Частица материя в квантовата физика. Елементарни частици на материята. Квантов факс и копирна машина

Изкуства и занаяти

Изкуствата и занаятите както на Китай, така и на Япония на пръв поглед са независима традиция, която не е пряко свързана с общия културен субстрат. Но това впечатление е погрешно. Въпреки че местоположението на местата за производство на порцелан, коприна, лак се определя от природни и географски условия (климат, находища на суровини и растеж на съответните дървесни видове), интензивността на развитието на тези индустрии и техните художествени особености са обусловени именно от исторически и културни фактори.

В допълнение, изкуствата и занаятите са погълнали целия художествен опит на Далечния изток: рисуване върху порцелан, шарки върху тъкани, резба върху лак, миниатюрна пластмаса, изработена от всякакви материали - всички те възпроизвеждат фигуративни и символични изображения, универсални за културата на китайската цивилизация.редове. Следователно всеки продукт на декоративно-приложното изкуство е пълноправен представител на националното културно богатство.

Изкуствата и занаятите на Китай са представени от много различни занаяти, местни занаяти и техники. Въпреки това, производството на лак, коприна и порцелан от М. Е. Кравцов с право се считат за най-представителните му разновидности. История на китайската култура. СПб., 2003. - С.105.

Лакът е едно от най-старите производства в Китай: фрагменти от продукти с лакирана повърхност са открити сред неолитните археологически материали. Различни видове предмети - ястия, предмети за бита, погребални принадлежности (ковчези) - се изработват в ерата Ин и в различни техники.

Лакът е вещество с органичен произход, получено от сока на специфичен китайски сорт дървета от семейство Anacardiaceae (Sumak, или Shmak). Според технологията на производство и характеристиките на декорацията, лакът е разделен на три основни разновидности: боядисани, издълбани и инкрустирани. Рисуваният лак е картина, направена с лакови бои и покрита с безцветен лак. Издълбан лак - резба върху лак, по-точно върху неговите слоеве, които се нанасят един след друг върху основата в количество от 38 до 200. Издълбаният лак обикновено е червен, но също така позволява производството на полихромни продукти: слоеве от различни цветовете се нанасят върху основата, а след това дърворезбата се извършва, като се вземат предвид отварящите слоеве

Инкрустираният лак се изработва по почти същия начин като издълбания лак, тоест чрез резба върху слоеве от лак. Но тогава получените празнини се запълват с други материали. От художествена и естетическа гледна точка продуктите с инкрустирани седеф и яйчена черупка бяха особено ценени в Китай. В техниката на инкрустирания лак могат да се произвеждат и различни видове и категории продукти. Особено широко се използва в мебелния бизнес. От 18 век в един продукт има смесица от различни техники: например червен резбован лак с инкрустация или инкрустиран лак, допълнен от картини. Основен център за производство на инкрустирани лакове все още е южнокитайската провинция Фуджиан Пак там, стр.107.

Отглеждането на коприна и тъкането на коприна, чието изобретение се приписва от традицията на полубогове и герои (по-специално Ксилинчи, съпругата на Жълтия император Гоанчи) Тази легенда е известна в Русия при обработката на Л. Н. Толстой, също беше известна, съдейки по археологическите материали, на неолитното население на Китай. Тъкането на коприна достига особен мащаб и технологично съвършенство в ерата Хан. По време на династията Тан той претърпява значителни промени поради заимстването на технологични процеси от тюркоезичните народи, както и пристигането на неизвестни досега багрила в Китай.

Много видове китайска коприна, като сатен и брокат, се появяват именно през 7-8 век.

Порцеланът заема специално място в китайската култура.

Думата "порцелан" е от персийски произход и означава "имперски" на фарси. Това име напълно съответства на естеството на отношението към китайския порцелан извън Китай. В средновековна Европа порцелановите дреболии, които случайно попаднали там, са били почитани като ценни реликви. В самия Китай порцеланът не беше нищо повече от една от разновидностите на местната керамика: първоначалното му терминологично обозначение беше „глазирана каолинова глина“.

В момента китайската каолинова керамика обикновено се разделя на две независими разновидности: самия порцелан и "каменна" керамика. Самият порцелан, първо, се състои от два естествени материала - каолинова глина (терминът идва от топонима Gaoling, букв. "висок хълм" - името на района в провинция Дзянси, където се намират основните находища на такива глини) и " порцеланов камък” – специфична скала от вулканичен произход, която представлява разновидност на фелдшпат в съчетание с бяла слюда Пак там, стр.108.

Понастоящем, на фона на поредната вълна на интерес към феномените на китайската култура, вниманието към порцелановите изделия от 19 век се увеличава. (По време на манджурската династия Цин). Като пример за един от специфичните феномени на китайското традиционно изкуство, те в същото време остават относително достъпен обект на колекциониране, за разлика от по-ранните произведения, които в по-голямата си част вече са се настанили в музейните колекции. Общата системна криза на културата на Китай през 19 век, която предизвика упадък в занаятчийския сектор, достигна краен момент в областта на производството на порцелан. Въпреки това, балансирайки на ръба на пълен колапс, задавяйки се от външната експанзия и упадъка на вътрешния пазар, той все още издържа на най-неблагоприятните условия - през втората половина на века развитието на тази индустрия отново получи положителна динамика, докато занаятчиите успяват да преминат от посредствени продукти, които задоволяват ежедневните нужди, към високохудожествени изделия на дворцово ниво.

В допълнение към анализа на основните направления в развитието на изкуството на китайския порцелан се идентифицират продукти, характерни за всеки от тях. Това са на първо място стилизации под класиката, възпроизвеждащи различни опции за декор, които още в началото на 19 век. се смятаха за архаични – например полихромна живопис като уцай, доутсай, рисуване в обхвата на зеленото семейство и др. Специално внимание беше отделено на орнаментите от типовете Минг и Цин – заедно с техните сравнителни характеристики, еволюцията на последните се проследява в творбата. По този начин керамистите възпроизвеждат елементи от различни стилове от миналото, благодарение на които модерен продукт придобива нотка на древността. От друга страна, те се стремят да запазят стилистичната тенденция, която се развива в края на 18-ти век и все още се възприема като жива традиция през първата половина на 19-ти век - „луксозният стил“ от епохата Qianlong, който става един от най-ярките изрази на имперската култура. В дисертацията са разгледани нейните най-представителни примери: изделия с уанхуа рисуване, изделия с рисуване в стил клоазон, брокатен порцелан. Особено внимание се обръща на т.нар. Пекински купи, които се появяват през 19 век. един от най-ярките изрази на еклектичния метод Виноградова Н. А. Традиционно изкуство на Китай. Терминологичен речник. М., 1997 г. - С.282.

От втората половина на XIX век. една от отправните точки за развитието на държавното производство на порцелан е традиционният принцип на фангу (копиране на античността), който до голяма степен определя феномена на художествения реставраторизъм, който се формира още в Китай преди Цин. Както е известно, копирането на древни паметници е в очите на китайците един от начините за запазването им и в същото време се възприема като знак за жизнеспособността на традицията. Така обръщането към миналото вече беше изпитано средство, което послужи като своеобразен апел към авторитета, а не случайно през второто полувреме. 19 век Политическото мото на манджурския управляващ дом беше декларацията за възраждане на националните духовни ценности, която намери своя израз в естетиката на античния модел, който в същото време беше в основата на развитието и еклектичните тенденции. И ако в началото на управлението на Тонгджи (1862-1874) те все още не разкриват ясен вектор на развитие, керамичното изкуство се обръща към различни стилове от миналото, които стават широко разпространени в периода от ерата на Сонг (от 2-ри половината на 10-ти век) до ерата на Средната Цин (XVIII в.), а след това в следващото време именно Цинските традиции, които се формират през миналия век и са включени от последната четвърт, се определят като приоритетен източник . 19 век вече класика. В редица различни компоненти на стила Цин - манджурски, китайски (хан), европейски, китайско-тибетски, чоу - предпочитание се дава на действителните компоненти на манджу и чоу. Последните изиграха ролята на знаци на голяма древност или на златния век, който е стандартен модел на управление, към чийто исторически прецедент династията Цин се обърна не за първи път Виноградова Н.А. Традиционното изкуство на Китай. Терминологичен речник. М., 1997 г. - С.91.

