क्वांटम भौतिकी में पदार्थ का एक कण। पदार्थ के प्राथमिक कण। क्वांटम फैक्स और कापियर

कला और शिल्प

चीन और जापान दोनों की कला और शिल्प, पहली नज़र में, एक स्वतंत्र परंपरा है, जो सामान्य सांस्कृतिक सब्सट्रेट से सीधे संबंधित नहीं है। लेकिन यह धारणा गलत है। यद्यपि चीनी मिट्टी के बरतन, रेशम, लाह के उत्पादन के स्थानों का स्थान प्राकृतिक और भौगोलिक परिस्थितियों (जलवायु, कच्चे माल की जमा राशि और संबंधित वृक्ष प्रजातियों की वृद्धि) के कारण था, इन उद्योगों के विकास की तीव्रता और उनकी कलात्मक विशेषताएं ऐतिहासिक और सांस्कृतिक कारकों द्वारा सटीक रूप से निर्धारित किए गए थे।

इसके अलावा, कला और शिल्प ने सुदूर पूर्व के पूरे कलात्मक अनुभव को अवशोषित किया है: चीनी मिट्टी के बरतन पर पेंटिंग, कपड़े पर पैटर्न, लाह पर नक्काशी, किसी भी सामग्री में बनाई गई लघु प्लास्टिक कला - ये सभी संस्कृति के लिए आलंकारिक और प्रतीकात्मक छवियों को सार्वभौमिक रूप से पुन: पेश करते हैं। चीनी सभ्यता। रैंक। इसलिए, सजावटी और अनुप्रयुक्त कला का प्रत्येक उत्पाद राष्ट्रीय सांस्कृतिक संपदा का पूर्ण प्रतिनिधि है।

चीन की कला और शिल्प को कई अलग-अलग शिल्प, स्थानीय शिल्प और तकनीकों द्वारा दर्शाया गया है। हालांकि, एम.ई. क्रावत्सोव द्वारा लाह, रेशम-बुनाई और चीनी मिट्टी के उत्पादन को इसकी सबसे अधिक प्रतिनिधि किस्में माना जाता है। चीनी संस्कृति का इतिहास। एसपीबी।, 2003. - पी .105।

लाह चीन की सबसे पुरानी प्रस्तुतियों में से एक है: लाह की सतह वाले उत्पादों के टुकड़े नियोलिथिक पुरातात्विक सामग्रियों में पाए गए हैं। विभिन्न प्रकार के सामान - व्यंजन, घरेलू सामान, अंतिम संस्कार के सामान (ताबूत) ​​- यिन युग में और विभिन्न तकनीकों में बनाए गए थे।

लाह कार्बनिक मूल का एक पदार्थ है, जो एनाकार्डिएसी परिवार (सुमक, या शमक) के एक विशिष्ट चीनी किस्म के पेड़ों के रस से प्राप्त होता है। उत्पादन तकनीक और सजावट सुविधाओं के अनुसार, लाह को तीन मुख्य किस्मों में बांटा गया है: चित्रित, नक्काशीदार और जड़ा हुआ। चित्रित लाह एक पेंटिंग है जो लाख पेंट से बनाई जाती है और रंगहीन लाख से ढकी होती है। नक्काशीदार लाह - लाह पर नक्काशी, इसकी परतों पर अधिक सटीक, जो 38 से 200 की मात्रा में एक के बाद एक आधार पर लागू होती है। नक्काशीदार लाह आमतौर पर लाल होती है, हालांकि, यह पॉलीक्रोम उत्पादों के निर्माण की भी अनुमति देती है: विभिन्न की परतें रंग आधार पर लागू होते हैं, और फिर उद्घाटन परतों को ध्यान में रखते हुए नक्काशी की जाती है

जड़े हुए लाह को लगभग उसी तरह से बनाया जाता है जैसे नक्काशीदार लाख, यानी लाख की परतों पर नक्काशी करके। लेकिन फिर परिणामी आवाज अन्य सामग्रियों से भर जाती है। कलात्मक और सौंदर्य की दृष्टि से, जड़े हुए मोती और अंडे के छिलके वाले उत्पादों को विशेष रूप से चीन में सराहा गया। जड़े लाख की तकनीक में, विभिन्न प्रकार और उत्पादों की श्रेणियां भी बनाई जा सकती हैं। यह विशेष रूप से फर्नीचर व्यवसाय में व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था। 18वीं शताब्दी से एक उत्पाद में विभिन्न तकनीकों का मिश्रण होता है: उदाहरण के लिए, जड़ाई के साथ लाल नक्काशीदार लाख या जड़े हुए लाख, चित्रों द्वारा पूरक। जड़े लाख के निर्माण का मुख्य केंद्र अभी भी फ़ुज़ियान इबिड का दक्षिणी चीनी प्रांत है, पृष्ठ 107।

रेशम प्रजनन और रेशम बुनाई, जिसका आविष्कार परंपरा द्वारा देवताओं और नायकों (विशेष रूप से, पीले सम्राट गोआंची की पत्नी ज़िलिनची) को दिया जाता है, यह किंवदंती रूस में एलएन टॉल्स्टॉय के प्रसंस्करण में जानी जाती है, यह भी पहले से ही जाना जाता था, चीन की नवपाषाण आबादी के लिए पुरातात्विक सामग्रियों को देखते हुए। रेशम की बुनाई हान युग में एक विशेष पैमाने और तकनीकी पूर्णता तक पहुँच गई। तांग राजवंश के दौरान, तुर्क-भाषी लोगों से तकनीकी प्रक्रियाओं के उधार लेने के साथ-साथ चीन में पहले अज्ञात रंगों के आगमन के कारण इसमें महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए।

कई प्रकार के चीनी रेशम, जैसे साटन और ब्रोकेड, ठीक 7वीं-8वीं शताब्दी में दिखाई दिए।

