जापानी कला और शिल्प. जापान की सजावटी और अनुप्रयुक्त कला। पश्चिम में जापानी कला का प्रभाव

जहां यूरोप एशिया के साथ जुड़ता है, वहां अद्वितीय जलाशयों में से एक है, जिसे आधिकारिक तौर पर समुद्र कहा जाता है, और अनौपचारिक रूप से - झील - कैस्पियन सागर, जो एक साथ कई देशों के तटों को अपने पानी से धोता है। , या बल्कि, इसका उत्तरपूर्वी भाग, कैस्पियन तट तक जाता है। कैस्पियन क्या रहस्य रखता है, यह देश के जीवन में कितनी बड़ी भूमिका निभाता है और लोगों को समुद्र से क्या लाभ हो सकता है?

कैस्पियन सागर का भूगोल

शोधकर्ता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे हैं कि कैस्पियन सागर क्या है - एक झील या एक समुद्र। तथ्य यह है कि यह जलाशय सभी जल निकासी रहित जलाशयों में सबसे बड़ा है। इन्हें वे कहा जाता है जिनका महासागरों से कोई संबंध नहीं होता।

कैस्पियन सागर की सभी नदियाँ ज़मीन से निकलती हैं, लेकिन समुद्र के तटों तक नहीं पहुँचती हैं। इस प्रकार, यह बंद है और इसे झील कहा जा सकता है। हालाँकि, कैस्पियन काफी बड़ा है, इसके अलावा, इसका तल पृथ्वी की पपड़ी है, जो समुद्री प्रकार का है। इससे पता चलता है कि लाखों वर्ष पहले यहां समुद्र प्रकट हुआ था।

तथ्य यह है कि एक बार ग्रह पर, या बल्कि, उस क्षेत्र पर जहां आज यूरोप और एशिया स्थित हैं, विशाल प्रागैतिहासिक सरमाटियन सागर फूट पड़ा - यह वैज्ञानिकों द्वारा दिया गया नाम है। यह 12 मिलियन वर्ष पहले की बात है। जल ने वर्तमान भूमि के समस्त क्षेत्र को ढक लिया।

काकेशस और क्रीमिया इस अविश्वसनीय रूप से बड़े समुद्र में द्वीप थे। हालाँकि, भूमि के धीरे-धीरे बढ़ने के कारण यह धीरे-धीरे अलवणीकृत हो गया और सूख गया। परिणामस्वरूप, सरमाटियन सागर की साइट पर अजीबोगरीब "पोखर" बने - कैस्पियन, ब्लैक, अरल, आज़ोव सीज़।

आज भौगोलिक मानचित्र पर कैस्पियन सागर को खोजना काफी सरल है। यह एशिया माइनर के क्षेत्र में स्थित है और काकेशस द्वारा काला सागर से अलग किया गया है, जो इन दो जलाशयों के बीच एक प्रकार के इस्थमस के रूप में कार्य करता है। इसका आकार उत्तर से दक्षिण तक लम्बा है। इसके निर्देशांक 36°34"-47°13" उत्तरी अक्षांश और 46°-56° पूर्वी देशांतर हैं। आधुनिक सीमाएँ पाँच राज्यों के तट हैं:

1. रूस.
2. अज़रबैजान.
3. तुर्कमेनिस्तान.
4. कजाकिस्तान.
5. ईरान.

भूगोलवेत्ता समुद्र के क्षेत्र को उत्तर, मध्य और दक्षिण कैस्पियन में विभाजित करते हैं, और इसका दक्षिणी भाग लगभग 40% क्षेत्र पर है, और उत्तरी भाग केवल 25% है। इन विभाजनों की भी सीमाएँ हैं। तो, मध्य कैस्पियन को केप टायब-कारगन से चेचन द्वीप तक खींची गई एक सशर्त रेखा द्वारा उत्तर से अलग किया गया है। और दक्षिण और मध्य के बीच की सीमा केप गण-गुल और चिलोव द्वीप से होकर गुजरती है।

क्षेत्र एवं गहराई

कई लोग रुचि रखते हैं कि कैस्पियन सागर का क्षेत्रफल क्या है, लेकिन ये पैरामीटर समय-समय पर बदलते रहते हैं। यह सब गहराई में मौसमी उतार-चढ़ाव पर निर्भर करता है। इसलिए, यदि समुद्र में जल स्तर लगभग 27 मीटर है, तो जलाशय 370 हजार वर्ग किलोमीटर से अधिक तक पहुंच सकता है। इन अवधियों के दौरान, यह पूर्ण-प्रवाहित हो जाता है, और ग्रह पर ताजे झील के पानी की कुल मात्रा का लगभग 45% रखता है।

कैस्पियन सागर गहराई के मापदंडों के मामले में विषम है। तो, सबसे उथला हिस्सा उत्तरी है, इसकी औसत गहराई 4 मीटर से अधिक नहीं है, और अधिकतम 25 मीटर है। दक्षिणी भाग सबसे गहरा है, दक्षिण कैस्पियन अवसाद के क्षेत्र में यह 1025 मीटर है। सामान्य तौर पर, शोधकर्ताओं ने पाया कि बाथीग्राफिक वक्र के अनुसार जलाशय की औसत गहराई 208 मीटर है।

बैकाल और तांगानिका झीलों के बाद कैस्पियन झील गहराई की दृष्टि से तीसरे स्थान पर है। जहां तक ​​समुद्र के स्तर की बात है तो इसमें काफी उतार-चढ़ाव होता रहता है। जलाशय का वैज्ञानिक माप 1837 में शुरू हुआ। ऐतिहासिक दस्तावेजों और पुरातात्विक शोध के आधार पर वैज्ञानिकों का तर्क है कि 13वीं-14वीं शताब्दी के मोड़ पर उच्चतम जल स्तर देखा गया था, फिर गिरावट शुरू हुई।

हमारी सभ्यता के तीन हजार वर्षों में, कैस्पियन में जल स्तर 15 मीटर बदल गया है। कारण बहुत भिन्न हो सकते हैं. सबसे पहले, ये पृथ्वी की पपड़ी की स्थिति में भूवैज्ञानिक परिवर्तन हैं, साथ ही किसी दिए गए क्षेत्र में जलवायु में उतार-चढ़ाव और मानव क्रियाएं भी हैं।

तापमान एवं जलवायु

चूँकि आज न केवल औद्योगिक उद्यम, बल्कि रिसॉर्ट भी कैस्पियन बेसिन में स्थित हैं, कैस्पियन सागर का तापमान कई लोगों के लिए बहुत रुचि का है। यह सूचक मौसमी परिवर्तनों के अधीन भी है, और वे बहुत महत्वपूर्ण हैं।

सर्दियों में तापमान में उतार-चढ़ाव का अंतर 10 डिग्री के अंदर देखा जाता है। जलाशय के दक्षिणी भाग में, सर्दियों के मौसम में पानी का औसत तापमान 11 डिग्री होता है, जबकि समुद्र के उत्तरी भाग में यह तापमान 0.5 डिग्री से अधिक नहीं होता है, और कभी-कभी मामूली हिमनदी भी देखी जाती है। उत्तरी क्षेत्र, सबसे उथले होने के कारण, गर्मियों में तेजी से गर्म होते हैं और 26 डिग्री तक पहुँच सकते हैं। इसी समय, जलाशय के पश्चिमी भाग में पानी का तापमान पूर्वी भाग की तुलना में स्थायी रूप से अधिक है।

गर्मी की अवधि, जो जून से सितंबर तक रहती है, पूरे समुद्र में तापमान संकेतकों को सबसे समान बनाती है। इस समय, ऊपरी परतों में पानी 26 डिग्री तक गर्म होता है, और दक्षिणी भाग में यह 28 डिग्री तक बढ़ सकता है। उथले क्षेत्रों में मखमली मौसम तक, पानी और भी अधिक गर्म हो जाता है और 32 डिग्री तक पहुँच जाता है।

इसके अलावा, गर्मियों में गहरे पानी की परतों का सतह पर ऊपर उठने जैसी घटना भी होती है। यह तथाकथित उथल-पुथल है, हालांकि, वैज्ञानिक इसे पूरे जल क्षेत्र में नहीं, बल्कि मुख्य रूप से केवल पूर्व में देखते हैं, कभी-कभी जलाशय के दक्षिणी भाग में भी गहरा पानी बढ़ता है। परिणामस्वरूप, औसत पानी का तापमान 10 डिग्री से समझा जा सकता है।

अन्य समुद्री जल निकायों की तरह, कैस्पियन सागर का पानी खारा है। हालाँकि, नमक संतृप्ति का स्तर उसके अलग-अलग क्षेत्रों के आधार पर भिन्न हो सकता है। जलाशय के पश्चिमी और दक्षिणी भागों में नमक की सघनता सबसे अधिक है। उत्तरी क्षेत्रों में, समुद्र का पानी लगातार नदियों के ताजे पानी से पतला होता रहता है। हालाँकि, पूरे समुद्र में, नमक की सांद्रता वर्ष के मौसम के आधार पर भिन्न होती है।

इसके अलावा, पानी के खारा या ताज़ा होने का कारण हवाएँ हैं। उदाहरण के लिए, दक्षिण और मध्य कैस्पियन में, उत्तर के विपरीत, ये उतार-चढ़ाव कमजोर रूप से व्यक्त किए जाते हैं।

इस समुद्री क्षेत्र की जलवायु भी भिन्न-भिन्न होती है। समुद्र का दक्षिणी भाग उपोष्णकटिबंधीय जलवायु में है, मध्य भाग समशीतोष्ण है, और उत्तरी भाग महाद्वीपीय है। परिणामस्वरूप, तट पर हवा का तापमान भिन्न होता है।

गौरतलब है कि जलाशय के दक्षिण और दक्षिण-पूर्व में यह सबसे गर्म है। यहां तापमान कभी-कभी पहुंच सकता है ग्रीष्म काल 44 डिग्री तक, और औसत तापमान 26-27 डिग्री है। गर्मियों में जलाशय का उत्तर भी ठंड के बारे में शिकायत नहीं कर सकता - यहाँ हवा का तापमान 25 डिग्री तक दर्ज किया जाता है। जहाँ तक सर्दियों की बात है, उत्तर में हवा का तापमान -10 डिग्री और दक्षिण में - +10 डिग्री तक पहुँच सकता है।

पूल की विशेषताएं

यह मानने की कोई आवश्यकता नहीं है कि कैस्पियन केवल तटों से घिरा पानी का एक बंद शरीर है। मानचित्र पर, समुद्र के किनारे काफी हद तक समतल हैं, लेकिन वास्तव में इसकी सीमाएँ छोटी-छोटी सीमाओं और प्रायद्वीपों के साथ-साथ चैनलों और मुहल्लों से बनी हैं। समुद्र तट लगभग 7 हजार किलोमीटर (द्वीपों सहित) है।

इसके उत्तरी भाग में झील का तट नीचा दिखता है, कई चैनलों की उपस्थिति के कारण कुछ जलभराव होता है। पूर्व से, कैस्पियन तट मुख्य रूप से चूना पत्थर है, और क्षेत्र आसानी से अर्ध-रेगिस्तानी भूमि में बदल जाते हैं। तटीय किनारों की साइनुओसिटी पूर्व और पश्चिम में सबसे अधिक है।

पानी का कोई भी बड़ा भंडार द्वीपों के बिना नहीं रह सकता, और कैस्पियन कोई अपवाद नहीं है। कैस्पियन सागर के द्वीप विविध हैं, उनकी कुल संख्या विभिन्न आकारों के लगभग 50 द्वीप हैं। सबसे बड़े में शामिल हैं:

• बॉयुक-ज़िरा;
• जवानों;
• चेचेन;
• अशूर-अदा;
• ओगुर्चिंस्की;
• कुर-दशी;

कैस्पियन सागर का तट भी प्रायद्वीपों में समृद्ध है, जिनमें मंगेशलक, अप्सरोन, टायब-कारगन शामिल हैं। अंत में, कैस्पियन के भूगोल में कई बड़ी और छोटी खाड़ियाँ शामिल हैं। उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं:

• किज़्लियार्स्की;
• कारा-बोगाज़-गोल;
• मंगेशलक;
• Gyzylagach;
• तुर्कमेनबाशी;
• अस्त्रखान (अस्त्रखान);
• हिरकेनस।

इन खाड़ियों में से, कारा-बोगाज़-गोल को विशेष रूप से प्रतिष्ठित किया जा सकता है, जो समुद्र के पूर्वी भाग में स्थित है और आज तुर्कमेनिस्तान के अंतर्गत आता है। 20वीं सदी के अंत तक, यह एक प्रकार का कैस्पियन लैगून था, जो इससे जुड़ा हुआ था बड़ा पानी» जलडमरूमध्य. 1980 के दशक में, यूएसएसआर के दिनों में, पहले यहां एक बांध बनाया गया था, और फिर एक बांध, जिसके परिणामस्वरूप खाड़ी में जल स्तर कम हो गया था।

आज तक, स्थिति शुरुआती बिंदु पर लौट आई है, क्योंकि जलडमरूमध्य बहाल करने में सक्षम था। प्रतिवर्ष 10-17 घन किलोमीटर की मात्रा में पानी खाड़ी में प्रवेश करता है। हालाँकि, गर्म जलवायु के कारण यह वाष्पित हो जाता है, इसलिए कारा-बोगाज़-गोल खाड़ी अत्यधिक नमकीन है।

कैस्पियन सागर, अन्य समान जल निकायों की तरह, एक समृद्ध वनस्पति और जीव है। यहां विभिन्न प्रकार के शैवाल प्रबल हैं, और शोधकर्ताओं का मानना ​​है कि अधिकांश कैस्पियन स्थानीय मूल के हैं। हालाँकि, यह भी संभव है कि कुछ शैवाल कृत्रिम रूप से यहाँ लाए गए हों - उदाहरण के लिए, अन्य समुद्रों से व्यापारी जहाजों के तल पर।

कैस्पियन काफी विविध है। यहाँ 100 से अधिक प्रकार की मछलियाँ हैं। यहीं पर प्रसिद्ध स्टर्जन और एक ही परिवार की अन्य मछलियाँ पाई जाती हैं। मूल रूप से, कैस्पियन मछलियाँ वे हैं जो ताजे या कम नमक वाले पानी में रहती हैं: पाइक, कार्प, सैल्मन, मुलेट, पर्च, कार्प, जिनमें से कुछ सूचीबद्ध हैं। आप समुद्र में सील से मिल सकते हैं।

जल एवं समुद्री तल का विकास

हममें से कौन भूगोल की पाठ्यपुस्तकों का प्रसिद्ध वाक्यांश याद नहीं रखता: "वोल्गा कैस्पियन सागर में बहती है।" यह नदी उनमें से सबसे बड़ी है जिसका मुहाना कैस्पियन है। हर साल यह समुद्र में 224 घन किलोमीटर तक ताज़ा पानी पहुँचाता है। लेकिन अन्य छोटे लोग भी हैं जो यहां की ओर दौड़ पड़ते हैं। वोल्गा के अलावा, ये हैं:

1. तेरेक.
2. यूराल.
3. समूर.
4. सुलक.

ये नदियाँ रूस के क्षेत्र से होकर बहती हैं, और इनके अलावा, एट्रेक (तुर्कमेनिस्तान), कुरा (), सेफिड्रुड (ईरान), एम्बा (कजाकिस्तान) नदियों का पानी कैस्पियन में बहता है। कुल मिलाकर, कैस्पियन सागर में बहने वाली 130 विभिन्न नदियों में से नौ जल धाराओं के मुहाने डेल्टा के रूप में बनते हैं।

झील का विकास कई शताब्दियों में हुआ। आज, कैस्पियन सागर के बंदरगाह जलाशय के तटों को व्यापार मार्गों से जोड़ते हैं। रूसी बंदरगाहों में से, सबसे महत्वपूर्ण मखाचकाला और अस्त्रखान हैं, जहां से जहाजों को लगातार कजाख अक्ताउ, अजरबैजान बाकू और कैस्पियन सागर के अन्य तटीय तटों पर भेजा जाता है। इसके अलावा, यह आज़ोव सागर से जुड़ा हुआ है, जहां वे डॉन और वोल्गा नदियों के साथ-साथ वोल्गा-डॉन नहर के माध्यम से मिलते हैं।

कैस्पियन बेसिन और समुद्री क्षेत्र के आर्थिक विकास में तेल उत्पादन एक महत्वपूर्ण दिशा है। समुद्र के तेल संसाधनों की मात्रा वर्तमान में लगभग 10 बिलियन टन है - ये शोधकर्ताओं द्वारा दिए गए अनुमान हैं। यदि हम इसमें गैस कंडेनसेट मिला दें तो भंडार दोगुना हो जाएगा।

तेल उत्पादन कैस्पियन क्षेत्र के देशों की अर्थव्यवस्था का सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्र है, इसलिए, कई वर्षों से, समुद्र के संसाधनों के उपयोग के संबंध में असहमति का समाधान नहीं किया गया है। यूएसएसआर के अस्तित्व के दौरान, कैस्पियन सागर का क्षेत्र सोवियत संघ और ईरान का था।

अब तक, जलाशय के विभाजन और इसके शेल्फ के उपयोग पर कानूनी दस्तावेज हैं, जो ईरान और यूएसएसआर के बीच संपन्न हुए थे। वहीं, क्षेत्रों के कानूनी बंटवारे को लेकर विवाद थमने का नाम नहीं ले रहे हैं। इसलिए, ईरान पांच देशों के बीच समान रूप से विभाजित करने का प्रस्ताव रखता है, और तीन पूर्व सोवियत गणराज्य इस बात पर जोर देते हैं कि जलाशय को सीमांकन की मध्य रेखा के साथ विभाजित किया जाए।

यह मुद्दा बहुत गंभीर बना हुआ है, क्योंकि समुद्र को कहाँ विभाजित किया जाना चाहिए, इसके आधार पर न केवल प्रत्येक कैस्पियन राज्य के लिए तेल उत्पादन की मात्रा निर्भर करती है, बल्कि जलाशय के अन्य संसाधनों का उपयोग भी निर्भर करता है। यहां हम सबसे पहले मछली पालन के बारे में बात कर सकते हैं, क्योंकि मछली के भंडार के मामले में समुद्र बहुत उदार है।

उन्हें न केवल मछली मिलती है, बल्कि प्रसिद्ध कैवियार, साथ ही सील भी मिलती है। हालाँकि, आज मछली स्टॉक का पुनरुत्पादन कहीं अधिक कुशल होता यदि यह कैस्पियन सागर के शिकारियों के लिए नहीं होता, जो अवैध स्टर्जन पकड़ने और अवैध रूप से कैवियार की कटाई का आयोजन करते हैं।

साथ ही, वे लगभग सभी कैस्पियन देशों में मौजूद हैं, इसलिए उनके खिलाफ लड़ाई कैस्पियन बेसिन के पड़ोसी देशों के लिए आम बात है। परिणामस्वरूप, हाल के वर्षों में स्टर्जन निर्यात सीमित हो गया है, क्योंकि रूस और अन्य कैस्पियन देश दोनों क्षेत्र की इस प्राकृतिक संपदा को संरक्षित करने में रुचि रखते हैं।

अवैध शिकार एक गंभीर समस्या है, और आज रूस, अजरबैजान, ईरान, कजाकिस्तान और तुर्कमेनिस्तान के साथ मिलकर अवैध मछली पकड़ने को कानूनी रूप से सीमित करने के उद्देश्य से उपाय विकसित कर रहा है।

हालाँकि, कैस्पियन सागर की एक और बड़ी समस्या है - समुद्री जल का प्रदूषण। इसका कारण तेल उत्पादन के साथ-साथ समुद्र के रास्ते तेल का परिवहन भी है। यह मत भूलो कि जलाशय के किनारे स्थित बड़े शहर जल प्रदूषण का एक निरंतर स्रोत हैं। इसके अलावा, औद्योगिक उद्यम, सख्त प्रतिबंधों के बावजूद, कभी-कभी कचरे को नदियों में फेंक देते हैं, जो बाद में समुद्र में चले जाते हैं।

पर्यावरणीय उल्लंघनों से न केवल कैस्पियन जल का सामान्य प्रदूषण होता है, बल्कि जलाशय की सीमाओं में भी बदलाव होता है (जलभराव, सूखना, और इसी तरह)। लेकिन पूरे क्षेत्र के लिए कैस्पियन सागर का क्या महत्व है, यह बात करने लायक भी नहीं है।

कैस्पियन सागर के रिसॉर्ट्स में आराम करें

कैस्पियन सागर को खोने से मानव सभ्यता क्या खो सकती है, यह समझने के लिए आप इसकी तस्वीर देख सकते हैं। यह जलाशय अच्छे आराम के लिए एक अद्भुत जगह है, और समुद्र के दृश्य यहां आने वाले हर किसी को हमेशा प्रभावित करते हैं। कैस्पियन सागर पर बिताया गया विश्राम काला सागर तट से भी बदतर नहीं है। ताज़ी हवा, हल्की जलवायु और आरामदायक समुद्र तट - यही वह पर्यटकों को दे सकता है।

यदि आप कैस्पियन सागर जाने का निर्णय लेते हैं, तो छुट्टियों की कीमतें आपको सुखद आश्चर्यचकित करेंगी। पर्यटन को कई मायनों में महत्व दिया जाता है, क्योंकि यह ग्रह के अन्य क्षेत्रों में रिसॉर्ट्स की यात्रा करने वाले पर्यटकों की तुलना में सस्ता पड़ता है। रूस के निवासी अपने देश के भीतर काफी सस्ते में आराम कर सकते हैं और साथ ही उत्कृष्ट सेवा प्राप्त कर सकते हैं जो भूमध्यसागरीय स्तर से भिन्न नहीं है।

रूसी शहरों में कई रिसॉर्ट हैं (जिनमें से अधिकांश यहीं हैं), जो पर्यटकों के बीच विशेष रूप से लोकप्रिय हैं। यह:

• अस्त्रखान;
• दागिस्तान रोशनी;
• कास्पिस्क;
• इज़बरबाश;
• लगन.