В същото време керамистите демонстрират желанието да създадат свой собствен стил, което е ясно разкрито от края на 60-те години. XIX век, когато еклектизмът придобива системен характер и придобива значението на самостоятелно направление. Произволното компилиране на разнородни елементи в организацията на произведение на изкуството, което беше характерно за китайското керамично изкуство през разглежданата първа половина на века, отстъпи място на съзнателен избор, насочен към намиране на някакъв вид художествена цялост в придворното изкуство - своя собствена версия на стила Цин, позволяваща на последните представители на манджурската къща да демонстрират собствената си независимост. Най-показателният пример тук е корпусът от паметници, които в научната литература се свързват със специални заповеди, изпълнявани под патронажа на вдовствуващата императрица Ци Си.

Периодът на династията Цин е последната фаза на изолираното развитие на стар Китай – време на постепенно, но неумолимо разпадане на Великата империя. Замесена в междукултурни взаимодействия, тя открива криза в традиционната културна парадигма: опиумните войни със Запада и поредица от последващи мирни споразумения, които са пагубни за Китай, съчетани с вътрешни вълнения и повтарящи се разрушителни речни наводнения, както и война с Япония, доведе империята Цин до ръба на национални бедствия.

Именно този конфликт определя двата основни вектора на политическата и философска мисъл – западничеството и национал-традиционализма. Преминавайки през призмата на художествената практика, те предизвикаха качествени промени в изкуствата, чието съдържание в древен Китай определя взаимодействието на традицията с иновацията. Този подход, исторически основан на комбинация от неговите компоненти, в епохата на новото време се характеризираше по-скоро с тяхната полярност: ако в предишни периоди иновациите бяха призвани само да обновяват традицията, осигурявайки нейната приемственост, без да променят установените универсалии на художественото. език, сега иновацията може да означава край на тази приемственост, тъй като се отнася до фундаменталните идеологически основи на културата.

Налице е структурна трансформация на системата на изкуствата, изразяваща се в своеобразна дифузия, тоест взаимно проникване на различните й елементи, като например академично (елитарно) изкуство и народно изкуство, което отразява тенденция към демократизация. на културата. В рамките на определени видове изкуство традиционният кръг от теми е разкъсан и се появяват принципно нови жанрове (дзинджу - пекинска музикална драма, сичу нианхуа - театрална народна живопис и др.). Още през първата половина на 19 век майсторите се стремят към синтез на различни стилистични тенденции, което свидетелства за нарастващата роля на творческата личност, тоест индивидуализирането на изкуството и в същото време укрепването на еклектиката. тенденции – ражда се нова художествена тъкан на творбата в резултат на съчетание на традиционни елементи, преди това обособени и съществуващи самостоятелно. Освен това, под въздействието на външни фактори в литературата и изобразителното изкуство, формирането на реалистичен метод на изразяване протича успоредно с натурализма, поради популярността на националния фолклор Малюг Ю.Я. културология. - М.: Инфра-М, 2006. - С.69.

Китайското изкуство отдавна се радва на голямо внимание от Япония. През периода Qianlong търговията на Суджоу с други страни, включително Япония, е изключително развита, контактите между Китай и Япония са обширни, за разлика от династията Мин, когато има забрана за търговия с Япония. През 1698 г. 193 китайски кораба пристигнаха в пристанището на Нагасаки, те бяха големи кораби с огромен брой хора на борда. Те отпътуваха от пристанищата на Jiasu, Zhejiang и Guangdong. Шанхай е едно от най-важните пристанища в страната по това време. В началото на царуването на Цин китайско-японската търговия е основно обменът на копринени изделия, предпочитани от японците, срещу японски медни пари. Материалът, от който се отливат медни пари по това време, е донесен от китайски търговци от Япония. И повечето от копринените изделия са направени в Суджоу.

С възраждането на търговските отношения между двете страни през периода Токугава (1603-1868 г.) този интерес се развива допълнително. Появата на нови тенденции в японското изкуство също изигра значителна роля. Художниците активно търсеха нови образи, нови начини на изразяване, нови техники за писане. През 18 век има прилив на внимание към китайската живопис. Шогуните Токугава активно въвеждат идеите на Конфуций, така че на китайските кораби трябваше да се внася много подходяща литература. Така в Япония се появи идея за картините на „интелектуална живопис“ („венженхуа“), което е отразено в Нанга, или Будзинга, и в появата на реалистичната школа Маруяма-Шиджо. По време на активното проникване на китайската култура холандските кораби донесоха и огромно количество западни книги.

Така, от една страна, „свободният стил“ на традиционните китайски картини на „интелектуалната живопис“ проникна в Япония, от друга страна, реализма на западната живопис. Японските художници от онова време се отнасяха към двата стила с голямо внимание.

Характерно за японската художествена култура е, че художествените традиции на Япония са били в състояние да устоят на влиянието на други култури. Японската култура обработваше всяко ново влияние, придавайки му различен звук. Ако континенталните култури са се развивали на обширните простори на Китай или Корея, то Япония, страната на миниатюрите, винаги омекотена, придава особен лиризъм на своите творения. С идването на будизма в Япония започват да се строят нови храмове, пагоди и манастири. Появяват се голям брой скулптури, изобразяващи богове, полубогове, легендарни крале, в чиито черти са предадени войнственият самурайски дух и емоционално състояние, почти винаги съответстващи на екстремно натоварване на силите. Само скулптурите на Буда винаги са изпълнени с величествено спокойствие и непривързаност. Sansom J. B. Япония: кратка история на културата / J. B. Sansom. - Ед. правилно и допълнителни - Санкт Петербург. : Евразия, 2002. - С.107

Символизмът често се среща в художественото отражение на света от различни култури. Символиката на японското изкуство е особено изразена в поезията от ерата Хайнан („Мир и спокойствие“) през 8-12 век. Имаше различни периоди по пътя на японската литература към висините на стихосложението.

Един от най-старите жанрове на японската поезия е танка, неримуващи се петредови стихотворения, състоящи се от 31 срички (5-7-5-7-7). Основната идея на резервоара е изразена в три реда.

В прозата се появява специален жанр зуихицу - което означава писане, „следване на четката“, записване на всичко, което хваща окото ви, писане лесно, подчиняване само на движението на душата.

От втората половина на 10-ти век японската проза е разделена на „мъжка“ и „женска“, тъй като в писмената система, създадена на базата на китайски знаци, се появява чисто японска сричкова азбука, и следователно мъжете, като правило, продължават да пишат на китайски, а жените - на японски Konrad N.I. Есета по история на културата на средновековна Япония.- М.: Изкуство, 1980 г. - С.117.