चीनी संस्कृति में पोर्सिलेन का विशेष स्थान है।

"चीनी मिट्टी के बरतन" शब्द फ़ारसी मूल का है और फ़ारसी में इसका अर्थ "शाही" है। यह नाम चीन के बाहर चीनी चीनी मिट्टी के बरतन के प्रति दृष्टिकोण की प्रकृति से पूरी तरह मेल खाता है। मध्यकालीन यूरोप में, चीनी मिट्टी के बर्तन जो गलती से वहां आ गए थे, कीमती अवशेषों के रूप में पूजनीय थे। चीन में ही, चीनी मिट्टी के बरतन स्थानीय चीनी मिट्टी की किस्मों में से एक से ज्यादा कुछ नहीं थे: इसका मूल पारिभाषिक पदनाम "चमकता हुआ काओलिन मिट्टी" था।

वर्तमान में, चीनी काओलिन सिरेमिक को आमतौर पर दो स्वतंत्र किस्मों में विभाजित किया जाता है: चीनी मिट्टी के बरतन और "पत्थर" सिरेमिक। चीनी मिट्टी के बरतन, सबसे पहले, दो प्राकृतिक सामग्रियों से मिलकर बनता है - काओलिन क्ले (यह शब्द गॉलिंग के नाम से आता है, जिसका अर्थ है "हाई हिल" - जियांग्शी प्रांत में उस क्षेत्र का नाम, जहाँ इस तरह की मिट्टी के मुख्य भंडार स्थित थे) और " चीनी मिट्टी के बरतन पत्थर" - ज्वालामुखी मूल की एक विशिष्ट चट्टानें, जो सफेद अभ्रक के साथ संयुक्त फेल्डस्पार की एक किस्म है।, पृष्ठ.108।

वर्तमान में, चीनी संस्कृति की घटनाओं में रुचि की एक और लहर की पृष्ठभूमि के खिलाफ, 19वीं शताब्दी के चीनी मिट्टी के उत्पादों पर ध्यान बढ़ रहा है। (मंचूरियन किंग राजवंश के दौरान)। चीनी पारंपरिक कला की विशिष्ट घटनाओं में से एक के उदाहरण होने के नाते, वे एक ही समय में संग्रह की अपेक्षाकृत सुलभ वस्तु बने हुए हैं, पहले के कार्यों के विपरीत, जो कि अधिकांश भाग के लिए पहले से ही संग्रहालय संग्रह में बसे हुए हैं। 19वीं शताब्दी में चीन की संस्कृति का सामान्य प्रणालीगत संकट, जिसके कारण हस्तकला क्षेत्र में गिरावट आई, चीनी मिट्टी के उत्पादन के क्षेत्र में चरम बिंदु पर पहुंच गया। हालांकि, पूर्ण पतन के कगार पर संतुलन, विदेशी विस्तार और घरेलू बाजार की गिरावट पर घुटन, यह अभी भी सबसे प्रतिकूल परिस्थितियों का सामना कर रहा है - सदी के दूसरे छमाही में, इस उद्योग के विकास ने फिर से सकारात्मक गतिशीलता प्राप्त की, जबकि शिल्पकार औसत दर्जे के उत्पादों से स्थानांतरित करने में कामयाब रहे जो महल स्तर के अत्यधिक कलात्मक उत्पादों के लिए दैनिक जरूरतों को पूरा करते थे।

चीनी चीनी मिट्टी के बरतन की कला के विकास में मुख्य दिशाओं के विश्लेषण के अलावा, उनमें से प्रत्येक के विशिष्ट उत्पादों की पहचान की जाती है। ये, सबसे पहले, क्लासिक्स के तहत शैलीकरण, विभिन्न सजावट विकल्पों को पुन: पेश करते हैं, जो पहले से ही 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में थे। पुरातन माने जाते थे - उदाहरण के लिए, पॉलीक्रोम पेंटिंग जैसे कि utsai, doutsai, ग्रीन फैमिली की रेंज में पेंटिंग, आदि। मिंग और किंग प्रकार के आभूषणों पर विशेष ध्यान दिया गया - उनकी तुलनात्मक विशेषताओं के साथ, उत्तरार्द्ध का विकास कार्य में पता चलता है। इस प्रकार, सेरामिस्टों ने अतीत की विभिन्न शैलियों के तत्वों को पुन: पेश किया, जिसके लिए एक आधुनिक उत्पाद ने पुरातनता का स्पर्श प्राप्त किया। दूसरी ओर, उन्होंने 18वीं शताब्दी के अंत में विकसित शैलीगत प्रवृत्ति को संरक्षित करने की मांग की और अभी भी 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में एक जीवित परंपरा के रूप में माना जाता था - कियानलॉन्ग युग की "शानदार शैली", जो बन गई शाही संस्कृति की सबसे हड़ताली अभिव्यक्तियों में से एक। शोध प्रबंध इसके सबसे प्रतिनिधि उदाहरणों पर चर्चा करता है: वानहुआ पेंटिंग वाले उत्पाद, क्लौइज़न शैली में पेंटिंग वाले उत्पाद, ब्रोकेड पोर्सिलेन। तथाकथित पर विशेष ध्यान दिया जाता है। 19वीं शताब्दी में दिखाई देने वाले पेकिंग कटोरे। चीन की विनोग्रादोवा एनए पारंपरिक कला की उदार विधि की सबसे हड़ताली अभिव्यक्तियों में से एक। पारिभाषिक शब्दकोश। एम।, 1997। - पृ.282।

