Частици материя в квантовата физика. Елементарни частици на материята. Квантов факс и копирна машина

изкуства и занаяти

Декоративно-приложните изкуства както на Китай, така и на Япония са на пръв поглед независима традиция, която не е пряко свързана с общия културен субстрат. Но това впечатление е погрешно. Въпреки че местоположението на производствените обекти за порцелан, коприна и лак се определя от природните географски условия (климат, находища на суровини и растеж на съответните дървесни видове), интензивността на развитие на тези индустрии и техните художествени характеристики са определени точно от исторически и културни фактори.

В допълнение, декоративно-приложното изкуство е погълнало целия художествен опит на Далечния изток: рисуване върху порцелан, шарки върху тъкани, резба на лак, миниатюрна скулптура, изработена от всякакви материали - всички те възпроизвеждат фигуративни и символични образи, които са универсални за културата. от редовете на китайската цивилизация. Следователно всеки продукт на декоративно-приложното изкуство е пълноценен представител на националното културно богатство.

Декоративно-приложните изкуства на Китай са представени от много различни занаяти, местни занаяти и техники. Въпреки това, най-представителните му разновидности с право се считат за производство на лак, копринено тъкане и порцелан на Кравцов M.E. История на китайската култура. Санкт Петербург, 2003. - С. 105.

Лакът е една от най-старите индустрии в Китай: фрагменти от продукти с лакирана повърхност са открити сред неолитни археологически материали. Различни видове предмети - съдове, предмети от бита, погребални аксесоари (ковчези) - са правени в епохата Ин и с различни техники.

Лакът е вещество от органичен произход, получено от сока на специфичен китайски вид дървета от семейството на анакардия (смрадлика или шмак). Въз основа на технологията на производство и характеристиките на декорацията лакът се разделя на три основни вида: рисувани, резбовани и инкрустирани. Рисуваният лак е картина, направена с лакови бои и покрита с безцветен лак. Карвираният лак е резба върху лак, по-точно в неговите слоеве, които се нанасят един след друг върху основата в количества от 38 до 200. Резбованият лак обикновено е червен, но позволява и производството на полихромни продукти: слоевете се нанасят върху базата различен цвят, а след това резбата се извършва, като се вземат предвид отварящите се слоеве

Инкрустираният лак се прави почти по същия начин като издълбания лак, тоест чрез издълбаване на слоеве лак. Но след това получените празнини се запълват с други материали. Особено ценени в Китай от художествена и естетическа гледна точка бяха продуктите, инкрустирани със седеф и черупки от яйца. С помощта на техниката инкрустиран лак могат да се изработват и различни видове и категории продукти. Особено широко се използва в производството на мебели. От 18 век В един продукт има смесица от различни техники: например червен резбован лак с инкрустация или инкрустиран лак, допълнен от картини. Основен център за производство на инкрустиран лак все още е южната китайска провинция Фудзиен Пак там, стр. 107.

Бубарството и тъкането на коприна, чието изобретение се приписва от традицията на полубогове и герои (по-специално Силинчи, съпругата на Жълтия император Гоанчи). Тази легенда в Русия е известна в адаптацията на Л.Н по археологически материали, на неолитното население на Китай. Тъкачеството на коприна достига особен мащаб и технологично съвършенство в епохата Хан. По време на династията Тан той претърпява значителни промени поради заимстването на технологични процеси от тюркоезичните народи, както и пристигането на неизвестни преди това бои в Китай.

Много видове китайска коприна, като сатен и брокат, се появяват през 7-8 век.

Порцеланът заема специално място в китайската култура.

Думата "порцелан" е от персийски произход и означава "императорски" на фарси. Това име напълно отговаря на характера на отношението към китайския порцелан извън Китай. В средновековна Европа порцелановите дрънкулки, случайно намерени там, са били почитани като ценни реликви. В самия Китай порцеланът не е нищо повече от една от разновидностите на местната керамика: първоначалното му терминологично обозначение е „глазирана каолинова глина“.

В момента китайската каолинова керамика обикновено се разделя на две независими разновидности: самият порцелан и „каменната“ керамика. Самият порцелан, първо, се състои от два естествени материала - каолинова глина (терминът идва от топонима Gaoling, буквално „висок хълм“ - името на района в провинция Дзянси, където са разположени основните находища на такива глини) и „порцелан камък” - специфична скала от вулканичен произход, която е вид фелдшпат, съчетан с бяла слюда Пак там, стр. 108.

В момента, на фона на друга вълна от интерес към явленията на китайската култура, вниманието към порцелановите продукти от 19 век се увеличава. (по време на манджурската династия Цин). Като примери за един от специфичните феномени на китайското традиционно изкуство, те в същото време остават относително достъпна колекционерска стойност, за разлика от по-ранните творби, които в по-голямата си част вече са се настанили в музейни колекции. Общата системна културна криза на Китай през 19 век, която доведе до упадък в сектора на занаятите, достигна крайна точка в областта на производството на порцелан. Въпреки това, балансирайки се на ръба на пълния колапс, задъхвайки се от външната експанзия и упадъка на вътрешния пазар, той все пак оцеля в най-неблагоприятните условия - през втората половина на века развитието на тази индустрия отново получи положителна динамика, докато занаятчиите успяха да преминат от посредствени продукти, които задоволяват ежедневните нужди, до високо художествени продукти от дворцово ниво.

В допълнение към анализа на основните насоки на развитие на изкуството на китайския порцелан са идентифицирани продукти, характерни за всеки от тях. Това са преди всичко стилизации на класика, възпроизвеждане различни опциидекор, който още в началото на 19в. се считат за архаични - например полихромна живопис от типа wucai, doucai, живопис в гамата на зеленото семейство и др. Особено внимание се обръща на орнаментите от типовете Мин и Цин - наред с техните сравнителни характеристики, еволюцията на последното се проследява в творбата. Така керамиците възпроизвеждат елементи от различни стилове от миналото, благодарение на което модерният продукт придобива нотка на античност. От друга страна, те се стремят да запазят стилистичната посока, която се е развила в края на XVI II век и през първата половина на 19 век все още се възприема като жива традиция - „луксозният стил“ от епохата Qianlong, който се превръща в един от най-ярките изрази на имперската култура. В дисертацията са разгледани нейните най-представителни примери: предмети с живопис Wanhua, предмети с живопис в стил Cloisonné и брокатен порцелан. Особено внимание се обръща на т.нар. Пекинските купи, които се появяват през 19 век. един от най-ярките изрази на еклектичния метод на Н. А. Виноградов. Терминологичен речник. М., 1997. - С.282.

От втората половина на 19в. Една от отправните точки за развитието на държавното производство на порцелан беше традиционният принцип на фангу (копиране на античността), който до голяма степен определи феномена на художествения реставраторизъм, който се формира в Китай преди Цин. Както е известно, копирането на древни паметници в очите на китайците е един от начините за запазването им и в същото време се възприема като знак за жизнеспособността на традицията. Така обръщането към миналото е вече изпитано средство, служещо като своеобразно обръщение към авторитета и неслучайно през 2-ра пол. XIX век Политическият девиз на манджурската управляваща къща беше декларацията за възраждането на националните духовни ценности, което се изразяваше в естетиката на древния модел, който в същото време беше основата за развитие и еклектични тенденции. И ако в началото на управлението на Тунджъ (1862-1874) те все още не разкриват ясен вектор на развитие - керамичното изкуство е обърнато към различни стилове от миналото, които са широко разпространени през периода от епохата Сун (от 2-ра половина на 10-ти век) до средната епоха на Цин (XVIII век), след това в следващите времена традициите на Цин, формирани през миналия век и включени през последната четвърт, се определят като приоритетен източник. XIX век вече в категорията на класиката. Сред различните компоненти на стила Цин - манджурски, китайски (хан), европейски, китайско-тибетски, джоуски - предпочитание беше дадено на самите манджурски и джуски компоненти. Последните изиграха ролята на признаци на голяма древност или златния век, което е стандартен пример за управление, към историческия прецедент на което династията Цин се обърна не за първи път Н. А. Традиционно изкуство на Китай. Терминологичен речник. М., 1997. - С.91.