Японската живопис отначало има религиозен характер, но от около 11 век в нея се появяват национални черти. Рисуването често е било декоративно и прилагано. Картини на екрани, вентилатори, различни неща и декорации от бита, съчетани с простотата на интериора, се превърнаха в негова украса. С развитието на литературата живописта придобива характер на илюстрация. Имаше дори живописни истории, илюстриращи пътувания, романи и описания на живота на императори и благородници. Основното за тях беше да предадат настроението на героя. Това беше направено с помощта на комбинация от цветове и техните нюанси, сбита и в същото време богата, изискана композиция. Това се проявява особено ясно в пейзажната живопис, в която живописта с мастило се утвърждава около 16 век.

По отношение на дълбочината на чувствата, предадени от японските художници, живописта се слива с поезията.

Китайският народ е създал много световноизвестни занаяти с течение на времето. От древни времена се предават уменията и тайните за изработка на изделия от различни видове камък, дърво, глина и лак, тайните на производството на тъкани и бродерии. Още в древни времена майсторите на Китай, след като са се научили да идентифицират и показват художествените качества на материала, са използвали за тази цел играта на неговите цветове, петна, разлика във фигурите, гладкост на повърхността. Най-древните съдове, изработени от глина и камък, се отличават, подобно на античните, с перфектна хармония на формите и яснота на артикулацията.

Китайските занаятчии са възприели много умения, маниери и техники, традиционни форми на модели от древността. Но самите нужди, които новата историческа епоха наложи, пораждат множество нови видове и техники на художествените занаяти. Свързан с ежедневието, с нарастващите нужди на градското население, художественият занаят в изобразителното изкуство на Китай беше не само един от най-масовите и популярни, но и един от най-активните видове.

Целият свят използва китайски вази, чаши и други предмети. У дома китайският порцелан, наред с други видове изкуство, има най-широко приложение. Китайската керамика се използва и за облицовка на скулптури.

Керамика. Още в древни времена китайците са използвали сортове висококачествена глина за своята керамика. Истинската заслуга за изобретяването на порцелан обаче принадлежи на майсторите от средновековен Китай. В ерата Тан, през периода на висок просперитет във всички области на китайския духовен живот, се появяват и бързо се разпространяват първите порцеланови изделия. Порцеланът е възпян от поети, почитан като бижу. Производството на порцелан в Китай беше улеснено от богатите находища на необходимите за него материали: порцеланов камък (естествено съединение от фелдшпат и кварц) и местна глина - каолин. Комбинацията от тези два компонента дава необходимата пластичност и легируемост. Всеки един от китайските порцеланови предмети е дълбоко обмислен, изпълнен не като занаятчийски артикул, а като самостоятелно произведение на изкуството. Формите на тънките съдове са заоблени, меки и масивни. Особено известен по това време е белоснежният порцелан, произвеждан в град Xing-chou, гладък и матов, който е запазил монументалността на древните продукти. Много съдове от онова време са боядисани с ярки цветни глазури, които са примесени с оксиди на мед, желязо и манган, които дават наситени жълти, кафяви, зелени и лилави тонове. Но порцеланът достига особено разнообразие и благородство през XI-XIII век. През периода Тан керамиката има различни цветове. Но под Слънцето тя вече се отличава с простота и скромност. Китайската керамика има прецизни и фини линии и простота на цветовете. Използването на естествени цветове е характерно за това време. Сиво-сини и сиво-зелени цветове често могат да бъдат намерени върху китайска чиния или ваза. Малките пукнатини не са дефект на майстора, а фино обмислена стъпка. Неравностите в глазурата, засъхналите капки от подплатата и малките пукнатини по цялата повърхност на продукта придават усещане за завършеност.

Минският порцелан, за разлика от порцелана Sung, е многоцветен. Майсторите са използвали снежнобялата му повърхност като живописен фон, на който са поставени цели пейзажни или жанрови композиции. Има много сюжети и видове картини, както и цветни комбинации: синьо-бял порцелан, боядисан под глазура с кобалт от мек и благороден вид и шарка, цветни глазури, богати на цветове, трицветни и петцветни. Още повече техники и видове порцелан се появяват през 17-18 век. Появяват се черни гладки и лъскави съдове, боядисани отгоре с ярки и искрящи емайли. До края на 18-ти век, когато всички други форми на изкуството вече са изпаднали в упадък, художественото ниво на китайския порцелан остава високо. За разлика от предишни периоди, формите на порцелановите изделия по време на династията Цин (XVII-XIX век) са по-сложни и изискани. Повторението на стари модели придобива по-елегантни пропорции и до края на 18 век. развива се прекомерна претенциозност на очертанията. Оттогава порцелановата украса се характеризира с разнообразие и богатство на мотиви и теми, а в някои случаи и с голямо богатство на орнаментиката. Това е особено забележимо при рисуването с кобалт и в обхвата на така нареченото "зелено семейство". Сложни многофигурни сцени, дребни растителни мотиви или някоя от безбройните живописни теми се отличават с голяма сложност и обмисленост на композиционното изграждане.

Видовете приложни изкуства Тан и Сунг са разнообразни. По това време се изработват бронзови огледала по образец на античността, богато украсени на обратната страна с великолепен релефен модел от цъфтящи растения, весели животни, птици и плодове. Често такива огледала бяха направени от сребро, покрити с най-тънкия слой злато, инкрустирани със седеф и скъпоценни камъни.

Моделите на тъканите "ке-си" (изрязана коприна) са особено близки до живописта от това време. Създадени са по образци на известни художници. Ke-sy се отличава с изключителна мекота, нежност, скъпоценна зърнеста матова текстура. Светли птици по клоните, пейзажи, разцъфнали пъпки на бледорозовата слива мейхуа са основните мотиви, изобразени в ке-си.

Появата на цехове за производство на рисувани емайли в Китай датира от периода Канси, свързан със западноевропейските влияния, идващи от Франция. Влиянието на религиозните гравюри, донесени от йезуитските мисионери, може да обясни китайските емайли върху метал от 18-ти век, които са обичайни за картините. техники за засенчване, зачертаване на изображения по контура и други, графични в основата си, средства за художествено изразяване. Следи от европейски влияния се забелязват не само в сюжетите и начина на рисуване, но и във формите на китайските емайли от 18 век. Немски и английски медни и сребърни предмети от 16-18 век често са служили като прототипи. Емайллите, направени за най-висока употреба, се наричали „хуанг Джи“ – „жълти (т.е. „имперски“) съдове“, тъй като жълтото дълго време се считало за символичен цвят на китайския император. Декорацията на такива емайли е доминирана от изображения в жанра „huangyao“ („цвете-птици“), китайски сюжетни сцени и орнаментални композиции: изображението на глави от цветя на лотос, вплетени в растителна издънка под формата на лоза, и зооморфен модел, който се връща към декора на древни бронзови съдове. В рисуваните емайли са популярни композитни комплекти от чинии с различни форми, които са разработени в китайски порцелан още през периода Канси. Често чиниите са получавали формата на отворен вентилатор, украсен с изображения в жанра "цветя-птици" на бял фон. Порцеланът и емайллите върху метал в редица случаи са свързани както от общите начини за достигане до Европа, така и от сходството на формите, мотивите на живописта и оцветяването. Въпреки това, с несъмнено сходство с порцелан, рисуваните емайли върху метал се характеризират с напълно очевидна художествена оригиналност като напълно специален вид китайски занаяти, по-смело в сравнение с традиционните му видове, които влизат в контакт с европейското изкуство.

Художественият занаят, приложното изкуство в Япония се нарича думата "kogei". Източникът на повечето художествени идеи за произведения на изкуството е дълбоката любов към природата. Хората отдавна са усещали красотата му в най-обикновените, дребни, ежедневни явления.