XIX सदी की दूसरी छमाही से। राज्य के स्वामित्व वाले चीनी मिट्टी के बरतन उत्पादन के विकास के लिए शुरुआती बिंदुओं में से एक फंगु (पुरातनता की नकल) का पारंपरिक सिद्धांत था, जिसने काफी हद तक कलात्मक बहाली की घटना को निर्धारित किया था, जो पूर्व-किंग चीन में वापस बनाई गई थी। जैसा कि ज्ञात है, प्राचीन स्मारकों की नकल करना चीनियों की नज़र में उन्हें संरक्षित करने के तरीकों में से एक था और साथ ही, परंपरा की व्यवहार्यता के संकेत के रूप में माना जाता था। इस प्रकार, अतीत की ओर मुड़ना पहले से ही एक आजमाया हुआ और परखा हुआ साधन था, जो प्राधिकरण के लिए एक तरह की अपील के रूप में कार्य करता था, न कि दूसरी छमाही में। 19 वी सदी मांचू शासक घर का राजनीतिक आदर्श राष्ट्रीय आध्यात्मिक मूल्यों के पुनरुत्थान की घोषणा थी, जिसने प्राचीन मॉडल के सौंदर्यशास्त्र में अपनी अभिव्यक्ति पाई, जो एक ही समय में विकास और उदार प्रवृत्तियों का आधार था। और अगर तोंगज़ी (1862-1874) के शासनकाल की शुरुआत में वे अभी भी विकास के एक स्पष्ट सदिश को प्रकट नहीं करते हैं - सिरेमिक कला अतीत की विभिन्न शैलियों की ओर मुड़ जाती है, जो सांग युग (से) की अवधि में व्यापक हो गई। 10वीं शताब्दी का दूसरा भाग) मध्य किंग युग (XVIII c.) तक, फिर बाद के समय में, यह किंग परंपराएँ हैं, जो पिछली शताब्दी में बनी थीं और अंतिम तिमाही में शामिल थीं, जो प्राथमिकता के रूप में निर्धारित की जाती हैं स्रोत। 19 वी सदी पहले से ही एक क्लासिक। किंग शैली के कई विभिन्न घटकों में - मांचू, चीनी (हान), यूरोपीय, चीन-तिब्बती, चाउ - वास्तविक मांचू और चाउ घटकों को वरीयता दी गई थी। उत्तरार्द्ध ने महान पुरातनता या स्वर्ण युग के संकेतों की भूमिका निभाई, जो सरकार का एक मानक मॉडल है, जिसकी ऐतिहासिक मिसाल के लिए किंग राजवंश पहली बार चीन की विनोग्रादोवा एनए पारंपरिक कला के लिए नहीं निकला। पारिभाषिक शब्दकोश। एम।, 1997। - पृ.91.

साथ ही, सेरामिस्ट अपनी खुद की शैली बनाने की इच्छा प्रदर्शित करते हैं, जो 60 के उत्तरार्ध से स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ है। XIX सदी, जब उदारवाद ने एक प्रणालीगत चरित्र प्राप्त किया और एक स्वतंत्र दिशा का महत्व प्राप्त किया। कला के एक काम के संगठन में विषम तत्वों का मनमाना संकलन, जो विचाराधीन सदी के पहले छमाही में चीनी सिरेमिक कला की विशेषता थी, ने अदालत कला में किसी प्रकार की कलात्मक अखंडता की खोज के उद्देश्य से एक सचेत विकल्प का मार्ग प्रशस्त किया। - किंग शैली का अपना संस्करण, मांचू घराने के अंतिम प्रतिनिधियों को अपनी स्वतंत्रता प्रदर्शित करने की अनुमति देता है। यहां सबसे उदाहरण उदाहरण स्मारकों का शरीर है, जो वैज्ञानिक साहित्य में महारानी डोवगर सी शी के संरक्षण में निष्पादित विशेष आदेशों से जुड़ा हुआ है।

किंग राजवंश की अवधि पुराने चीन के पृथक विकास का अंतिम चरण था - महान साम्राज्य के क्रमिक लेकिन कठोर पतन का समय। क्रॉस-सांस्कृतिक बातचीत में शामिल, उसने पारंपरिक सांस्कृतिक प्रतिमान में एक संकट की खोज की: पश्चिम के साथ अफीम युद्ध और बाद में शांति समझौते की एक श्रृंखला जो चीन के लिए हानिकारक थी, घरेलू अशांति और बार-बार विनाशकारी नदी बाढ़ के साथ-साथ एक जापान के साथ युद्ध, किंग साम्राज्य को एक राष्ट्रीय आपदा के कगार पर ले आया।

यह वह संघर्ष था जिसने राजनीतिक और दार्शनिक विचार के दो मुख्य वैक्टर - पश्चिमीवाद और राष्ट्रीय-परंपरावाद को निर्धारित किया। कलात्मक अभ्यास के चश्मे से गुजरते हुए, उन्होंने कला में गुणात्मक परिवर्तन किए, जिसकी सामग्री प्राचीन चीन में नवाचार के साथ परंपरा की बातचीत को निर्धारित करती थी। ऐतिहासिक रूप से अपने घटकों के संयोजन पर आधारित यह दृष्टिकोण, आधुनिक समय के युग में बल्कि उनकी ध्रुवीयता की विशेषता थी: यदि पिछली अवधि में नवाचारों का उद्देश्य केवल परंपरा को नवीनीकृत करना था, इसकी निरंतरता सुनिश्चित करना, कलात्मक के स्थापित सार्वभौमिकों को बदलने के बिना भाषा, अब नवाचार का मतलब इस निरंतरता का अंत हो सकता है, क्योंकि यह संस्कृति की मौलिक वैचारिक नींव से संबंधित है।

