Mendelssohn. Symphonie écossaise

Félix Mendelssohn-Bartholdy
Symphonie n° 3 en la mineur « écossaise », op. 56
Interprètes :
Orchestre de la radio bavaroise
Chef d'orchestre - Maris Jansons.

Symphonie n° 3 (la mineur), op. 56, "écossais"
L'idée de la Symphonie écossaise est née chez Mendelssohn en même temps que la Symphonie de la Réforme (1829-1830), qui est devenue la première symphonie romantique à programme (la précédente symphonie en do mineur n'avait pas de programme). Le compositeur de vingt ans entreprend son premier grand voyage, visitant principalement l'Angleterre et l'Écosse. Les impressions d’un pays étranger, si différent de son pays natal, ont inspiré Mendelssohn à créer l’ouverture « Les Hébrides ou la grotte de Fingal » et la Symphonie écossaise. C’est ainsi que se présente devant lui la capitale de l’Écosse : « À Édimbourg, chaque fois que vous y arrivez, c’est toujours le dimanche », écrivait Mendelssohn à sa famille le 28 juillet 1829. "Tout ici est très strict, puissant, tout est immergé dans une sorte de brume, ou de fumée, ou de brouillard, et demain il y aura un concours de montagnards sur cornemuse, et donc beaucoup ont déjà enfilé leurs tenues aujourd'hui et, calmement et surtout en quittant l'église, mène victorieusement sous la main de ses copines déguisées. Ils ont tous de longues barbes rousses et des genoux nus, et ils portent tous des manteaux colorés et des chapeaux à plumes. Tenant une cornemuse à la main, les gens se promènent tranquillement dans la prairie devant le château délabré où Marie Stuart a passé un moment si brillant et où Riccio a été tué sous ses yeux.
Contrairement à la Symphonie de la Réforme, la Symphonie écossaise n’a pas été achevée immédiatement. La troisième symphonie de Mendelssohn était l'Italienne (1831-1833), écrite sous l'impression d'un voyage en Italie, où le compositeur partait après l'Écosse. Sept ans plus tard, paraît la symphonie-cantate « Song of Praise », dédiée au 400e anniversaire de l'imprimerie. Et seulement cinq ans avant sa mort, Mendelssohn acheva la Symphonie écossaise, publiée sous le numéro 3. À cette époque, il était déjà directeur de l'Orchestre du Gewandhaus à Leipzig, qui, sous sa direction, devint l'un des meilleurs ensembles symphoniques de L'Europe . Mendelssohn a interprété les oratorios de Haendel, les cantates et les suites de Bach, a émerveillé les Leipzigois avec la Neuvième Symphonie de Beethoven, longtemps restée incomprise, et a présenté pour la première fois au public de nouvelles symphonies romantiques - la dernière de Schubert, la Première de Schumann et, enfin, la 3 mars 1842, son Écossais.
L'expressivité des mélodies et l'éclat de l'instrumentation inhérents à Mendelssohn - avec une composition très modeste de l'orchestre - se conjuguent dans sa dernière symphonie avec l'audace innovante de la composition globale, de sorte que son originalité fait oublier ses réalisations antérieures dans ce genre. La forme de la Symphonie écossaise est beaucoup plus complexe et s'écarte loin des exemples classiques. Mendelssohn a insisté sur l'exécution de toutes les parties sans interruption, ce qui n'avait pas été pratiqué auparavant dans les symphonies, et les a liées plus étroitement, comme s'il anticipait la transition vers un mouvement unique que Liszt mettrait en œuvre dans ses poèmes symphoniques une décennie et demie plus tard.
Musique