В същото време керамиците демонстрират желание да създадат свой собствен стил, което ясно се проявява от края на 60-те години. XIX век, когато еклектизмът придобива системен характер и придобива значението на самостоятелно направление. Произволното компилиране на разнородни елементи в организацията на едно произведение на изкуството, характерно за китайското керамично изкуство от първата половина на разглеждания век, отстъпи място на съзнателен избор, насочен към търсене на определена художествена цялост в придворното изкуство - неговата версия на стила Цин, позволявайки на последните представители на манджурската къща да демонстрират собствената си независимост. Най-значимият пример тук е корпусът от паметници, който в научната литература се свързва със специални поръчки, изпълнявани под патронажа на вдовстващата императрица Ci Xi.

Периодът на династията Цин е последната фаза от изолираното развитие на стария Китай – време на постепенно, но неумолимо разпадане на Великата империя. Въвлечена в междукултурни взаимодействия, тя открива криза в традиционната културна парадигма: опиумните войни със Запада и поредица от последващи мирни споразумения, пагубни за Китай, съчетани с безредици в страната и повтарящи се разрушителни речни наводнения, както и война с Япония, довежда империята Цин до ръба на национални бедствия.

Именно този конфликт определя два основни вектора на политическата и философска мисъл – западнячеството и националният традиционализъм. Преминавайки през призмата на художествената практика, те предизвикват качествени промени в областта на изкуството, чието съдържание в стария Китай определя взаимодействието на традицията с новаторството. Този подход, исторически основан на комбинацията от неговите компоненти, в модерната епоха се характеризира по-скоро с тяхната полярност: ако в предишни периоди иновациите са имали за цел само да актуализират традицията, осигурявайки нейната приемственост, без да променят установените универсалии на художествения език, сега иновацията може да означава край на тази приемственост, тъй като се отнася до фундаменталните идеологически основи на културата.

Извършва се структурна трансформация на системата на изкуството, изразяваща се в своеобразна дифузия, тоест взаимно проникване на различни нейни елементи, като академичното (елитарно) изкуство и народното изкуство, което отразява тенденцията към демократизация на културата. В рамките на някои видове изкуство традиционният кръг от теми е нарушен и се появяват принципно нови жанрове (цзинджу - пекинска музикална драма, сичу нянхуа - театрална народна живопис и др.). Още през първата половина на 19 век майсторите се стремят към синтез на различни стилистични направления, което показва нарастващата роля на творческата личност, т.е. индивидуализацията на изкуството и в същото време укрепването на еклектичните тенденции - нова художествена тъкан на произведението се ражда в резултат на комбинация от традиционни елементи, които преди това са били обособени и съществували самостоятелно. Освен това, под влиянието на външни фактори в литературата и изобразителното изкуство, успоредно с натурализма се появява реалистичен метод на изразяване, поради популярността на националния фолклор Малюга Ю.Я. Културология. - М.: Инфра-М, 2006. - стр.69.

Китайското изкуство отдавна се радва на голямо внимание от Япония. По време на епохата Qianlong търговията на Суджоу с други страни и с Япония, между другото, е изключително развита, а контактите между Китай и Япония са обширни, за разлика от династията Мин, когато има забрана за търговия с Япония. През 1698 г. 193 китайски кораба пристигат в пристанището на Нагасаки, това са големи кораби с огромен брой хора на борда. Те отпътуваха от пристанищата на Jiasu, Zhejiang и Guangdong. По това време Шанхай е едно от най-важните пристанища на страната. В началото на царуването на Цин китайско-японската търговия се състоеше главно от размяната на любимите японски копринени продукти за японски медни пари. Материалът, от който са били отливани медни пари по това време, е донесен от китайски търговци от Япония. И повечето копринени продукти са произведени в Суджоу.

С възраждането на търговските отношения между двете страни през периода Токугава (1603-1868 г.) този интерес получава ново развитие. Появата на нови тенденции в японското изкуство също играе важна роля. Художниците активно търсеха нови образи, нови начини на изразяване, нови техники на писане. През 18-ти век има прилив на внимание към китайската живопис. Шогуните на Токугава активно въвеждат идеите на Конфуций, така че китайските кораби трябваше да внасят много подходяща литература. Така в Япония се появи идеята за картини на „интелектуалци“ („wenrenhua“), което беше отразено в движението Nanga или Bujinga и в появата на реалистичната школа на Maruyama-Shijo. По време на активното навлизане на китайската култура холандските кораби донасят и огромни количества западни книги.

Така, от една страна, „свободният стил“ на традиционните китайски картини на „живопис на интелектуалци“ прониква в Япония, от друга страна, реализмът на западната живопис. Японските художници от онова време се отнасят с голямо внимание към двата стила.

Характерно за японската художествена култура е, че художествените традиции на Япония успяха да устоят на влиянието на други култури. Японската култура преработва всяко ново влияние, придавайки му различно звучене. Ако континенталните култури се оформяха в широките пространства на Китай или Корея, тогава Япония, страната на миниатюрите, винаги смекчаваше и придаваше специален лиризъм на своите творения. С пристигането на будизма в Япония започват да се строят нови храмове, пагоди и манастири. Появяват се голям брой скулптури, изобразяващи богове, полубогове, легендарни царе, чиито черти предават войнствения самурайски дух и емоционално състояние, почти винаги съответстващ на изключително напрежение. Само скулптурите на Буда винаги са изпълнени с величествено спокойствие и непривързаност. Sansom J.B. Япония: Разказкултура / J.B. Sansom. - Ед. кор. и допълнителни - Санкт Петербург. : Евразия, 2002. - С.107

Символизмът често се среща в художественото отразяване на света от различни култури. Символиката на японското изкуство се проявява особено ясно в поезията на епохата Хейнан („Мир и спокойствие“) през 8-12 век. Имаше различни периоди по пътя на японската литература към върховете на стихосложението.

Един от най-старите жанрове на японската поезия е танка, неримувани петредови стихове, състоящи се от 31 срички (5-7-5-7-7). Основната идея на резервоара е изразена в три реда.

В прозата се появява специален жанр zuihitsu - което означава да пишете, „следвайки четката“, записвайки всичко, което хваща окото ви, пишете лесно, подчинявайки се само на движението на душата.

От втората половина на 10 век японската проза е разделена на „мъжка“ и „женска“, тъй като в писмената система, създадена на базата на китайски йероглифи, се появява чисто японска сричкова буква и следователно мъжете, като правило, продължават да пишат на китайски, а жените - на японски Konrad N.I. Очерци по културна история на средновековна Япония: Изкуство, 1980 - С.117.