कला की प्रणाली का एक संरचनात्मक परिवर्तन है, जो एक प्रकार के प्रसार में व्यक्त किया गया है, अर्थात्, इसके विभिन्न तत्वों का अंतर्संबंध, जैसे कि, उदाहरण के लिए, अकादमिक (अभिजात्य) कला और लोक कला, जो लोकतंत्रीकरण की ओर एक प्रवृत्ति को दर्शाता है। संस्कृति का। कुछ प्रकार की कलाओं के भीतर, विषयों का पारंपरिक चक्र टूट गया था, और मौलिक रूप से नई विधाएँ दिखाई दीं (जिंगजू - पेकिंग संगीत नाटक, सिचु निआनहुआ - नाट्य लोक चित्रकला, आदि)। पहले से ही 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में, स्वामी विभिन्न शैलीगत प्रवृत्तियों के संश्लेषण के लिए प्रयास कर रहे थे, जो रचनात्मक व्यक्तित्व की बढ़ती भूमिका की गवाही देता है, अर्थात् कला का वैयक्तिकरण और, एक ही समय में, उदार की मजबूती प्रवृत्तियाँ - काम का एक नया कलात्मक ताना-बाना पारंपरिक तत्वों के संयोजन के परिणामस्वरूप पैदा हुआ था, जो पहले अलग-अलग थे और अपने दम पर मौजूद थे। इसके अलावा, साहित्य और दृश्य कला में बाहरी कारकों के प्रभाव में, राष्ट्रीय लोकगीत मालयुग यू.वाई की लोकप्रियता के कारण, अभिव्यक्ति की एक यथार्थवादी पद्धति का निर्माण प्रकृतिवाद के समानांतर होता है। कल्चरोलॉजी। - एम .: इंफ्रा-एम, 2006. - पृष्ठ 69।

चीनी कला ने लंबे समय से जापान से बहुत ध्यान आकर्षित किया है। Qianlong अवधि के दौरान, जापान सहित अन्य देशों के साथ सूज़ौ का व्यापार अत्यंत विकसित था, चीन और जापान के बीच संपर्क व्यापक थे, मिंग राजवंश के विपरीत, जब जापान के साथ व्यापार पर प्रतिबंध था। 1698 में, 193 चीनी जहाज नागासाकी बंदरगाह पर पहुंचे, वे बड़े जहाज थे जिनमें बड़ी संख्या में लोग सवार थे। वे जियासु, झेजियांग और ग्वांगडोंग के बंदरगाहों से रवाना हुए। शंघाई उस समय देश के सबसे महत्वपूर्ण बंदरगाहों में से एक था। किंग शासन की शुरुआत में, चीन-जापानी व्यापार मुख्य रूप से रेशम उत्पादों का आदान-प्रदान था, जो जापानियों द्वारा जापानी तांबे के पैसे के पक्ष में था। उस समय जिस सामग्री से तांबे के पैसे डाले जाते थे, उसे चीनी व्यापारी जापान से लाते थे। और अधिकांश रेशम उत्पाद सूज़ौ में बनाए गए थे।

तोकुगावा अवधि (1603-1868) के दौरान दोनों देशों के बीच व्यापार संबंधों के पुनरुद्धार के साथ, यह रुचि और विकसित हुई। जापानी कला में नए रुझानों के उद्भव ने भी महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। कलाकारों ने सक्रिय रूप से नई छवियों, अभिव्यक्ति के नए तरीकों, नई लेखन तकनीकों की खोज की। 18वीं शताब्दी में चीनी चित्रकला की ओर लोगों का ध्यान आकर्षित हुआ। तोकुगावा शोगुन ने कन्फ्यूशियस के विचारों को सक्रिय रूप से पेश किया, इसलिए बहुत सारे प्रासंगिक साहित्य को चीनी जहाजों पर आयात करना पड़ा। इस प्रकार, जापान में, "बौद्धिक पेंटिंग" ("वेनजेनहुआ") के चित्रों के बारे में एक विचार प्रकट हुआ, जो नंगा, या बुजिंगा में और मारुयामा-शिजो के यथार्थवादी स्कूल के उद्भव में परिलक्षित हुआ। चीनी संस्कृति के सक्रिय प्रवेश के दौरान, डच जहाजों ने बड़ी मात्रा में पश्चिमी पुस्तकें भी लाईं।

इस प्रकार, एक ओर, "बौद्धिक चित्रकला" के पारंपरिक चीनी चित्रों की "मुक्त शैली" जापान में प्रवेश कर गई, दूसरी ओर, पश्चिमी चित्रकला का यथार्थवाद। उस समय के जापानी कलाकारों ने दोनों शैलियों पर बहुत ध्यान दिया।

यह जापानी कलात्मक संस्कृति की विशेषता है कि जापान की कलात्मक परंपराएं अन्य संस्कृतियों के प्रभाव का सामना करने में सक्षम थीं। जापानी संस्कृति ने प्रत्येक नए प्रभाव को संसाधित किया, इसे एक अलग ध्वनि दी। यदि महाद्वीपीय संस्कृतियाँ चीन या कोरिया के विस्तृत विस्तार पर विकसित हुईं, तो जापान, लघुचित्रों का देश, हमेशा नरम रहा, ने अपनी रचनाओं को एक विशेष गीतवाद दिया। जापान में बौद्ध धर्म के आगमन के साथ, नए मंदिरों, शिवालयों और मठों का निर्माण शुरू हुआ। बड़ी संख्या में मूर्तियां देवताओं, देवताओं, पौराणिक राजाओं को दर्शाती हैं, जिनकी विशेषताओं में उग्रवादी समुराई भावना और भावनात्मक स्थिति व्यक्त की जाती है, जो लगभग हमेशा बलों के चरम परिश्रम के अनुरूप होती हैं। केवल बुद्ध की मूर्तियां ही हमेशा राजसी शांति और वैराग्य से भरी होती हैं। Sansom J. B. जापान: संस्कृति का एक संक्षिप्त इतिहास / J. B. Sansom। - ईडी। सही और अतिरिक्त - सेंट पीटर्सबर्ग। : यूरेशिया, 2002. - पृ.107

प्रतीकवाद अक्सर विभिन्न संस्कृतियों द्वारा दुनिया के कलात्मक प्रतिबिंब में पाया जाता है। जापानी कला के प्रतीकवाद को विशेष रूप से आठवीं-बारहवीं शताब्दी में हीनान युग ("शांति और शांति") की कविता में उच्चारित किया गया था। जापानी साहित्य के छंदों की ऊंचाइयों तक पहुंचने के रास्ते में कई अवधियां थीं।