La coloration dure qui distingue la Symphonie écossaise est associée à la fois au nord sauvage lointain et aux temps anciens et semi-légendaires, dont seuls de tristes souvenirs et des pierres grises de ruines ont survécu. Ceci est déjà déterminé dans le thème initial de la ballade, qui se dévoile lentement dans la lente introduction. C'est la graine à partir de laquelle poussent tous les thèmes ultérieurs de la première partie et des autres parties, unis par un état émotionnel commun - triste, mineur - bien que très différent dans son contenu figuratif. La transformation du thème mélodieux et émouvant de la ballade de l’introduction en la partie principale émouvante, anxieuse et progressivement ascendante de l’allegro de la sonate est particulièrement frappante. Commençant par le son sourd des cordes et de la clarinette, il grandit, mène à un point culminant puissant pour tout l'orchestre et se termine soudainement. La clarinette commence à chanter un nouveau thème, secondaire, également en mineur, mais plus calme et mélodique. Seuls les premiers violons reprennent en arrière-plan les fragments inquiétants du thème principal, soulignant encore davantage l'unité de l'ensemble du mouvement. Le thème final est largement chanté, magnifiquement présenté en tierces. Une saveur sombre domine à la fois le développement et la reprise. Ce n'est que pendant une courte période qu'il semble qu'un rayon de lumière clignote ou qu'un ciel clair apparaît, comme l'écrivait Mendelssohn, exprimant ses impressions sur Édimbourg. Le drame ouvert ne triomphe que dans le code pictural, où frappe l'inventivité inépuisable de variations toujours nouvelles du thème principal, nécessaires pour créer des images typiquement romantiques : la mer est déchaînée, les vagues se lèvent, le vent siffle - la nature animée répond à l'état d'esprit d'une personne. Soudain, tout se calme et, comme un épilogue, une ballade réfléchie de l'introduction retentit, encadrant toute la première partie.

Le Scherzo est l'une des créations les plus originales de Mendelssohn. Dans les étendues sombres, une image éblouissante de divertissement folklorique apparaît soudainement, les airs insouciants des cornemuses avec leur son inhabituel d'échelle pentatonique. Ainsi, vous voyez les montagnards écossais dans des tenues fantaisistes et aux couleurs vives - des kilts courts à carreaux, avec un sac en cuir rempli d'air jeté sur leurs épaules, avec des tuyaux au son perçant enfoncés dedans avec des trous à travers lesquels passent adroitement les doigts du joueur de cornemuse. En voyageant à travers l'Écosse, Mendelssohn a assisté à des concours de cornemuse, et le thème sauvage et rapide de la clarinette, repris par d'autres instruments à vent, est très proche des véritables échantillons du folklore. Comme toutes les parties de la symphonie, le scherzo est écrit sous forme sonate, mais il n'y a pas de contraste figuratif : le mouvement secondaire, indépendant dans son thème, est tout aussi insouciant que le mouvement principal, qui reste dominant.

L’imagerie du troisième mouvement lent est anticipée par les lignes de la lettre du compositeur d’Édimbourg : « À l’heure du crépuscule profond, nous sommes allés aujourd’hui au château où vivait et aimait la reine Mary. Nous avons vu une petite pièce avec un escalier en colimaçon menant à une porte. C'est le long de celle-ci qu'ils (les ennemis de la reine - A.K.) grimpèrent et, trouvant Riccio peu en paix, le traînèrent à travers trois pièces jusqu'à un coin sombre et l'y tuèrent. La chapelle voisine n'a plus de toit et tout est envahi par l'herbe et le lierre. Ici, sur l'autel aujourd'hui détruit, Marie a été couronnée. Il ne reste plus que des ruines, de la poussière et de la pourriture, et un ciel clair apparaît d’en haut. » Le thème principal réfléchi, émouvant et largement chanté des violons est un exemple typique des paroles de Mendelssohn, évoquant des associations avec le piano « Chansons sans paroles », que l’on retrouve souvent dans les mouvements lents de ses symphonies. Cependant, contrairement à ses prédécesseurs, cet adagio est largement développé et construit sur les contrastes, formant une forme sonate. Comme une marche funèbre lointaine, des accords de bois durs éclatent avec un rythme pointé aigu, qui résonne ensuite de manière menaçante dans tout l'orchestre. Et encore une fois la couleur s'éclaircit, une nouvelle mélodie mélodieuse apparaît - une mélodie secondaire, qui est une variante de la principale. Mais deux fois encore, la sombre marche funèbre interrompra la variation tranquille des thèmes principaux et secondaires.