Произведенията на японските изкуства и занаяти традиционно включват лакови, порцеланови и керамични изделия, дърворезби, костни и метални резби, художествено декорирани тъкани и дрехи, произведения на оръжейното изкуство и др. Спецификата на произведенията на приложното изкуство е следната: те имат чисто практическо, утилитарно приложение, но в същото време играят и чисто естетическа роля, служейки като украса на ежедневието на човек. Естетиката на околните предмети за японците беше не по-малко важна от практическата им цел.

късметлия. От древни времена лаковите съдове са известни в Япония, техните останки се намират в археологически обекти от ерата Джомон. В горещ и влажен климат лаковите покрития предпазват дърво, кожа и дори метални изделия от унищожаване. Лаковите продукти в Япония са намерили най-широко приложение: съдове, домакински прибори, оръжия, брони. Традиционните японски лакове са червени и черни, както и златисти; към края на периода Едо започва производството на жълт, зелен, кафяв лак. Върнете се в началото

20-ти век се получи лак от бял, син и виолетов цвят. Има много декоративни техники, свързани с използването на лак: маки-е - използването на златен и сребърен прах; уруши-е - боядисване с лак; hyomon - комбинация от лаково боядисване със злато, сребро и инкрустация от седеф. До около средата на 17 век. Киото остава основен център за развитие на лаковото изкуство. Именно там Огато Корин започва кариерата си. Лаковите му изделия бяха белязани от особено единство на форми и декор, които плавно „преливат“ от едната страна на продукта към другата. Комбинацията от различни материали създава необичайна повърхностна текстура и рядка цветова схема.

Керамика. Японците са особено любители на керамичните изделия. Най-ранните от тях са известни от археологически разкопки и датират от периода Джомон (каменната епоха). Развитието на японската керамика, а по-късно и на порцелана, беше значително повлияно от китайските и корейските технологии, по-специално изпичането и цветното остъкляване. Отличителна черта на японската керамика е вниманието не само към формата, декоративния орнамент и цвета на продукта, но и към тактилните усещания, които той предизвиква, когато влезе в контакт с човешката длан. Японският подход към керамиката предполагаше неравномерност на формата, грапавост на повърхността, разпръснати пукнатини, ивици глазура, пръстови отпечатъци на майстора и демонстрация на естествената текстура на материала. Художествените керамични продукти включват предимно купи за чаени церемонии, чайници, вази, саксии, декоративни съдове, съдове за саке. Първоначално формата на съда е направена от клонки и трева, след това е обмазан с глина, а при изпичане клоните и тревата изгарят, оставяйки следите си по стените на съдовете. Съдовете от средния и късния период Джомон вече приличат на скулптурни съдове. През VI-XI век. Под влияние на корейските грънчари японските майстори преминаха към изпичане на глинени изделия със зеленикаво-жълта глазура. Приблизително по същото време се появяват продукти, направени от истински фаянс - хигроскопична глина, покрита с глазура.

Порцелановите изделия са предимно тънкостенни вази с изискан декор, сервизи за чай и вино и различни фигурки. В масата от порцеланови изделия, които са произведени през XVII-XVIII век. в цялата страна се разграничават два основни вида: скъпите, фино боядисани продукти на работилниците на Кутани и Набешима и порцеланът на Арита и Сето, който се пуска в големи серии. Продуктите на работилниците в Кутани имаха пластмасова неравна форма. Боядисването им е извършено с помощта на големи цветни петна и свободно разположени по повърхността на съдовете. Елементите от набешима обикновено са били украсени с единична подглазурна картина на растителен мотив, понякога допълнена с надглазурова полихромна картина. Цеховете на Арита и Сето изработваха масови изделия. Тези ястия бяха украсени с елегантни декоративни композиции от цветя, пеперуди, птици. Значителна част от японския порцелан е специално произведен за износ в западните страни.

Емайл. Период от средата до края на 17 век. стана много плодотворна в историята на развитието на изкуството на емайла в Япония. По това време японските майстори са постигнали съвършенство в цвета. Използвайки пробния метод, те избраха оптималното топене на стъклото, което послужи като основа за емайла, и различни вариации на оксиди, придаващи му един или друг нюанс, прозрачност или млечно-перлено отражение, мистериозен блясък. Всички оправдани рецепти се превърнаха в тайна, грижливо пазена в семейството на майстора. В Япония емайлите са били наричани "sippo", което означава "седем скъпоценни камъка". Това означаваше, че в бижутата емайлът може да замени златото, среброто, смарагд, корал, ахат, кристал, перли. Най-старият образец на емайл, открит в Япония, датира от края на 7 век пр.н.е. Широко известни две техники на емайла - champlevé и cloisonné - те се разпространяват в Япония почти едновременно. Занаятчиите са използвали клоазонен емайл за украса на гардове (цуба) на самурайски мечове, декоративни лъкове и стрели, при декориране на къщи, сандъци, чекмеджета за съхранение на четки и мастило за калиграфия, чай на прах и тамян. Цеховете на първите занаятчии, които са работили върху емайл, са разположени в Киото, по-близо до дворците на императорите и благородниците, които са основните купувачи на този продукт.

Възраждането на техниката на емайла е свързано с делото на майстора Цунекичи Каджи (1803-1883), живял в покрайнините на Нагоя. Той изучава чуждестранни занаяти, предимно европейски, които идват в Япония и въз основа на това разработва нови технологии за работа с клоазон емайл. Успехът на Каджи вдъхнови други занаятчии. Започна търсенето на нови методи на работа. Така че по това време се появява технологията „контра-емайл“, техниката джин-бари, която се състои във факта, че сребърното фолио се залепва върху медна повърхност, покрита с тънък слой емайл. Технологията Musen-jippo, разработена от майстор Сосуке Намикава (1847-1910), предвижда премахване на разделящи проводници след изсъхване на първия слой емайлово покритие и нов пълнеж с прозрачен емайл. Имаше няколко десетки вариации в техниката - мориаге, утидаси, акасуке, мой кодай, нагаре-гусури и други, които позволяваха да се постигнат отлични резултати при комбиниране. Япония е първата страна в света, където емайлът е нанесен не само върху метални заготовки, но и върху керамика и порцелан. Известен в техниката на емайл върху керамика е майсторът Ясуюки Намикава (1845-1927), който работи в Киото.

Изображенията на цветя (хризантеми, божури, съцветия на пауловния, сливи, череши) и донякъде японизирани изображения на дракони, лъвове и други митични животни, птици, пеперуди се превърнаха в типичен модел, заимстван от Китай за японските емайлирани продукти. Често в изображенията е вградена символика на добри пожелания. Нюансите на палитрата варираха в зависимост от предназначението на продукта. Така експортните стоки бяха изпълнени в ярки, дори крещящи цветове, предпочитани от европейските клиенти, и предназначени за домашна употреба - в спокойна гама, по-скоро съобразена с естетическия мироглед на японците.

Изкуството и културата на Китай и Япония са изключително отличителни, което винаги е интересувало и привличало европейците. Започвайки от 17-ти век, както китайските, така и японските мотиви проникват в художествените и стилистични тенденции на Западна Европа. И до днес културата на тези две страни е интересна както за изучаване, така и за заемане.