जापानी कविता की सबसे पुरानी शैलियों में से एक टांका है, जो 31 सिलेबल्स (5-7-5-7-7) से युक्त गैर-तुकांत वाली पांच-पंक्ति कविता है। टैंक का मुख्य विचार तीन पंक्तियों में व्यक्त किया गया है।

ज़ुइहित्सु की एक विशेष शैली गद्य में दिखाई देती है - जिसका अर्थ है लिखना, "ब्रश का अनुसरण करना", वह सब कुछ लिखना जो आपकी आंख को पकड़ता है, आसानी से लिखता है, केवल आत्मा की गति का पालन करता है।

10 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के बाद से, जापानी गद्य को "पुरुष" और "महिला" में विभाजित किया गया है, क्योंकि चीनी वर्णों के आधार पर बनाई गई लेखन प्रणाली में विशुद्ध रूप से जापानी शब्दांश वर्णमाला दिखाई देती है, और इसलिए पुरुष, एक नियम के रूप में, चीनी और महिलाओं में लिखना जारी रखें - जापानी कोनराड एनआई में। मध्यकालीन जापान की संस्कृति के इतिहास पर निबंध - एम।: कला, 1980 - पृष्ठ 117।

जापानी चित्रकला में पहले एक धार्मिक चरित्र था, लेकिन लगभग 11वीं शताब्दी से इसमें राष्ट्रीय विशेषताएं दिखाई देने लगीं। पेंटिंग अक्सर सजावटी और लागू होती थी। इंटीरियर की सादगी के लिए बनाई गई स्क्रीन, पंखे, विभिन्न चीजों और गृहस्थ जीवन की सजावट की पेंटिंग इसकी सजावट बन गई। साहित्य के विकास के साथ-साथ चित्रकला ने दृष्टान्तों का स्वरूप प्राप्त कर लिया। यात्रा, उपन्यास और सम्राटों और रईसों के जीवन का वर्णन करने वाली सुरम्य कहानियाँ भी थीं। उनके लिए मुख्य बात नायक की मनोदशा को व्यक्त करना था। यह रंगों और उनके रंगों के संयोजन, संक्षिप्त और एक ही समय में समृद्ध, परिष्कृत रचना की मदद से किया गया था। यह विशेष रूप से लैंडस्केप पेंटिंग में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था, जिसमें स्याही पेंटिंग 16 वीं शताब्दी के आसपास स्थापित की गई थी।

जापानी कलाकारों द्वारा व्यक्त की गई भावनाओं की गहराई के संदर्भ में, पेंटिंग कविता के साथ विलीन हो जाती है।

चीनी लोगों ने समय के साथ कई विश्व प्रसिद्ध हस्तकलाओं का निर्माण किया है। प्राचीन काल से, विभिन्न प्रकार के पत्थर, लकड़ी, मिट्टी और वार्निश से उत्पाद बनाने के कौशल और रहस्य, कपड़े और कढ़ाई के उत्पादन के रहस्य नीचे पारित किए गए हैं। पहले से ही प्राचीन काल में, चीन के स्वामी, सामग्री के कलात्मक गुणों को पहचानना और दिखाना सीखते थे, इस उद्देश्य के लिए इसके रंगों, धब्बों, आकृतियों में अंतर, सतह की चिकनाई का उपयोग करते थे। मिट्टी और पत्थर से बने सबसे प्राचीन जहाजों को प्राचीन वस्तुओं की तरह, रूपों के पूर्ण सामंजस्य और अभिव्यक्ति की स्पष्टता से प्रतिष्ठित किया जाता है।

चीनी कारीगरों ने पुरातनता से कई कौशल, शिष्टाचार और तकनीक, पैटर्न के पारंपरिक रूपों को अपनाया। हालाँकि, नए ऐतिहासिक युग ने जो बहुत ज़रूरतें रखीं, उन्होंने कलात्मक शिल्प के कई नए प्रकारों और तकनीकों को जन्म दिया। रोजमर्रा की जिंदगी से जुड़ा, शहरी आबादी की बढ़ती जरूरतों के साथ, चीन की ललित कलाओं में कलात्मक शिल्प न केवल सबसे व्यापक और लोकप्रिय में से एक था, बल्कि सबसे सक्रिय प्रकारों में से एक था।

पूरी दुनिया चीनी फूलदान, कप और अन्य वस्तुओं का उपयोग करती है। घर पर, चीनी चीनी मिट्टी के बरतन, अन्य प्रकार की कलाओं के साथ, व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। मूर्तियों का सामना करने के लिए चीनी सिरेमिक का भी उपयोग किया जाता है।