यदि पर्यटक सबसे पहले इसके प्राचीन स्थलों को देखने के लिए डर्बेंट जाते हैं, और मछली पकड़ने का आनंद लेने के लिए अस्त्रखान जाते हैं, तो मखचकाला में मनोरंजन के स्थान कैस्पियन सागर के सबसे आरामदायक और आरामदायक समुद्र तटों में से हैं।

यह रिसॉर्ट न केवल आरामदायक आराम से, बल्कि स्वास्थ्य में सुधार के अवसर से भी आकर्षित करता है, क्योंकि यहां थर्मल और खनिज झरने हैं। विदेशी रिसॉर्ट्स में से, कज़ाख अक्ताउ, अज़रबैजानी सुमगायित और तुर्कमेन अवाज़ा मनोरंजन क्षेत्र को नोट किया जा सकता है।

आज कैस्पियन आर्थिक दृष्टि से विश्व के सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्रों में से एक है। इसके बिना, आधुनिक यूरेशिया और इसके अलावा, रूस के इतिहास की कल्पना करना असंभव है। इसका मतलब यह है कि इस जलाशय की सुरक्षा राज्य द्वारा की जानी चाहिए।

कलाकृतियों जापानी सिरेमिक राजवंश राकूचीनी मिट्टी की चीज़ें और जापान की संपूर्ण सजावटी और व्यावहारिक कलाओं के इतिहास में एक विशेष, अद्वितीय स्थान रखता है। क्योटो कारीगरों का राजवंश पंद्रह पीढ़ियों तक निरंतरता बनाए रखता है, उसी कलात्मक परंपरा में चीनी मिट्टी की चीज़ें बनाना जारी रखता है जिसमें इसकी उत्पत्ति 16 वीं शताब्दी के मध्य में हुई थी।

राकू राजवंश के प्रतिनिधियों के उत्पाद शुरू में बड़े पैमाने पर या धारावाहिक उत्पादन पर नहीं, बल्कि चा-नो-यू चाय समारोह के पारखी लोगों के एक संकीर्ण दायरे के लिए अद्वितीय कार्यों के निर्माण पर केंद्रित थे। कार्यशाला के प्रदर्शनों की सूची में मुख्य रूप से चाय के कटोरे (त्यावन), अगरबत्ती (कोरो), कम अक्सर अगरबत्ती (कोगो) और फूलों की व्यवस्था के लिए फूलदान (केबिन) शामिल थे। राकू कारीगरों की क्षमताओं पर इस प्रतीत होने वाली सीमा के कारण कार्यशाला की शैली में सुधार और क्रिस्टलीकरण हुआ। इन सभी वस्तुओं पर उन्हें बनाने वाले उस्तादों के व्यक्तित्व और जिस समय से वे संबंधित हैं, की एक ज्वलंत छाप है।

राकू परिवार की तकनीक मोल्डिंग और ग्लेज़िंग की तकनीकों पर आधारित थी जो 16 वीं शताब्दी के अंत में उत्कृष्ट गुरु, राकू वंश के संस्थापक, राकू तेजिरो के काम के दौरान विकसित की गई थी: (楽　長次郎, ?-1589) ). उत्पादों को हाथ से ढाला जाता था (शायद स्थानीय मिट्टी की कम प्लास्टिसिटी के कारण, जिससे उन्हें कुम्हार के चाक पर खींचना असंभव हो जाता था) और पॉलीक्रोम तरीके से कम पिघलने वाले सीसे के शीशे से ढक दिया जाता था (तीन रंगों वाली चीनी संकाई की नकल में) मिंग युग (1368-1644) के चीनी मिट्टी के बर्तन या मोनोक्रोम लाल और काले शीशे का आवरण। यह मोनोक्रोम उत्पाद थे जो चाय मास्टर्स के बीच सबसे प्रसिद्ध हो गए और उन्हें उर्फ-राकू (लाल राकू) और कुरो-राकू (काला राकू) नाम मिला।


राकू का सबसे विशिष्ट तकनीकी चरण फायरिंग है: फायरिंग कक्ष में 850 से 1000 डिग्री सेल्सियस के तापमान पर, उत्पादों को जल्दी से हटा दिया जाता है और खुली हवा में या पानी (हरी चाय) में डुबो कर ठंडा किया जाता है। कटोरे के सरल, लेकिन जीवंत और अभिव्यंजक रूप और अचानक ठंडा होने के दौरान होने वाले शीशे के प्रभाव, दोनों ने कार्यशाला के उत्पादों को अभिव्यंजकता, वैयक्तिकता प्रदान की और वाबी सौंदर्यशास्त्र की आवश्यकताओं को पूरा किया, जिसने सेन नो रिक्यू के चाय समारोह को निर्धारित किया। (1522-1591) और उनके निकटतम अनुयायी। 17वीं शताब्दी में, सिरेमिक की इस अभिनव शैली की पहचान न केवल राकू कार्यशाला के चवानों की उच्च लागत में व्यक्त की गई थी, बल्कि विभिन्न सिरेमिक कलाकारों द्वारा बनाई गई उत्सुशी ("मतभेदों के साथ नकल") की कई नकल और व्याख्याओं में भी व्यक्त की गई थी। एडो काल (1603-1868) के सबसे प्रभावशाली शिल्पकार होनआमी कोएत्सु (1558-1673) और ओगाटा केनज़ान (1663-1743) ने राकू परिवार के उस्तादों के साथ अध्ययन किया और शैली की अपनी विशद व्याख्याएँ बनाईं।

इस प्रकार, 17वीं शताब्दी में जापान में, राकू परिवार के उत्पाद और अन्य कार्यशालाओं के सेरेमिस्टों और "राकू शैली" में स्वतंत्र कलाकारों द्वारा बनाए गए उत्पाद पहले से ही मौजूद थे। इस तथ्य के बावजूद कि एक विशेष प्रकार के मिट्टी के बर्तनों का नाम राकू तेजिरो से पारित होकर एक उचित नाम बन गया: क्योटो कार्यशाला के भीतर, "राकू" शब्द ने एक स्वतंत्र अर्थ प्राप्त कर लिया। इसलिए उन्होंने प्रसिद्ध सिरेमिक कार्यशाला की तकनीकी और सौंदर्य परंपराओं में बनाए गए सिरेमिक को बुलाना शुरू कर दिया। राकू शैली में बड़ी संख्या में उत्पाद (ज्यादातर चा-नो-यू चाय समारोह के लिए भी) 17वीं-19वीं शताब्दी के दौरान कारीगरों द्वारा बनाए गए थे।

19वीं शताब्दी के मध्य में जापान के पश्चिम की ओर खुलने से पश्चिमी मास्टर्स द्वारा जापानी ललित और सजावटी कलाओं से रूपों और सजावटी रूपांकनों को व्यापक रूप से उधार लिया गया। हालाँकि, 20वीं सदी की शुरुआत तक राकू कार्यशाला के चीनी मिट्टी के बर्तनों ने पश्चिमी पारखी लोगों का ध्यान आकर्षित नहीं किया, क्योंकि वे बड़ी व्यापारिक कंपनियों की अपेक्षाओं को पूरा नहीं करते थे और आकर्षक सजावटी प्रभाव से रहित थे जो जापानी के निर्यात उत्पादों को अलग करते हैं। 19वीं सदी के उत्तरार्ध की सिरेमिक कार्यशालाएँ।


ब्रिटिश चित्रकार और सेरेमिस्ट बर्नार्ड लीच (1887-1979)

आज, "राकू" शब्द का व्यापक रूप से रूस, पश्चिमी और पूर्वी यूरोप, स्कैंडिनेवियाई देशों और संयुक्त राज्य अमेरिका में सेरामिस्टों द्वारा उपयोग किया जाता है। हालाँकि, "सिरेमिक राकू" की अवधारणा दुनिया भर में फैलते ही महत्वपूर्ण बदलाव आई है, और "यूरोपीय" और "अमेरिकी राकू" के गठन के मुद्दे पर विचार प्रासंगिक प्रतीत होता है।

पश्चिमी कारीगरों को राकू-शैली के सिरेमिक पेश करने वाले पहले यूरोपीय ब्रिटिश कलाकार और सिरेमिक कलाकार बर्नार्ड लीच (1887-1979) थे। लंदन में कला की शिक्षा प्राप्त करने के बाद, वह पैट्रिक लाफकाडियो हर्न (1850-1904) की किताबों के प्रभाव में जापान आए, जिसमें जापान को परिष्कृत संस्कृति, सुंदर प्रकृति, शांतिपूर्ण, मेहनती लोगों और सुंदर महिलाओं का देश बताया गया था। . 1909 में एक बार जापान में, लीच युवा जापानी दार्शनिकों और कलाकारों के शिराकाबा (व्हाइट बर्च) समूह से परिचित हुए, जिन्होंने इसी नाम की साहित्यिक और कला पत्रिका प्रकाशित की और पाठकों की एक विस्तृत श्रृंखला के सामने विश्व कलात्मक विरासत को प्रस्तुत करने का प्रयास किया। 19वीं सदी के अंत तक जापान में व्यावहारिक रूप से अज्ञात था।

इस एसोसिएशन में बी. लीच की गतिविधियाँ मूल रूप से यूरोपीय प्रिंटों को लोकप्रिय बनाने के लिए समर्पित थीं। उसी समय, शिराकाबा में उनके सक्रिय कार्य ने उन्हें यानागी सो:एत्सु (柳宗悦, 1889-1961), हमादा से:जी (濱田 庄司, 1894-1978) और टोमिमोटो केनकिची (富本) जैसे युवा विचारकों और कलाकारों से परिचित कराया।憲吉記, 1886-1963)। 1911 में, टोक्यो में एक एकल प्रदर्शनी के बाद, लीच ने एक उत्कीर्णक और कपड़ा डिजाइनर के रूप में टोक्यो और पूरे जापान के कलात्मक जीवन में एक निश्चित स्थान ले लिया। उसी वर्ष, उन्हें और टोमिमोटो केनकिची को "राकू मीटिंग" में आमंत्रित किया गया था (अपनी डायरी में लीच उन्हें राकू पार्टी कहते हैं)।

इस तरह की सभाएँ शिक्षित जापानियों के बीच बौद्धिक और रचनात्मक अवकाश का एक लोकप्रिय रूप थीं। मेहमानों को सिरेमिक उत्पाद प्रदान किए गए थे जिन्हें पहले बचाव फायरिंग से गुजरना पड़ा था; प्रतिभागियों ने उन्हें रंगा और चमकाया और फायरिंग देखी, जो विशेष रूप से रात में शानदार होती है, जब लाल-गर्म वस्तुओं को भट्टी से निकाला जाता है और धीरे-धीरे हवा में ठंडा किया जाता है। पेंटिंग के लिए, वे चाय घर (चाशित्सु) के कमरे में एकत्र हुए, जिसने बैठक के आरामदायक मैत्रीपूर्ण माहौल और चाय परंपरा के साथ इसके संबंध पर जोर दिया।

उस क्षण तक, बी. लीच, हालांकि सिराकाबा के ढांचे के भीतर सिरेमिक में रुचि रखते थे, उन्होंने इस सामग्री के साथ काम करने के बारे में नहीं सोचा था। "राकू बैठक" में भागीदारी, गोलीबारी का तमाशा और बैठक में विभिन्न प्रतिभागियों द्वारा प्राप्त किए गए परिणामों की विविधता ने कलाकार को अपने कलात्मक करियर को मौलिक रूप से बदलने के लिए मजबूर किया।

बर्नार्ड लीच का पहला उत्पाद, जो "राकू पार्टी" में बनाया गया था, तोते की छवि वाला एक व्यंजन था। यह सजावटी रूपांकन चीनी मिंग चीनी मिट्टी के बरतन (1368-1644) के अंडरग्लेज़ कोबाल्ट पेंटिंग प्रदर्शनों की सूची से उधार लिया गया था। इस व्यंजन के विवरण को देखते हुए, यह पॉलीक्रोम था, साथ ही ऐसी पार्टियों के अन्य शौकिया उत्पाद भी थे, जिन्हें अक्सर अंडरग्लेज़ पेंटिंग से सजाया जाता था और राकू के मूल उत्पादों के करीब नहीं थे। यह तथ्य बताता है कि 20वीं सदी की शुरुआत में जापान में, राकू की तकनीक ने एक निश्चित स्वतंत्रता हासिल कर ली थी, जो अब मूल पारिवारिक परंपरा के अनुरूप नहीं थी, और इसे सिरेमिक को सजाने के प्रसिद्ध तरीकों में से एक माना जाता था।

साथ ही, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि राकू बैठकें कलात्मक रचनात्मकता की पुरानी परंपराओं से स्पष्ट रूप से जुड़ी हुई थीं, जो चाय समारोह की नैतिकता और सौंदर्यशास्त्र, संयुक्त काव्य रचनात्मकता, सुलेखकों की प्रतियोगिताओं, 17 वीं -19 वीं शताब्दी के इकेबाना मास्टर्स में निहित थीं। . 20वीं सदी की शुरुआत में इस परंपरा की वापसी ने जापान की आधुनिक राष्ट्रीय संस्कृति के निर्माण में एक महत्वपूर्ण चरण को चिह्नित किया: पुराने जापान की आधिकारिक अभिजात्य संस्कृति से जुड़े सांस्कृतिक और कलात्मक रूप फिर से मांग में थे। यह विशेषता है कि इसी समय जापान में चा-नो-यू चाय समारोह, सेन्चा-डो चाय अभ्यास और अन्य पारंपरिक कलाओं के साथ-साथ धार्मिक-दार्शनिक और सौंदर्यशास्त्र में रुचि का पुनरुद्धार हुआ था। उपदेश.

अपने दम पर मिट्टी के बर्तनों और सिरेमिक पेंटिंग में महारत हासिल करने के कई प्रयासों के बाद, बी. लीच ने टोक्यो में एक शिक्षक की तलाश शुरू की। अन्य लोगों के अलावा, उन्होंने होरीकावा मित्सुज़ान की कार्यशाला का दौरा किया, जो राकू की शैली में विशेषज्ञ थे। हालाँकि, लीच को उरानो शिगेकिची (浦野繁吉, 1851-1923, केनज़न VI) के साथ अधिक आपसी समझ मिली, जिनके चीनी मिट्टी के बर्तनों को उत्कृष्ट मास्टर ओगाटा केनज़न (केनज़न I, 1663-1743) की परंपराएँ विरासत में मिलीं। हालाँकि, लीच की राय में, उरानो शिगेकिची का काम और रिम्पा स्कूल ऑफ़ आर्ट में सजावट के प्रति प्रतिबद्धता ऊर्जा और ताकत से रहित थी, इस मास्टर के पास सभी तकनीकी ज्ञान थे जो सिरेमिक के पुराने और शानदार राजवंश से संबंधित थे, और तैयार थे विदेशी छात्र को सिरेमिक सजावट की मूल बातें सिखाने के लिए।

दो साल तक, लीच ने टोमिमोटो केनकिची के साथ यूरानो शिगेकिची की कार्यशाला में काम किया, जिन्होंने पहले एक अनुवादक के रूप में भी काम किया, क्योंकि लीच को अभी तक जापानी भाषा अच्छी तरह से नहीं आती थी। यूरानो की कार्यशाला में, सांचों का निर्माण कार्य का हिस्सा नहीं था: पेंटिंग के लिए रिक्त स्थान अन्य कार्यशालाओं से खरीदे जाते थे या आमंत्रित कुम्हारों द्वारा बनाए जाते थे, लेकिन लीच ने स्वयं साँचे बनाने में सक्षम होने के लिए मिट्टी के बर्तनों में महारत हासिल करना भी शुरू कर दिया। उन्होंने कहा कि, जापानी नहीं होने के कारण, वह पारंपरिक रूपों और सजावट की प्रकृति को पूरी तरह से महसूस नहीं कर सके। मास्टर के कई प्रारंभिक कार्य (1911-1913) जापानी मिट्टी के बर्तनों और कलात्मक परंपरा के आलोक में चीनी मिट्टी की यूरोपीय शैलियों की एक अजीब तरीके से व्याख्या करते हैं। बाद में, पूरे सुदूर पूर्व और अफ्रीकी देशों के चीनी मिट्टी के बर्तनों का भी लीच के काम पर काफी प्रभाव पड़ा।


एक साल की प्रशिक्षुता के बाद, उरानो ने बी. लीच को अपनी संपत्ति पर बगीचे के कोने में अपनी कार्यशाला स्थापित करने और एक छोटा राकू भट्ठा बनाने की अनुमति दी। इस कार्यशाला के निर्माण के एक साल बाद, उरानो ने उन्हें और टोमिमोटो केनकिची को केनज़न परिवार की परंपरा विरासत में मिलने के आधिकारिक प्रमाण पत्र (घने:) प्रदान किए, और बर्नार्ड लीच को आधिकारिक तौर पर केनज़न VII के मास्टर के रूप में मान्यता दी गई।

केनज़न नाम के साथ, बर्नार्ड लीच को ग्लेज़ व्यंजनों और अन्य उत्पादन रहस्यों के साथ "पारिवारिक" दस्तावेजों का एक संग्रह भी प्राप्त हुआ, जिसमें "राकू" फायरिंग की मूल बातें भी शामिल थीं, जो केनज़न परिवार की विरासत का हिस्सा थे। इसके बाद, लीच ने उन्हें अपने कार्यों में आंशिक रूप से प्रकाशित किया, जिसमें 1940 में प्रकाशित द पॉटर बुक भी शामिल थी और जिसका बीसवीं शताब्दी के मध्य में पश्चिमी कार्यशालाओं के सिरेमिक पर भारी प्रभाव पड़ा। लीच ने स्टूडियो सिरेमिक की कलात्मक भाषा को समृद्ध करने में रुचि रखने वाले सभी सिरेमिक कलाकारों के लिए पारंपरिक तकनीक उपलब्ध कराई। अपने पूरे रचनात्मक जीवन में, जापान और सेंट इवेस में काम करते हुए, मास्टर ने बार-बार राकू तकनीक की ओर रुख किया।

20वीं सदी की शुरुआत में यूरोपीय कलात्मक चीनी मिट्टी की सामान्य स्थिति के बारे में बोलते हुए, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि यह बी. लीच ही थे जो एक स्वतंत्र स्टूडियो स्थापित करने वाले यूरोप के पहले कलाकार बने (1920 में सेंट इवेस, कॉर्नवाल में, उसके बाद) इंग्लैण्ड लौटना)। धीरे-धीरे, लीच और यानागी सो:एत्सु ने विश्व कलात्मक परंपरा में शिल्पकार की भूमिका की एक नई समझ विकसित की: यह आंशिक रूप से विलियम मॉरिस और कला और शिल्प आंदोलन के विचारों से मेल खाता था (इस आंदोलन का इतिहास अक्सर एक विषय था) बर्नार्ड लीच और यानागी सो:एत्सु की बातचीत)। मॉरिस की तरह, लीच ने शिल्प के औद्योगीकरण और इसे एकीकृत उत्पादन में बदलने का विरोध किया।

यानागी सो:एत्सु के लिए, साथ ही बीसवीं सदी की शुरुआत के कई जापानी कलाकारों और विचारकों के लिए, नए जापान के अपरिहार्य औद्योगीकरण की संभावना हस्तशिल्प और लोक शिल्प की मूल संस्कृति के लिए एक गंभीर खतरा लग रही थी। 1920 के दशक में, लोक परंपरा को संरक्षित करने की इच्छा के परिणामस्वरूप प्रभावशाली मिंगेई आंदोलन हुआ, जिसकी स्थापना हमदा शोजी और कावई कांजीरो ने की: (河井寛次郎, 1890-1978)। पुरानी सिरेमिक कार्यशालाओं की परंपराओं को 1930 के दशक में अरकावा टोयोज़ो द्वारा पुनर्जीवित किया गया था: (荒川 豊 蔵, 1894-1985) और मुख्य रूप से मोमोयामा युग (1573-1615) की मिनो-सेटो कार्यशालाओं की सिरेमिक से संबंधित थी।

20वीं सदी के पूर्वार्ध में पुरानी कलाओं का पुनर्वास जापान की राष्ट्रीय नीति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा था; इस नीति को उस युग के दार्शनिकों और कलाकारों से सबसे ईमानदार और उत्साही प्रतिक्रिया मिली। 1906 में प्रकाशित ओकाकुरा कोकुज़ो (岡倉 覚三, 1862-1913) की चाय की किताब का राष्ट्रीय परंपरा में रुचि के गठन पर बहुत प्रभाव पड़ा - पारंपरिक कलाओं पर कार्यक्रम कार्यों में से एक, जिसमें स्थायी नैतिक और चाय समारोह के सौंदर्य मूल्य की पुष्टि चा-बट यू द्वारा की गई थी। अंग्रेजी में प्रकाशित यह पुस्तक पश्चिमी पाठक के लिए एक रहस्योद्घाटन बन गई है। बर्नार्ड लीच की द पॉटर बुक के साथ, द बुक ऑफ टी का न केवल पश्चिमी सेरामिस्टों पर, बल्कि बीसवीं सदी के मध्य के कलाकारों, लेखकों और विचारकों की एक विस्तृत श्रृंखला पर भी बड़ा प्रभाव पड़ा।

कॉर्नवाल में, बर्नार्ड लीच और हमादा शो:जी न केवल रचनात्मक, बल्कि शैक्षणिक गतिविधियों में भी लगे हुए थे। लीच के पहले अमेरिकी छात्रों में से एक वॉरेन मैकेंज़ी (जन्म 1924) थे, जिन्होंने 1949 से 1951 तक सेंट इवेस कार्यशाला में अध्ययन किया।

1940 के दशक के अंत और 1950 के दशक की शुरुआत में जापानी मिट्टी के बर्तनों की परंपरा में अमेरिकी कलाकारों की रुचि बढ़ी। महामंदी की लंबी आर्थिक मंदी और द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान अर्थव्यवस्था के सैन्यीकरण के बाद, संयुक्त राज्य अमेरिका में स्थिरता का समय आया, जो कला और शिल्प के विकास को प्रभावित नहीं कर सका। 20वीं सदी के मध्य में, अमेरिकी सेरेमिस्टों की रुचि मुख्य रूप से सेरेमिक की तकनीक में सुधार और ग्लेज़ के निर्माण पर केंद्रित थी। युद्ध के बाद के दशक में, व्यावहारिक कलाओं का सौंदर्यशास्त्र - न केवल चीनी मिट्टी में, बल्कि फर्नीचर डिजाइन, कलात्मक वस्त्र आदि में भी - मौलिक रूप से बदल गया। सैन्य उद्योग द्वारा बनाई गई नई सामग्रियों के प्रसार से डिजाइन संभावनाओं का विस्तार हुआ है।

प्रसिद्ध शोजी हमदा द्वारा व्याख्यान

1950 की शुरुआत में, क्राफ्ट होराइजन्स ने कला और शिल्प के उस्तादों के काम पर प्रकाशन प्रदर्शित करना शुरू किया; 1953 में, अमेरिकी शिल्पकार शैक्षिक परिषद ने ब्रुकलिन संग्रहालय के साथ मिलकर "शिल्पकारों-डिजाइनरों" की एक प्रदर्शनी आयोजित की; 1956 में, उसी एसोसिएशन द्वारा न्यूयॉर्क में आधुनिक शिल्प संग्रहालय खोला गया था। शिल्प और कला और शिल्प का अध्ययन करने वाले शैक्षणिक संस्थानों की संख्या में वृद्धि हुई, और धीरे-धीरे संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकारों, विभिन्न प्रकार की कला और शिल्प के उस्तादों के काम के लिए एक उपयोगी वातावरण बनाया गया।

युद्धोपरांत तेजी से बदलती दुनिया ने एक नई कलात्मक भाषा की मांग की। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद दुनिया का काफी विस्तार हुआ और पूर्व के देशों में रुचि भी बढ़ी। जापान में अमेरिकी सैन्य अड्डों की उपस्थिति के दुष्परिणाम के रूप में, दूर की संस्कृति के बारे में अमेरिकी धारणाओं का विस्तार हुआ और जापान में निरंतर रुचि पैदा हुई। जापानी सौंदर्यशास्त्र ने धीरे-धीरे अमेरिकी कलाकारों के दिलो-दिमाग पर विजय प्राप्त कर ली: "जैविक" कला के विचार, प्राकृतिक रूपों से निकटता - यह सब तकनीकी संस्कृति और युद्धकालीन डिजाइन की प्रतिक्रिया थी।

जापान की आध्यात्मिक संस्कृति में भी रुचि पैदा हुई, जो ज़ेन बौद्ध धर्म पर केंद्रित थी। इस बौद्ध स्कूल का ज्ञान सुज़ुकी डाइसेत्सु टीटारो (鈴木 大拙 貞 太郎, 1870-1966) और धार्मिक विद्वान और दार्शनिक एलन विल्सन वॉट्स (एलन वॉट्स, 1915-1973) के प्रकाशनों और सक्रिय शैक्षिक गतिविधियों के कारण पश्चिम में फैल गया। ज़ेन बौद्ध धर्म के लोकप्रिय के रूप में वाट्स की गतिविधियों के अलावा, ड्र्यूड हाइट्स (कैलिफ़ोर्निया, यूएसए) के कम्यून के प्रभाव में पैदा हुए लागू कला के सौंदर्यशास्त्र के बारे में उनके विचारों पर ध्यान देना उचित है। एलन वॉट्स सहित लेखक एल्सा गिडलो (1898-1986) द्वारा स्थापित इस कम्यून के निवासियों ने प्राकृतिक और कार्यात्मक सौंदर्यशास्त्र के विचारों द्वारा निर्देशित होकर, सभी आवश्यक घरेलू सामान स्वयं बनाए। वाट्स ने अमेरिकी शौकिया कलाकारों के "अनुप्रयुक्त सौंदर्यशास्त्र" के सरल रूपों और उन चीजों के सौंदर्यशास्त्र के बीच सीधा संबंध देखा जो जापानी वाबी सौंदर्यशास्त्र की भावना में उन कलाओं के लिए बनाई गई थीं जो ज़ेन परंपरा (चाय समारोह, फूल) के अनुरूप विकसित हुईं इकेबाना की व्यवस्था, आदि)। साथ ही, ज़ेन बौद्ध धर्म की नैतिकता और इसके सौंदर्यशास्त्र दोनों को वाट्स और उनके अनुयायियों ने "आंतरिक आप्रवासन" के एक तरीके के रूप में माना, एक रूढ़िवादी राज्य में अपनी आवाज ढूंढना और अमेरिका में जीवन के सभी रूपों को एकजुट करना। संयुक्त राज्य अमेरिका की कला और शिल्प में "फ्री-फॉर्म" सिरेमिक प्रमुखता से आए हैं।

1950 के दशक में अमेरिकी सेरामिस्टों पर बर्नार्ड लीच का बहुत बड़ा प्रभाव था, जिनकी कृति द पॉटर बुक 1947 में संयुक्त राज्य अमेरिका में प्रकाशित हुई थी। हालाँकि, डार्टिंगटन हॉल (डेवोनशायर) में आयोजित एक सम्मेलन के बाद, 1952 में व्याख्यान और मास्टर कक्षाओं की एक श्रृंखला के साथ संयुक्त राज्य अमेरिका में अंग्रेजी मास्टर यानागी सो: इत्सु और हमादा से: जी के आगमन का कलाकारों पर सबसे अधिक प्रभाव पड़ा। यह एंग्लो-जापानी सम्मेलन चीनी मिट्टी की चीज़ें और कलात्मक बुनाई की कला को समर्पित था, इसका मुख्य कार्य इस कलात्मक क्षेत्र में अंतर्राष्ट्रीय सहयोग की व्यापक संभावनाओं को प्रदर्शित करना था।

हमादा शोजी की मास्टर कक्षाओं के लिए धन्यवाद (मास्टर ने शायद ही कभी सार्वजनिक व्याख्यान दिए, लेकिन हर जगह उन्हें अपने काम का प्रदर्शन करने का अवसर मिला - किसी भी कुम्हार के चाक पर और किसी भी मिट्टी के साथ जो उन्हें प्रदान की गई थी), अमेरिकी सिरेमिक विशेष प्लास्टिक से परिचित हुए। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें के गुण. जापानी चीनी मिट्टी को मूर्तिकला के संदर्भ में माना जाने लगा, इस कला की सभी संभावनाओं के साथ एक जटिल रूप बनाने में, आसपास के स्थान के साथ बातचीत में, आंतरिक गतिशीलता को व्यक्त करने के लिए बनावट (और रंग) के महत्व को ध्यान में रखते हुए रूप, आदि