Обхватът на художествените метални изделия включва храмова скулптура и прибори, оръжия и декоративни предмети, използвани в ежедневието, разнообразието и съвършенството на обработката на традиционни метали (бронз, желязо, мед, стомана) се съчетават с използването на сложни сплави, отличени от богатството на цветовите нюанси и пластичните свойства. Най-разпространените сред тях бяха шакудо, което произвеждаше различни нюанси на черно, кафяво, синьо и лилаво, и шибуичи, който служи като почти неизчерпаем източник на сиви тонове. Рецептите за направата на сплави били професионална тайна и се предавали от майстор на чирак.

През XVII-XVIII век. По искане на заможни граждани бяха направени скулптурни изображения за домашни олтари, както и изображения, които имаха благотворно значение и защитаваха семейното огнище. Сред тях са Дарума, легендарният монах, чието име се свързва с произхода на чая в Япония, Дайкоку е божеството на щастието и богатството, Джуроджин е божеството на щастието и дълголетието.

Наред с това някои предмети от бита са служили и за декоративни цели. Това бяха кадилници, вази, съдове, ковчежета, подноси, които се характеризираха с комбинацията от различни метали в един продукт, използването на ажурна резба, гравиране, прорези и инкрустации.

Традицията за нанасяне на емайлиран декор върху метална основа идва в Япония от Китай в края на 16-ти век. Техниката на емайла имаше 4 разновидности: клоазоне, champlevé, гравирана и рисувана. Емайллите се наричали "сипло" - седем бижута: злато, сребро, смарагд, корал, диамант, ахат, перли, които според народните вярвания носели щастие на хората. Японските клоазонни емайли от 17-18 век, до голяма степен базирани на китайски проби, се отличават с ограничена палитра от леко приглушени тонове, ясен геометричен модел и наситен тъмнозелен фон. В средата на XIX век. техниката на емайла преживя прераждане. Получават се многоцветни брилянтни емайли, които прилепват плътно към металната основа и се поддават добре на шлайфане. Разцветът на изкуството на клоазонен емайл в края на 19 век. е свързан с името на известния майстор Намикава Ясуюки. От работилницата му излизаха дребни предмети, изцяло покрити с емайли, нанесени с ювелирска грижа. Изображения на цветя, птици, пеперуди, дракони и феникси, многобройни видове традиционни орнаменти намериха място в сложно изплетената дантелена шарка. Използването на златно фолио създаде искрящ блестящ блясък на полираната повърхност на продукта.

Производството и декорирането на оръжия има древни традиции в Япония. Мечът бил разглеждан като свещен предмет, даден от богинята на слънцето Аматерасу Омиками на внука си, когото тя изпратила да управлява земята и да изкорени злото. Прав меч с две остриета (Кен или Цуруги) става атрибут на шинтоисткия култ и се превръща в една от имперските регалии.

През Средновековието мечът се превръща в символ на класата на воините, която олицетворява силата, смелостта и достойнството на самураите. Вярвало се също, че в него живеят душите на мъртвите предци. През 7 век е създадена форма на меч с леко извиване на гърба на острието с едностранно заточване, което остава почти непроменено до 19 век. и се наричаше „нихонто“ (японски меч).

От 16 век аристократите и представителите на военното съсловие са били длъжни да носят два меча: дълъг - "катана" и къс - "вакизаши", който е предназначен за извършване на ритуално самоубийство. В случай на нарушаване на кодекса на честта, на учени, занаятчии и селяни, със специално разрешение, беше разрешено да носят само уакизаши или меч без охрана „айкучи“.

Дългият и трудоемък процес по изработването на острие е бил подреден като тържествен ритуал, придружен от специални молитви, заклинания и обличане на ковача в церемониални дрехи. Острието е заварено от няколко ленти, изковано поне пет пъти, шлифоване и полирано. От края на XII век. остриетата започват да се украсяват с жлебове, изображения на слънце, луна, звезди, дракони, надписи-заклинания, направени чрез гравиране и задълбочен релеф.

Детайли и рамка на меча от 16 век. са създадени от специални майстори - оръжейници-бижутери. Острието беше вкарано в дръжката, която се основаваше на две дървени пръти, закрепени с метален пръстен „фути“ и накрайници „кашира“, дръжката често беше увита в кожа от акула или скат, наречена „същата“ (акула). Имаше поверие, че такава дръжка запазва ритуалната чистота на меча и защитава собственика. От двете страни към дръжката са били прикрепени малки релефни метални части на менюките, което осигурявало по-здрав захват на меча с двете ръце. Отгоре на това дръжката беше увита с шнур или плитка, създавайки плетен модел на повърхността. Важен детайл от меча беше "цуба" (гард) - защитна пластмаса, която отделя острието от дръжката, ножницата на малък меч често беше украсена с внимателно завършени метални пластини "козука", която беше дръжката на малък нож, поставен в специален джоб в ножницата.

През XVII-XIX век. оръжието, загубило практическата си стойност, се превърнало в декоративно допълнение към мъжкия костюм. В декорацията му са използвани различни материали и техники на ювелирна работа, ажурна резба, инкрустация със сплави, различни методи за създаване на релефни композиции, емайли и лак. Цуба, която започва да се разглежда като самостоятелно произведение на изкуството, придобива специална художествена завършеност. Сюжетите на изображенията бяха традиционни мотиви, характерни за други видове изкуство: цветя, птици, пейзажи, будистки притчи, исторически легенди, дори оценки за градския живот. Детайлите на един меч бяха комбинирани по стил и често представляваха развитието на един сюжет.

Сред оръжейниците, които са се специализирали в украсата на мечове, особено известен е основаният през 15 век. училището Goto, чиито седемнадесет поколения майстори поддържат славата си в продължение на 400 години.

(не за разработката на костюма) Традиционно произведенията на японските изкуства и занаяти включват лак, порцелан и керамични изделия, дърворезби, костни и метални резби, художествено декорирани тъкани и дрехи, произведения на оръжейното изкуство и др. Спецификата на произведенията на художествените занаяти се състои в следното: те имат по правило чисто практическо, утилитарно приложение, но в същото време играят и чисто естетическа роля, служейки като украса на ежедневието на човека. Естетиката на околните предмети за японците беше не по-малко важна от практическата им цел: възхищение на красотата. Освен това традиционното съзнание на японците се характеризира със специално отношение към красотата като една от мистериите на Вселената. Красотата за японците е феномен, който надхвърля нашия ежедневен свят, който може да бъде описан с думи и разбран с разум. Съвременната западна култура, колкото по-далеч, толкова повече се опитва да сведе човешкия живот в рамките на рационален, ежедневен мироглед, където доминират законите на така наречения „здрав разум“. За японците, въпреки изключителната им практичност и прагматизъм в ежедневните дела, обикновеният материален свят, разбира се, се възприемаше като илюзорен и преходен. И че отвъд нейните граници има друг, непроявен свят, който коренно се противопоставя на стандартите на „здравия разум“ и който не може да бъде описан с думи. Там живеят висши същества, с които е свързана мистерията на живота и смъртта, както и много тайни на живота, включително принципите на красотата. Този свят се отразява в нашия, като луната във водната повърхност, отеквайки в душите на хората с остро и трогателно усещане за красота и мистерия. Тези, които не са в състояние да видят и оценят тази фина и многостранна игра на значения и нюанси на красотата, японците смятат за безнадеждни, груби варвари.