Японската живопис първоначално има религиозен характер, но от около 11 век се появява национални характеристики. Живописта често е била декоративна и приложна. Картини на паравани, вентилатори, различни неща и битови декорации допълниха простотата на интериора и станаха негова украса. С развитието на литературата живописта придобива характер на илюстрация. Появяват се дори живописни истории, илюстриращи пътувания, романи и описания на живота на императори и благородници. Основното за тях беше да предадат настроението на героя. Това беше направено с помощта на комбинация от цветове и техните нюанси, лаконична и в същото време богата, изискана композиция. Това е особено ясно в пейзажната живопис, в която рисуването с туш се установява около 16 век.

По отношение на дълбочината на чувствата, предадени от японските художници, живописта се доближава до поезията.

С течение на времето китайският народ е създал много световноизвестни занаяти. От древни времена се предават уменията и тайните за изработване на изделия от различни видове камък, дърво, глина и лак, както и тайните за производство на тъкани и бродерии. Още в древни времена китайските майстори, след като са се научили да идентифицират и показват художествените качества на даден материал, са използвали за тази цел играта на неговите цветове, петна, различия във фигурите и гладкостта на повърхността. Най-древните съдове от глина и камък се отличават, подобно на древните, с перфектната хармония на формите и яснотата на разделенията.

Китайските занаятчии са възприели много умения, маниери и техники, както и традиционни модели от древни времена. Но самите нужди, които новата историческа епоха налага, породиха множество нови видове и техники на художествените занаяти. Свързано с ежедневието и нарастващите нужди на градското население, художественият занаят в изобразителното изкуство на Китай се превърна не само в един от най-разпространените и популярни, но и в един от най-активните видове.

Целият свят използва китайски вази, чаши и други предмети. В родината си китайският порцелан, наред с други видове изкуство, има най-широко приложение. Китайската керамика се използва и за облицовка на скулптурни произведения.

Керамика. Още в древни времена китайците са използвали разновидности на висококачествена глина за своята керамика. Истинската заслуга за изобретяването на порцелана обаче принадлежи на майсторите от средновековен Китай. В епохата Тан, по време на период на висок просперитет във всички области на китайския духовен живот, се появяват първите порцеланови продукти и бързо се разпространяват. Порцеланът е възпят от поети и почитан като съкровище. Производството на порцелан в Китай е улеснено от богатите находища на необходимите за него материали: порцеланов камък (естествено съединение от фелдшпат и кварц) и местна глина - каолин. Комбинацията от тези два компонента осигурява необходимата пластичност и свойства на топене. Всеки от предметите от китайски порцелан е дълбоко обмислен, изпълнен не като занаят, а като самостоятелно произведение на изкуството. Формите на тънките съдове са кръгли, меки и масивни. Особено известен по това време беше снежнобял порцелан, произведен в град Синджоу, гладък и матов, запазващ монументалността на древните продукти. Много съдове от това време са боядисани с ярки цветни глазури, в които са смесени оксиди на мед, желязо и манган, давайки жълти, кафяви, зелени и лилави богати тонове. Но порцеланът достига своето особено разнообразие и благородство през 11-13 век. През периода Тан керамиката има разнообразни цветове. Но при Суна тя вече се отличава с простота и скромност. Китайската керамика има прецизни и фини линии и семпъл цвят. За това време е характерно използването на естествени цветове. Сиво-сини и сиво-зелени цветове често могат да бъдат намерени на китайско ястие или ваза. Малките пукнатини не са дефект на майстора, а фино обмислена стъпка. Неравностите в глазурата, засъхналите капки фурнир и малките пукнатини по цялата повърхност на продукта придават усещане за завършеност.

Порцеланът Ming, за разлика от порцелана Song, е многоцветен. Занаятчиите използваха снежнобялата му повърхност като живописен фон, върху който поставяха цели пейзажни или жанрови композиции. Има много теми и видове картини, както и цветни комбинации: син и бял порцелан, рисуван под кобалтова глазура с мек и благороден вид и дизайн, цветни глазури, богати на цветове, трицветни и петцветни. Още повече техники и видове порцелан се появяват през 17-18 век. Появяват се черни, гладки и лъскави съдове, изрисувани отгоре с ярки и искрящи емайли. До края на 18 век, когато всички други форми на изкуството вече са в упадък, художественото ниво на китайския порцелан остава високо. За разлика от предишните периоди, формите на порцелановите изделия по време на династията Цин (XVII-XIX век) са по-сложни и изтънчени. Повторението на стари образци придобива по-елегантни размери и до края на 18в. развива се прекомерна претенциозност на очертанията. От този момент нататък украсата на порцелана се характеризира с разнообразие и богатство на мотиви и теми, а в някои случаи и с по-голяма наситеност на орнаменти. Това е особено забележимо в кобалтовата живопис и в гамата на така нареченото „зелено семейство“. Сложни многофигурни сцени, малки растителни мотиви или някоя от безбройните теми на живописта се отличават с голяма сложност и обмисленост на композиционната структура.

Видовете приложно изкуство Тан и Сонг са разнообразни. По това време се изработват бронзови огледала по древни модели, богато украсени от обратната страна с пищен релефен модел на цъфтящи растения, лудуващи животни, птици и плодове. Често такива огледала са направени от сребро, покрити с най-тънък слой злато и инкрустирани със седеф и скъпоценни камъни.

Особено близки до живописта от това време са моделите на тъканите „ke-sy” (кроена коприна). Те са създадени по модели на известни художници. Ke-sy се отличава с изключителна мекота, нежност и ценна зърнеста матова текстура. Светли птици по клоните, пейзажи, цъфтящи пъпки на нежно розовата слива meihua са основните мотиви, изобразени в ke-sy.

Появата на работилници за рисувани емайли в Китай датира от периода Канси, свързан със западноевропейските влияния, идващи от Франция. Влиянието на религиозните гравюри, донесени от йезуитските мисионери, може да се обясни с обичайните китайски емайли върху метал през 18 век. техники на засенчване, проследяване на изображения по контура и други, по същество графични, средства за художествено изразяване. Следи от европейски влияния се забелязват не само в темите и начина на рисуване, но и във формите на китайските емайли от 18 век. Германските и английските медни и сребърни изделия от 16-18 век често служат като прототипи. Емайлите, направени за най-висока употреба, се наричат ​​„хуан джи“ - „жълти (т.е. „имперски“) съдове“, тъй като жълтото отдавна се смята за символичен цвят на китайския император. Декорът на такива емайли е доминиран от изображения в жанра „huangyao“ („цветни птици“), китайски сюжетни сцени и декоративни композиции: изображения на цветни глави на лотос, вплетени в растителна издънка под формата на лоза, и зооморфен модел, който се връща към декора на древни бронзови съдове. В рисуваните емайли са популярни композитни комплекти от чинии с различни форми, които са разработени в китайския порцелан още през периода Канси. Често на чиниите се придаваше форма на отворен вентилатор, украсен с изображения в жанра „цветя и птици“ на бял фон. В редица случаи порцеланът и емайлите върху метал са свързани както от общите пътища на пристигане в Европа, така и от сходството на формите, мотивите за рисуване и цвета. Въпреки това, въпреки несъмненото сходство с порцелана, рисуваните емайли върху метал се характеризират с доста очевидна художествена оригиналност като напълно специален типКитайски занаят, който влезе в контакт с европейското изкуство по-смело от традиционните му видове.

Художествените занаяти и приложното изкуство в Япония се наричат ​​„когеи“. Източникът на повечето художествени идеи за произведения на изкуството беше дълбоката любов към природата. Хората отдавна са усетили нейната красота в най-обикновените, дребни, ежедневни явления.