Dans le finale rapide – après les mouvements centraux majeurs – les ambiances mineures du premier mouvement reviennent. Le rythme pointé aigu, les accents aigus, les brusques changements de sonorité dans la partie principale âpre et militante rappellent les images de marche de l'adagio, et le côté plus lyrique, chanté par le hautbois et la clarinette, fait directement écho au thème de la ballade de l'introduction. . Les images héroïques dominent également le design. Le développement énergique des motifs du thème principal se poursuit dans une coda similaire au deuxième développement (Mendelssohn utilise une technique favorite des symphonies de Beethoven). Mais le développement ne se termine pas par un point culminant puissant, mais par un déclin soudain de la sonorité. Dans un profond silence, la clarinette solo entame une chanson triste ; le basson entre en dialogue avec lui ; ils sont remplacés par le son atténué des cordes. Il y a une pause générale. Et comme si de loin, grandissant peu à peu, une mélodie solennelle s'étend : d'abord dans des timbres graves, puis de plus en plus légers, l'orchestre tout entier affirme la version finale et jubilatoire du thème d'ouverture. Ainsi, toute la symphonie est embrassée par une sorte d’arc : la ballade mineure initiale se transforme en une majestueuse apothéose majeure.

La Symphonie écossaise (1830-1842), commencée simultanément avec la Symphonie italienne, ne fut achevée que 12 ans plus tard. Il présente un intérêt en tant que généralisation et poétisation de la musique quotidienne, principalement lyrique.

Par rapport à l'"italien" ensoleillé » , "Scottish Symphony" a un cachet de sévérité et de mélancolie. C'est ainsi que Mendelssohn percevait les légendes historiques et une sorte de saveur quotidienne.

La "Symphonie écossaise" est différente de la "Symphonie italienne" » une gamme d’images plus large et plus contrastée. Sa musique montre des traces des influences du symphonisme moderne (notamment la dernière symphonie de Schubert, les premières œuvres symphoniques de Schumann), de la musique de chambre romantique (principalement les « Chansons sans paroles » de Mendelssohn et de la romance urbaine quotidienne).

Cela s'est reflété dans des tendances innovantes dans l'interprétation de la forme et dans les caractéristiques du style mélodique.

Une longue introduction, construite sur un thème lyrique « romantique », anticipe des ambiances mélancoliques. Allegro un poco agitato, et le prépare intonationnellement. La prédominance des thèmes de chant et de danse indique une continuité avec la musique classique viennoise.

Caractéristiques romantiques " Symphonie écossaise"sont si originaux que la valeur artistique des œuvres qu'il a créées précédemment est nivelée. Cependant, c'est le travail sur ses symphonies précédentes qui a préparé le compositeur à ce saut qualitatif nouveau (rappelons ici la diversité et la richesse de leur contenu figuratif, une attitude créativement libre envers les traditions, une nouvelle interprétation sonate allegro, méthodes de développement thématique, sur la formation des principes du monothématisme, de la poésie, sur les découvertes dans le domaine de l'écriture orchestrale, etc.).

"Tout ici est très strict, puissant, tout est immergé dans une sorte de brume, ou de fumée, ou de brouillard, et demain il y aura une compétition d'alpinistes sur Cornemuse, et c'est pourquoi beaucoup ont déjà enfilé leurs tenues aujourd'hui et, calmement et surtout, ont quitté l'église, prenant victorieusement par le bras leurs copines déguisées. Ils ont tous de longues barbes rousses et des genoux nus, et ils portent tous des manteaux colorés et des chapeaux à plumes. Tenant une cornemuse à la main, les gens se promènent tranquillement dans la prairie devant le château gris délabré où Marie Stuart a passé un moment si brillant et où Riccio a été tué sous ses yeux. Quand on voit tant de choses du passé à côté du présent, il semble que le temps passe très vite », écrivait Mendelssohn depuis Édimbourg à sa famille le 28 juillet 1829.

« Aujourd'hui, à l'heure du crépuscule profond, nous sommes allés au château où la reine Marie a vécu et aimé... La chapelle qui se trouve à proximité n'a plus de toit et tout est envahi par l'herbe et le lierre. Ici, devant l'autel aujourd'hui détruit, Marie a été couronnée. Il ne reste plus que des ruines, de la poussière et de la pourriture, et un ciel clair apparaît d'en haut. Je pense avoir trouvé ici aujourd’hui le début de ma « Symphonie écossaise ».