1950 और 1960 के दशक में, किताओजी रोसंजिन (北大路 魯山人, 1883-1959) और कनेशिगे टोयो: (金重 陶陽, 1896-1967) जैसे प्रमुख जापानी मास्टर्स ने भी संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा किया, जिनका अमेरिकी कलाकारों पर भारी प्रभाव पड़ा। ऐसे व्याख्यानों और मास्टर कक्षाओं में सबसे अधिक रुचि रखने वाले प्रतिभागियों में से एक पॉल सोल्डनर (1921-2011) थे, जिन्हें "अमेरिकन राकू" का आविष्कारक माना जाता है, जो समय के साथ, सिरेमिक में एक पैन-वेस्टर्न प्रवृत्ति बन गया। वह अपने समय के सबसे प्रमुख और प्रभावशाली सिरेमिक कलाकारों में से एक, पीटर वोल्कोस (पैनागियोटिस वोल्कोस, 1924-2002) के छात्र थे। शिक्षक और छात्र के बीच उम्र का छोटा सा - केवल तीन साल का अंतर, मास्टर्स को एक साथ प्रयोग करने और सिरेमिक के नए रूपों की तलाश करने की अनुमति देता है।

सोल्डनर ज़ेन दर्शन, चाय समारोह और जापानी कुम्हारों के काम से बहुत प्रभावित थे, लेकिन इन घटनाओं का उनके शुरुआती काम पर ज्यादा प्रभाव नहीं पड़ा - कुम्हार के चाक पर बनाई गई स्मारकीय, जटिल आकार की वस्तुएं। हालाँकि, 1960 में, स्क्रिप्स इंस्टीट्यूट में छात्रों के लिए एक कक्षा की तैयारी करते समय, उन्हें राकू सिरेमिक में रुचि हो गई और उन्होंने इस प्रकार के सिरेमिक की रचनात्मकता और सुधार की स्वतंत्रता की असीमित संभावनाओं की खोज की।

सोल्डनर ने प्राकृतिक के करीब, "जैविक" के पक्ष में जटिल रूपों को त्याग दिया, जिसके कारण कुम्हार के पहिये को भी त्यागना पड़ा - मोल्डिंग के तरीके क्योटो में राकू कार्यशालाओं में अपनाए गए तरीकों से अधिक निकटता से मिलने लगे। फायरिंग के लिए विशेष शोध की आवश्यकता थी: सिरेमिक उत्पाद बनाने के इस चरण में सबसे बड़े (जापानी राकू की तुलना में) परिवर्तन किए गए थे।

जानकारी के मुख्य स्रोत के रूप में, सोल्डर ने बी. लीच द्वारा "पॉटर बुक" में राकू सिरेमिक के विवरण और इसके निर्माण की तकनीक का उपयोग किया। अपने संक्षिप्त विवरण और अपने अनुभव के आधार पर चित्रांकन का उपयोग करते हुए, सोल्डनर ने एक छोटा भट्ठा बनाया। कई घंटों की फायरिंग के बाद, सोल्डर ने लाल-गर्म सिरेमिक पॉट को हटा दिया और इसे पास के जल निकासी खाई से गीली पत्तियों में लपेट दिया, जिससे टुकड़ा ठंडा होने पर एक कम करने वाला वातावरण बन गया। इस प्रक्रिया को सिरेमिक का "धूम्रपान" (धूम्रपान) कहा जाता था और यह ऑक्सीकरण वाले वातावरण में राकू उत्पादों को ठंडा करने की पारंपरिक जापानी विधि से बिल्कुल अलग थी। फिर भी, यह वह विधि थी जिसने तथाकथित "अमेरिकी कैंसर" की नींव रखी और दुनिया के कई देशों में फैल गया।


सोल्जर ने अपने स्वयं के डिजाइन के भट्टे बनाना जारी रखा: 1960 के दशक में, उन्होंने विभिन्न तापमानों पर और विभिन्न रेडॉक्स स्थितियों में उत्पादों को जलाने के लिए ग्यारह भट्टियां बनाईं, जिनमें राकू के लिए भट्टियां और कटौती कक्ष भी शामिल थे। सीलबंद स्टील चैंबर-धूम्रपान कक्ष लगभग 1.2 मीटर व्यास के थे और कम करने वाले वातावरण में एक साथ 6-10 उत्पादों को ठंडा करना संभव बनाते थे। उत्पादों की सतह का आंशिक ऑक्सीकरण करने के लिए (जिसने उन्हें एक उज्ज्वल व्यक्तित्व दिया), ऐसी भट्ठी का ढक्कन कुछ समय के लिए बढ़ सकता है। इस प्रकार, हमारे अपने डिज़ाइन के ओवन के साथ कई प्रयोगों के दौरान, विभिन्न व्यंजनों के ग्लेज़ आदि अलग - अलग रूपसोल्डर उत्पाद पारंपरिक राकू ओवन में उपयोग की जाने वाली मूल जापानी तकनीकों से बहुत दूर हैं।

पारंपरिक नुस्खे का ऐसा निःशुल्क उपचार सोल्डर के आगे बढ़ने की गहरी प्रतिबद्धता से निर्धारित होता था, जो केवल अंतर्ज्ञान और अनुभव द्वारा निर्देशित होता था। उसी समय, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, कलात्मक रचना के परिणाम की सहजता और अप्रत्याशितता के प्रति अपनी विशेष प्रतिबद्धता के साथ, कलाकारों के विचारों के अनुसार - सोल्डनर के समकालीन, ज़ेन स्वाभाविकता और सहजता के सिद्धांतों के तुलनीय था। इस प्रकार, बीसवीं सदी के मध्य में जापानी मध्ययुगीन परंपरा एकदम आधुनिक लग रही थी।

चव्हाण कटोरे, जो 1960 के दशक में सोल्डनर द्वारा ओटिस छात्रों के एक समूह के साथ बनाए गए थे, अपने मूल और साथ ही, जापानी सिरेमिक परंपरा की सावधानीपूर्वक व्याख्या से प्रतिष्ठित हैं। प्रपत्र जापानी के करीब हैं; कटोरे के किनारों की असमान सतह मुफ़्त से ढकी हुई है
रंगीन (काले, लाल, पीले या भूरे) ग्लेज़ की धारियाँ, जिनके साथ बड़े रंगे हुए क्रेक्वेलर्स स्थित होते हैं। मास्टर ने अपने लंबे रचनात्मक करियर के दौरान जापानी सिरेमिक के इन शास्त्रीय रूपों की ओर रुख किया, जिससे राकू की मुक्त शैली में नई और नई मूल विशेषताएं आईं। 1980 के दशक में, अधिक जटिल रूपों की कोशिश करते हुए, जो पहले से ही मूर्तिकला और एक कला वस्तु के करीब थे, सोल्डनर ने सजावट को भी जटिल बना दिया: मास्टर ने विभिन्न मोटाई की परतों में शीशा लगाया, एक बिना शीशे वाले टुकड़े से रंगीन शीशे के मोटे, बहने वाले क्षेत्रों में जटिल संक्रमण पैदा किया।

2012 की प्रदर्शनी में, मिसौला कला संग्रहालय ने पॉल सोल्डनर द्वारा निर्मित एक बड़ा, लगभग गोलाकार जहाज दिखाया, जो भूरे रंग के शीशे से ढका हुआ था और "राकू" की परंपरा में जलाया गया था। गहरे भूरे रंग के सिरेमिक द्रव्यमान से बने समान आकार के बर्तनों को शीशे की एक पतली परत से ढका गया था और शीर्ष पर एंगोब और रंगीन ग्लेज़ के साथ सजाया गया था - अभिव्यक्तिवादी, प्रतिच्छेदन स्ट्रोक और रेखाओं के अमूर्त पैटर्न, विभिन्न पैटर्न के साथ लकड़ी के टेम्पलेट्स की छाप - के रूप में कंघी की धारियां, छोटे-छोटे गड्ढे आदि।

1960 के दशक तक, अमेरिकी सेरेमिस्टों के बीच, "राकू" क्या है, इसके बारे में पहले से ही कई विचार थे: वे या तो धुएँ वाले कक्षों ("स्मोक्ड") में जलाई गई वस्तुएँ थीं, या सुलगते ईंधन या पानी के साथ कक्षों में पकाई और ठंडी की गईं थीं। इस तरह की विविधता 21वीं सदी की शुरुआत में स्टीफन ब्रैन्फ़मैन द्वारा "राकू" तकनीक के विवरण में दर्ज की गई थी: उन्होंने "राकू" सिरेमिक को पहले से गरम भट्ठी में पकाया जाता है, जिसे भट्ठी से फायरिंग कक्ष में अधिकतम तापमान पर निकाला जाता है। और धीरे-धीरे पानी में, दहनशील सामग्री वाले कंटेनर में या बस बाहर ठंडा किया जाता है।

पॉल सोल्डर ने प्रौद्योगिकी के माध्यम से राकू मिट्टी के बर्तनों को विशिष्ट रूप से परिभाषित करने से परहेज किया। वह इस विचार से आगे बढ़े कि राकू सिरेमिक के मुख्य गुण - आंतरिक स्वतंत्रता और सुविधा - प्रौद्योगिकी के बाहर, जीवन की कलात्मक समझ के क्षेत्र में हैं। 1990 के दशक के अंत में जापान की यात्रा के दौरान मास्टर को अपनी तकनीक और राकू परिवार की मूल परंपरा के बीच अंतर देखने का अवसर मिला। हालाँकि, उस समय तक, 1960 के दशक में उनके द्वारा प्रस्तावित फायरिंग उत्पादों की तकनीक, संयुक्त राज्य अमेरिका से बहुत दूर "राकू" के रूप में जानी जाने लगी थी - सोल्डनर और उनके छात्रों और अनुयायियों दोनों की प्रदर्शनियों, प्रकाशनों और शिक्षण गतिविधियों के लिए धन्यवाद। आज, संयुक्त राज्य अमेरिका में बड़ी संख्या में सेरामिस्ट हैं जो अमेरिकी राकू फायरिंग की परंपरा को जारी रखते हैं, लेकिन इस तकनीक के विभिन्न संस्करण अन्य पश्चिमी देशों में मौजूद हैं।

ब्रिटिश सेरेमिस्ट डेविड रॉबर्ट्स (डेविड रॉबर्ट्स, जन्म 1947) सबसे प्रभावशाली समकालीन राकू कलाकारों में से एक हैं। उनके काम ने न केवल इस जापानी मिट्टी के बर्तनों की एक नई अंग्रेजी पुनर्व्याख्या का गठन किया, बल्कि संयुक्त राज्य अमेरिका में कैंसर में रुचि का पुनरुत्थान भी किया, जहां उन्होंने नेकेड राकू आंदोलन बनाया, जिसने इस मिट्टी के बर्तनों को और भी आधुनिक बना दिया।

इस मिट्टी के बर्तनों के स्मारकीय रूप हाथ से ढालकर (बंडल बनाकर) बनाए जाते हैं, फिर सतह को समतल किया जाता है और बिस्किट फायरिंग (लगभग 1000-1100 डिग्री सेल्सियस) के बाद इसे कभी-कभी एन्गोब की पतली परत से ढक दिया जाता है, और फिर शीशे से ढक दिया जाता है। . 850-900 डिग्री सेल्सियस के तापमान पर दूसरी "राकू" फायरिंग एक कम करने वाले वातावरण में उत्पाद के लंबे "धूम्रपान" के साथ समाप्त होती है - कागज और थोड़ी मात्रा में चूरा के साथ एक कंटेनर में। कुछ ही मिनटों में, एन्गोबे और मिट्टी के रंग और यौगिक बहाल हो जाते हैं। तैयार उत्पाद को धोया जाता है, और धोने की प्रक्रिया में, शीशे का आवरण सतह से छील दिया जाता है, जिससे काली सतह के एक सनकी पैटर्न के साथ एक सफेद एन्गोब उजागर होता है (यही कारण है कि इस तकनीक को "नग्न राकू" कहा जाता था)। कुछ मामलों में, सतह को गहरी चमक देने के लिए तैयार उत्पाद को प्राकृतिक मोम से रगड़ा जाता है।

लैकोनिक काले और सफेद रंग में तय की गई, रॉबर्ट्स की नवीनतम कृतियाँ पत्थर से उकेरी गई लगती हैं: जटिल शिराओं या हेमेटाइट के साथ सफेद संगमरमर। सभी सतहें - मैट या पॉलिश - चमकदार प्रतिबिंबों के बिना, धीरे से फैलने वाली रोशनी के बिना गहरी चमक रखती हैं। यह याद किया जा सकता है कि यह पत्थर की क्षमता थी - अर्थात् जेड - जिसने इसे चीनियों की नज़र में एक महान सामग्री बना दिया और चीन के चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी की चीज़ें (12 वीं शताब्दी से शुरू) में जेड की कई नकलें बनाईं और जापान (आठवीं शताब्दी से)।

रॉबर्ट्स की मिट्टी के बर्तन जापानी राकू कार्यशाला के कार्यों से उतने ही दूर हैं जितने कि पॉल सोल्डनर के प्रयोगों से। बदले में, उनके "राकू" ने दुनिया के कई देशों में नए, "नग्न" राकू के उज्ज्वल स्वामी की एक आकाशगंगा की उपस्थिति का कारण बना। पश्चिमी मास्टर्स में चार्ली और लिंडा रिग्स (चार्ली, लिंडा रिग्स, अटलांटा, यूएसए) और पाओलो रीस (दक्षिण अफ्रीका) शामिल हैं।

विभिन्न कार्यशालाओं में, कलाकार मिट्टी, एंगोब और ग्लेज़ की विभिन्न रचनाओं, धूम्रपान कक्षों में बहाली प्रक्रिया के लिए विभिन्न दहनशील सामग्रियों के साथ-साथ पारंपरिक फूलदान से लेकर तत्वों तक सिरेमिक उत्पादों के नए रूपों के साथ प्रयोग करते हैं।
आंतरिक सज्जा और कला वस्तुएँ। रूस और पड़ोसी देशों में कई सेरामिस्ट "अमेरिकन राकू" तकनीक में काम करते हैं और ग्लेज़ रंगों से समृद्ध, मोटे कार्बनिक रूपों के साथ पारंपरिक जापानी उत्पादों की शैली का पालन करते हैं।

20वीं - 21वीं सदी की शुरुआत के पश्चिमी मिट्टी के बर्तन बनाने वालों के काम में "राकू मिट्टी के बर्तन" की घटना के अध्ययन को सारांशित करते हुए, यह कहा जाना चाहिए कि "राकू मिट्टी के बर्तन" शब्द को सजावटी और व्यावहारिक साहित्य में असाधारण रूप से व्यापक व्याख्या मिली है। कला और चीनी मिट्टी की चीज़ें, साथ ही चीनी मिट्टी की चीज़ें बनाने वालों के अभ्यास में भी। सामग्री के अनुसार, "कैंसर" की निम्नलिखित परिभाषाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:

राकू परिवार (क्योटो) के कारीगरों द्वारा पारंपरिक जापानी तकनीक और सौंदर्यशास्त्र में निर्मित सिरेमिक;
जापान में अन्य कार्यशालाओं में पारंपरिक जापानी तकनीक से निर्मित चीनी मिट्टी की चीज़ें;
अंततः, पश्चिमी उस्तादों की चीनी मिट्टी की चीज़ें जो प्रौद्योगिकी और सौंदर्यशास्त्र दोनों के संदर्भ में जापानी परंपरा की व्याख्या करती हैं।

तीसरे समूह में संक्षेपित सिरेमिक के प्रकारों की महान तकनीकी और शैलीगत विविधता के बावजूद, वे एक महत्वपूर्ण कलात्मक सिद्धांत से एकजुट हैं: प्रकृति का अनुसरण करना, एक कलात्मक छवि बनाने में इसके साथ सहयोग करना (जो "जैविक दिशा" और सिद्धांतों से मेल खाता है) बीसवीं सदी की वास्तुकला और डिजाइन में चयापचय का)।

मुख्य रूप से ज़ेन दर्शन और वाबी सौंदर्यशास्त्र के साथ पश्चिमी चेतना में जुड़ा यह सिद्धांत, सभी आधुनिक सेरेमिस्टों को खुद को जापानी आध्यात्मिक और मिट्टी के बर्तनों की परंपरा का उत्तराधिकारी और व्याख्याकार मानने की अनुमति देता है, भले ही उनका काम "मूल स्रोतों" से कितना भी दूर क्यों न हो। रचनात्मकता की स्वतंत्रता और सहजता, सामग्री के साथ गुरु का सहयोग, अंतिम परिणाम की अप्रत्याशितता और सौंदर्य संबंधी मौलिकता राकू सिरेमिक को सभी कलाकारों के लिए आकर्षक बनाती है।

राकू परिवार की जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें, जिसने 16वीं सदी की प्रौद्योगिकी और सौंदर्यशास्त्र की नींव को बरकरार रखा, इस प्रकार 20वीं सदी की कला और शिल्प के सबसे प्रभावशाली प्रकारों में से एक साबित हुई।

लेख की सामग्री

जापानी कला.प्राचीन काल से, जापानी कला की विशेषता सक्रिय रचनात्मकता रही है। चीन पर निर्भरता के बावजूद, जहां नए कलात्मक और सौंदर्यवादी रुझान लगातार उभर रहे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताएं पेश कीं और अपने शिक्षकों की कला को बदलकर इसे जापानी रूप दिया।

जापान का इतिहास 5वीं शताब्दी के अंत में ही निश्चित रूप लेना शुरू करता है। पिछली शताब्दियों (पुरातन काल) की अपेक्षाकृत कम वस्तुएँ पाई गई हैं, हालाँकि कुछ वस्तुएँ खुदाई के दौरान या खुदाई के दौरान मिली हैं। निर्माण कार्य, एक उल्लेखनीय कलात्मक प्रतिभा की बात करें।

पुरातन काल.

जापानी कला की सबसे पुरानी कृतियाँ जोमोन प्रकार (कॉर्ड इंप्रेशन) के मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सजावट से आता है जिसमें छड़ियों के चारों ओर लपेटी गई रस्सी की सर्पिल छाप होती है जिसका उपयोग मास्टर ने बर्तन बनाने के लिए किया था। शायद, सबसे पहले, स्वामी ने गलती से विकरवर्क के प्रिंट की खोज की, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर उनका उपयोग करना शुरू कर दिया। कभी-कभी रस्सी जैसे मिट्टी के कर्ल सतह पर चिपक जाते थे, जिससे अधिक जटिल सजावटी प्रभाव पैदा होता था, लगभग एक राहत। पहली जापानी मूर्तिकला की उत्पत्ति जोमोन संस्कृति में हुई थी। किसी व्यक्ति या जानवर की डोगू (शाब्दिक रूप से "मिट्टी की छवि") का संभवतः किसी प्रकार का धार्मिक महत्व था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों की मिट्टी की देवी के समान हैं।

रेडियोकार्बन विश्लेषण से पता चलता है कि जोमन संस्कृति से मिली कुछ खोजें 6000-5000 ईसा पूर्व की हो सकती हैं, लेकिन ऐसी प्रारंभिक तिथि आम तौर पर स्वीकार नहीं की जाती है। बेशक, ऐसे व्यंजन लंबे समय से बनाए जाते रहे हैं, और हालांकि सटीक तारीखें अभी तक स्थापित नहीं की जा सकी हैं, तीन अवधियों को प्रतिष्ठित किया गया है। सबसे पुराने नमूनों का आधार नुकीला है और कुम्हार के औज़ार के निशानों को छोड़कर ये लगभग अलंकृत हैं। मध्य काल के बर्तन अधिक समृद्ध रूप से अलंकृत हैं, कभी-कभी ढले हुए तत्वों से जो आयतन का आभास कराते हैं। तीसरी अवधि के जहाजों के रूप बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट फिर से चपटी हो जाती है और अधिक संयमित हो जाती है।

लगभग दूसरी शताब्दी में. ईसा पूर्व. जोमोन सिरेमिक्स ने यायोई सिरेमिक्स को रास्ता दिया, जो रूप की सुंदरता, डिजाइन की सादगी और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की विशेषता थी। बर्तन का टुकड़ा पतला हो गया, आभूषण कम सनकी हो गया। यह प्रकार तीसरी सदी तक प्रचलित रहा। विज्ञापन

कलात्मक दृष्टिकोण से, शायद प्रारंभिक काल की सबसे अच्छी कृतियाँ खनीवा हैं, जो तीसरी से पाँचवीं शताब्दी की मिट्टी के सिलेंडर हैं। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियाँ, या कब्रगाह, सम्राटों और शक्तिशाली कुलीनों की कब्रगाहें हैं। अक्सर आकार में बहुत बड़े, वे शाही परिवार और दरबारियों की शक्ति और धन के प्रमाण हैं। सम्राट निंटोकू-टेनो (लगभग 395-427 ई.) के लिए ऐसी संरचना के निर्माण में 40 साल लगे। इन बैरो की सबसे उल्लेखनीय विशेषता उनके चारों ओर बाड़, खनिवा की तरह मिट्टी के सिलेंडर थे। आमतौर पर ये सिलेंडर काफी सरल होते थे, लेकिन कभी-कभी इन्हें मानव आकृतियों से सजाया जाता था, कम अक्सर घोड़ों, घरों या मुर्गों की आकृतियों से। उनका उद्देश्य दोहरा था: पृथ्वी के विशाल द्रव्यमान के क्षरण को रोकना और मृतक को वह सब कुछ प्रदान करना जो वह सांसारिक जीवन में उपयोग करता था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडर तुरंत बड़ी मात्रा में बनाए गए थे। उन्हें सजाने वाली आकृतियों की थीम, चेहरे के भाव और हावभाव की विविधता काफी हद तक मास्टर के सुधार का परिणाम है। हालाँकि ये चित्रकारों और मूर्तिकारों के बजाय कारीगरों की कृतियाँ हैं, फिर भी एक उचित जापानी कला के रूप में इनका बहुत महत्व है। इमारतें, कंबल में लिपटे घोड़े, प्रधान महिलाएं और योद्धा प्रारंभिक सामंती जापान के सैन्य जीवन की एक दिलचस्प तस्वीर पेश करते हैं। यह संभव है कि इन सिलेंडरों के प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दिए, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे दफन में रखा गया था, लेकिन हनीवा का निष्पादन और उपयोग स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन काल को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से रहित समय के रूप में देखा जाता है, यह उन चीज़ों के प्रभुत्व का समय था जिनका मुख्य रूप से पुरातात्विक और नृवंशविज्ञान मूल्य है। हालाँकि, यह याद रखना चाहिए कि इस प्रारंभिक संस्कृति के कार्यों में समग्र रूप से महान जीवन शक्ति थी, क्योंकि उनके रूप जीवित रहे और बाद के समय में जापानी कला की विशिष्ट राष्ट्रीय विशेषताओं के रूप में अस्तित्व में रहे।

असुका काल

(552-710 ई.) छठी शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म का परिचय। जापानियों के जीवन के तरीके और सोच में महत्वपूर्ण परिवर्तन किए और इस और उसके बाद के काल की कला के विकास के लिए प्रेरणा बने। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन पारंपरिक रूप से 552 ईस्वी पूर्व का माना जाता है, लेकिन यह संभवतः पहले से ज्ञात था। प्रारंभिक वर्षों में, बौद्ध धर्म को राजनीतिक विरोध, राष्ट्रीय धर्म शिंटो के विरोध का सामना करना पड़ा, लेकिन केवल कुछ दशकों के बाद, नए विश्वास को आधिकारिक मंजूरी मिल गई और अंततः स्थापित हो गया। जापान में अपने प्रवेश के प्रारंभिक वर्षों में, बौद्ध धर्म एक अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें कम संख्या में देवताओं की छवियों की आवश्यकता थी, लेकिन लगभग सौ वर्षों के बाद इसने ताकत हासिल की और पैन्थियन में भारी वृद्धि हुई।

इस अवधि के दौरान, मंदिरों की स्थापना की गई, जो न केवल आस्था को बढ़ावा देने के उद्देश्यों को पूरा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा के केंद्र भी थे। होरीयू-जी का मठ-मंदिर प्रारंभिक बौद्ध कला के अध्ययन के लिए सबसे महत्वपूर्ण में से एक है। अन्य खजानों में, महान त्रय सायका-नेराई (623 ईस्वी) की एक मूर्ति है। हमें ज्ञात पहले महान जापानी मूर्तिकार टोरी बुशी की यह कृति चीन के महान गुफा मंदिरों में समान समूहों के समान एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है। बैठे हुए शाकी (ऐतिहासिक बुद्ध शब्द "शाक्यमुनि" का जापानी प्रतिलेखन) और उसके किनारों पर खड़ी दो आकृतियों की मुद्रा में सख्त ललाटता देखी जाती है। मानव आकृति के रूप योजनाबद्ध रूप से प्रस्तुत किए गए कपड़ों की भारी सममित सिलवटों से छिपे हुए हैं, और चिकनी लम्बी चेहरों में एक स्वप्निल आत्म-अवशोषण और चिंतन महसूस किया जा सकता है। इस प्रथम बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास साल पहले की मुख्य भूमि की शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह ईमानदारी से उस चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान में आई थी।