Произведенията на японското декоративно-приложно изкуство традиционно включват лакови, порцеланови и керамични изделия, дърворезба, кост и метал, художествено декорирани тъкани и облекла, оръжейни произведения и др. Спецификата на произведенията на приложното изкуство е следната: те имат чисто практическа, утилитарна употреба, но в същото време те играят и чисто естетическа роля, служейки за украса на ежедневието на човека. Естетиката на околните предмети за японците беше не по-малко важна от практическата им цел.

Късметлия. Лаковите продукти са известни в Япония от древни времена; техните останки се намират в археологически обекти от епохата Джомон. В горещ и влажен климат лаковите покрития предпазваха дървени, кожени и дори метални изделия от разрушаване. Лаковите продукти в Япония са намерили най-широко приложение: съдове, домакински прибори, оръжия, броня. Традиционните японски лакове са червени и черни, както и златни; В края на периода Едо започва производството на жълт, зелен и кафяв лак. Върнете се в началото

ХХ век Получи се лак от бял, син и лилав цвят. Има много декоративни техники, свързани с използването на лак: maki-e - използването на златен и сребърен прах; уруши-е - боядисване с лак; Хьомон - комбинация от лакова живопис със златна, сребърна и седефена инкрустация. До около средата на 17в. Основен център за развитие на лаковото изкуство остава Киото. Огато Корин започва кариерата си там. Неговите лакови продукти бяха белязани от специално единство на форма и декор, плавно „преливащи“ от едната страна на продукта в друга. Комбинацията от различни материали създаде необичайна повърхностна текстура и рядка гама от цветове.

Керамика. Японците имат специална страст към керамичните продукти. Най-ранните от тях са известни от археологическите разкопки и датират от периода Джомон (каменната ера). Развитието на японската керамика и по-късно на порцелана беше значително повлияно от китайските и корейските технологии, по-специално изпичането и покритието с цветна глазура. Отличителна черта на японската керамика е вниманието не само към формата, декоративния орнамент и цвета на продукта, но и към тактилните усещания, които причинява, когато влезе в контакт с дланта на човек. Японският подход към керамиката включваше неравни форми, грапавост на повърхността, разпространяващи се пукнатини, ивици от глазура, пръстови отпечатъци на майстора и демонстрация на естествената текстура на материала. Художествените керамични продукти включват предимно купи за чайни церемонии, чайници, вази, саксии, декоративни съдове и съдове за саке. Първоначално формата на съда е правена от клони и трева, след това е обмазвана с глина, при изпичане клоните и тревата са изгаряли, оставяйки следи по стените на съдовете. Съдовете от средния и късния период Джомон вече наподобяват скулптурни съдове. През VI-XI век. Под влияние на грънчарите от Корея японските майстори преминаха към изпичане на глинени изделия със зеленикаво-жълта глазура. Приблизително по същото време се появяват продукти от истински фаянс - хигроскопична глина, покрита с глазура.

Порцелановите продукти са предимно тънкостенни вази с изящна декорация, сервизи за чай и вино и различни фигурки. В масата на порцелановите продукти, които са произведени през 17-18 век. в цялата страна се разграничават два основни вида: скъпи, фино рисувани продукти от работилниците на Кутани и Набешима и порцеланът на Арита и Сето, който се произвежда в големи серии. Продуктите от работилниците Кутани имаха пластична, неравна форма. Рисуването им е извършено с големи цветни петна и е свободно разположено върху повърхността на съдовете. Продуктите на Nabeshima обикновено са украсени с изображение на единичен растителен мотив, направен в подглазурна живопис, понякога допълнен с надглазурна полихромна живопис. Работилниците на Арита и Сето произвеждат масови продукти. Това ястие беше украсено с елегантни декоративни композиции от цветя, пеперуди и птици. Значителна част от японския порцелан е специално произведен за износ в западните страни.

Емайл. Период от средата до края на 17 век. стана много плодотворно в историята на развитието на емайловото изкуство в Япония. По това време японските майстори постигнаха съвършенство в цвета. Използвайки метода на вземане на проби, те избраха оптималната стопилка на стъклото, която послужи като основа за емайла, и различни варианти на оксиди, които му придадоха определен нюанс, прозрачност или млечно-перлен блясък, мистериозен блясък. Всички успешни рецепти се превърнаха в тайна, внимателно пазена в семейството на майстора. В Япония емайлите са били наричани "sippo", което означава "седем скъпоценни камъка". Това означаваше, че в бижутата емайлът може да замени злато, сребро, изумруд, корал, ахат, кристал и перли. Най-древният пример за емайл, открит в Япония, датира от края на 7 век. Две широко известни емайлови техники - champlevé и cloisonné - се разпространяват в Япония почти едновременно. Занаятчиите използвали клоазонен емайл за украса на предпазителите (цуба) на самурайски мечове, декоративни лъкове и стрели, за украса на къщи, сандъци, чекмеджета за съхранение на четки и мастило за калиграфия, чай на прах и тамян. Работилниците на първите занаятчии, които са работили върху емайл, се намират в Киото, по-близо до дворците на императори и благородници, които са основните купувачи на тези продукти.

Възраждането на емайловата техника е свързано с работата на майстора Цунекичи Каджи (1803-1883), който живее в покрайнините на Нагоя. Той изучава чужди занаяти, предимно европейски, които идват в Япония, и на базата на това разработва нови технологии за работа с клоазонен емайл. Успехът на Kaji вдъхнови други занаятчии. Започна търсенето на нови методи на работа. Така по това време се появява технологията на „контраемайла“, техниката джин-бари, която се състои в залепване на сребърно фолио върху медна повърхност, покрита с тънък слой емайл. Технологията musen-jippo, разработена от майстора Сосуке Намикава (1847-1910), включва премахване на разделителните проводници след изсъхване на първия слой емайл и повторно запълване с прозрачен емайл. Имаше няколко десетки вариации на техниката - Moriage, Uchidashi, Akasuke, Kodai Moe, Nagare-gusuri и други, което позволяваше да се постигнат отлични резултати при комбиниране. Япония е първата страна в света, където емайлът започва да се нанася не само върху метални заготовки, но и върху керамика и порцелан. Майстор Ясуюки Намикава (1845-1927), работил в Киото, става известен в техниката на емайл върху керамика.

Типични модели, заимствани от Китай за японски емайлирани продукти, са изображения на цветя (хризантеми, божури, съцветия от пауловния, сливи, череши) и донякъде японизирани изображения на дракони, лъвове и други митични животни, птици и пеперуди. Често в изображенията е вложена символиката на добрите пожелания. Нюансите на палитрата варират в зависимост от предназначението на продукта. По този начин експортните стоки бяха изпълнени в ярки, дори крещящи цветове, които бяха предпочитани от европейските клиенти, а тези, предназначени за домашна употреба, бяха боядисани в спокойни цветове, по-съвместими с естетическия мироглед на японците.

Изкуството и културата на Китай и Япония са изключително оригинални, което винаги е интересувало и привличало европейците. От 17-ти век китайските и японските мотиви навлизат в художествените и стилистични тенденции на Западна Европа. И до днес културата на тези две страни е интересна както за изучаване, така и за заемане.

В сферата художествени продуктиметалът включваше храмова скулптура и прибори, оръжия и декоративни предмети, използвани в ежедневието, разнообразието и съвършенството на обработката на традиционните метали (бронз, желязо, мед, стомана) се комбинираха с използването на сложни сплави, отличаващи се с богатство на цветови нюанси; и пластични свойства. Най-често срещаните сред тях са шакудо, което произвежда различни нюанси на черно, кафяво, синьо и лилаво, и шибуичи, което служи като почти неизчерпаем източник на сиви тонове. Рецептите за производство на сплави били професионална тайна и се предавали от майстор на ученик.