Ces premières impressions du compositeur, recouvertes au fil des années d'une brume romantique de souvenirs, semblent capturer toute la structure figurative et émotionnelle de la symphonie avec sa tristesse élégiaque, ses pensées douloureuses, ses images du festival de cornemuse, sa nature dure et son anxiété sombre, inspiré de l'image tragique légendaire de Marie Stuart.

La diversité et la richesse des images associées à la vie, à la nature et à l'histoire de l'Écosse ont nécessité une refonte significative du genre symphonique. Il s'agit d'une énorme œuvre en une seule partie, contenant les quatre parties traditionnelles du cycle, ayant une introduction et une coda finale communes. De plus, dans cette œuvre en une seule partie, Mendelssohn réorganise les parties traditionnelles du cycle et révèle d'une manière nouvelle le sens et la fonction de chacune d'elles, subordonnant tous les détails à une seule idée conceptuelle.

L'intégrité du projet apparaît également dans le principe de programmation, auquel Mendelssohn est resté fidèle tout au long de sa carrière créative. Et bien qu'en 1842, lorsque la symphonie fut achevée, les symphonies à programme de Berlioz étaient déjà connues en Europe, Mendelssohn ne suit pas le principe de détail de l'intrigue de Berlioz, restant dans la position de généraliser le contenu figuratif, comme c'était déjà le cas dans ses ouvertures de concert et " Symphonie italienne» .

L'unité compositionnelle et l'intégrité de l'œuvre ressortent particulièrement clairement grâce au principe du monothématisme, incarné dans la symphonie avec une habileté et une ingéniosité extraordinaires.

Le « grain » thématique de la symphonie est le thème de l’introduction (notez l’exemple 2.1).

En 1829, Félix Mendelssohn-Bartholdy conçoit simultanément deux symphonies. Il achève l'année suivante la première d'entre elles, intitulée « Réforme » et dédiée au tricentenaire de l'émergence du luthéranisme (c'est la première symphonie à programme - Berlioz achève son « Berlioz » quelques mois plus tard). Mais la mise en œuvre du deuxième plan a été reportée de plusieurs années.

Cette idée, réalisée cinq ans avant la mort prématurée de Mendelssohn, était associée au voyage du compositeur en Écosse, où il se rendit en 1829. Ce voyage lui apporta de nombreuses impressions vives. Tout ici était inhabituel : le brouillard constant, donnant un aspect fantastique aux paysages, et les vagues vertes de la mer battant contre les rochers, et le château délabré « en souvenir » de Marie Stuart, et les tenues lumineuses et les chapeaux à plumes de la barbe rousse. des montagnards « à genoux nus » se dirigeant vers le concours de cornemuse... Toutes ces impressions ont été incarnées dans le programme symphonique, appelé « Écossais ».

La forme de la symphonie s’est avérée très inhabituelle. L'ordre des mouvements diffère de l'ordre traditionnel : le scherzo est le deuxième mouvement et le mouvement lent est le troisième. En règle générale, les parties d'une symphonie sont séparées les unes des autres par des pauses, mais dans ce cas, l'auteur avait l'intention de les interpréter sans interruption. La Symphonie écossaise est donc devenue une étape vers un mouvement unique, qui s'incarnera plus tard dans la créativité dans le genre d'un poème symphonique. Un autre principe qui jouera plus tard un rôle important dans la symphonie - le monothématisme - est également présent dans cette œuvre de Mendelssohn-Bartholdy : tous les thèmes de la symphonie naissent de la mélodie lente et triste de type ballade, qui ouvre le premier mouvement. En même temps, elle donne le ton émotionnel de l'œuvre, recréant l'image d'un pays nordique austère.

Sa première transformation constitue la partie principale du premier mouvement - également dans une tonalité mineure, mais avec une touche de danse. Cela commence avec des cordes combinées à une clarinette, mais au fur et à mesure de son développement, il envahit tout l'orchestre. La partie latérale de la cantilène est également en mode mineur. La clarinette l'interprète sur fond d'éléments de la partie principale, entonnés de manière alarmante par les cordes. Le final est tout aussi mélodieux. La coloration sombre de l'exposition est préservée dans le développement, dans la reprise et dans la coda dramatique. Un fragment du thème de la ballade de l'introduction conclut le premier mouvement.

