele și mobilierul din acea vreme erau în mare parte din lemn. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că lacul este utilizat pe scară largă pentru a adăuga frumusețe și rezistență produselor din lemn de scurtă durată. Tehnica „Maki” - aurirea suprafeței cu lăcuire ulterioară (de asemenea, amestecarea lacului cu praf de aur sau argint) aparține aceleiași perioade. Produsele realizate în această tehnică au devenit foarte populare în rândul claselor superioare.

Schimbul cultural cu continentul a fost reluat în secolul al XIII-lea, iar articolele de lac japonez au fost distribuite pe scară largă în străinătate prin China și Coreea. Pe de altă parte, în Japonia au venit noi tehnici de decorare, completând perfect tradițiile meșterilor locali.

În secolul al XVII-lea, arta lacului din Japonia a devenit mai rafinată. Pe de o parte, s-au dezvoltat noi stiluri, în timp ce diverse tehnici tradiționale, caracteristice zone diferite a început să se combine, creând combinații interesante.

Aceasta fuziune de tehnici a avut loc la Kanazawa, în prefectura Ishikawa. Clanul Kaga, care a încurajat dezvoltarea meșteșugurilor pe teritoriul său, a invitat meșteri remarcabili din toată Japonia, inclusiv maeștri de lac. De-a lungul mai multor generații, în Kanazawa au fost create stiluri cu totul unice de meșteșuguri tradiționale, care sunt renumite pentru frumusețea și grația lor până astăzi.

DEZVOLTARE COSTUME

NETSUKE
Netsuke este o sculptură în miniatură, o lucrare de artă și meșteșuguri japoneze. Netsuke era folosit ca breloc, contragreutate, pe îmbrăcămintea tradițională japoneză, care era lipsită de buzunare și toate obiectele necesare ( husă, portofel, inro, sagemono, diverse mărunțișuri) erau atârnate de centură cu funii și prinse cu ajutorul a unui netsu, atașat la capătul opus al cordonului. Netsuki nu trebuie confundat cu okimono, de asemenea o sculptură japoneză în miniatură, asemănătoare cu netsuki atât în ​​design, cât și în complot și adesea ca mărime, dar niciodată purtată la curea. Cu toate acestea, absența găurilor pentru agățarea „himotoshi” într-un netsuke nu este semn distinctiv, ca existau netski fara himotoshi sau cu figuri himotoshi mascate cu pricepere in interiorul compozitiei. Materialele tradiționale pentru fabricarea netsuke sunt fildeșul și lemnul. Se mai foloseau metale, aur, argint, bronz, shakudo, sidef, portelan, ceramica, corn de cerb, coarne de animale, carapace de testoasa, colti de morsa si narval, oase interne de animale, diverse nuci, corali, lacuri etc. Există diverse școli de netski, care diferă în principalele parcele, materiale utilizate, tehnici. Prezența unei semnături pe un netsuke nu este principalul factor care afectează prețul și valoarea unui articol. Parcele folosite în netsuke sunt foarte diverse. Gospodărească, natură și naturalistă, istorică, legendară, mitologică, fabuloasă. Aproape toți netski-urile au un simbolism deosebit și reflectă o idee sau o dorință.

Katabori - cel mai faimos tip de netsuke - este o sculptură compactă sculptată care poate reprezenta oameni, animale și grupuri cu mai multe figuri. Sasi este una dintre cele mai vechi forme de netsuke. Este un cârlig alungit cu un orificiu pentru snur. Modul în care se consumă sashi este diferit de toate celelalte forme. Cel mai adesea era atârnat de marginea centurii. Manju este un netsuke sub forma unui disc gros, care repetă forma unei prăjituri de orez. Uneori este format din două jumătăți. Ryusa este o variantă a formei manju, evidențiată de experți ca o formă separată. Principala diferență a acestei forme este că este goală în interior și este realizată folosind tehnica prin sculptură. Kagamibuta - de asemenea, similar cu manju, dar realizat sub forma unei oglinzi sacre tradiționale, partea inferioară a netsuke, făcută din fildeș sau din alt os, corn, lemn sau alte materiale, este acoperită cu un capac sau o placă de metal deasupra, pe care se concentrează partea principală a designului decorativ.