चीनी मिट्टी की चीज़ें। पहले से ही प्राचीन काल में, चीनी अपने मिट्टी के बर्तनों के लिए उच्च गुणवत्ता वाली मिट्टी की किस्मों का इस्तेमाल करते थे। हालांकि, चीनी मिट्टी के बरतन के आविष्कार की असली योग्यता मध्यकालीन चीन के उस्तादों की है। तांग युग में, चीनी आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में उच्च समृद्धि की अवधि के दौरान, पहले चीनी मिट्टी के उत्पाद दिखाई दिए और तेजी से फैल गए। चीनी मिट्टी के बरतन कवियों द्वारा गाए जाते थे, एक गहना के रूप में पूजनीय थे। चीन में चीनी मिट्टी के उत्पादन के लिए आवश्यक सामग्री के समृद्ध जमा से सुविधा हुई: चीनी मिट्टी के बरतन पत्थर (फेल्डस्पार और क्वार्ट्ज का एक प्राकृतिक यौगिक) और स्थानीय मिट्टी - काओलिन। इन दो घटकों का संयोजन आवश्यक प्लास्टिसिटी और मिश्र धातु देता है। चीन के प्रत्येक चीनी मिट्टी के बरतन को गहराई से सोचा जाता है, शिल्प वस्तु के रूप में नहीं, बल्कि कला के एक स्वतंत्र कार्य के रूप में निष्पादित किया जाता है। पतले जहाजों के रूप गोल, मुलायम और बड़े पैमाने पर होते हैं। उस समय विशेष रूप से प्रसिद्ध जिंग-चाउ, चिकनी और मैट शहर में उत्पादित बर्फ-सफेद चीनी मिट्टी के बरतन थे, जिसने प्राचीन उत्पादों की स्मारकता को बरकरार रखा था। उस समय के कई जहाजों को चमकीले रंग के ग्लेज़ से चित्रित किया गया था, जो तांबे, लोहे और मैंगनीज के आक्साइड के साथ मिश्रित थे, जो अमीर पीले, भूरे, हरे और बैंगनी रंग के स्वर देते थे। लेकिन XI-XIII सदियों में चीनी मिट्टी के बरतन एक विशेष विविधता और कुलीनता तक पहुंचते हैं। तांग काल के दौरान, मिट्टी के पात्र में कई प्रकार के रंग होते हैं। लेकिन सुन के तहत, वह पहले से ही सादगी और विनय से प्रतिष्ठित है। चीनी मिट्टी के बर्तनों में सटीक और महीन रेखाएँ और रंग की सादगी होती है। इस समय के लिए प्राकृतिक रंगों का उपयोग विशिष्ट है। ग्रे-नीला और ग्रे-हरा रंग अक्सर चीनी पकवान या फूलदान पर पाया जा सकता है। छोटी-छोटी दरारें गुरु का दोष नहीं हैं, बल्कि एक सूक्ष्मता से सोचा गया कदम है। ग्लेज़ में अनियमितता, अस्तर की सूखी बूंदें और उत्पाद की पूरी सतह पर छोटी-छोटी दरारें पूर्णता का अहसास देती हैं।

मिन्स्क चीनी मिट्टी के बरतन, सुंग चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, बहुरंगी है। मास्टर्स ने इसकी बर्फ-सफेद सतह को एक सुरम्य पृष्ठभूमि के रूप में इस्तेमाल किया, जिसके खिलाफ पूरे परिदृश्य या शैली की रचनाएं रखी गई थीं। बहुत सारे प्लॉट और प्रकार के चित्र हैं, साथ ही रंगीन संयोजन भी हैं: नीले-सफेद चीनी मिट्टी के बरतन, एक नरम और महान प्रकार और पैटर्न के कोबाल्ट के साथ चित्रित, रंगों में समृद्ध रंगीन ग्लेज़, तीन-रंग और पांच-रंग। 17वीं-18वीं शताब्दी में और भी तकनीकें और चीनी मिट्टी के प्रकार दिखाई देते हैं। काले चिकने और चमकदार बर्तन दिखाई देते हैं, जहाजों को चमकीले और चमकदार एनामेल्स के साथ शीर्ष पर चित्रित किया जाता है। 18वीं शताब्दी के अंत तक, जब कला के अन्य सभी रूप पहले से ही गिरावट में थे, चीनी चीनी मिट्टी के बरतन का कलात्मक स्तर उच्च बना रहा। पिछली अवधि के विपरीत, किंग राजवंश (XVII-XIX सदियों) के दौरान चीनी मिट्टी के उत्पादों के रूप अधिक परिष्कृत और परिष्कृत थे। पुराने मॉडलों की पुनरावृत्ति अधिक सुरुचिपूर्ण अनुपात प्राप्त करती है, और 18 वीं शताब्दी के अंत तक। रूपरेखा का अत्यधिक दिखावा विकसित होता है। उस समय से, चीनी मिट्टी के बरतन की सजावट की विविधता और रूपांकनों और विषयों की समृद्धि की विशेषता है, और कुछ मामलों में - अलंकरण की एक बड़ी समृद्धि। यह कोबाल्ट के साथ पेंटिंग और तथाकथित "ग्रीन फैमिली" की श्रेणी में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। जटिल बहु-चित्रित दृश्य, छोटे पौधे के रूपांकनों या पेंटिंग के अनगिनत विषयों में से कोई भी बड़ी जटिलता और रचनात्मक निर्माण की विचारशीलता से प्रतिष्ठित है।

तांग और सुंग लागू कलाओं के प्रकार विविध हैं। इस समय, पुरातनता के मॉडल के अनुसार कांस्य दर्पण बनाए गए थे, जो फूलों के पौधों, जानवरों, पक्षियों और फलों के शानदार राहत पैटर्न के साथ रिवर्स साइड पर समृद्ध रूप से सजाए गए थे। अक्सर ऐसे दर्पण चांदी के बने होते थे, जो सोने की सबसे पतली परत से ढके होते थे, मोती और कीमती पत्थरों से जड़े होते थे।

कपड़े "के-सी" (कट रेशम) के पैटर्न विशेष रूप से इस समय की पेंटिंग के करीब हैं। वे प्रसिद्ध कलाकारों के नमूने के अनुसार बनाए गए थे। के-सी इसकी असाधारण कोमलता, कोमलता, कीमती दानेदार मैट बनावट से अलग है। शाखाओं पर हल्के पक्षी, परिदृश्य, हल्के गुलाबी मेहुआ प्लम की खिलती हुई कलियाँ के-सी में दर्शाए गए मुख्य रूप हैं।