इस समय की कुछ सबसे महत्वपूर्ण मूर्तियाँ कांस्य से बनी थीं, लेकिन लकड़ी का भी उपयोग किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियाँ देवी कन्नन की मूर्तियाँ हैं: युमेदोनो कन्नन और कुदारा कन्नन, दोनों होरीयूजी में हैं। वे अपनी पुरातन मुस्कुराहट और स्वप्निल अभिव्यक्तियों के साथ, शाकी त्रय की तुलना में पूजा की अधिक आकर्षक वस्तु हैं। यद्यपि कन्नन आकृतियों में वस्त्रों की तहों की व्यवस्था भी योजनाबद्ध और सममित है, वे हल्के और गतिशीलता से भरपूर हैं। उच्च पतली आकृतियाँचेहरों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता पर जोर दें, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन पीड़ा की दलीलों के प्रति संवेदनशील। मूर्तिकार ने कपड़ों की सिलवटों से छिपी कुदारा कन्नन की आकृति की रूपरेखा पर कुछ ध्यान दिया, और युमेडोनो के दांतेदार सिल्हूट के विपरीत, आकृति और कपड़े दोनों की गति को गहराई से निर्देशित किया गया है। कुदर की प्रोफ़ाइल में, कन्नन के पास एक सुंदर एस-आकार है।

पेंटिंग का एकमात्र जीवित उदाहरण जो 7वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का अंदाज़ा देता है, वह है तमामुशी ज़ुशी, जो "पंखों वाला मंदिर" है। इस लघु अभयारण्य का नाम एक छिद्रित धातु के फ्रेम में स्थापित इंद्रधनुषी बीटल पंखों के नाम पर रखा गया है; बाद में इसे रंगीन वार्निश से बनी धार्मिक रचनाओं और व्यक्तिगत पात्रों की आकृतियों से सजाया गया। इस काल की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां डिजाइन की महान स्वतंत्रता दिखाती हैं।

नारा काल

(710-784)। 710 में राजधानी को नारा में स्थानांतरित कर दिया गया, जो चीनी राजधानी चांगान के अनुरूप एक नया शहर था। वहाँ चौड़ी सड़कें, बड़े महल, असंख्य बौद्ध मंदिर थे। न केवल बौद्ध धर्म को उसके सभी पहलुओं में, बल्कि संपूर्ण चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवन को एक आदर्श के रूप में देखा गया। संभवतः, किसी अन्य देश ने अपनी संस्कृति की कमी को इस हद तक महसूस नहीं किया है और बाहरी प्रभावों के प्रति इतना संवेदनशील नहीं रहा है। विद्वान और तीर्थयात्री जापान और मुख्य भूमि के बीच स्वतंत्र रूप से आते-जाते थे, और प्रशासन और महल का जीवन तांग राजवंश के दौरान चीन के अनुरूप बनाया गया था। हालाँकि, यह याद रखना चाहिए कि, विशेष रूप से कला में, तांग चीन के मॉडल की नकल करने, इसके प्रभाव और शैली को समझने के बावजूद, जापानियों ने लगभग हमेशा विदेशी रूपों को अपने लिए अपनाया।

मूर्तिकला में, पिछले असुका काल की सख्त अग्रता और समरूपता ने मुक्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों के विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के स्वामित्व की स्वतंत्रता ने कलाकारों को करीब और अधिक सुलभ प्रतिष्ठित छवियां बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदायों की स्थापना ने बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी इसमें शामिल करने के लिए पंथ का विस्तार किया। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और लाख से बनी बड़ी संख्या में कलाकृतियाँ ज्ञात हैं। यह पत्थर दुर्लभ था और मूर्तिकला के लिए इसका उपयोग लगभग कभी नहीं किया गया था। सूखा लाह विशेष रूप से लोकप्रिय था, शायद इसलिए, रचना तैयार करने की प्रक्रिया की जटिलता के बावजूद, इससे बने काम लकड़ी की तुलना में अधिक शानदार दिखते थे और मिट्टी के उत्पादों की तुलना में अधिक मजबूत होते थे जिन्हें बनाना आसान होता था। लाह की आकृतियाँ लकड़ी या मिट्टी के आधार पर बनाई जाती थीं, जिन्हें बाद में हटा दिया जाता था, या लकड़ी या तार की फिटिंग पर; वे हल्के और मजबूत थे. हालाँकि इस तकनीक ने मुद्राओं में कुछ कठोरता निर्धारित की, लेकिन चेहरों के चित्रण में बहुत अधिक स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से पोर्ट्रेट मूर्तिकला कहे जाने वाले विकास में योगदान दिया। देवता के चेहरे की छवि बौद्ध सिद्धांतों के सख्त निर्देशों के अनुसार बनाई गई थी, लेकिन लोकप्रियता और यहां तक ​​कि विश्वास के कुछ संस्थापकों और प्रचारकों की देवताकरण ने चित्र समानता व्यक्त करने के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान किए। इस तरह की समानता जापान में प्रतिष्ठित तोशोदाईजी मंदिर में स्थित चीनी कुलपिता जेनजिन की सूखी लाख की मूर्ति में देखी जा सकती है। 753 में जब जेनजिन जापान पहुंचे तो वे अंधे थे, और उनकी दृष्टिहीन आंखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध स्थिति को एक अज्ञात मूर्तिकार द्वारा खूबसूरती से प्रस्तुत किया गया है। यह यथार्थवादी प्रवृत्ति 13वीं-14वीं शताब्दी में मूर्तिकार कोशो द्वारा बनाई गई उपदेशक कुई की लकड़ी की मूर्ति में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। उपदेशक एक छड़ी, एक घंटा और एक हथौड़े के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में तैयार है, और उसके आधे खुले मुंह से बुद्ध की छोटी आकृतियाँ निकलती हैं। गायन भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं होने पर, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।

नारा काल की बुद्ध की छवियां भी महान यथार्थवाद से प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की बढ़ती संख्या के लिए बनाए गए, वे अपने पूर्ववर्तियों की तरह उतने शांत और आरक्षित नहीं हैं, उनमें अधिक सुंदर सुंदरता और बड़प्पन है, और जो लोग उनकी पूजा करते हैं, वे अधिक कृपालु होते हैं।

इस काल की बहुत कम पेंटिंग्स बची हैं। कागज पर बहुरंगा चित्र बुद्ध के अतीत और वर्तमान जीवन को दर्शाता है। यह इमाकिमोनो या स्क्रॉल पेंटिंग के कुछ प्राचीन उदाहरणों में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाएं से बाएं ओर खुलते थे, और दर्शक चित्र के केवल उस हिस्से का आनंद ले सकते थे जो स्क्रॉल को खोलने वाले हाथों के बीच था। चित्र सीधे पाठ के ऊपर थे, बाद के स्क्रॉल के विपरीत, जहां पाठ का एक खंड एक व्याख्यात्मक छवि के साथ वैकल्पिक होता था। स्क्रॉल पेंटिंग के इन सबसे पुराने जीवित उदाहरणों में, रेखांकित आंकड़े बमुश्किल रेखांकित परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ सेट किए गए हैं, और केंद्रीय चरित्र, इस मामले में सयाका, विभिन्न एपिसोड में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हेन

(784-897)। 784 में राजधानी को अस्थायी रूप से नागाओका में स्थानांतरित कर दिया गया था, आंशिक रूप से नारा के बौद्ध पादरी के प्रभुत्व से बचने के लिए। 794 में वह लंबी अवधि के लिए हेयान (अब क्योटो) चली गईं। 8वीं और 9वीं शताब्दी के अंत में वह ऐसा समय था जब जापान ने अपनी विशेषताओं के अनुरूप कई विदेशी नवाचारों को सफलतापूर्वक आत्मसात किया। बौद्ध धर्म ने भी परिवर्तन के दौर का अनुभव किया, अपने विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ गूढ़ बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय हुआ। इनमें से, सबसे प्रभावशाली तेंदई और शिंगोन संप्रदाय थे, जो भारत में उत्पन्न हुए, चीन पहुंचे, और वहां से दो विद्वानों द्वारा जापान लाए गए जो लंबी प्रशिक्षुता के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। शिंगोन ("सच्चे शब्द") संप्रदाय को अदालत में विशेष रूप से पसंद किया गया और उसने जल्द ही एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया। इसके मुख्य मठ क्योटो के पास माउंट कोया पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे कला स्मारकों के विशाल संग्रह का भंडार बन गए।

मूर्तिकला 9वीं सदी. अधिकतर लकड़ी थी। देवताओं की छवियां गंभीरता और दुर्गम भव्यता से प्रतिष्ठित थीं, जो उनकी उपस्थिति और विशालता की गंभीरता पर जोर देती थी। ड्रेपरियों को मानक पैटर्न के अनुसार कुशलता से काटा गया था, स्कार्फ लहरों में बिछाए गए थे। मुरोजी के मंदिर में खड़ी शाकी की आकृति इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9वीं शताब्दी की ऐसी ही छवियां। गहरी, स्पष्ट सिलवटों और अन्य विवरणों के साथ कठोर नक्काशी की विशेषता।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी कठिनाइयाँ पैदा कर दीं। जटिल, मानचित्र-जैसे मंडलों में (ज्यामितीय पैटर्न के साथ)। जादुई अर्थ) देवता, पदानुक्रम के अनुसार, केंद्र में रखे गए बुद्ध के आसपास स्थित थे, जो स्वयं पूर्ण की अभिव्यक्तियों में से एक थे। इस समय, आग की लपटों से घिरे संरक्षक देवताओं की आकृतियों को चित्रित करने का एक नया तरीका सामने आया, जो दिखने में भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी था। इन देवताओं को विषम रूप से व्यवस्थित किया गया था और भयानक चेहरे की विशेषताओं के साथ चलती मुद्रा में चित्रित किया गया था, जो संभावित खतरों से आस्था की रक्षा कर रहे थे।

मध्य और स्वर्गीय हेन, या फुजिवारा काल

(898-1185)। राजधानी को हेइयन में स्थानांतरित करने का उद्देश्य, पादरी वर्ग की कठिन मांगों से बचना था, जिससे राजनीतिक व्यवस्था में भी बदलाव आया। कुलीन वर्ग प्रमुख शक्ति था, और फुजिवारा परिवार इसका सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि बन गया। अवधि 10वीं-12वीं शताब्दी अक्सर इस नाम के साथ जुड़ा होता है. विशेष शक्ति का दौर शुरू हुआ, जब वास्तविक सम्राटों को कविता और चित्रकला की अधिक सुखद गतिविधियों के लिए राज्य के मामलों को छोड़ने की "दृढ़ता से सलाह" दी गई। वयस्क होने तक, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त शासक द्वारा किया जाता था, जो आमतौर पर फुजिवारा परिवार से होता था। यह साहित्य, सुलेख और कला में विलासिता और उल्लेखनीय उपलब्धियों का युग था; सब कुछ सुस्त और भावनात्मक लग रहा था, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंचा हो, लेकिन कुल मिलाकर आकर्षक था। इस समय की कला में सुरुचिपूर्ण परिष्कार और पलायनवाद परिलक्षित होता था। यहां तक ​​कि बौद्ध धर्म के अनुयायी भी आसान तरीकों की तलाश में थे, और स्वर्गीय बुद्ध, अमिदा की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई। बुद्ध अमिदा की करुणा और मुक्ति अनुग्रह की धारणाएं इस काल की चित्रकला और मूर्तिकला में गहराई से परिलक्षित होती थीं। 9वीं सदी की मूर्तियों की विशालता और संयम। 10वीं-11वीं शताब्दी में. आनंद और आकर्षण का मार्ग प्रशस्त किया। देवताओं को स्वप्निल, विचारपूर्वक शांत के रूप में चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरी हो गई है, सतह अधिक रंगीन हो गई है, जिसमें समृद्ध रूप से विकसित बनावट है। इस काल के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार जोचो के हैं।

कलाकारों के कार्यों ने भी नरम विशेषताएं हासिल कर लीं, जो कपड़े पर चित्र की याद दिलाती हैं, और यहां तक ​​​​कि भयानक देवता - विश्वास के रक्षक - भी कम डरावने हो गए। सूत्र (बौद्ध ग्रंथ) गहरे नीले रंग के कागज पर सोने और चांदी में लिखे गए थे, पाठ की बढ़िया सुलेख अक्सर एक छोटे से चित्रण से पहले होती थी। बौद्ध धर्म की सबसे लोकप्रिय शाखाएँ और उनसे जुड़े देवता अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और प्रारंभिक बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे प्रस्थान को दर्शाते हैं।

इस समय का माहौल और उनके कार्य आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों की समाप्ति से जुड़े हुए हैं। उस समय चीन में बौद्ध धर्म पर अत्याचार किया गया था, और भ्रष्ट तांग दरबार गिरावट की स्थिति में था। इस वियोग के बाद एकांत द्वीप अस्तित्व ने जापानियों को अपनी संस्कृति की ओर मुड़ने और एक नई, शुद्ध जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रेरित किया। दरअसल, 10वीं-12वीं सदी की धर्मनिरपेक्ष चित्रकला। लगभग पूरी तरह से जापानी था - तकनीक और रचना और कथानक दोनों में। विशेष फ़ीचरइन जापानी स्क्रॉलों में, जिन्हें यमातो-ई कहा जाता है, इंजी प्लॉट्स (उत्पत्ति, इतिहास) की प्रधानता थी। जबकि चीनी स्क्रॉलों में अक्सर एक विशालता का चित्रण किया जाता है अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, झरनों, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा, और लोग अपेक्षाकृत महत्वहीन लग रहे थे, ड्राइंग और पाठ में जापानी की कथा स्क्रॉल पर, मुख्य चीज एक व्यक्ति थी। मुख्य पात्र या व्यक्तियों के अधीन, बताई जा रही कहानी के लिए परिदृश्य ने केवल पृष्ठभूमि की भूमिका निभाई। कई स्क्रॉलों में प्रसिद्ध बौद्ध प्रचारकों या ऐतिहासिक शख्सियतों के जीवन, उनकी यात्राओं और सैन्य अभियानों के इतिहास को चित्रित किया गया था। दूसरों ने कुलीनों और दरबारियों के जीवन के रोमांटिक प्रसंगों के बारे में बताया।

प्रारंभिक स्क्रॉलों की स्पष्ट रूप से विशिष्ट शैली बौद्ध नोटबुक के पन्नों पर सरल स्याही रेखाचित्रों से आई थी। ये कुशल चित्र हैं जो जानवरों की छवियों के माध्यम से मानव व्यवहार का व्यंग्य करते हैं: मठवासी कपड़ों में एक बंदर एक फुलाए हुए मेंढक की पूजा कर रहा है, खरगोशों, बंदरों और मेंढकों के बीच प्रतिस्पर्धा। ये और अन्य दिवंगत हेन स्क्रॉल ने 13वीं और 14वीं शताब्दी की विकसित शैली में अधिक जटिल कथा स्क्रॉल के लिए आधार प्रदान किया।

कामकुरा काल

(1185-1392)। 12वीं शताब्दी के अंत में जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन और निश्चित रूप से, इसकी कला में गंभीर परिवर्तन लाए। क्योटो दरबार की सुंदरता और सौंदर्यवाद को बदल दिया गया या, "विशेष" शासन की परंपरा में, एक नए, कठोर और साहसी शासन के रूप में "एक अतिरिक्त प्राप्त" हुआ - कामकुरा शोगुनेट। यद्यपि क्योटो नाममात्र की राजधानी बनी रही, शोगुन मिनामोटो नो योरिटोमो (1147-1199) ने कामाकुरा शहर में अपना मुख्यालय स्थापित किया और केवल 25 वर्षों में सैन्य तानाशाही और सामंतवाद की एक कठोर प्रणाली स्थापित की। बौद्ध धर्म, जो इतना जटिल और अनुष्ठानिक हो गया था कि आम लोगों के लिए समझ से बाहर था, उसमें भी एक बड़ा बदलाव आया जिसने कला के संरक्षण का वादा नहीं किया। योडो ("शुद्ध भूमि") संप्रदाय, बुद्ध अमिदा की पूजा का एक रूप, होनेन शोनिन (1133-1212) के नेतृत्व में, बुद्ध और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार किया और उन सभी को मोक्ष की आशा दी जो केवल अमिदा में विश्वास करते थे . आसानी से प्राप्य स्वर्ग के इस सिद्धांत को बाद में शिन संप्रदाय के संस्थापक, एक अन्य भिक्षु, शिनरान (1173-1262) द्वारा सरल बनाया गया, जिन्होंने माना कि अमिदा का भोग इतना महान था कि धार्मिक कार्य करने की कोई आवश्यकता नहीं थी, केवल मंत्र दोहराना था। "नामु अमिदा बुत्सु" (पहले शब्द का अर्थ है "सबमिट करें"; दूसरे दो शब्द हैं "बुद्ध अमिदा")। किसी आत्मा को बचाने का इतना आसान तरीका बेहद आकर्षक था और अब लाखों लोग इसका इस्तेमाल करते हैं। एक पीढ़ी बाद, उग्रवादी उपदेशक निचिरेन (1222-1282), जिनके नाम पर इस संप्रदाय का नाम रखा गया, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप को त्याग दिया। उनके अनुयायी लोटस सूत्र का सम्मान करते थे, जो तत्काल और बिना शर्त मुक्ति का वादा नहीं करता था। उनके उपदेश अक्सर राजनीतिक विषयों पर छूते थे, और उनकी मान्यताओं और चर्च और राज्य के प्रस्तावित सुधारों ने कामाकुरा में नए योद्धा वर्ग को आकर्षित किया। अंततः, ज़ेन का दर्शन, जो 8वीं शताब्दी की शुरुआत में उभरा, उस काल के बौद्ध विचार में पहले से कहीं अधिक बड़ी भूमिका निभाने लगा। ज़ेन ने ध्यान के महत्व पर जोर दिया और उन छवियों के प्रति तिरस्कार किया जो मनुष्य को ईश्वर से जुड़ने की उसकी खोज में बाधा डाल सकती हैं।

तो, यह वह समय था जब धार्मिक विचार ने पूजा के लिए आवश्यक चित्रों और मूर्तियों की संख्या को सीमित कर दिया था। फिर भी, जापानी कला की कुछ बेहतरीन कृतियाँ कामाकुरा काल के दौरान बनाई गईं। प्रेरणा कला के प्रति अंतर्निहित जापानी प्रेम थी, लेकिन पहेली की कुंजी नए पंथों के प्रति लोगों के दृष्टिकोण में है, न कि हठधर्मिता में। वास्तव में, कृतियाँ स्वयं उनकी रचना का कारण सुझाती हैं, क्योंकि जीवन और ऊर्जा से भरपूर इनमें से कई मूर्तियाँ और पेंटिंग चित्र हैं। हालाँकि ज़ेन दर्शन ने धार्मिक पूजा की सामान्य वस्तुओं को आत्मज्ञान में बाधा माना हो सकता है, लेकिन शिक्षकों का सम्मान करने की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। चित्र स्वयं पूजा की वस्तु नहीं हो सकता। चित्र के प्रति यह रवैया ज़ेन बौद्ध धर्म के लिए अद्वितीय नहीं था: शुद्ध भूमि संप्रदाय के कई मंत्री लगभग बौद्ध देवताओं की तरह पूजनीय थे। चित्र के लिए धन्यवाद, यहां तक ​​कि एक नया वास्तुशिल्प रूप भी सामने आया - मिइडो, या पोर्ट्रेट चैपल। यथार्थवाद का तीव्र विकास पूरी तरह से समय की भावना के अनुरूप था।

यद्यपि पुजारियों के सुरम्य चित्र स्पष्ट रूप से विशिष्ट लोगों की छवियां थीं, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों को चित्रित करने वाले चित्रों का पुनर्मूल्यांकन थे। वे उपदेश देते हुए चित्रित थे, मुँह खुले थे, हाथ इशारे कर रहे थे; कभी-कभी भिक्षुक भिक्षुओं को आस्था की महिमा के लिए कठिन यात्रा करते हुए चित्रित किया गया था।

सबसे लोकप्रिय कथानकों में से एक रायगो (वांछित आगमन) था, जिसमें बुद्ध अमिदा को अपने साथियों के साथ एक बादल पर उतरते हुए दिखाया गया था ताकि एक आस्तिक की आत्मा को उसकी मृत्युशय्या पर बचाया जा सके और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित किया जा सके। ऐसी छवियों के रंगों को अक्सर सोने से निखारा जाता था, और लहरदार रेखाएं, लहराती टोपी, घूमते बादल बुद्ध के अवतरण को गति का एहसास देते थे।

अनकेई, जिन्होंने 12वीं सदी के उत्तरार्ध और 13वीं सदी की शुरुआत में काम किया था, एक नवाचार के लेखक थे जिसने लकड़ी पर नक्काशी करना आसान बना दिया, जो कामकुरा काल के दौरान मूर्तिकारों की पसंदीदा सामग्री बनी रही। पहले, मास्टर डेक या लॉग के आकार और आकार तक सीमित था जिससे आकृति काटी गई थी। हथियार और कपड़ों के तत्वों को अलग-अलग लगाया गया था, लेकिन तैयार टुकड़ा अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, दर्जनों छोटे टुकड़ों को सावधानीपूर्वक एक-दूसरे से फिट किया गया, जिससे एक खोखला पिरामिड बन गया, जिससे प्रशिक्षु आकृति को काट सकते थे। मूर्तिकार के पास अधिक लचीली सामग्री और अधिक जटिल रूप बनाने की क्षमता थी। मंदिर के हृष्ट-पुष्ट रक्षक और लहराती टोपी और वस्त्र पहने देवता अधिक सजीव प्रतीत होते थे, क्योंकि उनकी आंखों के छेद में क्रिस्टल या कांच डाला जाने लगा था; मूर्तियों को सोने का पानी चढ़ा हुआ कांस्य से सजाया जाने लगा। लकड़ी सूखने पर वे हल्के हो गए और उनके टूटने की संभावना कम हो गई। कुया शोनिन की उल्लिखित लकड़ी की मूर्ति, उन्केई के बेटे कोशो की कृति, चित्र मूर्तिकला में कामाकुरा युग के यथार्थवाद की सर्वोच्च उपलब्धि को प्रदर्शित करती है। दरअसल, उस समय मूर्तिकला अपने विकास के चरम पर पहुंच गई थी, और बाद में इसने कला में इतना प्रमुख स्थान नहीं लिया।

धर्मनिरपेक्ष चित्रकला भी उस समय की भावना को प्रतिबिंबित करती थी। हेइयन काल के उत्तरार्ध के कथात्मक स्क्रॉल, संयमित रंगों और सुंदर रेखाओं में, प्रिंस जेनजी के रोमांटिक पलायन या दरबार की एकांतप्रिय महिलाओं के मनोरंजन के बारे में बताते हैं। अब, चमकीले रंगों और ऊर्जावान स्ट्रोक के साथ, कामाकुरा युग के कलाकारों ने युद्धरत कुलों की लड़ाई, आग की लपटों में घिरे महलों और हमलावर सैनिकों से भागते भयभीत लोगों को चित्रित किया। यहां तक ​​कि जब कोई धार्मिक कहानी स्क्रॉल पर सामने आती थी, तब भी वह छवि एक प्रतीक नहीं थी, बल्कि पवित्र लोगों की यात्राओं और उनके द्वारा किए गए चमत्कारों का ऐतिहासिक साक्ष्य थी। इन भूखंडों के डिज़ाइन में, प्रकृति के प्रति बढ़ता प्रेम और देशी परिदृश्यों के प्रति प्रशंसा देखी जा सकती है।

मुरोमाची, या आशिकागा काल

(1392-1568)। 1392 में, 50 से अधिक वर्षों के संघर्ष के बाद, अशिकागा परिवार के तीसरे शोगुन, योशिमित्सु (1358-1408) ने देश को फिर से एकजुट किया। सरकार की सीट फिर से क्योटो की नाममात्र राजधानी बन गई, जहां आशिकागा शोगुन ने मुरोमाची क्वार्टर में अपने महल बनाए। (इस काल को कभी-कभी मुरोमाची, कभी-कभी आशिकागा कहा जाता है।) युद्धकाल ने कई मंदिरों को नहीं छोड़ा - जापानी कला के भंडार, जो वहां मौजूद खजानों के साथ जला दिए गए थे। देश गंभीर रूप से तबाह हो गया था, और शांति से भी थोड़ी राहत मिली, क्योंकि युद्धरत कुलों ने अपनी सफलता में, अपनी इच्छानुसार उपकार किया। ऐसा प्रतीत होता है कि स्थिति कला के विकास के लिए बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में आशिकगा शोगुन ने इसे संरक्षण दिया, खासकर 15वीं और 16वीं शताब्दी में, जब चित्रकला का विकास हुआ।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण कला ज़ेन बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित और सोंग और युआन राजवंशों के चीनी डिजाइनों से प्रभावित मोनोक्रोम काव्यात्मक स्याही चित्र थी। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, चीन के साथ संपर्क नवीनीकृत हुए और कला के संग्रहकर्ता और संरक्षक योशिमित्सु ने चीनी चित्रकला के संग्रह और अध्ययन को प्रोत्साहित किया। वह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक मॉडल और शुरुआती बिंदु बन गईं, जिन्होंने हल्के और धाराप्रवाह ब्रश स्ट्रोक के साथ परिदृश्य, पक्षियों, फूलों, पुजारियों और संतों की छवियों को चित्रित किया। इस समय की जापानी चित्रकला की विशेषता रेखा की मितव्ययिता है; ऐसा प्रतीत होता है कि कलाकार चित्रित कथानक की सर्वोत्कृष्टता को उजागर करता है, जिससे दर्शक की निगाहें इसे विवरण से भर देती हैं। इन चित्रों में भूरे और चमकदार काली स्याही का परिवर्तन ज़ेन के दर्शन के बहुत करीब है, जिसने निश्चित रूप से उनके लेखकों को प्रेरित किया। हालाँकि यह पंथ कामाकुरा की सैन्य शक्ति के तहत भी काफी प्रभाव तक पहुंच गया, लेकिन 15वीं और 16वीं शताब्दी में यह तेजी से फैलता रहा, जब कई ज़ेन मठों का उदय हुआ। मुख्य रूप से "आत्म-मोक्ष" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने मोक्ष को बुद्ध के साथ नहीं जोड़ा, बल्कि अचानक सहज ज्ञान प्राप्त करने के लिए मनुष्य के गंभीर आत्म-अनुशासन पर भरोसा किया जो उसे पूर्ण के साथ एकजुट करता है। स्याही का संयमित लेकिन साहसिक उपयोग और असममित रचना, जिसमें कागज के अप्रकाशित हिस्सों ने आदर्श परिदृश्यों, संतों और वैज्ञानिकों को चित्रित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन के अनुरूप थे।

मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग की एक शैली, सुमी-ई के सबसे प्रसिद्ध प्रतिपादकों में से एक, सेशु (1420-1506) थे, जो एक ज़ेन पुजारी थे, जिनके लंबे और समृद्ध जीवन ने उन्हें निरंतर सम्मान सुनिश्चित किया। अपने जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू (त्वरित स्याही) शैली का उपयोग करना शुरू कर दिया, जिसने परिपक्व शैली के विपरीत, जिसके लिए स्पष्ट, किफायती स्ट्रोक की आवश्यकता थी, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्तता में ला दिया।

कलाकारों के कानो परिवार की गतिविधि और उनकी शैली का विकास एक ही अवधि में होता है। विषयों के चयन और स्याही के प्रयोग की दृष्टि से यह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यंजक साधनों की दृष्टि से जापानी ही रहा। कानो, शोगुनेट के समर्थन से, पेंटिंग की "आधिकारिक" स्कूल या कलात्मक शैली बन गई और 19वीं शताब्दी में अच्छी तरह से फली-फूली।

यमातो-ए की अनुभवहीन परंपरा टोसा स्कूल के कार्यों में जीवित रही, जो जापानी चित्रकला की दूसरी महत्वपूर्ण दिशा है। वास्तव में, इस समय, दोनों स्कूल, कानो और टोसा, आपस में घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे, वे आधुनिक जीवन में रुचि से एकजुट थे। इस काल के उत्कृष्ट कलाकारों में से एक मोटोनोबू कानो (1476-1559) ने न केवल अपनी बेटी का विवाह प्रसिद्ध कलाकार तोसा से किया, बल्कि उनके ढंग से चित्रकारी भी की।

15वीं-16वीं शताब्दी में। मूर्तिकला के कुछ ही उल्लेखनीय कार्य थे। हालाँकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि विभिन्न प्रकार की मनोदशाओं और भावनाओं के साथ, नू नाटक के विकास ने मूर्तिकारों के लिए गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोल दिया - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मुखौटे बनाए। अभिजात वर्ग द्वारा और उसके लिए प्रस्तुत शास्त्रीय जापानी नाटक में, अभिनेता (एक या अधिक) मुखौटे पहनते थे। उन्होंने भय, चिंता और भ्रम से लेकर संयमित आनंद तक कई तरह की भावनाओं को व्यक्त किया। कुछ मुखौटों पर इतनी शानदार नक्काशी की गई थी कि अभिनेता के सिर को थोड़ा सा घुमाने से अभिव्यक्ति में सूक्ष्म बदलाव आ जाते थे। इन मुखौटों के उल्लेखनीय उदाहरण उन परिवारों द्वारा वर्षों से रखे गए हैं जिनके सदस्यों के लिए इन्हें बनाया गया था।

मोमोयामा काल

(1568-1615)। 1593 में, महान सैन्य तानाशाह हिदेयोशी ने मोमोयामा, "पीच हिल" पर अपना महल बनाया और इस नाम से आशिकागा शोगुनेट के पतन से लेकर टोकुगावा, या ईदो काल की स्थापना तक 47 वर्षों की अवधि को निर्दिष्ट करने की प्रथा है। , 1615 में। यह एक पूरी तरह से नए सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था, जिसकी महान संपत्ति ने कला के उत्कर्ष में योगदान दिया। बड़े दर्शक कक्ष और लंबे गलियारों वाले प्रभावशाली महल 16वीं शताब्दी के अंत में फैशन में आए। और उनकी महानता के अनुरूप आभूषणों की मांग की। यह कठोर और साहसी लोगों का समय था, और नए संरक्षक, पूर्व अभिजात वर्ग के विपरीत, बौद्धिक गतिविधियों या शिल्प कौशल की सूक्ष्मताओं में विशेष रुचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के अनुरूप रही। इस अवधि के दौरान, चमकीले लाल, पन्ना, हरे, बैंगनी और नीले रंगों में अद्भुत स्क्रीन और चल पैनल दिखाई दिए। ऐसे शानदार रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ वर्षों तक बहुत लोकप्रिय थे, और उनके रचनाकारों को सही मायने में "महान सज्जाकार" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, आडंबरपूर्ण शैली अश्लीलता में परिवर्तित नहीं हुई, और यहां तक ​​​​कि जब संयम और ख़ामोशी ने विलासिता और सजावटी ज्यादतियों का रास्ता ले लिया, तब भी जापानी लालित्य बनाए रखने में कामयाब रहे।

इस अवधि के पहले महान चित्रकारों में से एक, ईटोकू कानो (1543-1590) ने कानो और टोसा की शैली में काम किया, ड्राइंग की पूर्व अवधारणा का विस्तार किया और उन्हें बाद के रंग की समृद्धि के साथ जोड़ा। हालाँकि केवल कुछ रचनाएँ ही बची हैं जिनके लेखक के रूप में ईटोकू को सुरक्षित रूप से पहचाना जा सकता है, उन्हें मोमोयामा शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके छात्र थे या उनसे प्रभावित थे।

ईदो या तोकुगावा काल

(1615-1867)। नव एकीकृत जापान में शांति की जो लंबी अवधि आई, उसे या तो शासक के नाम पर टोकुगावा समय कहा जाता है, या एदो (आधुनिक टोक्यो) कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर सत्ता का नया केंद्र बन गया था। छोटे मोमोयामा काल के दो प्रसिद्ध जनरलों, ओडा नोबुनागा (1534-1582) और तोयोतोमी हिदेयोशी (1536-1598), सैन्य कार्रवाई और कूटनीति के माध्यम से, अंततः शक्तिशाली कुलों और उग्रवादी पादरियों के बीच सामंजस्य बिठाने में कामयाब रहे। 1598 में हिदेयोशी की मृत्यु के साथ, सत्ता इयासू तोकुगावा (1542-1616) के पास चली गई, जिन्होंने संयुक्त रूप से शुरू किए गए उपायों को पूरा किया। 1600 में सेकीगहारा की निर्णायक लड़ाई ने इयासु की स्थिति को मजबूत किया, 1615 में ओस्का कैसल के पतन के साथ हिदेयोशी घर का अंतिम पतन हुआ और तोकुगावा शोगुनेट के अविभाजित शासन की स्थापना हुई।

तोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और 19वीं शताब्दी में समाप्त हुआ। यह मूलतः "बंद दरवाजे" की नीति का काल था। 1640 के एक डिक्री द्वारा, विदेशियों को जापान में प्रवेश करने से मना कर दिया गया, और जापानी विदेश यात्रा नहीं कर सकते थे। एकमात्र व्यावसायिक और सांस्कृतिक संबंध नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से डच और चीनियों के साथ था। अलगाव की अन्य अवधियों की तरह, 17वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं का उभार और उद्भव हुआ। शैली चित्रकला और उत्कीर्णन का तथाकथित स्कूल।

एदो की तेजी से बढ़ती राजधानी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का केंद्र भी बन गई। यह आवश्यकता कि डेम्यो, प्रांतीय सामंती प्रभु, प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित भाग के लिए राजधानी में हों, ने महल की इमारतों सहित नई इमारतों की आवश्यकता पैदा की, और इसलिए उन्हें सजाने के लिए कलाकारों की आवश्यकता हुई। धनी लेकिन गैर-कुलीन व्यापारियों के एक समवर्ती उभरते वर्ग ने कलाकारों को नए और अक्सर गैर-पेशेवर संरक्षण प्रदान किए।

प्रारंभिक ईदो काल की कला आंशिक रूप से जारी है और मोमोयामा शैली को विकसित करती है, जिससे विलासिता और वैभव की ओर इसकी प्रवृत्ति तीव्र होती है। पिछली अवधि से विरासत में मिली विचित्र छवियों और बहुरूपता की समृद्धि का विकास जारी है। यह सजावटी शैली 17वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में अपने चरम पर पहुँच गई। तथाकथित में. टोकुगावा काल का जेनरोकू युग (1688-1703)। जापानी सजावटी कला में, पेंटिंग, कपड़े, लाह, कलात्मक trifles में रंग और सजावटी रूपांकनों की अपव्यय और समृद्धि में इसका कोई समानता नहीं है - एक शानदार जीवन शैली के गुण।

चूँकि हम इतिहास के अपेक्षाकृत बाद के दौर के बारे में बात कर रहे हैं, इसलिए यह आश्चर्य की बात नहीं है कि कई कलाकारों और उनके कार्यों के नाम संरक्षित किए गए हैं; यहां केवल कुछ सबसे प्रमुख लोगों का नाम लेना संभव है। मोमोयामा और एडो काल के दौरान रहने और काम करने वाले सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों में होन्नामी कोएत्सु (1558-1637) और नोनोमुरा सोतात्सु (मृत्यु 1643) शामिल हैं। उनका काम पैटर्न, संरचना और रंग की एक उल्लेखनीय समझ प्रदर्शित करता है। कोएत्सु, एक प्रतिभाशाली सेरेमिस्ट और लाह कलाकार, अपनी सुलेख की सुंदरता के लिए जाना जाता था। सोतात्सु के साथ मिलकर, उन्होंने स्क्रॉल कविताएँ बनाईं जो उस समय फैशनेबल थीं। साहित्य, सुलेख और चित्रकला के इस संयोजन में, छवियां केवल चित्रण नहीं थीं: उन्होंने पाठ की धारणा के लिए उपयुक्त मूड बनाया या सुझाव दिया। ओगाटा कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के उत्तराधिकारियों में से एक थे और उन्होंने अपने छोटे भाई ओगाटा केनज़न (1663-1743) के साथ मिलकर इसकी तकनीक को बेहतर बनाया। केनज़ान, जो एक कलाकार के बजाय एक सेरेमिस्ट के रूप में अधिक जाने जाते हैं, अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के डिज़ाइन वाले बर्तन जलाते थे। 19वीं सदी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार हुआ। कवि और चित्रकार साकाई होइत्सु (1761-1828) द्वारा किया गया चित्र सजावटी शैली में अंतिम उछाल था। होरित्सु के खूबसूरत स्क्रॉल और स्क्रीन ने कोरिन की ड्राइंग की भावना को मारुयामा प्रकृतिवाद की प्रकृति में रुचि के साथ जोड़ दिया, जिसके परिणामस्वरूप पहले के दौर के रंग और सजावटी रूपांकनों की समृद्धि हुई, जो ब्रशस्ट्रोक की भव्यता और चालाकी से प्रभावित हुई।

पॉलीक्रोम सजावटी शैली के साथ, पारंपरिक कानो स्कूल स्याही ड्राइंग लोकप्रिय बनी रही। 1622 में कानो तान्यू (1602-1674) को शोगुन का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया और एडो बुलाया गया। इस पद पर उनकी नियुक्ति और कोबिकिटो में कानो पेंटिंग के एडो स्कूल की स्थापना के साथ, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की आधी सदी की अवधि शुरू हुई, जिसने कानो परिवार की प्रमुखता को बहाल किया और एडो काल के कार्यों को सबसे अधिक लोकप्रिय बनाया। कानो चित्रकला में महत्वपूर्ण। "महान सज्जाकारों" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा बनाई गई सोने और चमकीले रंगों से चित्रित स्क्रीन की लोकप्रियता के बावजूद, तांगयु, अपनी प्रतिभा और आधिकारिक स्थिति की ताकत के कारण, कुलीन वर्ग के बीच पुनर्जीवित कानो स्कूल की पेंटिंग को लोकप्रिय बनाने में सक्षम था। एक कठोर टूटी हुई रेखा और एक बड़ी मुक्त सतह पर रचना तत्वों की एक सुविचारित व्यवस्था के आधार पर, तान्यू ने कानो स्कूल की पारंपरिक विशेषताओं में शक्ति और सरलता जोड़ी।

18वीं शताब्दी के अंत में एक नई प्रवृत्ति प्रचलित हुई, जिसमें मुख्य विशेषता प्रकृति में रुचि थी। नए स्कूल के प्रमुख मारुयामा ओक्यो (1733-1795) एक किसान थे, फिर पादरी बने और अंततः एक कलाकार बने। पहली दो कक्षाओं से उन्हें खुशी या सफलता नहीं मिली, लेकिन एक कलाकार के रूप में वे महान ऊंचाइयों तक पहुंचे और उन्हें मारुयामा यथार्थवादी स्कूल का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने कानो स्कूल के मास्टर, इशिदा युतेई (डी.सी. 1785) के साथ अध्ययन किया; आयातित डच उत्कीर्णन के आधार पर, उन्होंने परिप्रेक्ष्य प्रतिनिधित्व की पश्चिमी तकनीक को समझा, और कभी-कभी इन उत्कीर्णन की नकल भी की। उन्होंने सोंग और युआन राजवंशों की चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन जुआन (1235-1290) और शेन नानपिंग की सूक्ष्म और यथार्थवादी शैली भी शामिल है; बाद वाला 18वीं सदी की शुरुआत में नागासाकी में रहता था। ओक्यो ने प्रकृति पर कई कार्य किए, और उनकी वैज्ञानिक टिप्पणियों ने प्रकृति की धारणा का आधार बनाया, जिस पर मारुयामा स्कूल आधारित था।

18वीं शताब्दी में प्रकृतिवाद में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का नवीकृत प्रभाव। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों ने मिंग (1368-1644) और किंग (1644-1912) चित्रकार-वैज्ञानिकों के चित्रकला स्कूल की ओर रुख किया, हालाँकि चीन में कला की वर्तमान स्थिति के बारे में उनकी समझ शायद सीमित थी। इस जापानी स्कूल की कला को बुजिंगा (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुजिंगा शैली के सबसे प्रभावशाली उस्तादों में से एक इकेनो टैगा (1723-1776) थे, जो एक प्रसिद्ध चित्रकार और सुलेखक थे। उनकी परिपक्व शैली की विशेषता हल्के टोन और स्याही में हल्के पंखदार स्ट्रोक से भरी मोटी समोच्च रेखाएं हैं; उन्होंने काली स्याही के चौड़े, मुक्त स्ट्रोक से भी पेंटिंग की, जिसमें हवा और बारिश में झुके हुए बांस के तने को दर्शाया गया। छोटी, घुमावदार रेखाओं के साथ, उन्होंने जंगल से घिरी झील के ऊपर धुंधले पहाड़ों की छवि में उत्कीर्णन की याद दिला दी।

सत्रवहीं शताब्दी ईदो काल की एक और उल्लेखनीय कला दिशा को जन्म दिया। ये तथाकथित उकियो-ए (बदलती दुनिया की तस्वीरें) हैं - आम लोगों द्वारा और उनके लिए बनाई गई शैली के दृश्य। प्रारंभिक उकियो-ए की उत्पत्ति क्योटो की पुरानी राजधानी में हुई थी और वे अधिकतर सुरम्य थे। लेकिन उनके उत्पादन का केंद्र जल्द ही ईदो में स्थानांतरित हो गया, और उस्तादों का ध्यान वुडकट्स पर केंद्रित हो गया। उकियो-ई के साथ वुडकट प्रिंटिंग के घनिष्ठ संबंध ने यह गलत धारणा पैदा कर दी है कि वुडकट प्रिंटिंग इस अवधि की खोज थी; वास्तव में, इसकी उत्पत्ति 11वीं शताब्दी में हुई थी। ऐसी प्रारंभिक छवियां प्रकृति में मन्नत थीं, जो बौद्ध धर्म के संस्थापकों और देवताओं को दर्शाती थीं, और कामाकुरा काल के दौरान, नक्काशीदार ब्लॉकों से कुछ कथात्मक स्क्रॉल पुन: प्रस्तुत किए गए थे। हालाँकि, उत्कीर्णन की कला 17वीं से 19वीं शताब्दी के मध्य की अवधि में विशेष रूप से लोकप्रिय हो गई।

उकियो-ए उत्कीर्णन का विषय समलैंगिक क्वार्टरों की खूबसूरत वेश्याएं, पसंदीदा अभिनेता और नाटकों के दृश्य थे। प्रारंभिक, तथाकथित. आदिम उत्कीर्णन को मजबूत लयबद्ध लहरदार रेखाओं के साथ काले रंग में निष्पादित किया गया था, और प्रतिष्ठित किया गया था सरल पैटर्न. उन्हें कभी-कभी हाथ से नारंगी-लाल रंग में चित्रित किया जाता था जिसे तन-ए (चमकदार लाल पेंटिंग) कहा जाता था, जिसमें सरसों के पीले और हरे रंग के निशान होते थे। कुछ "आदिम" कलाकारों ने उरुशू-ए (लाह पेंटिंग) नामक हस्त चित्रकला का उपयोग किया, जिसमें अंधेरे क्षेत्रों को गोंद के अलावा बढ़ाया और उज्ज्वल बनाया गया था। एक प्रारंभिक बहुरंगा प्रिंट, जो 1741 या 1742 में दिखाई दिया, उसे बेनिज़ुरी-ई (क्रिमसन प्रिंट) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का उपयोग किया जाता था - गुलाबी लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में बहु-रंगीन उत्कीर्णन, संपूर्ण पैलेट का उपयोग करते हुए और जिन्हें निशिकी-ए (ब्रोकेड छवियां) कहा जाता है, 1765 में दिखाई दिए।

व्यक्तिगत प्रिंट बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों का चित्रण किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्र बनाकर पैसा कमाया। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि उकियो-ए उत्कीर्णन में तीन प्रकार की गतिविधि शामिल थी: यह एक ड्राफ्ट्समैन का काम था, जिसका नाम प्रिंट बोर, एक कार्वर और एक प्रिंटर था।

हिशिकावा मोरोनोबू (सी. 1625-1694) को उकियो-ए प्रिंट बनाने की परंपरा का संस्थापक माना जाता है। इस प्रवृत्ति के अन्य "आदिम" कलाकार कियोमासु (1694-1716) और काइगेत्सुडो समूह (कलाकारों का एक अजीब समुदाय, जिसका अस्तित्व अस्पष्ट है), साथ ही ओकुमुरा मसानोबू (1686-1764) हैं।

कलाकार की संक्रमण अवधिबेनिज़ुरी-ए प्रिंटनिर्माता इशिकावा टोयोनोबू (1711-1785), तोरी कियोहिरो (सक्रिय लगभग 1751-1760), और तोरी कियोमित्सु (1735-1785) थे।

सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) के कार्यों ने पॉलीक्रोम उत्कीर्णन के युग की शुरुआत की। नरम, लगभग तटस्थ रंगों से भरपूर, सुंदर महिलाओं और वीर प्रेमियों से भरे, हारुनोबू प्रिंट एक बड़ी सफलता थी। लगभग उसी समय, कात्सुकावा शुन्शो (1726-1792), तोरी कीनागा (1752-1815) और कितागावा उटामारो (1753-1806) ने उनके साथ काम किया। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; उस्तादों ने सुंदर सुंदरियों और प्रसिद्ध अभिनेताओं को चित्रित करने वाली नक्काशी को पूर्णता में लाया। 1794-1795 के कई महीनों में, रहस्यमय तोसुसाई साराकू ने उन दिनों के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक रूप से मजबूत और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्र बनाए।

19वीं सदी के पहले दशकों में यह शैली परिपक्वता तक पहुंच गई और गिरावट शुरू हो गई। कात्सुशिका होकुसाई (1760-1849) और एंडो हिरोशिगे (1797-1858) उस युग के महानतम उस्ताद हैं, जिनका काम 19वीं शताब्दी में उत्कीर्णन की कला के पतन से जुड़ा है। और 20वीं सदी की शुरुआत में इसका नया पुनरुद्धार हुआ। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य चित्रकार थे, जो आधुनिक जीवन की घटनाओं को अपनी नक्काशी में चित्रित करते थे। नक्काशी करने वालों और मुद्रकों की तकनीक की शानदार महारत ने उत्कीर्णन में सनकी रेखाओं और डूबते सूरज या भोर में उगने वाले कोहरे की हल्की छाया को व्यक्त करना संभव बना दिया।

मीजी पुनर्स्थापना और आधुनिक काल।

अक्सर ऐसा होता है कि एक या दूसरे लोगों की प्राचीन कला नामों, तिथियों और जीवित कार्यों में खराब होती है, इसलिए कोई भी निर्णय केवल बहुत सावधानी और परंपरा के साथ ही किया जा सकता है। हालाँकि, समकालीन कला को आंकना कम कठिन नहीं है, क्योंकि हम किसी भी आंदोलन या कलाकार और उसके काम के पैमाने का सही आकलन करने के लिए ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन कोई अपवाद नहीं है, और अधिकतम जो किया जा सकता है वह समकालीन कला का एक चित्रमाला प्रस्तुत करना और कुछ अनंतिम प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना है।

19वीं सदी के उत्तरार्ध में जापानी बंदरगाहों को व्यापार के लिए फिर से खोल दिया गया, राजनीतिक परिदृश्य पर बड़े बदलाव हुए। 1868 में, शोगुनेट को समाप्त कर दिया गया और सम्राट मीजी का शासन बहाल किया गया। सम्राट की आधिकारिक राजधानी और निवास को ईदो में स्थानांतरित कर दिया गया, और शहर को टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ है, राष्ट्रीय अलगाव की समाप्ति ने अन्य देशों की उपलब्धियों में बहुत रुचि पैदा की। इस समय जापानियों ने विज्ञान एवं प्रौद्योगिकी के क्षेत्र में बहुत बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक रूप से, मीजी युग (1868-1912) की शुरुआत प्रौद्योगिकी सहित हर पश्चिमी चीज़ की स्वीकृति को दर्शाती है। हालाँकि, यह उत्साह लंबे समय तक नहीं रहा, और इसके बाद आत्मसात करने का दौर आया, नए रूपों का उदय हुआ, जिसमें उनकी अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी रुझानों की ओर वापसी हुई।

चित्रकारों में, कानो होगई (1828-1888), शिमोमुरा कंज़ान (1873-1916), ताकेउची सेहो (1864-1924) और टोमिओका टेसाई (1836-1942) को प्रमुखता मिली। पहले तीन ने पारंपरिक जापानी शैली और विषयों का पालन किया, हालांकि उन्होंने मनोदशा और तकनीक में मौलिकता दिखाने की कोशिश की। उदाहरण के लिए, सेहो ने क्योटो के शांत और रूढ़िवादी माहौल में काम किया। उनके प्रारंभिक कार्य मारुयामा के प्राकृतिक तरीके से किए गए थे, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बड़े पैमाने पर यात्रा की और चीनी स्याही चित्रकला से गहराई से प्रभावित हुए। यूरोप के संग्रहालयों और प्रमुख कला केंद्रों की उनकी यात्राओं ने भी उनके काम पर छाप छोड़ी है। इस समय के सभी प्रमुख कलाकारों में से केवल टोमिओका टेसाई ही एक नई शैली विकसित करने के करीब आये। उनके ऊर्जावान और ताकत से भरे कार्यों में, खुरदरी, मुड़ी हुई, दांतेदार रेखाएं और काली स्याही के दाग को रंग के बारीक लिखे पैच के साथ जोड़ा जाता है। बाद के वर्षों में, कुछ युवा तेल चित्रकार वहाँ सफल हुए जहाँ उनके दादा असफल रहे थे। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयास पेरिस के कैनवस की याद दिलाते थे और विशेष मूल्य या विशेष रूप से जापानी विशेषताओं में भिन्न नहीं थे। हालाँकि, अब असाधारण अपील के काम बनाए जा रहे हैं, जिसमें रंग और संतुलन की एक विशिष्ट जापानी भावना अमूर्त विषयों के माध्यम से चमकती है। अन्य कलाकार, अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक स्याही के साथ काम करते हैं और कभी-कभी शुरुआती बिंदु के रूप में सुलेख का उपयोग करते हुए, भूरे रंग के रंगों के साथ शानदार काले रंग में ऊर्जावान अमूर्त टुकड़े बनाते हैं।

जैसे ईदो काल में, 19वीं और 20वीं शताब्दी में। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं थी. लेकिन इस क्षेत्र में, प्रतिनिधि आधुनिक पीढ़ी, अमेरिका और यूरोप में प्रशिक्षित, बड़ी सफलता के साथ प्रयोग किया। छोटी कांस्य मूर्तियां, अमूर्त रूप में और अजीब नाम वाली, रेखा और रंग की जापानी भावना को दर्शाती हैं, जो नरम हरे या गर्म भूरे रंग के पेटिना के उपयोग में प्रकट होती है; लकड़ी की नक्काशी सामग्री की बनावट के प्रति जापानियों के प्रेम की गवाही देती है।

सोसाकु हंगा, जापानी "रचनात्मक प्रिंट", केवल 20 वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिया, लेकिन एक विशेष कला निर्देशन के रूप में इसने आधुनिक कला के अन्य सभी क्षेत्रों को पीछे छोड़ दिया। यह आधुनिक प्रिंट, सच कहें तो, पुराने ukiyo-e वुडकट का उत्तराधिकारी नहीं है; वे शैली, कथानक और रचना के तरीकों में भिन्न हैं। कलाकारों, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला से काफी प्रभावित थे, ने अपनी कलात्मक विरासत के महत्व को महसूस किया और अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए लकड़ी में सही सामग्री ढूंढी। हैंगा मास्टर न केवल पेंटिंग करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉकों पर चित्र भी उकेरते हैं और उन्हें स्वयं प्रिंट भी करते हैं। यद्यपि इस कला रूप में लकड़ी का काम अपने उच्चतम स्तर पर है, सभी आधुनिक पश्चिमी प्रिंटमेकिंग तकनीकों का उपयोग किया जाता है। कुछ मामलों में पत्तियों, सुतली और "पायी गई वस्तुओं" के साथ प्रयोग करने से आप अद्वितीय सतह बनावट प्रभाव बना सकते हैं। सबसे पहले, इस प्रवृत्ति के उस्तादों को मान्यता प्राप्त करने के लिए मजबूर किया गया था: आखिरकार, ukiyo-e स्कूल की सर्वोत्तम उपलब्धियों को भी बौद्धिक कलाकारों ने एक अनपढ़ भीड़ के साथ जोड़ा और सार्वजनिक कला माना। ओन्ची कोशिरो, हिरात्सुका यूनिची और माकावा सेनपैन जैसे कलाकारों ने प्रिंटमेकिंग के प्रति सम्मान बहाल करने और इसे ललित कला की एक योग्य शाखा के रूप में स्थापित करने के लिए बहुत कुछ किया। उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह की ओर आकर्षित किया और नक्काशी करने वालों की संख्या अब सैकड़ों में है। इस पीढ़ी के उन महारथियों में, जिन्होंने जापान और पश्चिम में पहचान हासिल की, वे हैं अज़ेची उमेटारो, मुनाकाता शिको, यामागुची जेन और सैतो कियोशी। ये ऐसे स्वामी हैं जिनकी नवीनता और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के अग्रणी कलाकारों के बीच एक योग्य स्थान पर कब्जा करने की अनुमति दी है। उनके कई साथियों और अन्य युवा हंगा कलाकारों ने भी उल्लेखनीय नक्काशी तैयार की; तथ्य यह है कि हमने यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं किया है, इसका मतलब यह नहीं है कि उनके काम का कम मूल्यांकन किया गया है।

कला और अनुप्रयुक्त कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले अनुभागों में, यह मुख्य रूप से चित्रकला और मूर्तिकला के बारे में था, जिन्हें अधिकांश देशों में ललित कलाओं का मुख्य प्रकार माना जाता है। शायद लेख के अंत में सजावटी कला और लोक शिल्प, उद्यान और वास्तुकला की कला को शामिल करना अनुचित है - वे रूप जो जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न अंग थे। हालाँकि, शायद वास्तुकला के अपवाद के साथ, उन्हें जापानी कला की सामान्य अवधि और शैली में बदलाव के अलावा विशेष ध्यान देने की आवश्यकता है।

चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन.