За да се утвърдят в своето участие в трансцендентния свят, японците (на първо място елитът, аристокрацията) придават голямо значение на ритуалните действия и особено на естетическата им страна. Оттук се провеждат церемонии за любуване на черешов цвят, алени кленове, първи сняг, изгреви и залези, както и поетични състезания, аранжиране на цветя (икебана), театрални представления и др. Дори такива прости ежедневни ситуации като пиене на чай или саке, среща гости или влизане в интимност, японците придават значение на мистичното действие. Домакинските предмети в същото време играха ролята на ритуални атрибути. Майсторите, създали такива предмети, се стремяха да им придадат безупречен естетически вид. Например, много купи за чайната церемония, на пръв поглед, груби и неравни, бяха оценени необичайно високо, преди всичко защото носеха печата на "отвъдната" красота, те сякаш съдържаха цялата Вселена.

Същото важи и за много други произведения на изкуствата и занаятите: фигурки, нецке, кутии - инро, лакови изделия, елегантно косоде (кимоно с къси ръкави) с изискан и причудлив декор, паравани, ветрила, фенери и особено традиционно японско оръжие . Ще разгледаме практическото прилагане на традиционните естетически принципи в японските изкуства и занаяти, като използваме примера на японските художествени мечове.

От древни времена лаковите съдове са известни в Япония, техните останки се намират в археологически обекти от ерата Джомон. В горещ и влажен климат лаковите покрития предпазват дърво, кожа и дори метални изделия от унищожаване. Лаковите продукти в Япония са намерили най-широко приложение: съдове, домакински прибори, оръжия, доспехи и др. Лаковите продукти също са служили като интериорна декорация, особено в домовете на благородниците. Традиционните японски лакове са червени и черни, както и златисти; към края на периода Едо започва производството на жълт, зелен, кафяв лак. До началото на XX век. Получава се бял, син и виолетов лак. Лакът се нанася върху дървена основа на много дебел слой - до 30-40 слоя, след което се полира до огледален завършек. Има много декоративни техники, свързани с използването на лак: маки-е - използването на златен и сребърен прах; уруши-е - боядисване с лак; хиомон - комбинация; лаково боядисване с инкрустация от злато, сребро и седеф. Японските художествени лакови изделия са високо ценени не само в Япония, но и на Запад и тяхното производство все още процъфтява.

Японците са особено любители на керамичните изделия. Най-ранните от тях са известни от археологически разкопки и датират от периода Джомон. Развитието на японската керамика, а по-късно и на порцелана, беше значително повлияно от китайските и корейските технологии, по-специално изпичането и цветното остъкляване. Отличителна черта на японската керамика е, че майсторът обръща внимание не само на формата, декоративния орнамент и цвета на продукта, но и на тактилните усещания, които причинява, когато влезе в контакт с дланта на човек. За разлика от западния подход към керамиката, японският подход към керамиката предполагаше неравномерност на формата, грапавост на повърхността, пукнатини, ивици глазура, пръстови отпечатъци на майстора и демонстрация на естествената текстура на материала. Художествените керамични изделия включват преди всичко купички за чайна церемония, чайници, вази, тенджери, декоративни съдове, съдове за саке и др. Порцелановите изделия са предимно тънкостенни вази с изящна украса, сервизи за чай и вино и различни фигурки. Значителна част от японския порцелан е специално произведен за износ в западните страни.

Поотделно за всеки:

КЕРАМИКА
Най-старата керамика в Япония
Японците отдавна изпитват силна любов към якимоно.* Пещите произвеждат различни керамични изделия, които се различават по цвят, форма и текстура на повърхността. Своеобразната култура на ежедневието, създадена от японците, започва с керамични съдове за хранене - купи за ориз, чаши без дръжки и подложки за пръчици. Тези страници ни дават представа за японското увлечение по керамика и порцелан.
* На японски керамика („токи“) и порцелан („джики“) са общо известни като „якимоно“.

История на развитието на японската керамика
Първата керамика е направена на японския архипелаг преди около 13 000 години. Доколкото е известно, това се случи по-рано от където и да е другаде по света. Най-известните са големи, дълбоки тенджери за кипене на течности. Продуктите бяха украсени с орнамент от накачка или отпечатък от плетено въже. За тези въжени украси керамиката от онези времена се наричала „джомон доки“ („джо“ = въже; „мон“ = украшение, „доки“ = керамика). Преди около 5000 години, през ерата Джомон, се появяват динамично оформени модели с орнамент под формата на издигаща се вълна на гърлото на бурканите и причудливи шарки, покриващи цялата външна повърхност на продуктите.
През последвалата ера Yayoi, с началото на отглеждането на ориз, нови видове керамика са въведени от Корейския полуостров. Яйой приборите са били част от ежедневието и са били използвани за съхранение и приготвяне на храна, както и за сервиране на ястия на масата. Той беше по-малко украсен от съдовете Jōmon и в декорацията му бяха използвани предимно светли цветове.
Около началото на 5 в. има големи промени, свързани с пристигането в Япония, отново от Корейския полуостров, на нови технологии. Преди това глинените продукти са били изпичани на огньове, но нов вид керамика, Sueki, започва да се подлага на високотемпературна обработка в специални тунелни пещи, разположени по склоновете на хълмовете. Продуктите на Sueki вече бяха истинска керамика.
Около средата на 7 в. Японските грънчари започват да изучават корейски и китайски технологии. От своите съседи те се научиха как да използват глазура и огнеупорна глина при относително ниски температури. Продуктите от онези времена са покрити с глазура от тъмнозелен тон или, подобно на керамиката нара сансай, с полихромна глазура, в която преобладават червените, жълтите и зелените цветове. И двата вида керамика обаче са били популярни само сред членовете на императорския двор, придворните благородници и служителите на храма, и то от 11 век. тези артикули вече не се произвеждаха.
Новите разработки, съпътстващи създаването на продуктите Sueka, дадоха тласък на началото на изграждането на пещи в цялата страна. Грънчари забелязали, че дървесната пепел в нажежена пещ взаимодейства с глина, образувайки естествена глазура. Това им подсказа технологията за поръсване на керамични съдове с пепел при изпичането им. Методът на глазура от естествена пепел е използван за първи път в пещите Sanage в провинция Овари (сега северозападна префектура Аичи).
Производството на суека керамика през Средновековието стимулира развитието на нови технологии. По това време са основани шестте исторически центъра на Япония - Сето, Токонаме, Ечизен, Шигараки, Тамба и Бизен. Техните пещи работят и до днес. Почти всички произвеждат фаянсови съдове, които приличат на керамика – предимно големи кани, вази и тенджери.
Остъклени луксозни предмети са се произвеждали само в Сето, разположен в близост до древните пещи Sanage. Грънчарите Сето се опитват да задоволят изискванията на аристократите и самураите, които проявяват голям интерес към керамиката и порцелана в стила на китайската песен. Нови цветове са включени в техните покрития. Характерна особеност на това ястие беше използването на жълто с нюанси на червено, кафяво или зелено. Потърсите черпиха вдъхновение от проби, донесени от континента. В същото време те привеждат идеалите на стила Song в съответствие с вкусовете на японците, с техните идеи за нови форми и декорация на домакински съдове. До около края на 16 век. Сето е единственият център в Япония, който произвежда остъклена керамика.