चीन में पेंट किए गए एनामेल्स के उत्पादन के लिए कार्यशालाओं का उद्भव कांग्सी काल से शुरू होता है, जो फ्रांस से आने वाले पश्चिमी यूरोपीय प्रभावों से जुड़ा है। जेसुइट मिशनरियों द्वारा लाए गए धार्मिक उत्कीर्णन का प्रभाव 18 वीं शताब्दी की धातु पर चीनी एनामेल्स की व्याख्या कर सकता है, जो चित्रों के लिए आम हैं। छायांकन तकनीक, समोच्च के साथ छवियों को पथपाकर और अन्य, उनके आधार पर ग्राफिक, कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन। यूरोपीय प्रभावों के निशान न केवल विषयों और पेंटिंग के तरीके में बल्कि 18 वीं शताब्दी के चीनी एनामेल्स के रूपों में भी ध्यान देने योग्य हैं। 16वीं-18वीं शताब्दी के जर्मन और अंग्रेजी तांबे और चांदी के सामान अक्सर प्रोटोटाइप के रूप में काम करते थे। उच्चतम उपयोग के लिए बनाए गए एनामेल्स को "हुआंग ज़ी" कहा जाता था - "पीला (यानी "शाही") बर्तन", क्योंकि पीले रंग को लंबे समय से चीनी सम्राट का प्रतीकात्मक रंग माना जाता है। इस तरह के एनामेल्स की सजावट में हुआंगयाओ (पक्षी-फूल) शैली, चीनी कथा दृश्यों और सजावटी रचनाओं में छवियों का प्रभुत्व है: कमल के फूल के सिर की छवि एक बेल के रूप में एक पौधे की गोली में बुनी जाती है, और एक जूमोर्फिक पैटर्न जो जाता है प्राचीन कांस्य के बर्तनों की सजावट पर वापस। चित्रित एनामेल्स में, विभिन्न आकृतियों की प्लेटों के संयुक्त सेट लोकप्रिय हैं, जो पहले से ही कांग्सी काल में चीनी चीनी मिट्टी के बरतन में विकसित किए गए थे। अक्सर प्लेटों को एक खुले पंखे का आकार दिया जाता था, जिसे सफेद पृष्ठभूमि पर "फूलों-पक्षियों" की शैली में छवियों से सजाया जाता था। धातु पर चीनी मिट्टी के बरतन और एनामेल्स कई मामलों में यूरोप में आने के सामान्य तरीकों और रूपों की समानता, पेंटिंग और रंग के रूपांकनों से जुड़े हुए हैं। हालांकि, चीनी मिट्टी के बरतन के लिए एक निस्संदेह समानता के साथ, धातु पर चित्रित तामचीनी को पूरी तरह से स्पष्ट कलात्मक मौलिकता की विशेषता है, जो कि पूरी तरह से विशेष प्रकार के चीनी शिल्प के रूप में है, जो अपने पारंपरिक प्रकारों की तुलना में अधिक साहसपूर्वक है, जो यूरोपीय कला के संपर्क में आया था।

जापान में कलात्मक शिल्प, अनुप्रयुक्त कला को "कोगी" शब्द कहा जाता है। कला के कार्यों के अधिकांश कलात्मक विचारों का स्रोत प्रकृति के प्रति गहरा प्रेम था। लोगों ने लंबे समय से इसकी सुंदरता को सबसे साधारण, क्षुद्र, रोजमर्रा की घटनाओं में महसूस किया है।

जापानी कला और शिल्प के कार्यों में परंपरागत रूप से लाख, चीनी मिट्टी के बरतन और सिरेमिक उत्पाद, लकड़ी, हड्डी और धातु की नक्काशी, कलात्मक रूप से सजाए गए कपड़े और कपड़े, हथियार कला के काम आदि शामिल हैं। लागू कला के कार्यों की विशिष्टता इस प्रकार है: उनके पास एक है विशुद्ध रूप से व्यावहारिक, उपयोगितावादी अनुप्रयोग, लेकिन साथ ही वे एक विशुद्ध रूप से सौंदर्यवादी भूमिका भी निभाते हैं, जो किसी व्यक्ति के रोजमर्रा के जीवन के श्रंगार के रूप में काम करते हैं। जापानियों के लिए आसपास की वस्तुओं का सौंदर्यशास्त्र उनके व्यावहारिक उद्देश्य से कम महत्वपूर्ण नहीं था।

भाग्यशाली। प्राचीन काल से, जापान में लाख के बर्तन ज्ञात हैं, उनके अवशेष जोमोन युग के पुरातात्विक स्थलों में पाए जाते हैं। एक गर्म और नम जलवायु में, लाह के लेप ने लकड़ी, चमड़े और यहां तक ​​कि धातु उत्पादों को नष्ट होने से बचाया। जापान में लाह के उत्पादों का व्यापक उपयोग हुआ है: व्यंजन, घरेलू बर्तन, हथियार, कवच। पारंपरिक जापानी वार्निश लाल और काले, साथ ही सुनहरे होते हैं; ईदो काल के अंत में, पीले, हरे, भूरे लाह का उत्पादन शुरू हुआ। वापस शीर्ष पर

20 वीं सदी सफेद, नीले और बैंगनी रंगों का वार्निश प्राप्त किया गया था। लाख के उपयोग से जुड़ी कई सजावटी तकनीकें हैं: माकी-ए - सोने और चांदी के पाउडर का उपयोग; उरुशी-ए - लाख पेंटिंग; हायोमोन - सोने, चांदी और मोती की जड़ाई के साथ लाह पेंटिंग का एक संयोजन। लगभग 17वीं शताब्दी के मध्य तक। क्योटो लाख कला के विकास का मुख्य केंद्र बना रहा। यहीं पर ओगाटो कोरिन ने अपने करियर की शुरुआत की थी। उनके लाहवेयर को रूपों और सजावट की एक विशेष एकता द्वारा चिह्नित किया गया था, जो उत्पाद के एक तरफ से दूसरी तरफ आसानी से "प्रवाह" करता था। विभिन्न सामग्रियों के संयोजन ने असामान्य सतह बनावट और दुर्लभ रंग योजना बनाई।