През XVII-XVIII век. По поръчка на богати жители на града се изработват скулптурни изображения за домашни олтари, както и изображения с благотворно значение и защита на семейното огнище. Сред тях са Дарума, легендарният монах, чието име в Япония се свързва с произхода на чая, Дайкоку - божеството на щастието и богатството, Джуроджин - божеството на щастието и дълголетието.

Наред с това някои предмети от бита са служили и за декоративни цели. Това бяха горелки за тамян, вази, съдове, кутии, подноси, които се характеризираха с комбинация от различни метали в един продукт, използването на ажурни резби, гравюри, резки и инкрустации.

Традицията за нанасяне на емайлов декор върху метална основа дойде в Япония от Китай в края на 16 век. Емайловата техника има 4 разновидности: cloisonné, champlevé, гравирана и рисувана. Емайлите се наричали „сипло” - седем бижута: злато, сребро, изумруд, корал, диамант, ахат, перли, които според легендата носели щастие на хората. Японските клоазонови емайли от 17-18 век, до голяма степен базирани на китайски проби, се отличават с ограничена палитра от леко приглушени тонове, ясен геометричен модел и наситен тъмнозелен фон. В средата на 19в. Техниката на емайла преживява прераждане. Получават се многоцветни лъскави емайли, които прилепват плътно към металната основа и се шлифоват лесно. Разцветът на изкуството на клоазонния емайл в края на 19 век. се свързва с името на известния майстор Намикава Ясуюки. От работилницата му излизат малки по размер изделия, изцяло покрити с емайли, нанасяни с грижа за бижута. Изображения на цветя, птици, пеперуди, дракони и феникси, множество видове традиционни орнаменти намериха място в сложно изплетената дантела на шарката. Използването на златно фолио създаде искрящ блестящ блясък на полираната повърхност на продукта.

Производството и декорирането на оръжия има древни традиции в Япония. Мечът се възприема като свещен предмет, даден от богинята на слънцето Аматерасу Омиками на нейния внук, когото тя изпраща да управлява земята и да изкорени злото. Правият меч с двустранно заточване (Кен или Цуруги) се превръща в аксесоар на шинтоисткия култ и се превръща в една от императорските регалии.

През Средновековието мечът става символ на класата на войните, олицетворявайки силата, смелостта и достойнството на самурая. Вярвало се също, че в него живеят душите на починали предци. През 7 век е създадена форма на меч с леко извиване на гърба на острието, едностранно заточване, което оцелява почти непроменено до 19 век. и се нарича „нихонто“ (японски меч).

От 16 век аристократите и представителите на военната класа бяха задължени да носят два меча: дълъг - „катана“ и къс - „вакизаши“, който беше предназначен за извършване на ритуално самоубийство. В случай на нарушаване на кодекса на честта, учените, занаятчиите и селяните, със специално разрешение, имаха право да носят само вакизаши или меч без предпазител „айкучи“.

Дългият и трудоемък процес на изработване на острието е организиран като тържествен ритуал, придружен от специални молитви, заклинания и обличане на ковача в церемониални дрехи. Острието е заварено от няколко ленти, изковано най-малко пет пъти, шлифовано и полирано. От края на 12в. остриетата започват да се украсяват с канали, изображения на слънце, луна, звезди, дракони, надписи-заклинания, направени чрез гравиране и дълбок релеф.

Детайли и рамка на меча от 16 век. са създадени от специални занаятчии - оръжейници и бижутери. Острието беше вмъкнато в дръжка, чиято основа се състоеше от два дървени блока, закрепени с метален пръстен „фути“, а върховете „касира“ често бяха увити в кожата на акула или скат, наречени „същите“; (акула). Имаше вярване, че такава дръжка запазва ритуалната чистота на меча и защитава собственика. Малки релефни метални части „менука“ бяха прикрепени към дръжката от двете страни, което осигуряваше по-сигурно захващане на меча с двете ръце. Отгоре на това дръжката беше увита с шнур или плитка, създавайки плетен модел на повърхността. Важен детайл на меча беше „цуба“ (гарда) - защитна пластмаса, отделяща острието от дръжката на малък меч, често беше украсена с внимателно завършени метални пластини „козука“, които представляваха дръжката на малък нож; поставени в специален джоб в калъфа.

През XVII-XIX век. оръжия, които са загубили своите практическа стойност, се превърна в декоративно допълнение към мъжкия костюм. Беше украсен с различни материалии техники за изработка на бижута, ажурна резба, инкрустация със сплави, различни методи за създаване на релефни композиции, емайли и лакове. Цуба придобива особено художествено съвършенство и започва да се разглежда като самостоятелно произведение на изкуството. Темите на изображенията бяха традиционни мотиви, характерни за други видове изкуство: цветя, птици, пейзажи, будистки притчи, исторически легенди, дори оценки на градския живот. Детайлите на един меч бяха комбинирани в стил на изпълнение и често представляваха развитие на един сюжет.

Сред оръжейниците, които са се специализирали в декорирането на мечове, е особено известен този, основан през 15 век. училището Гото, чиито седемнадесет поколения майстори поддържат славата си в продължение на 400 години.

(няма информация за развитието на костюма) Произведенията на японското декоративно-приложно изкуство традиционно включват лакови, порцеланови и керамични изделия, дърворезба, кост и метал, художествено украсени тъкани и облекла, произведения на оръжието и др. приложното изкуство е следното: те, като правило, имат чисто практическо, утилитарно приложение, но в същото време играят и чисто естетическа роля, служейки като украса за ежедневието на човека. Естетиката на околните предмети за японците беше не по-малко важна от практическата им цел: да се възхищават на красотата. Освен това традиционното съзнание на японците се характеризира със специално отношение към красотата като една от мистериите на Вселената. Красотата за японците е феномен, който надхвърля границите на ежедневието ни, който може да бъде описан с думи и разбран с разум. Съвременната западна култура, колкото по-напред отива, толкова повече се опитва да намали човешки животв рамките на рационалния, ежедневен мироглед, където преобладават законите на така наречения „здрав разум“. За японците, въпреки тяхната изключителна практичност и прагматизъм в ежедневните дела, всекидневният, материален свят със сигурност се възприема като илюзорен и преходен. И че отвъд неговите граници има друг, непроявен свят, който фундаментално противоречи на стандартите на „здравия разум“ и който не може да бъде описан с думи. Там живеят висши същества, мистерията на живота и смъртта е свързана с него, както и много мистерии на съществуването, включително принципите на красотата. Този свят се отразява в нашия, като луната във водната повърхност, отеква в душите на хората с остро и трогателно усещане за красивото и тайнственото. Онези, които не могат да видят и оценят тази фина и многостранна игра на значения и нюанси на красотата, японците смятат за безнадеждни, груби варвари.

За да установят своята причастност към трансцеденталния свят, японците (предимно елитът, аристокрацията) придават голямо значение на ритуалните действия и особено на тяхната естетическа страна. От тук идват церемониите на любуване на черешови цветове, алени кленове, първи сняг, изгреви и залези, както и поетични състезания, аранжиране на цветя (икебана), театрални представления и т.н. Дори такива прости ежедневни ситуации като пиене на чай или саке, посрещайки гости или влизайки в интимна интимност, японците придадоха значение на мистичен акт. В същото време битовите предмети едновременно играят ролята на ритуални атрибути. Занаятчиите, създали такива предмети, се стремят да им придадат безупречен естетически вид. Например, много купи за чайната церемония, на пръв поглед груби и неравномерни, бяха ценени необичайно високо, главно защото носеха печата на „отвъдната“ красота; те сякаш съдържаха цялата Вселена.