Le deuxième mouvement, le scherzo, reflète les souvenirs d'un concours de cornemuse auquel Mendelssohn a assisté en Écosse. La saveur folklorique de sa partie principale pentatonique est soulignée par la syncope caractéristique des chansons écossaises. Le timbre de la cornemuse est imité par la clarinette soliste. La mélodie secondaire est une mélodie indépendante, mais son caractère ne contraste pas avec la mélodie principale.

La troisième partie - lente - est liée aux impressions de la visite du château délabré où vécut autrefois Marie Stuart, et aux sombres légendes entourant le nom de cette reine écossaise. Les violons interprètent pensivement une large mélodie, qui rappelle quelque peu les Chansons sans paroles de Mendelssohn, mais elle est brusquement interrompue par un rythme pointé, semblable à une marche funèbre. Un lot secondaire est une variante du lot principal.

Le final au rythme rapide est construit sur les contrastes : le thème principal rythmiquement aigu s'oppose à un thème secondaire, lié à l'introduction de la première partie. Le développement est dominé par les images du projet héroïque, et le code est assimilé au deuxième développement, mais ce développement ne conduit pas à un point culminant. Soudain tout se calme, et dans un silence complet la clarinette, faisant écho au basson, mène une triste mélodie. Après une pause générale, une nouvelle version du thème de la ballade de l'introduction apparaît - solennelle, majestueuse.

La symphonie écossaise a été interprétée pour la première fois par l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, alors dirigé par Mendelssohn-Bartholdy. La première eut lieu en mars 1842.

Saisons Musicales

Composition d'orchestre : 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 4 cors, 2 trompettes, timbales, cordes.

Histoire de la création

L'idée de la Symphonie écossaise est née chez Mendelssohn en même temps que la Symphonie de la Réforme (1829-1830), qui est devenue la première symphonie romantique à programme (la précédente symphonie en do mineur n'avait pas de programme). Le compositeur de vingt ans entreprend son premier grand voyage, visitant principalement l'Angleterre et l'Écosse. Les impressions d’un pays étranger, si différent de son pays natal, ont inspiré Mendelssohn à créer l’ouverture « Les Hébrides ou la grotte de Fingal » et la Symphonie écossaise. C’est ainsi que se présente devant lui la capitale de l’Écosse : « À Édimbourg, chaque fois que vous y arrivez, c’est toujours le dimanche », écrivait Mendelssohn à sa famille le 28 juillet 1829. "Tout ici est très strict, puissant, tout est immergé dans une sorte de brume, ou de fumée, ou de brouillard, et demain il y aura un concours de montagnards sur cornemuse, et donc beaucoup ont déjà enfilé leurs tenues aujourd'hui et, calmement et surtout en quittant l'église, mène victorieusement sous la main de ses copines déguisées. Ils ont tous de longues barbes rousses et des genoux nus, et ils portent tous des manteaux colorés et des chapeaux à plumes. Tenant une cornemuse à la main, les gens se promènent tranquillement dans la prairie devant le château délabré où Marie Stuart a passé un moment si brillant et où Riccio a été tué sous ses yeux.

Contrairement à la Symphonie de la Réforme, la Symphonie écossaise n’a pas été achevée immédiatement. La troisième symphonie de Mendelssohn était l'Italienne (1831-1833), écrite sous l'impression d'un voyage en Italie, où le compositeur partait après l'Écosse. Sept ans plus tard, paraît la symphonie-cantate « Song of Praise », dédiée au 400e anniversaire de l'imprimerie. Et seulement cinq ans avant sa mort, Mendelssohn acheva la Symphonie écossaise, publiée sous le numéro 3. À cette époque, il était déjà directeur de l'Orchestre du Gewandhaus à Leipzig, qui, sous sa direction, devint l'un des meilleurs ensembles symphoniques de L'Europe . Mendelssohn a interprété les oratorios de Haendel, les cantates et les suites de Bach, a émerveillé les Leipzigois avec la Neuvième Symphonie de Beethoven, longtemps restée incomprise, et a présenté pour la première fois au public de nouvelles symphonies romantiques - la dernière de Schubert, la Première de Schumann et, enfin, la 3 mars 1842, son Écossais.