जापान में सबसे महत्वपूर्ण कला और शिल्प चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में आती है। बढ़िया पॉलीक्रोम इमारी, नबेशिमा और काकीमोन चीन ने उत्पादन के स्थानों से अपना नाम लिया, और क्रीम या नीली-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग कुलीनता और अदालत मंडलियों के लिए थी। असली चीनी मिट्टी के बर्तन बनाने की प्रक्रिया जापान में 16वीं सदी के अंत या 17वीं सदी की शुरुआत में ज्ञात हुई; चिकनी शीशे वाली, विषम या ब्रोकेड जैसे पैटर्न वाली प्लेटें और कटोरे, घर और पश्चिम दोनों जगह मूल्यवान हैं।

मिट्टी या कम गुणवत्ता वाले पत्थर के द्रव्यमान से बने किसी न किसी मिट्टी के बर्तनों में चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, जो शिनो, ओरिबे और बिज़ेन के लिए विशिष्ट है, ध्यान सामग्री पर केंद्रित है, प्रतीत होता है कि लापरवाह, लेकिन सजावटी तत्वों की विचारशील व्यवस्था। ज़ेन बौद्ध धर्म की अवधारणाओं से प्रभावित होकर, ऐसे बर्तन बौद्धिक हलकों में बहुत लोकप्रिय थे और व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे, खासकर चाय समारोहों में। कई कप, चायदानी और कैडीज़ में, चाय समारोह की कला के गुण, ज़ेन बौद्ध धर्म का सार सन्निहित था: कठिन आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उत्कर्ष के दौरान, प्रतिभाशाली कलाकार कोरिन और केनज़न सिरेमिक उत्पादों को सजाने में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि केनज़न की प्रसिद्धि एक चित्रकार के रूप में नहीं, बल्कि एक सेरेमिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है। बर्तन बनाने के कुछ सरल प्रकार और तकनीकें लोक शिल्प परंपराओं से आती हैं। आधुनिक कार्यशालाएँ, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, सुंदर उत्पाद तैयार करती हैं जो उनकी सुरुचिपूर्ण सादगी से प्रसन्न होते हैं।

लाख उत्पाद.

पहले से ही 7वीं-8वीं शताब्दी में। वार्निश जापान में जाना जाता था। इस समय से, ताबूतों के ढक्कन, लोगों की छवियों और ज्यामितीय रूपांकनों से सजाए गए, पतली सुनहरी रेखाओं के साथ संरक्षित किए गए हैं। हम पहले ही 8वीं और 9वीं शताब्दी में मूर्तिकला के लिए सूखी-लाह तकनीक के महत्व के बारे में बात कर चुके हैं; उसी समय और बाद में, लेटर बॉक्स या अगरबत्ती जैसी सजावटी वस्तुएं बनाई गईं। ईदो काल के दौरान, ये उत्पाद बड़ी मात्रा में और सबसे शानदार सजावट के साथ बनाए गए थे। नाश्ते के लिए, केक के लिए, धूप और दवाइयों के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, जिन्हें इनरो कहा जाता है, इस समय में निहित विलासिता के धन और प्रेम को दर्शाते हैं। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर के पैटर्न, सोने की पन्नी के टुकड़ों, अकेले या शैल जड़ाइयों, मदर-ऑफ-पर्ल, टिन और सीसा के मिश्र धातु, आदि के संयोजन से सजाया गया था; ये पैटर्न लाख की लाल, काली या भूरी सतह से भिन्न थे। कभी-कभी कोरिन और कोएत्सु जैसे कलाकारों ने लाह के डिज़ाइन बनाए, लेकिन यह संभावना नहीं है कि उन्होंने व्यक्तिगत रूप से इन कार्यों में भाग लिया हो।

तलवारें.

जापानी, जैसा कि पहले ही कहा जा चुका है, अपने इतिहास के काफी समय तक योद्धाओं के लोग रहे हैं; आबादी के एक बड़े हिस्से के लिए हथियार और कवच आवश्यक वस्तुएँ माने जाते थे। तलवार मनुष्य का गौरव थी; ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (त्सुबा) दोनों को विभिन्न तकनीकों में सजाया गया था। लोहे या कांसे से बने त्सुबा को सोने और चांदी की जड़ाई, नक्काशी या दोनों से सजाया जाता था। उन्होंने लोगों, फूलों या हथियारों के पारिवारिक कोट (सोम) के परिदृश्य या आकृतियाँ चित्रित कीं। यह सब तलवार निर्माताओं के काम का पूरक था।

कपड़े.

समृद्ध पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, जो समृद्धि और बहुतायत के समय में अदालत और पादरी द्वारा पसंद किए जाते थे, साथ ही लोक कला की लगभग आदिम डिजाइन विशेषता वाले सादे कपड़े भी राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति हैं। जेनरोकू के समृद्ध युग के दौरान अपने चरम पर पहुंचने के बाद, कपड़ा कला आधुनिक जापान में फिर से विकसित हुई है। यह पश्चिम के विचारों और कृत्रिम रेशों को पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपांकनों के साथ जोड़ता है।

उद्यान.

हाल के दशकों में, पश्चिमी जनता के इन कला रूपों के अधिक संपर्क के कारण जापानी उद्यानों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी है। जापान में बगीचों का एक विशेष स्थान है; वे उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्य की अभिव्यक्ति और प्रतीक हैं, और ये अस्पष्ट, प्रतीकात्मक अर्थ, बगीचों की स्पष्ट सुंदरता के साथ मिलकर, पश्चिमी दुनिया की रुचि जगाते हैं। यह नहीं कहा जा सकता कि उद्यानों के निर्माण का मुख्य कारण धार्मिक या दार्शनिक विचार थे, परंतु उद्यान की योजना बनाते और बनाते समय योजनाकार ऐसे तत्वों पर विचार करता था, जिनके चिंतन से दर्शक विभिन्न दार्शनिक सत्यों के बारे में सोचने के लिए प्रेरित होते थे। यहां ज़ेन बौद्ध धर्म का चिंतनशील पहलू असामान्य पत्थरों, उखड़ी हुई रेत और बजरी की लहरों के समूह में सन्निहित है, जो टर्फ के साथ संयुक्त है, या पौधों की व्यवस्था की गई है ताकि उनके पीछे की धारा गायब हो जाए और फिर से प्रकट हो, जो सभी दर्शकों को स्वतंत्र रूप से पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करते हैं। निर्माण के दौरान रखे गए उद्यान विचार। सुगम व्याख्याओं की अपेक्षा अस्पष्ट संकेतों को प्राथमिकता देना ज़ेन दर्शन की विशेषता है। बोनसाई बौने पेड़ और छोटे गमले वाले बगीचे, जो अब पश्चिम में लोकप्रिय हैं, इन विचारों की निरंतरता बन गए हैं।

वास्तुकला।

जापान के मुख्य स्थापत्य स्मारक मंदिर, मठ परिसर, सामंती महल और महल हैं। प्राचीन काल से आज तक, लकड़ी मुख्य निर्माण सामग्री रही है और काफी हद तक डिजाइन सुविधाओं को निर्धारित करती है। सबसे पुरानी धार्मिक इमारतें राष्ट्रीय जापानी धर्म शिंटो के मंदिर हैं; ग्रंथों और रेखाचित्रों को देखते हुए, वे प्राचीन आवासों की तरह, फूस की छत वाली अपेक्षाकृत सरल इमारतें थीं। बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद बनाए गए और उससे जुड़े मंदिर भवन शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के साथ बदल गई है, और इमारतों की सजावट और व्यवस्था विभिन्न संप्रदायों में भिन्न है। जापानी इमारतें ऊँची छतों वाले विशाल हॉलों द्वारा प्रतिष्ठित हैं जटिल सिस्टमकंसोल, और उनकी सजावट उनके समय के स्वाद को दर्शाती है। 7वीं शताब्दी की शुरुआत में नारा के पास बने होरीयू-जी कॉम्प्लेक्स की सरल और राजसी वास्तुकला, असुका काल की उतनी ही विशेषता है जितनी लोटस झील में हूडो, उजी के "फीनिक्स हॉल" के अनुपात की सुंदरता और सुंदरता दिखाई देती है। , हेयान काल का है। एडो काल की अधिक विस्तृत इमारतों को बड़े पैमाने पर चित्रित के रूप में अतिरिक्त अलंकरण प्राप्त हुआ फिसलते दरवाज़ेऔर उन्हीं "महान सज्जाकारों" द्वारा बनाई गई स्क्रीनें, जो सामंती प्रभुओं के खंदकदार महलों और महलों के अंदरूनी हिस्सों को सजाती थीं।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतने घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक-दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह चाय समारोह के लिए इमारतों और उद्यान घरों के लिए विशेष रूप से सच है। उनके खुलेपन, सादगी और परिदृश्य और परिप्रेक्ष्य के साथ सावधानीपूर्वक तैयार किए गए संबंध का पश्चिम में समकालीन वास्तुकला पर बहुत प्रभाव पड़ता है।

पश्चिम में जापानी कला का प्रभाव

केवल एक शताब्दी के भीतर जापान की कला पश्चिम में प्रसिद्ध हो गई और उस पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। पहले भी संपर्क थे (उदाहरण के लिए, डच नागासाकी के बंदरगाह के माध्यम से जापान के साथ व्यापार करते थे), लेकिन 17वीं शताब्दी में जो वस्तुएं यूरोप पहुंचीं, वे मुख्य रूप से लागू कला के काम थे - चीनी मिट्टी के बरतन और लाह के बर्तन। उन्हें उत्सुकता से जिज्ञासावश एकत्र किया गया और विभिन्न तरीकों से नकल की गई, लेकिन इन सजावटी निर्यातों ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक ​​कि जापानियों को पश्चिमी स्वाद का एक अप्रिय विचार भी दिया।

पश्चिमी चित्रकला को पहली बार 1862 में लंदन में विशाल अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी के दौरान यूरोप में जापानी कला के प्रत्यक्ष प्रभाव का अनुभव हुआ। पांच साल बाद पेरिस प्रदर्शनी में पेश किए गए, जापानी वुडब्लॉक प्रिंट ने नए सिरे से दिलचस्पी जगाई। उत्कीर्णन के कई निजी संग्रह तुरंत सामने आए। डेगास, मानेट, मोनेट, गौगुइन, वान गाग और अन्य लोगों ने जापानी रंगीन प्रिंटों को एक रहस्योद्घाटन के रूप में लिया; प्रभाववादियों पर जापानी प्रिंटमेकिंग का हल्का लेकिन हमेशा पहचाना जाने वाला प्रभाव अक्सर देखा जाता है। अमेरिकी व्हिस्लर और मैरी कसाट रेखा के संयम और उकियो-ए प्रिंट और पेंटिंग के चमकीले रंगों से आकर्षित हुए।

1868 में जापान को विदेशियों के लिए खोलने से पश्चिमी चीजों के प्रति आकर्षण पैदा हुआ और जापानी अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से विमुख हो गए। इस समय, कई खूबसूरत पेंटिंग और मूर्तियां बेची गईं और पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रहों में समाप्त हो गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनियों ने पश्चिम को जापान से परिचित कराया और जापान की यात्रा में रुचि जगाई। सुदूर पूर्व. निस्संदेह, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान पर कब्जे से जापानी मंदिरों और उनके खजानों के बारे में जानने और गहन अध्ययन के लिए पहले की तुलना में अधिक अवसर खुल गए। यह रुचि अमेरिकी संग्रहालयों की उपस्थिति में परिलक्षित हुई। आम तौर पर ओरिएंट में रुचि जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रहों से चुनी गई और अमेरिका और यूरोप में लाई गई जापानी कला की प्रदर्शनियों के संगठन के कारण हुई।

हाल के दशकों में वैज्ञानिक अनुसंधान ने इस दृष्टिकोण का खंडन करने के लिए बहुत कुछ किया है कि जापानी कला केवल चीनी कला का प्रतिबिंब है, और अंग्रेजी में कई जापानी प्रकाशनों ने पश्चिम को पूर्व के आदर्शों से परिचित कराया है।



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जापान राज्य के बारे में सामान्य जानकारी

देश का नाम - सभी यूरोपीय भाषाओं में जापान दो चित्रलिपि वर्णों के विकृत पढ़ने से आता है जो इस देश का उचित नाम बनाते हैं - निहोन या, अधिक गंभीर और आधिकारिक शैली में, निप्पॉन। इनमें से पहले चिन्ह का अर्थ है सूर्य, और दूसरे का अर्थ है जड़ या आधार। इसलिए उगते सूरज की भूमि के रूप में जापान का प्रतीकात्मक पदनाम। जापानियों का नाम ही "निहोनजिन" है ("जिन" का अर्थ है एक व्यक्ति)। जापान की राजधानी टोक्यो शहर है।

जापान एक द्वीप राज्य है जो पूर्वी एशिया में, रूस के सुदूर पूर्वी बाहरी इलाके, कोरियाई प्रायद्वीप और चीन के तटीय क्षेत्रों के पास स्थित है। क्षेत्रफल - 372 हजार वर्ग मीटर। किमी. जनसंख्या - 127.4 मिलियन लोग (2010 अनुमान)। जनसंख्या की दृष्टि से जापान विश्व में दसवें स्थान पर है। औसत जनसंख्या घनत्व 337 व्यक्ति प्रति 1 वर्ग किमी है। किमी.

जापान की भौगोलिक स्थिति की विशेषता उत्तर-पूर्व से दक्षिण-पश्चिम तक एक महत्वपूर्ण विस्तार है, जिसके कारण विभिन्न प्रकार की प्राकृतिक स्थितियाँ उत्पन्न हुईं। देश के चरम उत्तरी क्षेत्र ठंडे जलवायु क्षेत्र में हैं, केंद्रीय क्षेत्र समशीतोष्ण क्षेत्र में हैं, और दक्षिणी क्षेत्र उपोष्णकटिबंधीय क्षेत्र में हैं।

देश के मुख्य द्वीपों - होंशू, क्यूशू, शिकोकू और होक्काइडो से सटे 4 हजार छोटे द्वीप हैं। केवल विशेष नेविगेशन चार्ट ही इस विशाल द्वीप विश्व की विविधता को दर्शाते हैं।

प्रशांत महासागर में छोटे द्वीप समूहों में इज़ुनोशिचिटो, ओगासावारा (बोनिन), योरिटो (सल्फरस) और ज्वालामुखी मूल के कई छोटे द्वीप शामिल हैं। टोक्यो से 1800 किमी दक्षिण-पूर्व में, कर्क रेखा के पास, मार्कस (मिनामी-टोरी-शिमा) का छोटा द्वीप स्थित है, जो जापान का पूर्वी बाहरी इलाका है। भौगोलिक दृष्टि से लाभप्रद इन द्वीपों का कब्ज़ा, जापान की पूर्वी सीमाओं को प्रशांत महासागर में दूर तक धकेलता है।

रयूक्यू (नानसेई) द्वीप समूह जापान के दक्षिणी बाहरी इलाके का निर्माण करता है। रयूकू में 211 द्वीप हैं, जिनमें से कई मूंगा मूल के हैं।

जापानी द्वीप जापान, पीली और पूर्वी चीन के समुद्र द्वारा एशियाई मुख्य भूमि से अलग होते हैं। होंशू का पश्चिमी तट एशियाई तटों से सबसे दूरस्थ है - लगभग 1000 किमी; जापान के तट से कोरियाई प्रायद्वीप तक एक सीधी रेखा में कोरिया जलडमरूमध्य को पार करते समय सबसे कम दूरी 220 किमी है।

जापान 1947 से एक संवैधानिक बुर्जुआ राजतंत्र रहा है। देश की सर्वोच्च विधायी संस्था संसद है, जिसमें प्रतिनिधि सभा (निचली) और पार्षद सभा (ऊपरी) शामिल हैं। सर्वोच्च कार्यकारी निकाय मंत्रियों की कैबिनेट है। संविधान के अनुसार प्रधानमंत्री संसद के प्रति उत्तरदायी होता है।

1955 में, उदारवादी और लोकतांत्रिक पार्टियों के विलय के परिणामस्वरूप, लिबरल डेमोक्रेटिक पार्टी (एलडीपी) का गठन किया गया, जो बड़ी एकाधिकार पूंजी और नौकरशाही अभिजात वर्ग के हितों का प्रतिनिधित्व करती थी। मूलतः यह एक बुर्जुआ पार्टी है। हालाँकि, इसमें आबादी के सबसे विविध वर्गों का प्रतिनिधित्व किया गया है - छोटे और मध्यम पूंजीपति वर्ग, समृद्ध किसान वर्ग। इसमें कई अधिकारी (केंद्रीय और स्थानीय प्रशासनिक तंत्र दोनों से) शामिल हैं, जो मतदाताओं को प्रभावित करने के लिए पार्टी के लिए एक अतिरिक्त लाभ के रूप में कार्य करता है।

आर्किटेक्चरल पॉलीक्रोमी की प्राकृतिक और जलवायु परिस्थितियाँ

प्राकृतिक परिदृश्य का रंग पूल

सौंदर्य के तट पर बेप्पू बे(बेप्पू) ज्वालामुखी गतिविधि के क्षेत्र में स्थित है रक्त तालाब (रक्त तालाब गर्म पानी का झरना), अपने रक्त-रंग की मिट्टी के लिए जाना जाता है। लाल रंग का पानी चट्टानों से आता है और इसमें काफी मात्रा में लोहा होता है, जो वास्तव में जलाशय को इतना असामान्य लाल रंग देता है। यहाँ टी है थर्मल कॉम्प्लेक्स "नरक के नौ घेरे", पृथ्वी पर तापीय झरनों से सर्वाधिक संतृप्त स्थान। पर्यटकों को यहां न तैरने की चेतावनी दी जाती है। तापमान 90 डिग्री सेल्सियस तक पहुँच जाता है.

सफेद बगुला महल(हिमेजी) जापान में सबसे पुराने जीवित महलों में से एक है, और पर्यटकों के बीच सबसे लोकप्रिय है। कुल मिलाकर, महल परिसर में 83 इमारतें शामिल हैं, उनमें से लगभग सभी लकड़ी से बनी हैं। माउंट हिम (ह्योगो प्रान्त, हरिमा क्षेत्र) की तलहटी में महल का निर्माण 14वीं शताब्दी के मध्य में शुरू हुआ। इसे एक सुंदर बर्फ-सफेद पक्षी की याद दिलाने वाले रूपों और लालित्य के विशेष शोधन के लिए इसका नाम मिला। हिमेजी ने बाद की पीढ़ियों के अनगिनत महलों के लिए एक श्रद्धेय मॉडल के रूप में कार्य किया। इसकी ऊंची पत्थर की नींव, सावधानी से सफेदी की गई दीवारें, खामियां, एंब्राशर जापानी वास्तुकला तकनीकों के शस्त्रागार में मजबूती से प्रवेश कर गए हैं। 1333-1346 में निर्मित मूल महल एक से अधिक बार एक समुराई कबीले से दूसरे में चला गया। 16वीं शताब्दी के अंत तक, महल नागरिक संघर्ष और मांग से काफी क्षतिग्रस्त हो गया था ओवरहाल. फिर इसकी लगभग सभी वर्तमान संरचनाएँ दिखाई दीं, जिसके ऊपर एक सात-स्तरीय मुख्य टॉवर 45 मीटर की ऊँचाई तक उठा।

वनस्पति और जीव

जापान आंतरिक सजावटी वास्तुकला

फ्लोरा

देश के 66% भाग पर वन हैं। जापान की वनस्पतियों में पेड़ों और झाड़ियों की 700 से अधिक प्रजातियाँ और जड़ी-बूटियों की लगभग 3,000 प्रजातियाँ हैं।

होक्काइडो में बांस की घनी झाड़ियों के साथ स्प्रूस और देवदार के शंकुधारी जंगलों का प्रभुत्व है। ऊंचाई के साथ, जंगल धीरे-धीरे बौने देवदार और बर्च जंगलों, जड़ी-बूटियों-झाड़ी संरचनाओं और झाड़ीदार बंजर भूमि के घने जंगलों से बदल दिया जाता है। द्वीप के उत्तर में, शंकुधारी वनों की ऊपरी सीमा 500 मीटर है, दक्षिणी क्षेत्रों में उनका स्थान पर्णपाती चौड़ी पत्ती वाले वनों ने ले लिया है। होक्काइडो के दक्षिण-पश्चिम में, चौड़ी पत्ती वाले जंगल तट से 500 मीटर की ऊँचाई तक उगते हैं।

होंशू पर पर्णपाती चौड़ी पत्ती वाले जंगल भी व्यापक हैं; ओक, बीच, मेपल, चेस्टनट, राख, लिंडेन, आदि वहां उगते हैं। वे 1800 मीटर की ऊँचाई तक बढ़ते हैं, और शंकुधारी वन 1800-2000 मीटर की ऊँचाई पर समाप्त होते हैं। सदाबहार ओक, मैगनोलिया, कपूर के पेड़, क्रिप्टोमेरिया, जापानी सरू, आदि) समृद्ध अंडरग्राउंड और प्रचुर मात्रा में लियाना के साथ। क्यूशू और रयूकू द्वीप के सुदूर दक्षिण में, 300 मीटर की ऊंचाई तक मानसून वन आम हैं, जिनमें ताड़, फ़िकस, पेड़ फ़र्न, बांस और ऑर्किड पाए जाते हैं।