В епохата на междуособните войни (1467-1568), които поглъщат цялата страна, грънчарите от Сето отиват на север, през планините, към Мино (днес това е южната част на префектура Гифу). Тук е положено началото на нови стилове, характерни за Япония. Най-добре са представени от продуктите на Kiseto, Seto-guro, Shino и Oribe.
По това време се ражда чайната церемония. Обичаят да се пие чай идва от Китай в края на 12-ти век, но едва през 16-ти век става модерно да се обръща специално внимание на церемонията по сервиране на чай при приемане на гости.
Нюансите на жълто, бяло, черно, зелено и други цветове на керамиката Мино показват влиянието на китайската и корейската керамика, но асиметричната форма и абстрактните шарки показват нейния отличителен японски характер. Все по-популярната чаена церемония изискваше изящни чаши, чинии, чинии, кутии с тамян, вази за цветя и свещници. Работилниците на Мино отговориха ярко на тези искания.
С настъпването на ерата Момояма (края на 16 век) приключват междуособните войни, които завършват с обединението на Япония, а чайната церемония е доразвита. По това време японската керамика претърпява промени. Тойотоми Хидейоши започва военна кампания на Корейския полуостров, която отваря възможности за самураите, почитатели на чайната церемония, да доведат корейски грънчари в Япония и да ги въвлекат в изграждането на пещи. Много нови производствени центрове са създадени в различни части на Кюшу, включително Карацу, Агано, Такатори, Сацума, Хаги. Производството на продуктите Карацу беше най-разнообразно и мащабно – от там се доставяха чайници, вази за цветя и много битови предмети до всички краища на страната.
Порцеланът се появява в Япония едва в началото на 17 век, когато корейските грънчари започват да го правят тук. Това беше важен крайъгълен камък в развитието на японската керамика. Малко след това в Изумияма, Арита, Кюшу са открити находища на китайска глина, сега известна като каолин. Доказа се, че е идеален за производство на тънкостенни, леки и здрави продукти. Със своята ярко синя картина на бял фон те се превърнаха в гореща стока в цяла Япония. И тъй като парчетата бяха изпратени от близкото пристанище Имари, те станаха известни като Имари порцелан. В началния етап от съществуването на производството на Имари влиянието на корейския порцелан върху него беше очевидно, но скоро голям брой порцеланови изделия бяха внесени от Китай, които също станаха обект на изследване за японските занаятчии. Постепенно качеството на домашните керамични съдове се подобри значително. Майстор на име Sakaida Kakiemon изобретява метод за нанасяне на меки оранжево-червени нюанси върху повърхността на продукта, което прави възможно създаването на невероятни цветни дизайни на млечнобял фон.
Европейските кралски дворове и благородство, очаровани от красотата на ориенталското изкуство, се надпреварваха помежду си, за да грабнат порцеланови изделия Имари. Скоро занаятчии в Майсен (Германия), Делфт (Холандия) и други европейски центрове започнаха да копират продуктите на Имари, включително стила Kakiemon. Това беше златният век на японската керамика.
Нономура Нинсей, живял през 17 век. в Киото, имперският град, създава свой собствен кралски стил, отваряйки цял свят на цветна фантазия. Огата Кензан, Окуда Айсен и Аоки Мокубей обогатиха този изтънчен свят на керамика Кио, поставяйки основата за развитието на модерния стил Кьомидзу.

През 19 век керамичното производство се развива бързо в цялата страна. Стиловете Goshu-akae (червена глазура) и senzui, разработени от по-късни примери на китайския стил Ming, придобиха огромна популярност през това време, както се вижда от съвременните японски съдове за хранене.
Керамиката, произведена в Япония, е била изложена на международни изложби в Париж в края на 19 век, в резултат на което изделията Имари, Сацума и Кутани са повлияли на маниера на европейските занаятчии. Интересът към японските продукти се отразява в еволюцията на съвременното изкуство.
Историята на японската керамика е немислима без корейско и китайско влияние. Но също така е ясно, че в отговор на художествените вкусове и начин на живот на японците, този занаят тръгна по своя път и доведе до създаването на уникално изкуство и цяла индустрия.

Изключително разнообразие от керамични продукти в Япония
В целия свят японската керамика се смята за ненадмината по броя и разнообразието от съществуващи технологии и стилове. Съвременните сервизи - керамични или порцеланови - се произвеждат в Япония в широка гама от форми и декоративни решения.
Японската керамика може да бъде разделена на три групи: (1) глинени съдове с уникална текстура, която се усеща като пръст, най-добре представена от Bizen, Shigaraki, Echizen и Tokoname; (2) керамика с тежка глазура с топъл, земен оттенък, прочута от изделията за чайна церемония Oribe и Mino, простите изделия Mashiko и изделията Karatsu и Hagi, отразяващи керамичното изкуство на Корейския полуостров; и (3) порцелан, представен от изделия Имари, известен с използването на ефектен бял фон в декорацията си, и съдове Кутани с ослепително оцветяване по цялата повърхност. Каквато и да е технологията и дизайна на пещта, керамиката, създадена от японски майстори, винаги е свидетелствала за вековен стремеж към красота.
Защо има толкова голямо разнообразие във всяка група керамика? За да отговорим на този въпрос, трябва да разгледаме тясната връзка между керамиката и чайната церемония.
Идеалите на чайната церемония, която се състои от простота и мир, намират своето най-ярко въплъщение в ерата на Момояма (края на 16 век). Изразът на тези нови идеали за това време е думата уаби, което означава простота и спокойствие. Майсторите на чайната церемония, които искаха ястията им да предават духа на уаби, демонстрираха своята оригиналност и разшириха влиянието си, като поръчаха купички за чай и други предмети от занаятчии, които външно „дишаха“ тези идеали.
Изключителната творческа енергия на ерата Момояма вдъхна нов живот в изкуството на японската керамика. Това може да се види в изделията Seto-guro, с техните напълно черни тонове, получени при изваждането на изделията от пещта по време на процеса на изпичане; в приборите на работилница Кисето с динамичния си дизайн; в изделия Oribe, с неговите смели форми и сложни шарки, изработени с глазури в зелено и желязо; в строги прости продукти на Sino.
Изпълнителите на чаени церемонии понякога дават имена на определени предмети, които най-много харесват, като чаша за чай, ваза, съд за вода или кутия за тамян. Къде другаде по света можете да намерите такова отношение към грънчарството? Не е ли това доказателство за дълбочината на японската страст към керамиката!

Друга причина за толкова голямо разнообразие от керамични продукти е фактът, че японската кухня изисква широка гама от прибори за хранене, много повече от всяка друга кухня в света.
В древни времена японското благородство предпочиташе да яде и пие, използвайки предимно лакови съдове, но това се промени благодарение на майсторите на чайната церемония. Те започнаха да използват керамични комплекти за сервиране на закуски кайсеки преди чай и постепенно разбраха, че керамичните съдове за хранене добавят по-тактилно визуално усещане и свежест на храната. Приборите за чайната церемония са подбрани според сезона, като сервирането на прибори, като чинии муко-зуке за сервиране на парчета сашими, ястия за саке и пържени храни, собственикът задоволи високите естетически изисквания на гостите. Именно майсторите на чайната церемония обогатиха ритуала на хранене, внасяйки в него момент на визуална, естетическа наслада.
От средата на 19 век порцеланът заема важно място на масата за хранене поради лекотата на използване. Днес керамичните сервизи се превърнаха в норма в ежедневието. И единствено мисо супа традиционно се пие от гладко лакирани чаши. Тези чаши не са предназначени за ежедневна употреба.
Оризът, който е в основата на японската диета, обикновено се яде от малка купа, държана в ръка, а в много семейства всеки има свои собствени купички с ориз. Такива трапезни традиции само засилиха любовта на японците към керамичните ястия.

LAC
накратко, той е направен от дървесна смола.