L'expressivité des mélodies et l'éclat de l'instrumentation inhérents à Mendelssohn - avec une composition très modeste de l'orchestre - se conjuguent dans sa dernière symphonie avec l'audace innovante de la composition globale, de sorte que son originalité fait oublier ses réalisations antérieures dans ce genre. La forme de la Symphonie écossaise est beaucoup plus complexe et s'écarte loin des exemples classiques. Mendelssohn a insisté sur l'exécution de toutes les parties sans interruption, ce qui n'avait pas été pratiqué auparavant dans les symphonies, et les a liées plus étroitement, comme s'il anticipait la transition vers un mouvement unique que Liszt mettrait en œuvre dans ses poèmes symphoniques une décennie et demie plus tard.

Musique

La coloration dure qui distingue la Symphonie écossaise est associée à la fois au nord sauvage lointain et aux temps anciens et semi-légendaires, dont seuls de tristes souvenirs et des pierres grises de ruines ont survécu. Ceci est déjà déterminé dans le thème initial de la ballade, qui se dévoile lentement dans la lente introduction. C'est la graine à partir de laquelle poussent tous les thèmes ultérieurs de la première partie et des autres parties, unis par un état émotionnel commun - triste, mineur - bien que très différent dans son contenu figuratif. La transformation du thème mélodieux et émouvant de la ballade de l’introduction en la partie principale émouvante, anxieuse et progressivement ascendante de l’allegro de la sonate est particulièrement frappante. Commençant par le son sourd des cordes et de la clarinette, il grandit, mène à un point culminant puissant pour tout l'orchestre et se termine soudainement. La clarinette commence à chanter un nouveau thème, secondaire, également en mineur, mais plus calme et mélodique. Seuls les premiers violons reprennent en arrière-plan les fragments inquiétants du thème principal, soulignant encore davantage l'unité de l'ensemble du mouvement. Le thème final est largement chanté, magnifiquement présenté en tierces. Une saveur sombre domine à la fois le développement et la reprise. Ce n'est que pendant une courte période qu'il semble qu'un rayon de lumière clignote ou qu'un ciel clair apparaît, comme l'écrivait Mendelssohn, exprimant ses impressions sur Édimbourg. Le drame ouvert ne triomphe que dans le code pictural, où frappe l'inventivité inépuisable de variations toujours nouvelles du thème principal, nécessaires pour créer des images typiquement romantiques : la mer est déchaînée, les vagues se lèvent, le vent siffle - la nature animée répond à l'état d'esprit d'une personne. Soudain, tout se calme et, comme un épilogue, une ballade réfléchie de l'introduction retentit, encadrant toute la première partie.

Le Scherzo est l'une des créations les plus originales de Mendelssohn. Dans les étendues sombres, une image éblouissante de divertissement folklorique apparaît soudainement, les airs insouciants des cornemuses avec leur son inhabituel d'échelle pentatonique. Ainsi, vous voyez les montagnards écossais dans des tenues fantaisistes et aux couleurs vives - des kilts courts à carreaux, avec un sac en cuir rempli d'air jeté sur leurs épaules, avec des tuyaux au son perçant enfoncés dedans avec des trous à travers lesquels passent adroitement les doigts du joueur de cornemuse. En voyageant à travers l'Écosse, Mendelssohn a assisté à des concours de cornemuse, et le thème sauvage et rapide de la clarinette, repris par d'autres instruments à vent, est très proche des véritables échantillons du folklore. Comme toutes les parties de la symphonie, le scherzo est écrit sous forme sonate, mais il n'y a pas de contraste figuratif : le mouvement secondaire, indépendant dans son thème, est tout aussi insouciant que le mouvement principal, qui reste dominant.