Încă de la înființare, netsuke s-a transformat într-un obiect de colecție, mai întâi în Japonia, unde se putea schimba, da, vinde, comanda, cumpăra netsuke, iar din secolul al XIX-lea, acest hobby s-a răspândit în Europa și America, unde colecționarea netsuke a ajuns la ea. vârf. Piața netsuke este foarte animată și în permanență actualizată, acum colecționarii din întreaga lume au ocazia să cumpere netsuke atât în ​​colecții private, cât și să găsească articole din colecțiile marilor muzee. Cumpărarea și vânzarea netsuke în acest caz are loc prin dealeri de antichități și/sau case de licitație de renume. Acum, nu numai în Japonia, ci în întreaga lume, a devenit foarte popular să cumperi netsuke pentru un cadou cu semnificație simbolică, dorință sau sens ascuns. Este de remarcat faptul că în rusă există destul de des astfel de ortografii ale cuvântului netsuke ca netsuke, precum și netsuke sau netsuke și, uneori, chiar netsuke sau netsuke. Spre deosebire de „netsuke” canonic, alte ortografii sunt posibile, dar nu sunt de dorit.

LA DREAPTA KIMONO MIROSE BĂIUT

Kimono (în japoneză 着物, kimono, „îmbrăcăminte”; japoneză 和服, wafuku, „haine naționale”) sunt haine tradiționale în Japonia. De la mijlocul secolului al XIX-lea, a fost considerat „costumul național” japonez. Kimonoul este, de asemenea, hainele de lucru ale gheișelor și maiko (viitoarea gheișă).
Furisode (jap. 振袖, literalmente „mâneci fluturate”) este o ținută tradițională japoneză pentru fete și mirese necăsătorite, un kimono cu mâneci lungi.
Tomesode (留袖?, mânecă fixată) este un tip de kimono pentru femeile căsătorite. Diferă de furisode într-o mânecă scurtă, modelul merge doar de-a lungul tivului sub obi, fără a afecta mânecile; stemele trebuie să fie prezente pe tomesod.
Obi (jap. 帯?, lit. „brâu”) - mai multe tipuri variate Curele japoneze purtate atât de bărbați, cât și de femei peste kimono și keikogi.
Geta (下駄?) sunt sandale japoneze din lemn în formă de bancă, care sunt aceleași pentru ambele picioare (par dreptunghiuri cu vârfuri rotunjite și posibil laturi ușor convexe de sus). Sunt ținute pe picioare cu curele care trec între degetul mare și al doilea deget de la picior. În zilele noastre, se poartă în timpul relaxării sau pe vreme nefavorabilă. După standardele europenilor, acesta este un pantof foarte incomod, dar japonezii l-au folosit de secole și nu le-a cauzat niciun inconvenient.
Wareshinobu (în japoneză: 割れしのぶ?, tăiat în secret) este o coafură feminină japoneză populară printre ucenicii de gheișă de astăzi.
Sakko (先笄 sakko sau sakiko:gai?, ultimul ac de păr) este o coafură feminină populară printre femeile căsătorite din clasa negustorului din regiunea Kamigata (lângă Kyoto) în a doua jumătate a perioadei Edo. A apărut în vecinătatea orașului Okazaki (prefectura Aichi). În Kanto, coafura marumage a fost mai populară, iar sakko a câștigat recunoașterea abia după revoluția Meiji.
Astăzi, sakko este ultima coafură maiko înainte de erikae, ceremonia de tranziție a gheișei.
Shimada (Japonia 島田?) - coafura femeilor japoneze, un fel de coc. Astăzi shimada este purtată aproape exclusiv de gheișă și taya (un tip de oiran), dar în perioada Edo a fost purtată de fetele de 15-20 de ani, înainte de căsătorie. Ca și alte coafuri, kanzashi este decorat.
Kanzashi (în japoneză 簪?, ortografiat și 髪挿し) sunt podoabe de păr tradiționale japoneze pentru femei. Kanzashi este purtat cu un kimono.