पशुवर्ग

जापान के द्वीप अलगाव के कारण, पशु जगत मुख्य भूमि की तुलना में कुछ हद तक समाप्त हो गया है (और रूप कुचल दिए गए हैं), लेकिन देश में कई स्थानिक और अवशेष प्रजातियां बची हुई हैं। इसके जीव-जंतुओं में स्तनधारियों की 270 प्रजातियाँ, पक्षियों की लगभग 800 प्रजातियाँ और सरीसृपों की 110 प्रजातियाँ शामिल हैं। देश के आसपास के समुद्रों में मछलियों की 600 से अधिक प्रजातियाँ और मोलस्क की 1,000 से अधिक प्रजातियाँ रहती हैं। पहाड़ी राहत के कारण, पहाड़ी जंगलों में जीवन के लिए अनुकूलित प्रजातियाँ मुख्य रूप से प्रबल होती हैं।

होक्काइडो द्वीप पर भूरे भालू, सेबल, इर्मिन, नेवला हैं। इसके अलावा, भेड़िये, लोमड़ी, बेजर, रैकून कुत्ते, ऊदबिलाव और खरगोश वहां और होंशू द्वीप पर रहते हैं। संगर जलडमरूमध्य के दक्षिण में काले भालू, जापानी मकाक, मृग, विशाल सैलामैंडर रहते हैं। उष्णकटिबंधीय जीव जापान में टोगारा जलडमरूमध्य के दक्षिण में रहते हैं।

पक्षियों में कठफोड़वा, थ्रश, टाइटमाउस, निगल, स्टार्लिंग, ब्लैक ग्राउज़, सारस, सारस, बाज़, ईगल, उल्लू हैं, तट से दूर कई समुद्री पक्षी हैं। मीठे पानी की मछली - कार्प, कैटफ़िश, ईल, लैम्प्रे; ट्राउट सहित कृत्रिम रूप से पाले गए ईल और सैल्मन। तटीय जल की वाणिज्यिक मछलियाँ: प्रशांत हेरिंग, इवासी, ट्यूना, कॉड, फ़्लाउंडर। केकड़े, झींगा, सीप भी हैं।

रंग प्रतीकवाद और वास्तुशिल्प पॉलीक्रोमी की भाषा

पूर्व में रंग का प्रतीकवाद

पूर्व में, रंग न केवल एक निश्चित भावनात्मक भार वहन करता है, बल्कि विशिष्ट सामग्री, कार्यात्मक महत्व से भी संपन्न होता है। एक या दूसरे सामाजिक समूह का एक प्रतिनिधि अपने वर्ग (जाति) के कपड़े पहनने के लिए बाध्य था, जिसका रंग और आकार उसके व्यवसाय के प्रकार और सामग्री के आधार पर - कल्याण के आधार पर आंका जाता था। प्राचीन भारतीय ग्रंथों में, समाज का सामाजिक और जातीय विभाजन रंग में परिलक्षित होता है: ब्राह्मण (पुजारी) सफेद कपड़े पहनते थे, क्षत्रिय (योद्धा और शासक) - लाल, वैश्य (व्यापारी और कारीगर) - पीला, शूद्र (नौकर) - काला पहनते थे।

रंग कैनन को ठीक करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई धार्मिक शिक्षाएँ. तो, नीला नीलम रत्न का रंग है, जो भारतीय ज्योतिष के अनुसार, शनि ग्रह से जुड़ा है। यह प्रेम के देवता का रंग भी है। भारतीय कलाकारों ने नीली चमड़ी वाले प्रेमी भगवान कृष्ण को चित्रित किया है, जो आमतौर पर पीले रंग के कपड़े पहनते हैं, और उनकी प्रिय चरवाहा राधा नीले रंग में हैं। काला रंग मृत्यु से मेल खाता है, यह महान काले भगवान द्वारा संरक्षित है, जो विध्वंसक भगवान शिव के अवतारों में से एक है। लाल - खून का रंग - युद्ध से जुड़ा है।

प्राचीन काल में, विभिन्न लोगों के बीच, लाल रंग स्त्रीत्व का प्रतीक था, और सफेद - मर्दाना। में प्रवेश वयस्कता, नवयुवकों ने एक दीक्षा संस्कार किया, जिसके लिए नवयुवकों के शरीर को सफेद रंग से ढक दिया गया। देवी माँ को समर्पित कई अनुष्ठानों में, लड़कियाँ अपने चेहरे और हाथों पर रक्त का प्रतीक लाल पाउडर लगाती थीं, जो इस देवी के लिए अतीत के खूनी बलिदानों की याद दिलाता था। आधुनिक भारतीय महिलाएं जो हिंदू धर्म को मानती हैं, शादी की तैयारी करती हैं, अपने हाथों और पैरों को लाल लाह पेंट या मेंहदी से रंगती हैं। दुल्हन लाल साड़ी पहनती है या खुद को लाल घूंघट में लपेटती है, दूल्हे को सफेद कपड़े पहनाए जाते हैं, आमतौर पर उसका साफा लाल होता है।

चीन में, कन्फ्यूशीवाद ने रंग प्रतीकवाद पर अपनी छाप छोड़ी। कैनन के अनुसार, बैंगनी का अर्थ है सद्गुण, हरा - मानवता, लाल - औपचारिक और व्यवस्था, पीला - विश्वास, सफेद - सत्य, कर्तव्य, आत्म-बलिदान, काला - बुद्धि और ज्ञान। कपड़ों में रंग का प्रतीकवाद विशेष रूप से स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता है। सम्राट पीला वस्त्र पहनते थे, वैज्ञानिक काले वस्त्र पहनते थे, प्रतिष्ठित व्यक्ति भूरे या सफेद वस्त्र पहनते थे, योद्धा लाल या नीला वस्त्र पहनते थे। प्राचीन चीन में, रंग का संबंध मौसम और दुनिया की दिशा से होता था। जब वे वसंत से मिले तो हरे रंग के कपड़े पहने गए, समारोह शहर के पूर्वी हिस्से में हुआ; लाल रंग में - दक्षिण की ओर - गर्मियों का स्वागत किया; पश्चिमी तरफ पीले या सफेद रंग से शरद ऋतु का स्वागत किया गया; शीतकालीन उत्सव में, जो उत्तर की ओर होता था, काले कपड़ों का बोलबाला था। चीनी पौराणिक कथाओं के अनुसार, पांच प्राथमिक रंग (हरा, लाल, सफेद, पीला, काला) न केवल मौसम और कार्डिनल बिंदुओं का प्रतीक हैं, बल्कि पांच प्राथमिक तत्वों (लकड़ी, आग, पृथ्वी, धातु, पानी) का भी प्रतीक हैं।

भारत या चीन के विपरीत, जापान में, विभिन्न धर्मों (कन्फ्यूशीवाद, बौद्ध धर्म और शिंटोवाद) में निहित कई रंगीन सिद्धांत सह-अस्तित्व में थे। इसके अलावा, जापानी हमेशा रंग की अपनी व्यक्तिगत और अंतरंग धारणा से प्रतिष्ठित रहे हैं। रंग के प्रति ध्यान और प्रेम को प्रकृति के प्रति संवेदनशील और अत्यंत सूक्ष्म दृष्टिकोण के साथ जोड़ा गया था। एक नियम के रूप में, जापान में पेंट उन सामग्रियों के नाम नहीं रखते हैं जिनसे वे बनाये जाते हैं, जैसा कि यूरोप में प्रथागत है (गेरू, जस्ता सफेद, इंडिगो, क्राप्लाक, कोबाल्ट, जला हुआ सिएना, आदि), लेकिन प्राकृतिक रंग वाहक। "अराहायरो" - "पत्तियों और जड़ी-बूटियों का उल्टा भाग" - का अर्थ है हरा-राख, बहरा और नरम रंग टोन; "उगुइसुइरो" - "जापानी कोकिला के पंखों का रंग" - भूरा-नीला-हरा; "एक्विरो" - "ठंडी राख"; "सबिरो" - "जंग", आदि।

कुछ प्रशिक्षण के लिए धन्यवाद, जापानी 240 रंगों के रंगों में अंतर कर सकते हैं। आधुनिक जापानी स्कूली बच्चे प्राथमिक स्कूललगभग 40 रंग स्वतंत्र रूप से प्रतिष्ठित हैं।
रंग का प्रतीकवाद पूर्व के पारंपरिक रंगमंच में सक्रिय रूप से उपयोग किया जाता है। पोशाक का रंग चरित्र के चरित्र से जुड़ा होता है, उसकी सामाजिक स्थिति, लिंग, उम्र का संकेत देता है। सबसे महान रंग सफेद है, जिसका व्यापक रूप से देवताओं, अच्छाइयों, सुंदरियों की पोशाक में उपयोग किया जाता था।

जापानी नोह थिएटर में रंग एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। यहां सफेद कपड़े और लाल बेल्ट युवा शक्ति का प्रतिनिधित्व करते हैं। चीन में, काला मुखौटा ज्ञान का प्रतीक है, लाल मुखौटा क्रोध, रक्तपिपासु का प्रतीक है।

रंग के प्रतीकवाद और मनोदशा और भावना के चित्रण के बीच घनिष्ठ संबंध कला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण था, जैसा कि प्राचीन काल में माना जाता था, बुराई को उजागर करने और अच्छाई को ऊंचा उठाने के लिए कहा जाता था।

राष्ट्रीय कॉस्टयूम

मैं उगते सूरज की भूमि - जापान से शुरुआत करना चाहूँगा। 19वीं सदी के मध्य से, किमोनो जापानी "राष्ट्रीय पोशाक" रही है। किमोनो गीशा और मायको (भविष्य की गीशा) का काम का पहनावा भी है। किमोनो केवल कंधों और कमर को हाइलाइट करता है, फिगर की खामियों को छुपाता है। यह विचार जापानियों की पारंपरिक पसंद और आदर्श संविधान के विचार से जुड़ा है - "जितना कम उभार और उभार, उतना अधिक सुंदर।"

सजावटी कला

जापानी पारंपरिक कलामूल एवं मौलिक सिद्धांतों पर आधारित। जापानियों की रुचि और प्राथमिकताएँ अन्य देशों के निवासियों की सौंदर्य संबंधी प्राथमिकताओं से बहुत भिन्न हैं। जापान में सजावटी और व्यावहारिक कलाओं की भी अपनी विशेषताएं हैं।

सजावटी कार्य इस देश में कई सदियों से बनाया गया। ये सिरेमिक और चीनी मिट्टी के उत्पाद हैं, जो कपड़े और कपड़ों, लकड़ी, धातु और हड्डी की नक्काशी, सुंदर हथियारों और बहुत कुछ से सजाए गए हैं।

सामान्य तौर पर, कला और शिल्प पर एक निश्चित फोकस होता है। विभिन्न उत्पाद न केवल सौंदर्यपूर्ण रूप से उनके चिंतन का आनंद लेने के लिए बनाए जाते हैं, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी में लागू करने के लिए भी बनाए जाते हैं।

और जापानियों के लिए न केवल ऐसी कला के कार्यों का उपयोग करना बहुत महत्वपूर्ण है, बल्कि ऐसा करना भी बहुत महत्वपूर्ण है अपने घर को सजाओउनकी सुंदरता की प्रशंसा कर रहे हैं. जापान के निवासियों का सौंदर्य के प्रति सदैव विशेष दृष्टिकोण रहा है। उन्हें ऐसा लगा कि वैभव और अनुग्रह को शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है। हालाँकि, सुंदरता सामान्य दुनिया से बाहर थी। संपूर्ण मानव जीवन क्षणभंगुर था, मृत्यु के बाद आत्मा एक सुंदर और रहस्यमय दुनिया में चली गई।

जापानियों के विश्वदृष्टिकोण की उपरोक्त सभी विशेषताएं कला और शिल्प के कार्यों के निर्माण में परिलक्षित हुईं। कोई गतिविधिइस उद्देश्य के लिए विशेष रूप से बनाए गए उपकरणों का उपयोग भी किया गया था।

उदाहरण के लिए, चाय या खातिर खुरदरे और असमान कपों से पिया। हालाँकि, यह वे थे जो अपनी सुंदरता के लिए मूल्यवान थे, जो दूसरी दुनिया में मौजूद थे।

महान जापानी मास्टर्सवस्तुओं का निर्माण किया, जिससे उन्हें एक सौंदर्यपूर्ण रूप मिला। आकृतियाँ - नेटसुके, बक्से - इनरो, लैकरवेयर, सुरुचिपूर्ण कोसोडे, स्क्रीन, पंखे - यह सब कलात्मक स्वाद और अनुग्रह के साथ तैयार किया गया था।

लघु मूर्तियां नेटसुकपुरुषों द्वारा विभिन्न प्रकार की वस्तुओं को ले जाने के लिए उपयोग किया जाता है। किमोनो बेल्ट में नेटसुक की मदद से एक पाइप, एक थैली या एक पर्स जोड़ा जाता था।

प्रत्येक लघु मूर्ति प्रतीकात्मक नोट ले गए,वे।कुछ मतलब था.

प्रदर्शन की व्यावसायिकताजापानी मूर्तियों में अनुमान लगाया गया। वैसे, नेटसुक बनाने की कला अपेक्षाकृत हाल ही में उत्पन्न हुई, 1603 में-1868 साल का। जापान में इस समयावधि को कहा जाता है ईदो.

उस काल के सबसे प्रसिद्ध उस्ताद थे दोराकुसाई (XVIII सदी), क्ज़िउमिन (18वीं सदी के अंत में) टोमोटाडा (XVIII सदी), मासात्सुगु (XIX सदी), ग्योकुमिन (XIX सदी) और अन्य.

नेटसुक बनाने के लिए किस प्रकार की छवियों का उपयोग नहीं किया गया? और नागरिकों की रोजमर्रा की गतिविधियाँ, और धार्मिक विचार, और जानवरों की छवियां। मास्टर्स को साहित्यिक कृतियों, परियों की कहानियों, प्रसिद्ध जापानी योद्धाओं के नायकों को चित्रित करना पसंद था।

यदि 19वीं सदी तक कोई मूर्तियों में नोटिस कर सकता था असंगत रूपऔर वास्तविक छवियों के साथ असंगति, फिर बाद में जापानी मास्टर्स ने चरित्र को अधिक सटीक रूप से चित्रित करने, उसकी विशिष्ट विशेषताओं को व्यक्त करने का प्रयास किया। नेटसुक निर्माताओं के लिए प्राकृतिक दुनिया अधिक आकर्षक हो गई है।

कई दशकों से, लघु मूर्तियाँ बनाने की तकनीक में सुधार किया गया है।

यदि जापान की सजावटी कलाओं में ऐसी दिशा के उद्भव की शुरुआत में, सामग्री का अधिक बार उपयोग किया जाता था लकड़ी या हाथीदांत, फिर 19वीं शताब्दी में मास्टर्स ने उपयोग करना शुरू किया चीनी मिट्टी, मूंगा, धातु, सुलेमानीऔर अन्य सामग्री। लकड़ी के नेटसुक को आवश्यक रूप से कोयले के पाउडर से पॉलिश किया जाता था, सन के तेल से रगड़ा जाता था और रेशम से चमकाया जाता था। एक अधिक कठिन रास्ता मूर्तियों को रंगने की प्रक्रिया थी।

इनरो - आवश्यक उपकरणों के लिए एक बॉक्स

जापानी कला और शिल्प में बक्सों को सबसे उत्तम वस्तु माना जाता है - inro लघु दराजों की तरह अधिक।

वे महिलाओं या पुरुषों की पोशाक का हिस्सा थे। यदि पुरुष किमोनो बेल्ट से नेटसुके की तरह इनरो लटकाते थे, तो महिलाएं उन्हें अपनी आस्तीन के पीछे पहनती थीं।

अनुवाद में, इनरो है टिकटों के लिए बॉक्स, जिसका उपयोग विभिन्न छोटी वस्तुओं को ले जाने के लिए किया जाता था। इसकी कई आंतरिक शाखाएँ थीं। इस प्रकार के उत्पाद बनाने वाले कारीगरों ने इनरो को शालीनता और कलात्मक स्वाद के साथ पूरा करने का प्रयास किया। लाह पेंटिंग, मदर-ऑफ़-पर्ल इनले, और हाथीदांत, कीमती पत्थरों और विभिन्न इनरो सजावट तकनीकों का उपयोग किया गया था।

कोसोडे - छोटी आस्तीन वाला किमोनो

कोसोदे जापानी कपड़ों की एक वस्तु के रूप में लंबे समय से जाना जाता है। हालाँकि, एडो काल तक ऐसा नहीं था कि नई कपड़े रंगाई प्रौद्योगिकियों का उपयोग करके कम बाजू वाले किमोनो को चमकीले ढंग से सजाया जाना शुरू हुआ।

कोसोडे कला और शिल्प की एक वस्तु बन गया है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि किसी व्यक्ति के जीवन में अवसरों के आधार पर, जापानी एक निश्चित तरीके से कोसोडे पहनते हैं। रेशम के धागों के विविध प्रयोग से आश्चर्यजनक परिणाम प्राप्त हुए। प्रत्येक कोसोडे था कला और शिल्प की वस्तुजापानी लोग।

जापानी कला और शिल्प के एक काम के रूप में पंखा

पंखाजापानी मास्टर्स का ध्यान भी आकर्षित किया और कला का विषय बन गया। पंखा - सेंसुजापान आया, संभवतः चीन से। और पहले से ही जापानी मास्टर्स ने इसे अपना अनोखा, सुरुचिपूर्ण रूप दिया।

पंखे का प्रकार - यूटीवा विशुद्ध रूप से जापानी आविष्कार माना जाता है। यह एक ऐसा पंखा-पंखुड़ी है, जिसे लकड़ी के एक ही टुकड़े से बनाया जाता था, फिर उसे महंगे रेशम या कागज से ढक दिया जाता था, जिस पर सुंदर चित्र बनाए जाते थे।

रेखाचित्रों के कथानक भिन्न थे। जापानी परंपराएँ कला के ऐसे प्रत्येक कार्य में प्रशंसक के रूप में नग्न आँखों से दिखाई देती थीं।

वैसे, जापानियों ने पंखे का एक ऐसा संस्करण भी बनाया, जिसका उपयोग सैन्य क्षेत्र में भी किया जाता था। एक नियम के रूप में, युद्ध के मैदान पर निर्देश देते समय ऐसी वस्तु का उपयोग किया जाता था। इस पंखे के साथ एक खास तरह की सजावट की गई थी। अधिक बार, इसमें एक तरफ पीले रंग की पृष्ठभूमि पर एक लाल वृत्त और दूसरी तरफ लाल पृष्ठभूमि पर एक पीले वृत्त को दर्शाया गया है।

जापानी कलात्मक तलवार

जापानी कला और शिल्प के सौंदर्य सिद्धांत पूरी तरह से कलात्मक तलवारों के निर्माण और सजावट में व्यक्त किए गए थे।

एमईच -यह जापानियों की पूजा की एक विशेष वस्तु है और इसे बनाने के लिए विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों का उपयोग किया गया था।

जापानी तलवारन केवल अपने रूप में सुंदर। स्टील की विशेष संरचना, ब्लेड की चमकदार रेखा, जिसकी सतह को सावधानीपूर्वक पॉलिश किया गया था, ऐसी वस्तु को जापानी कला के उच्चतम कार्य के रूप में दर्शाती है। कुछ ब्लेडों को ड्रेगन की राहत आकृतियों, हथियारों के समुराई कोट से भी सजाया गया था, और चित्रलिपि के साथ समाप्त किया गया था।

जापान में थे बंदूकधारी स्कूलजिन्होंने विभिन्न बनाया तलवारें लड़ना, हथियारों की कलात्मक सजावट में विशेषज्ञता। इतना प्रसिद्ध बंदूकधारी मसमुने (अंततेरहवेंसदी - शुरुआतXIVशतक)अपनी शिल्प कौशल के लिए पूरे जापान में प्रसिद्ध। जापानी हथियार कला के हमारे कई समकालीन पारखी उनके काम की तलवार खरीदने का सपना देखते हैं।

लाह और सिरेमिक उत्पाद

लाख उत्पाद पूरे जापान में उपयोग किया जाता है। ये बर्तन, और घरेलू बर्तन, और व्यक्तिगत देखभाल के लिए विभिन्न आवश्यक उपकरण, और कवच, और यहां तक ​​कि हथियार भी हैं। कुलीन लोगों के घरों को इसी तरह के उत्पादों से सजाया जाता था।

पारंपरिक वार्निशजापानी कारीगरों द्वारा उपयोग किए जाने वाले सामान लाल, काले और सुनहरे रंग के होते थे। ईदो युग का अंतहरे, भूरे और पीले वार्निश के उत्पादन द्वारा चिह्नित किया गया था। और पहले से ही 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, जापानियों को सफेद, बैंगनी और नीले रंग के वार्निश प्राप्त हुए। लाख पेंटिंगसोने, मोती और चांदी की जड़ाई का उपयोग जापानी कारीगरों द्वारा विभिन्न उत्पादों को तैयार करने का सबसे शानदार तरीका है।

सिरेमिक उत्पादजापानी कला और शिल्प का भी विषय थे। कई तकनीकें चीन और कोरिया से ली गई हैं। हालाँकि, जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें इस मायने में भिन्न हैं कि कारीगरों ने भुगतान किया बहुत ध्यान देनान केवल आकार, आभूषण और रंग जैसे मापदंडों के लिए, बल्कि यह भी कि एक सिरेमिक उत्पाद मानव हथेली के संपर्क में आने पर क्या संवेदनाएं पैदा करेगा।

कलात्मक चीनी मिट्टी की चीज़ेंजापान में, यह विभिन्न प्रकार के बर्तनों की एक विस्तृत विविधता है, जैसे कि चायदानी, खातिर बर्तन, सजावटी व्यंजन, बर्तन और अन्य। चीनी मिट्टी की पतली दीवार वाले फूलदान अभी भी पश्चिमी देशों में मांग में हैं।

पारंपरिक इंटीरियर

जापानी शैली आकर्षक और सेक्सी गीशा और दबंग समुराई की भावना रखती है। जापानी शैली के शयनकक्ष में प्यार करने वाला जोड़ा ईर्ष्या और वैसा ही करने की इच्छा पैदा करता है।

लेकिन ऐसा करने से पहले, आइए जापानी संस्कृति के कुछ तत्वों से परिचित हों। इस देश के निवासियों का मानना ​​है कि घर एक जीवित जीव है। और ऐसे घर का आराम ठीक हो सकता है। जापानी आवास में प्रत्येक वस्तु का अपना कार्य होता है, उनके पास अनावश्यक और यादृच्छिक चीजें नहीं होती हैं।

यदि आप इस राय पर भरोसा करते हैं तो आपके घर के लिए साधारण ज्यामितीय आकार के फर्नीचर को प्राथमिकता दी जानी चाहिए। और निरर्थक साज-सज्जा को बिल्कुल भी स्थान नहीं मिलना चाहिए।

ऐसे डिज़ाइनर हैं जो जापानी शैली को नीरस और खाली मानते हैं, लेकिन जापानी स्वयं मानते हैं कि ऐसी शून्यता सकारात्मक रूप से चार्ज की गई ऊर्जा के मुक्त संचलन में योगदान करती है।

कुछ सामान अभी भी जापानियों के शयनकक्षों में मौजूद हैं, इस तथ्य के बावजूद कि इस देश के निवासियों के लिए कई चीजें अर्थहीन मानी जाती हैं। वे जापानी संस्कृति और जापानी आभूषणों के पारंपरिक रूपांकनों को धारण करते हैं।

इसलिए, छोटी मूर्तियां, किमोनो पहने गुड़िया, चीनी मिट्टी के फूलदान, चेरी ब्लॉसम का चित्रण करने वाले जापानी पंखे आदि को शयनकक्ष में सजावट के रूप में रखा जा सकता है। लेकिन एक ही समय में एक शर्त का उल्लंघन नहीं किया जा सकता - सामान प्राकृतिक प्राकृतिक सामग्री से बना होना चाहिए।

जापानी शयनकक्षों के इंटीरियर की सादगी और व्यावहारिकता के बावजूद, रंगों के उपयोग की भी अनुमति है, क्योंकि इस लोगों का दर्शन कहता है कि व्यक्ति को हमेशा प्रकृति के साथ सामंजस्य बिठाना चाहिए।

आप शयनकक्ष के कोनों में एक छोटा बंजई का पेड़ या फूलदान में अपने पसंदीदा फूल रख सकते हैं, आपके कमरे की दीवारें बहुत अच्छी लगेंगी यदि आप उन्हें ताजे और सूखे दोनों तरह के फूलों से सजाएंगे।

मुख्य जापानी आवश्यकता को पूरा करने के लिए - प्रकृति के साथ सामंजस्य स्थापित करने के लिए, घर में हर चीज़ प्राकृतिक सामग्री से बनी होनी चाहिए, जैसे: लकड़ी, कंक्रीट, प्लास्टर, ईंट, बांस वॉलपेपर और बहुत कुछ। इंटीरियर में ग्लास का भी इस्तेमाल किया जा सकता है।

जापानी शैली का तात्पर्य घर में अच्छी रोशनी की उपस्थिति से है। रोशनी बहुत तेज और धीमी नहीं होनी चाहिए। आप इसे लैंपशेड के उपयोग के माध्यम से ऐसा बना सकते हैं, जो साधारण लैंप पर स्थापित होते हैं। इस प्रकाश व्यवस्था के लिए धन्यवाद, शयनकक्ष में सभी वस्तुओं को सुखद रोशनी में प्रस्तुत किया जाएगा। छाया और प्रकाश का संयोजन बहुत आरामदायक है।

जापानी शैली के इंटीरियर में, केवल एक रंग का उपयोग किया जाता है, जो इसके हाफ़टोन से पूरित होता है। शयनकक्ष की सही साज-सज्जा बनाने के लिए सफेद, काले, भूरे और क्रीम रंग सर्वोत्तम हैं।

जापानी शैली के बेडरूम की विशेषता अतिसूक्ष्मवाद, बनावट और रंगों का मध्यम सामंजस्यपूर्ण संयोजन, सादगी और इंटीरियर में प्राकृतिक सामग्री की उपस्थिति है। इस शैली में सजाए गए कमरे में रहने से, आत्मा को सद्भाव और शांति का अनुभव होगा, और शरीर कठिन दिन के काम से आराम करने में सक्षम होगा। ऐसा शयनकक्ष खाली जगह से भरा होता है, जिसकी बदौलत रचनात्मकता के अवसर और इच्छा खुलती है, और आप इसमें रोजमर्रा की हलचल से भी छिप सकते हैं।

जापानी शैली के शयनकक्ष में विश्राम स्थल कमरे के मध्य में स्थित होना चाहिए, और फर्नीचर सुंदर और परिष्कृत होना चाहिए, जो प्राकृतिक सामग्री, अधिमानतः बांस से बना हो। मुख्य रूप से असबाब के लिए उपयोग किया जाता है प्राकृतिक कपड़े- रेशम और कपास.