L’imagerie du troisième mouvement lent est anticipée par les lignes de la lettre du compositeur d’Édimbourg : « À l’heure du crépuscule profond, nous sommes allés aujourd’hui au château où vivait et aimait la reine Mary. Nous avons vu une petite pièce avec un escalier en colimaçon menant à une porte. Selon elle, ils (ennemis de la reine. - A.K.) et se leva et, trouvant Riccio peu en paix, le traîna à travers trois pièces jusqu'à un coin sombre et l'y tua. La chapelle voisine n'a plus de toit et tout est envahi par l'herbe et le lierre. Ici, sur l'autel aujourd'hui détruit, Marie a été couronnée. Il ne reste plus que des ruines, de la poussière et de la pourriture, et un ciel clair apparaît d’en haut. » Le thème principal réfléchi, émouvant et largement chanté des violons est un exemple typique des paroles de Mendelssohn, évoquant des associations avec le piano « Chansons sans paroles », que l’on retrouve souvent dans les mouvements lents de ses symphonies. Cependant, contrairement à ses prédécesseurs, cet adagio est largement développé et construit sur les contrastes, formant une forme sonate. Comme une marche funèbre lointaine, des accords de bois durs éclatent avec un rythme pointé aigu, qui résonne ensuite de manière menaçante dans tout l'orchestre. Et encore une fois la couleur s'éclaircit, une nouvelle mélodie mélodieuse apparaît - une mélodie secondaire, qui est une variante de la principale. Mais deux fois encore, la sombre marche funèbre interrompra la variation tranquille des thèmes principaux et secondaires.

Dans le finale rapide – après les mouvements centraux majeurs – les ambiances mineures du premier mouvement reviennent. Le rythme pointé aigu, les accents aigus, les brusques changements de sonorité dans la partie principale âpre et militante rappellent les images de marche de l'adagio, et le côté plus lyrique, chanté par le hautbois et la clarinette, fait directement écho au thème de la ballade de l'introduction. . Les images héroïques dominent également le design. Le développement énergique des motifs du thème principal se poursuit dans une coda similaire au deuxième développement (Mendelssohn utilise une technique favorite des symphonies de Beethoven). Mais le développement ne se termine pas par un point culminant puissant, mais par un déclin soudain de la sonorité. Dans un profond silence, la clarinette solo entame une chanson triste ; le basson entre en dialogue avec lui ; ils sont remplacés par le son atténué des cordes. Il y a une pause générale. Et comme si de loin, grandissant peu à peu, une mélodie solennelle s'étend : d'abord dans des timbres graves, puis de plus en plus légers, l'orchestre tout entier affirme la version finale et jubilatoire du thème d'ouverture. Ainsi, toute la symphonie est embrassée par une sorte d’arc : la ballade mineure initiale se transforme en une majestueuse apothéose majeure.

A. Kœnigsberg

La symphonie « écossaise », en la mineur, poursuit la ligne de développement de la symphonie romantique issue de Schubert. Les images élégiaques et lyriques-épiques de la symphonie s'inspirent des sombres légendes et de la nature de l'Écosse et lisent de manière romantique des épisodes de son histoire.

L'harmonie du concept figuratif de la symphonie se reflète dans l'intégrité et la cohésion exceptionnelles du cycle. Toutes les parties se succèdent sans interruption (attacca) et, surtout, sont thématiquement réunies. Le thème lyrique-narratif triste et quelque peu dur de l'introduction constitue la base des parties principales et secondaires de la première partie :

L'éclat particulier des parties médianes du cycle est typique des symphonies romantiques.

Comme deuxième mouvement, Mendelssohn introduit un scherzo (Vivace non troppo, F-dur). Le contraste introduit par sa sonorité légère et joyeuse est souligné par la position du scherzo entre le premier et le troisième mouvement aux couleurs élégiaques de la symphonie. Le scherzo utilise une mélodie de cornemuse pentatonique dans l'esprit de la musique écossaise des Highlands. Mais ici, vous pouvez entendre des échos du thème principal de la symphonie :

Dans Adagio (troisième mouvement, la majeur), le déroulement fluide d'une mélodie romantique et mélancolique, évoquant une chanson sans paroles, cède la place à un thème aux allures de marche funèbre. Les images les plus tristes de la symphonie sont concentrées ici :

L'Adagio et le final orageux contiennent tous deux des intonations du thème principal de la symphonie ; Finalement, sa transformation s'effectue dans une apothéose solennelle - le code de toute la symphonie :