Същото важи с пълна сила и за много други произведения на декоративното и приложното изкуство: фигурки, нецке, кутии, инро, лакирани изделия, елегантно косоде (кимоно с къси ръкави) с изискан и причудлив декор, паравани, ветрила, фенери и особено традиционен японски оръжие. Ще разгледаме практическото прилагане на традиционните естетически принципи в японското декоративно-приложно изкуство на примера на японските художествени мечове.

Продуктите от лак са известни в Япония от древни времена; техните останки се намират в археологически обекти от епохата Джомон. В горещ и влажен климат лаковите покрития предпазваха дървени, кожени и дори метални изделия от разрушаване. Лаковата посуда намери най-широко приложение в Япония: съдове, домакински прибори, оръжия, броня и др. Лаковата посуда също служи като интериорна декорация, особено в къщите на благородството. Традиционните японски лакове са червени и черни, както и златни; В края на периода Едо започва производството на жълт, зелен и кафяв лак. До началото на 20 век. лак от бяло, синьо и лилаво. Лакът се нанася върху дървената основа на много дебел слой – до 30-40 слоя, след което се полира до огледален блясък. Има много декоративни техники, свързани с използването на лак: maki-e - използването на златен и сребърен прах; уруши-е - боядисване с лак; хемон - комбинация; лакова живопис с инкрустация от злато, сребро и седеф. Японските художествени лакови продукти са високо ценени не само в Япония, но и на Запад и производството им продължава да процъфтява и до днес.

Японците имат специална страст към керамичните изделия. Най-ранните от тях са известни от археологическите разкопки и датират от периода Джомон. Развитието на японската керамика и по-късно на порцелана беше значително повлияно от китайските и корейските технологии, по-специално изпичането и покритието с цветна глазура. Отличителна черта на японската керамика е, че майсторът обръща внимание не само на формата, декоративния орнамент и цвета на продукта, но и на тактилните усещания, които причинява, когато влезе в контакт с дланта на човек. За разлика от западния подход, японският подход към керамиката предполага неравна форма, грапавост на повърхността, разпространяващи се пукнатини, ивици от глазура, пръстови отпечатъци на майстора и демонстрация на естествената текстура на материала. Художествените керамични продукти включват преди всичко купи за чайни церемонии, чайници, вази, саксии, декоративни съдове, съдове за саке и др. Порцелановите продукти са предимно тънкостенни вази с изискан декор, сервизи за чай и вино и различни фигурки. Значителна част от японския порцелан е специално произведен за износ в западните страни.

Отделно за всеки:

КЕРАМИКА
Най-старата керамика на Япония
Японците отдавна изпитват силна любов към якимоно.* Пещите произвеждат различни керамични продукти, различни по цвят, форма и текстура на повърхността. Уникалната култура на ежедневието, създадена от японците, започва с керамични съдове за хранене - купи за ориз, чаши без дръжки и поставки за пръчици. Тези страници ни дават представа за японската страст към керамиката и порцелана.
* На японски керамиката („токи“) и порцеланът („джики“) са известни като „якимоно“.

История на развитието на японската керамика
Първата керамика е направена на японския архипелаг преди около 13 000 години. Доколкото е известно, това се е случило по-рано от където и да било другаде по света. Най-известните са големи, дълбоки тенджери за варене на течности. Изделията са украсявани с орнамент от назъбено или щамповано плетено въже. Заради тези украси от въжета тогавашната керамика се нарича „джомон доки” („джо” = въже; „мон” = орнамент, „доки” = керамика). Преди около 5000 години, по време на епохата Джомон, се появяват модели с динамична форма с орнамент под формата на извиваща се вълна на гърлото на каните и сложни шарки, покриващи цялата външна повърхност на продуктите.
През последвалата епоха Яйой, с началото на отглеждането на ориз, се появяват нови видове керамични продукти, внесени от Корейския полуостров. Приборите Yayoi са били част от ежедневието и са били използвани за съхранение, приготвяне и сервиране на храна на масата. Той беше по-малко украсен от изделията Jomon и дизайнът му използваше предимно светли цветове.
Около началото на Vв. големи промени настъпиха поради пристигането на нови технологии в Япония, отново от Корейския полуостров. Преди това глинените изделия са били изпичани върху огньове, но нов вид керамика, суеки, започва да се подлага на високотемпературна обработка в специални тунелни пещи, вградени в склоновете на хълмовете. Продуктите на Sueki бяха истинска керамика.
От около средата на 7 век. Японските грънчари започнаха да изучават корейски и китайски технологии. От своите съседи те се научили да използват глазури и огнеупорна глина при относително ниски температури. Продуктите от онези времена са били покрити с глазура от тъмнозелен тон или, като керамиката на Nara Sansai, с полихромна глазура, в която червено, жълто и зелени цветове. И двата вида керамика обаче са били популярни само сред членовете на императорския двор, дворцовото благородство и храмовите служители и от 11 век. тези артикули вече не се произвеждат.
Новите постижения, съпътстващи създаването на продуктите на Sueki, дадоха тласък на изграждането на пещи в цялата страна. Потърс забеляза, че дървесната пепел в гореща пещ взаимодейства с глината, за да образува естествена глазура. Това им подсказва технологията за поръсване на керамиката с пепел по време на процеса на изпичане. Методът за производство на естествена пепелна глазура е използван за първи път в пещите Sanage в провинция Owari (сега северозападна префектура Aichi).
Производството на суеки керамика през Средновековието стимулира развитието на нови технологии. Шестте исторически грънчарски центъра на Япония - Сето, Токонаме, Ечизен, Шигараки, Тамба и Бизен - са основани по това време. Техните пещи работят и днес. Почти всички произвеждат фаянсови съдове, близки по външен вид до керамичните - предимно големи кани, вази и гърнета.
Глазираните луксозни стоки се произвеждат само в Сето, разположен близо до древните пещи на Санадж. Грънчарите от Сето се опитаха да задоволят изискванията на аристократите и самураите, които проявяваха голям интерес към керамиката и порцелановите изделия в стила на китайската песен. В украсата им бяха включени нови цветове. Характерна особеност на това ястие е използването на жълт цвят с нюанси на червено, кафяво или зелено. Грънчарите черпят вдъхновение от модели, донесени от континента. В същото време те привеждат идеалите на стила на песента в съответствие с вкусовете на японците, с техните идеи за нови форми и украса на домакинските съдове. Около края на 16в. Сето беше единственият център в Япония, който произвеждаше глазирана керамика.