में से एक आवश्यक तत्वजापानी शैली के शयनकक्षों को स्लाइडिंग स्क्रीन माना जाता है, जिन्हें अक्सर चुभती नज़रों से बिस्तर को छिपाने के लिए स्थापित किया जाता है। इन्हें इस्तेमाल करना बहुत आसान है, अगर आप इन्हें हटाना चाहें तो बिल्कुल भी मुश्किल नहीं होगा। जहाँ तक फर्श की बात है, यह आमतौर पर लकड़ी का बना होता है। भार वहन करने वाली संरचनाएं बनाने के लिए दीवारों को तैयार किया गया है।

और सजावट के लिए, जापानी शयनकक्षों को इकेबाना, पंखे, ब्लेड और तलवारें, देवताओं की लघु आकृतियाँ, संदूक और कागज के लैंप से सजाया जाता है। सहायक उपकरण सजावटी पौधे या फूलदान हैं जो कमरे के कोनों में या दीवार की अलमारियों पर बहुत अच्छे लगते हैं। हालाँकि, इंटीरियर में बहुत अधिक सामान रखने की अनुशंसा नहीं की जाती है; जापानी शैली हर चीज़ में एक माप का तात्पर्य करती है।

जापानी इंटीरियर क्या है? सबसे पहले, यह हर चीज़ में एक सूक्ष्म सौंदर्यवादी अतिसूक्ष्मवाद है। यह ज़ेन के दर्शन पर आधारित है, जो संक्षिप्त हर चीज़ को सुंदर मानता है। यही कारण है कि किसी भी जापानी इंटीरियर का मुख्य सिद्धांत "छोटे में सौंदर्य" है। जापानियों के लिए, स्पष्टता और वाचालता की अवधारणाएँ अस्वीकार्य हैं, सबसे पहले, एक निश्चित "अविकसितता", जो कृत्रिमता को न्यूनतम कर देती है, और सामग्री की प्राकृतिक सुंदरता को सतह पर छोड़ देती है।

जापानियों के लिए सबसे सरल चीज़ें प्रेरणा और सौंदर्यशास्त्र के स्रोत के रूप में काम करती हैं। प्राचीन काल से, चेरी ब्लॉसम या बहती धारा मानव आत्मा की शांति और आध्यात्मिकता का प्रतीक रही है। और साथ ही, कला के सिद्धांतों का, न कि शिल्प का, पवित्र महत्व है। अंतरिक्ष के केंद्र में न्यूनतम वस्तुएं हैं, जिनमें से प्रत्येक एक गहरे अर्थ से संपन्न है।

भूमि की कमी की शाश्वत समस्या को देखते हुए, जापानी संस्कृति ने लंबे समय से लघु रूपों का उपयोग किया है, और सीमित प्राकृतिक संसाधनों के कारण आंतरिक सज्जा में कमी और सुंदरता आई है। एक पारंपरिक जापानी उद्यान, एक नियम के रूप में, एक छोटे से क्षेत्र पर कब्जा कर लेता है और इसमें एक पेड़, एक छोटा जलाशय और कई पत्थर भी शामिल हो सकते हैं।

जापानी इंटीरियर को अपने घर की सजावट मानते हैं। अन्य संस्कृतियों के न्यूनतम प्रभाव के कारण केवल जापानी संस्कृति के लिए विशिष्ट और विशिष्ट तकनीकों का निर्माण हुआ। कागज, रेशम और ईख का उपयोग मुख्य सामग्री के रूप में किया जाता था। पत्थर और लोहे के शिल्प को बाहर रखा गया था, और यहां तक ​​कि शाही महल भी पूरी तरह से पारंपरिक सामग्रियों से बनाए गए थे।

जापान में अक्सर भूकंप आते रहते थे, इसलिए आवास को ऊंचे स्थानों पर रखा गया था।

हर चीज में सीधी रेखाएं और समकोण - यह जापानी इंटीरियर है। चिकने पैटर्न से चित्रित काल्पनिक चित्रलिपि और कपड़े कुछ हद तक नरम हो जाते हैं और परिष्कार जोड़ते हैं। और आज, जापानी फ़र्निचर की सतहें चिकनी हैं, और टेबल और सीटें, कई शताब्दियों पहले की तरह, बहुत नीची हैं। अक्सर जापानी मेज के सामने फर्श पर ही बैठ जाते हैं। व्यंजन के रूप में, तात्कालिक साधनों का उपयोग अक्सर किया जाता है (छड़ी के लिए बक्से या बक्सों से ढक्कन)।

जापानी इंटीरियर में सामान्य हल्केपन के अलावा, एक उचित गंभीरता भी है। किसी भी स्थान का अपना दार्शनिक औचित्य होता है, जो प्रकृति से अधिकतम निकटता में निहित होता है। जापान में धार्मिक परंपरा के जन्म के बाद से ही इसका प्रचार किया जाता रहा है।

चावल के भूसे से निर्मित, टाटामी का उपयोग पारंपरिक रूप से फर्श को ढंकने के लिए किया जाता है। इसका आकार सख्ती से 180x90 है। जापानी फर्श पर विशेष ध्यान देते हैं, इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि वे न केवल बैठने की जगह के रूप में, बल्कि खाने की जगह के रूप में भी काम करते हैं। रीड फ़्लोर मैट आमतौर पर पीले या क्रीम रंग में बनाए जाते थे, जबकि उत्सव के फ़्लोर कवरिंग रंगीन धागों का उपयोग करके बनाए जाते थे। बैठने के लिए चटाई पर मुलायम गद्दे लगाए गए थे और कोहनियों के लिए किनारों पर स्टैंड लगाए गए थे। जापानी इंटीरियर में हर चीज अतिसूक्ष्मवाद के लिए प्रयास करती है, यहां तक ​​​​कि जापानियों का छोटा कद भी आवास की कम ऊंचाई में योगदान देता है।

आज तक, यूरोपीय अलमारियाँ एक आधुनिक जापानी अपार्टमेंट के लिए एक जिज्ञासा हैं, और सभी आवश्यक चीजें नक्काशी और मदर-ऑफ-पर्ल से सजाए गए संदूकों में संग्रहित की जाती हैं। परंपरागत रूप से, जापानी आवास में, दीवार में ताकें बनाई जाती हैं। उनमें से एक (टोकोनोमा) में, जब मेहमान आते थे, तो मूर्तियाँ स्थापित की जाती थीं और एक इकेबाना रखा जाता था। इसके अलावा, आरामदायक कमरों को रीड स्क्रॉल और विभिन्न जानवरों की मूर्तियों (नेटसुके) से सजाया गया था।

जापानी विशेष रूप से आरामदायक बैठने के लिए तकिए का उपयोग करते हैं, और लंबे समय तक सोने के लिए चीनी मिट्टी और लकड़ी के रोलर्स बनाए जाते थे, जिन्हें सिर के पीछे रखा जाता था और गर्दन की मांसपेशियों की मालिश की जाती थी। जापानी घरों को पारंपरिक रूप से सिरेमिक और पत्थर के कैंडलस्टिक्स या लैंप में मोमबत्तियों से रोशन किया जाता था, जो सुरुचिपूर्ण चावल पेपर लैंपशेड से ढके होते थे।

रंगों का एक सख्त पैलेट और फर्नीचर का संयमित अतिसूक्ष्मवाद जापानी इंटीरियर की सादगी पर जोर देता है। दीवारें आमतौर पर हल्की होती हैं, और फर्नीचर के टुकड़े गहरे रंग की लकड़ी से बने होते हैं। ऐसा माना जाता है कि जापानी दुर्लभ रंगों को अलग करने में अन्य लोगों की तुलना में बेहतर हैं। उनके रंग विशेष रूप से प्राकृतिक हैं: गुलाबी, साकुरा के रंग की तरह या नीला, समुद्र की लहर की तरह। यही कारण है कि जापानी यूरोपीय शैली के लिए असामान्य रंग संयोजन देख सकते हैं। पसंदीदा रंग मिश्रित नीला और हरा, नारंगी और बैंगनी हैं।

जापानी घर का मुख्य आकर्षण सौंदर्यपूर्ण चल विभाजन (फुसुमा) है। इनका उपयोग छोटे स्थानों की संरचना के लिए लाभप्रद रूप से किया जाता है। फ्यूसुमा को सही जगह पर ले जाकर आप आसानी से लिविंग रूम और किचन को एक कमरे में कर सकते हैं। इसके अलावा जापानी घरों में कोई दरवाज़ा नहीं होता, उसकी जगह पर्दों और स्क्रीनों ने ले ली है।

जापानी सामग्रियों ने हमेशा परिष्कृत यूरोपीय कल्पना को आश्चर्यचकित किया है। उत्तम फूलों वाले कपड़े या पारंपरिक जापानी रेशम का उपयोग स्क्रीन और पर्दे, तकिए और बेडस्प्रेड के लिए किया जाता है।

जापानी संस्कृति में गुलदस्ते (इकेबाना) बनाने की कला का एक विशेष स्थान है। ऐसा पुष्प पहनावा घर के मालिकों के मूड को आसानी से बता सकता है। इकेबाना की दो शैलियाँ हैं, मोरीबाना और नगेइरे, जो इस बात में भिन्न हैं कि फूलों को निचले या ऊंचे फूलदान में रखा गया है या नहीं। लघु वृक्ष (बोन्साई) उगाने की कला जापान में भी कम लोकप्रिय नहीं है। आपका बोन्साई हर जापानी घर के इंटीरियर का पूरक है।

घर के चारों ओर, जापानी एक छोटा सा बगीचा लगाते हैं, जिसमें आवश्यक रूप से एक कृत्रिम तालाब, काई, कुछ पत्थर और पारंपरिक फूल (आईरिस, गुलदाउदी) शामिल होते हैं। प्रत्येक उद्यान मालिकों के आंतरिक दर्शन से मेल खाता है, इसलिए इसकी योजना बनाना एक विशेष व्यवसाय है।

इन दिनों, जापानी शैली का उपयोग अतिसूक्ष्मवाद के साथ काम करने वाले डिजाइनरों द्वारा किया जाता है। अक्सर, यूरोपीय आवासों में अंतर्निर्मित वार्डरोब और कम टेबल, मोबाइल विभाजन और कॉम्पैक्ट स्क्रीन पाए जाते हैं। और यूरोपीय लोग स्वयं जापानी इंटीरियर को कुछ छोटा और कागजी, परिष्कृत और इकेबाना की तरह जटिल मानते हैं। और फिर भी, कई स्वामी उगते सूरज के देश की आंतरिक कला के रहस्यों पर काम करना बंद नहीं करते हैं।

शहरों। ऐतिहासिक और आधुनिक वास्तुकला के बीच संबंध

रंग आंतरिक सजावटी वास्तुकला

कोबे जापान का छठा सबसे बड़ा शहर है, जो होंशू द्वीप के दक्षिणी तट पर स्थित है।

योकोहामा की तरह, यह एक प्रमुख बंदरगाह शहर है, हालांकि, इसकी आबादी लगभग 2 गुना छोटी है - केवल लगभग 1.5 मिलियन लोग। यद्यपि कोबे की साइट पर समझौता लंबे समय तक अस्तित्व में था (पहला उल्लेख 201 ईस्वी में था), इसने विशेष रूप से राजनीतिक घटनाओं में भाग नहीं लिया। और केवल 1889 में यह बस्ती एक शहर के रूप में बन गई और आज जैसी है वैसी ही बन गई। कोबे पश्चिम के साथ व्यापार के लिए खुले शहरों में से एक था। 1995 में महान हांसी भूकंप के दौरान शहर बुरी तरह क्षतिग्रस्त हो गया था।

कोबे में प्रसिद्ध स्थानों में कोबे पोर्ट टॉवर, कोबे समुद्री संग्रहालय (एक अजीब छत के साथ) हैं, और वे हार्बरलैंड स्क्वायर पर स्थित हैं - मैरीकन पार्क के मनोरंजन जिले के सामने।

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जापानी पारंपरिक कलामूल एवं मौलिक सिद्धांतों पर आधारित। जापानियों की रुचि और प्राथमिकताएँ अन्य देशों के निवासियों की सौंदर्य संबंधी प्राथमिकताओं से बहुत भिन्न हैं। जापान में सजावटी और व्यावहारिक कलाओं की भी अपनी विशेषताएं हैं।

सजावटी कार्यइस देश में कई सदियों से बनाया गया। ये सिरेमिक और चीनी मिट्टी के उत्पाद हैं, जो कपड़े और कपड़ों, लकड़ी, धातु और हड्डी की नक्काशी, सुंदर हथियारों और बहुत कुछ से सजाए गए हैं।

सामान्य तौर पर, कला और शिल्प पर एक निश्चित फोकस होता है। विभिन्न उत्पाद न केवल सौंदर्यपूर्ण रूप से उनके चिंतन का आनंद लेने के लिए बनाए जाते हैं, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी में लागू करने के लिए भी बनाए जाते हैं।

और जापानियों के लिए न केवल ऐसी कला के कार्यों का उपयोग करना बहुत महत्वपूर्ण है, बल्कि ऐसा करना भी बहुत महत्वपूर्ण है अपने घर को सजाओउनकी सुंदरता की प्रशंसा कर रहे हैं. जापान के निवासियों का सौंदर्य के प्रति सदैव विशेष दृष्टिकोण रहा है। उन्हें ऐसा लगा कि वैभव और अनुग्रह को शब्दों में व्यक्त किया जा सकता है। हालाँकि, सुंदरता सामान्य दुनिया से बाहर थी। संपूर्ण मानव जीवन क्षणभंगुर था, मृत्यु के बाद आत्मा एक सुंदर और रहस्यमय दुनिया में चली गई।

जापानियों के विश्वदृष्टिकोण की उपरोक्त सभी विशेषताएं कला और शिल्प के कार्यों के निर्माण में परिलक्षित हुईं। कोई गतिविधिइस उद्देश्य के लिए विशेष रूप से बनाए गए उपकरणों का उपयोग भी किया गया था।

उदाहरण के लिए, चाय या खातिरखुरदरे और असमान कपों से पिया। हालाँकि, यह वे थे जो अपनी सुंदरता के लिए मूल्यवान थे, जो दूसरी दुनिया में मौजूद थे।

महान जापानी मास्टर्सवस्तुओं का निर्माण किया, जिससे उन्हें एक सौंदर्यपूर्ण रूप मिला। आकृतियाँ - नेटसुके, बक्से - इनरो, लैकरवेयर, सुरुचिपूर्ण कोसोडे, स्क्रीन, पंखे - यह सब कलात्मक स्वाद और अनुग्रह के साथ तैयार किया गया था।

नेटसुके - लघु मूर्तिकला

विभिन्न वस्तुओं को ले जाने के लिए पुरुषों द्वारा लघु मूर्तियों का उपयोग किया जाता था। किमोनो बेल्ट में नेटसुक की मदद से एक पाइप, एक थैली या एक पर्स जोड़ा जाता था।

प्रत्येक लघु मूर्तिप्रतीकात्मक नोट ले गए, यानी कुछ मतलब था.

प्रदर्शन की व्यावसायिकताजापानी मूर्तियों में अनुमान लगाया गया। वैसे, नेटसुक बनाने की कला अपेक्षाकृत हाल ही में उत्पन्न हुई, 1603-1868 मेंसाल का। जापान में इस समयावधि को कहा जाता है ईदो.

उस काल के सबसे प्रसिद्ध उस्ताद थे दोराकुसाई(XVIII सदी), क्ज़िउमिन(18वीं सदी के अंत में) टोमोटाडा(XVIII सदी), मासात्सुगु(XIX सदी), ग्योकुमिन(XIX सदी) और अन्य।

नेटसुक बनाने के लिए किस प्रकार की छवियों का उपयोग नहीं किया गया? और नागरिकों की रोजमर्रा की गतिविधियाँ, और धार्मिक विचार, और जानवरों की छवियां। मास्टर्स को साहित्यिक कृतियों, परियों की कहानियों, प्रसिद्ध जापानी योद्धाओं के नायकों को चित्रित करना पसंद था।

यदि 19वीं सदी तक कोई मूर्तियों में नोटिस कर सकता था असंगत रूपऔर वास्तविक छवियों के साथ असंगति, फिर बाद में जापानी मास्टर्स ने चरित्र को अधिक सटीक रूप से चित्रित करने, उसकी विशिष्ट विशेषताओं को व्यक्त करने का प्रयास किया। नेटसुक निर्माताओं के लिए प्राकृतिक दुनिया अधिक आकर्षक हो गई है।

कई दशकों से, लघु मूर्तियाँ बनाने की तकनीक में सुधार किया गया है।

यदि जापान की सजावटी और व्यावहारिक कलाओं में ऐसी दिशा के उद्भव की शुरुआत में, सामग्री का अधिक बार उपयोग किया जाता था लकड़ी या हाथीदांत, फिर 19वीं शताब्दी में मास्टर्स ने उपयोग करना शुरू किया चीनी मिट्टी, मूंगा, धातु, सुलेमानीऔर अन्य सामग्री। लकड़ी के नेटसुक को आवश्यक रूप से कोयले के पाउडर से पॉलिश किया जाता था, सन के तेल से रगड़ा जाता था और रेशम को चमक दी जाती थी। एक अधिक कठिन रास्ता मूर्तियों को रंगने की प्रक्रिया थी।

इनरो - आवश्यक उपकरणों के लिए एक बॉक्स

जापानी कला और शिल्प में सबसे उत्कृष्ट चीजें बक्से हैं - लघु बक्से की तरह।

वे महिलाओं या पुरुषों की पोशाक का हिस्सा थे। यदि पुरुष किमोनो बेल्ट से नेटसुके की तरह इनरो लटकाते थे, तो महिलाएं उन्हें अपनी आस्तीन के पीछे पहनती थीं।

अनुवाद में, इनरो है टिकटों के लिए बॉक्स, जिसका उपयोग विभिन्न छोटी वस्तुओं को ले जाने के लिए किया जाता था। इसकी कई आंतरिक शाखाएँ थीं। इस प्रकार के उत्पाद बनाने वाले कारीगरों ने इनरो को शालीनता और कलात्मक स्वाद के साथ पूरा करने का प्रयास किया। लाह पेंटिंग, मदर-ऑफ़-पर्ल इनले, और हाथीदांत, कीमती पत्थरों और विभिन्न इनरो सजावट तकनीकों का उपयोग किया गया था।

कोसोडे - छोटी आस्तीन वाला किमोनो

कोसोदेजापानी कपड़ों की एक वस्तु के रूप में लंबे समय से जाना जाता है। हालाँकि, एडो काल तक ऐसा नहीं था कि नई कपड़े रंगाई प्रौद्योगिकियों का उपयोग करके कम बाजू वाले किमोनो को चमकीले ढंग से सजाया जाना शुरू हुआ।

कोसोडे कला और शिल्प की एक वस्तु बन गया है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि किसी व्यक्ति के जीवन में अवसरों के आधार पर, जापानी एक निश्चित तरीके से कोसोडे पहनते हैं। रेशम के धागों के विविध प्रयोग से आश्चर्यजनक परिणाम प्राप्त हुए। प्रत्येक कोसोडे था कला और शिल्प की वस्तुजापानी लोग।

जापानी कला और शिल्प के एक काम के रूप में पंखा

पंखाजापानी मास्टर्स का ध्यान भी आकर्षित किया और कला का विषय बन गया। पंखा - सेंसुजापान आया, संभवतः चीन से। और पहले से ही जापानी मास्टर्स ने इसे अपना अनोखा, सुरुचिपूर्ण रूप दिया।

पंखे का प्रकार - यूटीवाविशुद्ध रूप से जापानी आविष्कार माना जाता है। यह एक ऐसा पंखा-पंखुड़ी है, जिसे लकड़ी के एक ही टुकड़े से बनाया जाता था, फिर उसे महंगे रेशम या कागज से ढक दिया जाता था, जिस पर सुंदर चित्र बनाए जाते थे।

रेखाचित्रों के कथानक भिन्न थे। जापानी परंपराएँ कला के ऐसे प्रत्येक कार्य में प्रशंसक के रूप में नग्न आँखों से दिखाई देती थीं।

वैसे, जापानियों ने पंखे का एक ऐसा संस्करण भी बनाया, जिसका उपयोग सैन्य क्षेत्र में भी किया जाता था। एक नियम के रूप में, युद्ध के मैदान पर निर्देश देते समय ऐसी वस्तु का उपयोग किया जाता था। इस पंखे के साथ एक खास तरह की सजावट की गई थी। अधिक बार, इसमें एक तरफ पीले रंग की पृष्ठभूमि पर एक लाल वृत्त और दूसरी तरफ लाल पृष्ठभूमि पर एक पीले वृत्त को दर्शाया गया है।

जापानी कलात्मक तलवार

जापानी कला और शिल्प के सौंदर्य सिद्धांत पूरी तरह से कलात्मक तलवारों के निर्माण और सजावट में व्यक्त किए गए थे।

एम ईच- यह जापानियों के लिए पूजा की एक विशेष वस्तु है और इसे बनाने के लिए विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों का उपयोग किया गया था।

जापानी तलवारन केवल अपने रूप में सुंदर। स्टील की विशेष संरचना, ब्लेड की चमकदार रेखा, जिसकी सतह को सावधानीपूर्वक पॉलिश किया गया था, ऐसी वस्तु को जापानी कला के उच्चतम कार्य के रूप में दर्शाती है। कुछ ब्लेडों को ड्रेगन की राहत आकृतियों, हथियारों के समुराई कोट से भी सजाया गया था, और चित्रलिपि के साथ समाप्त किया गया था।

जापान में थे बंदूकधारी स्कूल, जिन्होंने विभिन्न लड़ाकू तलवारें बनाईं, हथियारों की कलात्मक सजावट में विशेषज्ञता हासिल की। इतना प्रसिद्ध बंदूकधारी मसमुने (अंततेरहवेंसदी - शुरुआतXIVशतक)अपनी शिल्प कौशल के लिए पूरे जापान में प्रसिद्ध। जापानी हथियार कला के हमारे कई समकालीन पारखी उनके काम की तलवार खरीदने का सपना देखते हैं।

लाह और सिरेमिक उत्पाद

लाख उत्पादपूरे जापान में उपयोग किया जाता है। ये बर्तन, और घरेलू बर्तन, और व्यक्तिगत देखभाल के लिए विभिन्न आवश्यक उपकरण, और कवच, और यहां तक ​​कि हथियार भी हैं। कुलीन लोगों के घरों को इसी तरह के उत्पादों से सजाया जाता था।

पारंपरिक वार्निशजापानी कारीगरों द्वारा उपयोग किए जाने वाले सामान लाल, काले और सुनहरे रंग के होते थे। ईदो युग का अंतहरे, भूरे और पीले वार्निश के उत्पादन द्वारा चिह्नित किया गया था। और पहले से ही 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, जापानियों को सफेद, बैंगनी और नीले रंग के वार्निश प्राप्त हुए। लाख पेंटिंगसोने, मोती और चांदी की जड़ाई का उपयोग जापानी कारीगरों द्वारा विभिन्न उत्पादों को तैयार करने का सबसे शानदार तरीका है।

सिरेमिक उत्पादजापानी कला और शिल्प का भी विषय थे। कई तकनीकें चीन और कोरिया से ली गई हैं। हालाँकि, जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें इस मायने में अलग हैं कि कारीगरों ने न केवल आकार, आभूषण और रंग जैसे मापदंडों पर बहुत ध्यान दिया, बल्कि इस बात पर भी ध्यान दिया कि मानव हथेली के संपर्क में आने पर सिरेमिक उत्पाद क्या संवेदनाएँ पैदा करेगा।

कलात्मक चीनी मिट्टी की चीज़ेंजापान में, यह विभिन्न प्रकार के बर्तनों की एक विस्तृत विविधता है, जैसे कि चायदानी, खातिर बर्तन, सजावटी व्यंजन, बर्तन और अन्य। चीनी मिट्टी की पतली दीवार वाले फूलदान अभी भी पश्चिमी देशों में मांग में हैं।

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