Има доказателства, че лакът е бил използван в Япония от каменната епоха преди 5000 до 6000 години като лепило, използвано за закрепване на върхове на стрели. Но още преди около 4000 години яркочервен и черен лак е бил използван като покритие върху прибори, оръжия и бижута. Известно е също, че приблизително 100 години след Yamato Takeru no Mikoto е имало гилдия от занаятчии, наречена "Urushi-be", които са се специализирали в изкуството на лака.

Техниката на декоративния лак идва в Япония през 5-ти или 6-ти век, по време на въвеждането на будизма от Китай, където много преди обединението на Япония занаятчии създават шедьоври на приложното изкуство от многопластов черен и червен лак.

В края на 8-ми век, през ранния период Хейан, Япония спира да изпраща търговски мисии в Китай. Културата на Япония е откъсната от континенталното влияние. Именно през периода Хейан, от края на 8-ми до 12-ти век, изкуството на лака в Япония се развива в напълно уникален японски стил. Посудите и мебелите от онова време са предимно дървени. Ето защо не е изненадващо, че лакът се използва широко за добавяне на красота и здравина на краткотрайните дървени изделия. Към същия период се отнася и техниката "Маки" - позлатяване на повърхността с последващо лакиране (също смесване на лак със златен или сребърен прах). Продуктите, направени в тази техника, станаха много популярни сред висшите класове.

Културният обмен с континента е възобновен през 13-ти век, а японските лакови изделия са широко разпространени в чужбина чрез Китай и Корея. От друга страна, в Япония дойдоха нови техники за декорация, които перфектно допълват традициите на местните майстори.

През 17-ти век лаковото изкуство на Япония става по-изтънчено. От една страна се развиват нови стилове, докато различни традиционни техники от различни области започват да се комбинират, създавайки интересни комбинации.

Именно това сливане на техники се случи в Канадзава, в префектура Ишикава. Кланът Кага, който насърчава развитието на занаятите на своя територия, покани изключителни майстори от цяла Япония, включително майстори на лакове. През няколко поколения в Канадзава се създават напълно уникални стилове на традиционните занаяти, които са известни със своята красота и изящество и до днес.

РАЗРАБОТКА НА КОСТЮМИ

NETSUKE
Netsuke е миниатюрна скулптура, произведение на японските изкуства и занаяти. Netsuke е използван като ключодържател, противотежест, върху традиционното японско облекло, което е лишено от джобове и всички необходими предмети (торбичка, портфейл, inro, sagemono, различни малки неща) са окачени на колана с въжета и са закопчани с помощта на netsu, прикрепен към противоположния край на кабела. Нецуки не трябва да се бърка с окимоно, също миниатюрна японска скулптура, подобна на нецуки както по дизайн, така и по сюжет, и често по размер, но никога не се носи на колан. Отсъствието на дупки за окачване на "химотоши" в нецуке обаче не е отличителна черта, тъй като имаше нетски без химотоши или с фигури на химотоши, умело прикрити вътре в композицията. Традиционните материали за направата на нецуке са слонова кост и дърво. Използвани са още метали, злато, сребро, бронз, шакудо, седеф, порцелан, керамика, еленски рог, животински рога, костенурки, зъби на морж и нарвал, вътрешни животински кости, различни ядки, корали, лакове и др. Има различни школи по нетски, които се различават по основните сюжети, използвани материали, техники. Наличието на подпис върху netsuke не е основният фактор, влияещ върху цената и стойността на артикула. Сюжетите, използвани в нецуке, са много разнообразни. Битови, природни и натуралистични, исторически, легендарни, митологични, приказни. Почти всички нетски имат особена символика и отразяват някаква идея или желание.

Катабори - най-известният вид нецке - е компактна издълбана скулптура, която може да изобразява хора, животни и многофигурни групи. Саси е една от най-старите форми на нецке. Представлява удължена кука с отвор за въжето. Начинът, по който се консумира саши, е различен от всички други форми. Най-често се окачваше от ръба на колана. Манджу е нецке под формата на дебел диск, повтарящ формата на оризова торта. Понякога се прави от две половини. Рюса е вариант на формата манджу, отделен от експертите като отделна форма. Основната разлика на тази форма е, че тя е празна отвътре и е направена по техниката на сквозна резба. Кагамибута - също подобен на манджу, но направен под формата на традиционно свещено огледало, долната част на нецке, изработена от слонова кост или друг вид кост, рог, дърво или други материали, е покрита с метален капак или плоча отгоре, върху които е съсредоточена основната част от декоративния дизайн.

От момента на създаването си нецуке се превърна в колекционерска колекция, първо в Япония, където можете да обменяте, давате, продавате, поръчвате, купувате нецуке, а от деветнадесети век това хоби се разпространява в Европа и Америка, където колекционирането на нецуке достига своето връх. Пазарът на нецке е много оживен и постоянно се актуализира, сега колекционерите от цял ​​свят имат възможност да купуват нецуке както в частни колекции, така и да намират предмети от колекциите на големите музеи. Купуването и продажбата на netsuke в този случай се извършва чрез реномирани търговци на антики и/или аукционни къщи. Сега, не само в Япония, но и по целия свят, стана много популярно да купувате нецуке за подарък със символично значение, желание или скрито значение. Струва си да се отбележи, че на руски език доста често има такива изписвания на думата нецуке като нэцуке, както и нэцуке или нецуке, а понякога дори нецуке или нецуке. За разлика от каноничното "netsuke", други изписвания са възможни, но не са желателни.

НАДЯСНО КИМОНО МИРИШЕ НА БЛЕЙ

Кимоно (японски 着物, кимоно, „дреха“; японски 和服, уафуку, „национални дрехи“) са традиционни дрехи в Япония. От средата на 19 век се смята за японския "национален костюм". Кимоното е и работното облекло на гейшите и майко (бъдещи гейши).
Фурисоде (яп. 振袖, буквално „пърхащи ръкави“) е традиционно японско облекло за неомъжени момичета и булки, кимоно с дълги ръкави.
Tomesode (留袖?, закрепен ръкав) е вид кимоно за омъжени жени. Различава се от furisode по скъсен ръкав, моделът върви само по подгъва под оби, без да засяга ръкавите; гербовете трябва да присъстват на томосода.
Оби (帯?, букв. "колан") са няколко различни вида японски колани, носени от мъже и жени върху кимоно и кейкоги.
Geta (下駄?) са японски дървени сандали с форма на пейка, които са еднакви за двата крака (изглеждат като правоъгълници със заоблени върхове и евентуално леко изпъкнали страни отгоре). Държат се на краката с ленти, минаващи между палеца и втория пръст на крака. В днешно време те се носят по време на почивка или в лошо време. По стандартите на европейците това е много неудобна обувка, но японците я използват от векове и не им причинява неудобства.
Wareshinobu (на японски: 割れしのぶ?, тайно подстригана) е женска японска прическа, популярна сред чираците на гейши днес.
Сако (先笄 sakko или sakiko:gai?, последната фиби) е женска прическа, популярна сред омъжените жени от търговското съсловие в региона Камигата (близо до Киото) през втората половина на периода Едо. Появи се в околностите на град Оказаки (префектура Аичи). В Канто прическата marumage е по-популярна и сако получава признание едва след революцията Мейджи.
Днес сако е последната прическа майко преди ерикае, церемонията по прехода на гейши.
Шимада (яп. 島田?) - Японска дамска прическа, вид кок. Днес шимада се носи почти изключително от гейши и тая (вид ойран), но през периода Едо е носена от момичета на 15-20 години, преди брака. Подобно на други прически, канзаши е украсен.
Канзаши (яп. 簪?, също се изписва 髪挿し) са японски традиционни женски украшения за коса. Канзаши се носи с кимоно.