По време на епохата на междуособни войни (1467-1568), които обхванаха цялата страна, грънчарите Сето отидоха на север, отвъд планините, в Мино (днес южната част на префектура Гифу). Тук е поставено началото на нови стилове, характерни за Япония. Те са най-добре представени от продуктите на Kiseto, Seto-guro, Shino и Oribe.
По това време възниква чаената церемония. Обичаят да се пие чай идва от Китай в края на 12 век, но едва през 16 век става модерно да се обръща специално внимание на церемонията по сервиране на чай при приемане на гости.
Жълтите, белите, черните, зелените и други цветове на керамиката Mino показват влияние от китайската и корейската керамика, но асиметричната форма и абстрактните шарки показват нейния отличителен японски характер. Все по-популярната чаена церемония изисквала сложни чаши, чинии, чинии, кутии за тамян, вази с цветя и свещници. Работилниците на Мино реагираха бързо на тези изисквания.
С настъпването на епохата Момояма (края на 16-ти век) междуособните войни приключват, завършвайки с обединението на Япония, а чайната церемония получава по-нататъшно развитие. По това време производството на японска керамика претърпява промени. Тойотоми Хидейоши започна военна кампания на Корейския полуостров, която отвори възможността за самураите, почитатели на чайната церемония, да доведат корейски грънчари в Япония и да ги наемат да строят пещи. Много нови производствени центрове са създадени в различни части на Кюшу, включително Карацу, Агано, Такатори, Сацума, Хаги. Производството на продуктите на Karatsu беше много разнообразно и мащабно - чаши за чай, вази за цветя и много битови предмети се доставяха оттам до всички краища на страната.
Порцеланът се появява в Япония едва в началото на 17 век, когато корейските грънчари започват да го правят тук. Това е важен крайъгълен камък в развитието на японското керамично производство. Малко след това находища на порцеланова глина, сега известна като каолин, са открити в Изумияма, Арита, Кюшу. Оказа се идеален за производство на тънкостенни, леки и издръжливи продукти. Със своята удивителна синя картина на бял фон, те се превърнаха в гореща стока в цяла Япония. И тъй като продуктите се доставят от близкото пристанище Имари, те стават известни като порцелан Имари. На начална фазасъществуването на производството Imari, влиянието на корейския порцелан върху него беше очевидно, но скоро голям брой порцеланови продукти бяха внесени от Китай, които също станаха обект на изследване за японските занаятчии. Постепенно качеството на домакинските керамични съдове значително се подобрява. Занаятчия на име Сакаида Какиемон изобрети метод за нанасяне на меки оранжево-червени нюанси върху повърхността на продукта, което направи възможно създаването на невероятни цветни дизайни на млечнобял фон.
Европейски кралски дворове и благородници, очаровани от красотата на ориенталското изкуство, се надпреварват помежду си да грабнат продуктите от порцелан Imari. Скоро занаятчиите в Майсен (Германия), Делфт (Холандия) и други европейски центрове започнаха да копират продуктите на Imari, включително стила Kakiemon. Това е златният век на японската керамика.
Нономура Нинсей, живял през 17 век. в Киото, имперския град, той създава свой собствен кралски стил, отваряйки цял свят на цветна фантазия. Огата Кензан, Окуда Айсен и Аоки Мокубей обогатиха този изискан свят на керамиката Кио, създавайки основата за развитието на модерния стил Киомизу.

През 19 век керамичното производство се развива бързо в цялата страна. Стиловете гошу-акае (червена глазура) и шондзуй, разработени от късните примери на китайския стил Минг, добиха огромна популярност през това време, както се вижда от модерните японски съдове за хранене.
Керамика, произведена в Япония, е била излагана на международни изложения в Париж в края на 19 век, което е довело до изделия Imari, Satsuma и Kutani, които са повлияли на стила на европейските занаятчии. Интересът към японските продукти се отразява в еволюцията на модерното изкуство.
Историята на японската керамика е немислима без корейско и китайско влияние. Но също така е ясно, че отговаряйки на артистичните вкусове и стил на живот на японците, този занаят поема по свой път и води до създаването на уникално изкуство и цяла индустрия.

Изключителното разнообразие от керамика в Япония
В целия свят японската керамика се счита за ненадмината по брой и разнообразие от налични техники и стилове. Съвременните сервизи – керамични или порцеланови – се произвеждат в Япония в широка гама от форми и декоративни решения.
Японската керамика може да бъде разделена на три групи: (1) керамика с уникална текстура, наподобяваща пръст на пипане, най-добре представена от изделията Bizen, Shigaraki, Echizen и Tokoname; (2) керамика с тежка глазура и топъл, землист тон, станала известна от съдовете за чайна церемония Oribe и Mino, простите изделия Mashiko и изделията Karatsu и Hagi, отразяващи керамичното изкуство на Корейския полуостров; и (3) порцелан, представен от изделия Imari, известни с използването на драматичен бял фон, и изделия Kutani с ослепителното си оцветяване навсякъде. Каквато и да е технологията и дизайнът на пещта, керамиката, създадена от японски занаятчии, винаги е свидетелствала за търсенето на красота, което е продължило от векове.
Защо има толкова голямо разнообразие във всяка керамична група? За да отговорим на този въпрос, трябва да разгледаме тясната връзка между керамиката и чайната церемония.
Идеалите на чайната церемония, състоящи се от простота и мир, намериха най-яркото си въплъщение в ерата на Момояма (края на 16 век). Изразът на тези нови идеали за онова време е думата wabi, което означава простота и спокойствие. Майсторите на чайната церемония, които искаха ястията им да предадат духа на ваби, демонстрираха своята оригиналност и разшириха влиянието си, като поръчаха купи за чай и други предмети от занаятчии, които сякаш „вдишваха“ тези идеали.
Необикновената творческа енергия на епохата Момояма вдъхна нов живот на изкуството на японската керамика. Това може да се види в съдовете Seto-guro с катранено черни тонове в резултат на изваждането на изделията от пещта по време на процеса на изпичане; в посудата на работилницата на Кисето с нейния динамичен дизайн; в парчетата на Oribe с техните смели форми и сложни шарки, направени със зелени и железни глазури; в строги, прости китайски продукти.
Практикуващите чайна церемония понякога дават имена на отделни прибори, които харесват най-много, като купа за чай, ваза, съд с вода или кутия за тамян. Къде другаде по света можете да намерите такова отношение към керамиката? Не е ли това доказателство за дълбочината на японската страст към керамиката!

Друга причина за такова голямо разнообразие от керамични продукти е фактът, че японската кухня изисква широка гама от прибори за хранене, много по-широка от всяка друга кухня в света.
В древни времена японските благородници са предпочитали да ядат и пият предимно с лакирани съдове, но всичко се е променило благодарение на майсторите на чайната церемония. Те започнаха да използват керамични комплекти, за да сервират кайсеки закуски преди чай и постепенно осъзнаха, че керамичните съдове придават на храната по-осезаема визуална привлекателност и свежест. Приборите за чаената церемония бяха подбрани според времето на годината, а със сервиране на сервизи, като муко-зуке чинии за сервиране на парчета сашими, ястия за саке и пържени храни, собственикът задоволи високите естетически потребности на гостите. Именно майсторите на чайната церемония обогатиха ритуала на хранене, внасяйки в него момент на визуална и естетическа наслада.
От средата на 19-ти век порцеланът заема важно място на масата за хранене поради лесната си употреба. Днес керамичните съдове се превърнаха в норма в ежедневието. И само мисо супата традиционно се пие от гладки лакирани чаши. Тези чаши не са предназначени за ежедневно хранене.
Оризът, който е в основата на японската диета, традиционно се яде от малка купа, държана в ръка, а в много семейства всеки има своя собствена купа с ориз. Подобни традиции на масата само засилиха японската любов към керамичните съдове.

LAC
накратко, той е направен от дървесна смола.

Има доказателства, че лакът е бил използван в Япония от каменната ера преди 5000 - 6000 години като лепило, използвано за закрепване на върхове на стрели. Но още преди около 4000 години яркочервени и черни лакове са били използвани като покрития върху съдове, оръжия и бижута. Известно е също, че приблизително 100 години след Ямато Такеру но Микото е имало гилдия от занаятчии, наречена „Уруши-бе“, специализирана в изкуството на лакирането.

Техниката на декоративния лак идва в Япония през 5-6 век, по време на въвеждането на будизма от Китай, където много преди обединението на Япония занаятчиите създават шедьоври на приложното изкуство от многопластов черен и червен лак.

В края на 8 век, по време на ранния период Хейан, Япония спира да изпраща търговски мисии в Китай. Японската култура се оказва откъсната от влиянието на континента. През периода Хейан, от края на 8-ми до 12-ти век, изкуството на лака в Япония се развива в напълно уникален японски стил. Съдовете и мебелите от онова време са направени предимно от дърво. Следователно не е изненадващо, че лакът се използва широко за добавяне на красота и издръжливост на краткотрайни дървени продукти. Техниката „Маки” датира от същия период – позлатяване на повърхността, последвано от лакиране (също смесване на лак със златен или сребърен прах). Продуктите, направени с помощта на тази техника, станаха много популярни сред висшите класове.

Културният обмен с континента е възобновен през 13 век и японските лакирани изделия се разпространяват широко в чужбина чрез Китай и Корея. От друга страна, в Япония дойдоха нови техники за декориране, които перфектно допълваха традициите на местните занаятчии.

През 17 век японското лаково изкуство става по-изтънчено. От една страна, се развиват нови стилове, докато различни традиционни техники са характерни за различни областизапочнаха да се свързват, създавайки най-интересните комбинации.

Именно това сливане на техники се случи в Канадзава, в префектура Ишикава. Кланът Кага, който насърчава развитието на занаятите на територията си, покани изключителни занаятчии от цяла Япония, включително майстори на лак. След няколко поколения в Канадзава са създадени напълно уникални стилове на традиционни занаяти, които и до днес са известни със своята красота и изящество.

РАЗРАБОТКА НА КОСТЮМ

НЕЦКЕ
Нецуке е миниатюрна скулптура, произведение на японското декоративно-приложно изкуство. Нецуке се използваше като ключодържател, противотежест, върху традиционно японско облекло, което беше лишено от джобове и всички необходими предмети (чанта, портфейл, инро, сагемоно, различни малки предмети) бяха окачени на колана с помощта на въжета и закрепени с помощта на нецуке, прикрепено към противоположния край на кабела. Нетски не трябва да се бърка с окимоно - също миниатюрна японска скулптура, подобна на нетски по дизайн, предмет и често по размер, но никога не се носи на колан. Въпреки това, липсата на дупки за окачване на "химотоши" в нецуке не е така отличителна черта, тъй като имаше нетски без химотоши или с фигури химотоши, умело маскирани вътре в композицията. Традиционните материали за направата на нецке са слонова кост и дърво. Използвани са още метали, злато, сребро, бронз, шакудо, седеф, порцелан, керамика, еленови рога, животински рога, черупки на костенурка, бивни на морж и нарвал, вътрешни животински кости, различни ядки, корали, лакове и др. Има различни школи по нетски, които се различават по основните предмети, използвани материали и техники. Наличието на подпис върху нецке не е основният фактор, който влияе върху цената и стойността на артикула. Предметите, използвани в нецке, са много разнообразни. Битови, природни и натуралистични, исторически, легендарни, митологични, приказни. Почти всички нетски имат своя уникална символика и отразяват някаква идея или желание.

Катабори е най-известният вид нецке - компактна издълбана скулптура, която може да изобразява хора, животни и многофигурни групи. Саши е една от най-старите форми на нецке. Представлява продълговата кука с отвор за шнур. Начинът на консумация на саси е различен от всички други форми. Най-често тя беше окачена от ръба на колана. Манджу е нецуке под формата на дебел диск, повтарящ формата на оризова торта. Понякога се прави от две половини. Ryusa е вариант на формата манджу, идентифициран от експертите като отделен тип. Основната разлика на тази форма е, че тя е празна отвътре и е направена чрез техниката на резба. Кагамибута - също подобно на манджу, но направено под формата на традиционно свещено огледало, долната част на нецуке, изработена от слонова кост или друга кост, рог, дърво или други материали, е покрита отгоре с метален капак или плоча, върху който е съсредоточена основната част от декоративния дизайн.

От самото си създаване нецуке се е превърнало в колекционерска вещ, първо в Япония, където нецуке може да се разменя, подарява, продава, поръчва, купува, а от деветнадесети век това хоби се разпространява в Европа и Америка, където колекционирането на нецуке достига своя връх. Пазарът на нецуке е много оживен и постоянно се актуализира; сега колекционерите от цял ​​свят имат възможност да купуват нецуке както в частни колекции, така и да намерят предмети от колекциите на големи музеи. Купуването и продажбата на нецуке в този случай става чрез реномирани търговци на антики и/или аукционни къщи. Сега не само в Япония, но и по целия свят стана много популярно да се купува нецке като подарък със символично значение, желание или скрит смисъл. Струва си да се отбележи, че в руския език изписването на думата нецуке е доста често срещано: нецуке, както и нецуке, или нецуке, а понякога дори нецки или нетски. За разлика от каноничното "нецке", други изписвания са възможни, но не са желателни.

ВДЯСНО КИМОНОТО МИРИШЕ НА БЛЕЯНЕ

Кимоно (японски 着物, kimono, „дреха“; японски 和服, wafuku, „национално облекло“) е традиционно облекло в Япония. От средата на 19 век се смята за японската „национална носия“. Кимоната са и работното облекло на гейшите и майките (бъдещите гейши).
Furisode (振袖, буквално „летящи ръкави“) е традиционно японско облекло за неомъжени момичета и булки, кимоно с дълги ръкави.
Tomesode (留袖?, фиксиран ръкав) е вид кимоно за омъжени жени. Различава се от furisode по това, че има скъсен ръкав; Tomesode трябва да има гербове.
Оби (японски 帯?, буквално „колан“) - няколко различни видовеЯпонски колани, носени както от мъже, така и от жени върху кимоно и кеикоги.
Гета (японски 下駄?) - японски дървени сандали във формата на пейка, еднакви за двата крака (отгоре изглеждат като правоъгълници със заоблени върхове и вероятно леко изпъкнали страни). Те се държат на краката с ремъци, минаващи между големия и втория пръст. В момента те се носят в свободното време или при лошо време. По европейските стандарти това е много неудобна обувка, но японците я използват от векове и не им създават никакъв дискомфорт.
Wareshinobu (на японски: 割れしのぶ?, тайно подстригана) е японска женска прическа, популярна днес сред чираците гейши.
Сакко (на японски: 先笄 sakko или sakiko:gai?, последна фиби) е женска прическа, популярна сред омъжените жени от търговската класа в региона Камигата (близо до Киото) през втората половина на периода Едо. Появи се в околностите на град Оказаки (префектура Аичи). В Канто прическата марумаж е по-популярна, а сако получава признание едва след революцията Мейджи.
Днес sakko е последната прическа, която майко носи преди erikae, церемонията да стане гейша.
Шимада (яп. 島田?) – японска женска прическа, вид кок. Днес шимада се носи почти изключително от гейша и тая (вид ойран), но през периода Едо се е носила от момичета на възраст 15-20 години, преди да се омъжат. Подобно на други прически, тя е украсена с канзаши.
Канзаши (японски 簪?, изписван също 髪挿し) са японски традиционни женски орнаменти за коса. Канзаши се носи с кимоно.