चीनी मिट्टी की चीज़ें। जापानी विशेष रूप से सिरेमिक उत्पादों के शौकीन हैं। इनमें से सबसे पहले पुरातात्विक खुदाई से जाना जाता है और जोमोन (पाषाण युग) की अवधि में वापस आता है। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें और बाद में चीनी मिट्टी के बरतन का विकास चीनी और कोरियाई प्रौद्योगिकियों, विशेष रूप से, फायरिंग और रंगीन ग्लेज़िंग से काफी प्रभावित था। जापानी मिट्टी के पात्र की एक विशिष्ट विशेषता न केवल उत्पाद के आकार, सजावटी आभूषण और रंग पर ध्यान देती है, बल्कि स्पर्श संबंधी संवेदनाओं पर भी ध्यान देती है, जो किसी व्यक्ति की हथेली के संपर्क में आने पर पैदा होती है। चीनी मिट्टी के बरतन के लिए जापानी दृष्टिकोण ने रूप, सतह खुरदरापन, दरारें, शीशा लगाना धारियाँ, मास्टर की उंगलियों के निशान और सामग्री की प्राकृतिक बनावट का प्रदर्शन ग्रहण किया। कलात्मक सिरेमिक उत्पादों में मुख्य रूप से चाय समारोहों के लिए कटोरे, चायदानी, फूलदान, बर्तन, सजावटी व्यंजन, खातिर बर्तन शामिल हैं। प्रारंभ में, बर्तन का आकार टहनियों और घास से बनाया गया था, फिर इसे मिट्टी से लेपित किया गया था, और फायरिंग के दौरान, शाखाओं और घास जल गए, जिससे जहाजों की दीवारों पर उनके निशान निकल गए। मध्य और बाद के जोमोन काल के वेसल्स पहले से ही मूर्तिकला जहाजों के समान हैं। VI-XI सदियों में। कोरियाई कुम्हारों के प्रभाव में, जापानी कारीगरों ने हरे-पीले शीशे के साथ मिट्टी के उत्पादों को जलाने के लिए स्विच किया। लगभग उसी समय, वास्तविक फ़ाइनेस से बने उत्पाद दिखाई दिए - हीड्रोस्कोपिक मिट्टी शीशे का आवरण से ढकी हुई।

चीनी मिट्टी के उत्पाद मुख्य रूप से पतली दीवार वाले फूलदान होते हैं जिनमें उत्तम सजावट, चाय और शराब के सेट और विभिन्न मूर्तियाँ होती हैं। चीनी मिट्टी के बरतन उत्पादों के द्रव्यमान में, जो XVII-XVIII सदियों में उत्पादित किए गए थे। पूरे देश में, दो मुख्य प्रकार प्रतिष्ठित थे: कुटानी और नबेशिमा की कार्यशालाओं के महंगे, बारीक चित्रित उत्पाद, और अरीता और सेटो के चीनी मिट्टी के बरतन, जो बड़ी श्रृंखला में लॉन्च किए गए थे। कुटानी वर्कशॉप के उत्पादों का आकार प्लास्टिक असमान था। उनकी पेंटिंग बड़े रंग के धब्बे और जहाजों की सतह पर स्वतंत्र रूप से स्थित थी। नबेशिमा की वस्तुओं को आमतौर पर एक पौधे के रूपांकन की एकल अंडरग्लेज़ पेंटिंग से सजाया जाता था, कभी-कभी ओवरग्लेज़ पॉलीक्रोम पेंटिंग के साथ पूरक। अरीता और सेटो की कार्यशालाओं ने बड़े पैमाने पर उत्पाद बनाए। इन व्यंजनों को फूलों, तितलियों, पक्षियों की सुरुचिपूर्ण सजावटी रचनाओं से सजाया गया था। जापानी चीनी मिट्टी के बरतन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा विशेष रूप से पश्चिमी देशों को निर्यात के लिए बनाया गया था।

तामचीनी। मध्य से सत्रहवीं शताब्दी के अंत तक की अवधि। जापान में मीनाकारी की कला के विकास के इतिहास में बहुत फलदायी हुआ। इस समय, जापानी मास्टर्स ने रंग में पूर्णता हासिल की है। परीक्षण विधि का उपयोग करते हुए, उन्होंने कांच के इष्टतम पिघलने का चयन किया, जो तामचीनी के आधार के रूप में कार्य करता था, और ऑक्साइड के विभिन्न रूपों, इसे एक या दूसरी छाया, पारदर्शिता या दूधिया-मोती प्रतिबिंब, रहस्यमय टिमटिमाना देता था। खुद को सही ठहराने वाले सभी व्यंजन एक रहस्य बन गए, जो कि मास्टर के परिवार में सावधानीपूर्वक संरक्षित थे। जापान में, एनामेल्स को "सिप्पो" कहा जाता था, जिसका अर्थ है "सात कीमती पत्थर"। इसका मतलब यह था कि गहनों में, तामचीनी सोने, चांदी, पन्ना, मूंगा, सुलेमानी, क्रिस्टल, मोती की जगह ले सकती है। जापान में पाए जाने वाले इनेमल का सबसे पुराना उदाहरण ईसा पूर्व 7वीं शताब्दी के अंत का है। व्यापक रूप से दो तामचीनी तकनीकों को जाना जाता है - चंपलेव और क्लौइज़न - वे लगभग एक साथ जापान में फैल गए। कारीगरों ने समुराई तलवारों, सजावटी धनुष और तीरों के गार्ड (त्सुबा) को सजाने के लिए क्लौइज़न एनामेल का इस्तेमाल किया, जब घरों, चेस्ट, ब्रश को स्टोर करने के लिए दराज और सुलेख, चाय पाउडर और अगरबत्ती के लिए स्याही। तामचीनी पर काम करने वाले पहले कारीगरों की कार्यशाला क्योटो में सम्राटों और रईसों के महलों के करीब स्थित थी, जो इस उत्पाद के मुख्य खरीदार थे।

तामचीनी तकनीक का पुनरुद्धार मास्टर सूनेकिची काजी (1803-1883) के काम से जुड़ा है, जो नागोया के बाहरी इलाके में रहते थे। उन्होंने विदेशी हस्तशिल्प का अध्ययन किया, ज्यादातर यूरोपीय, जो जापान आए, और इसके आधार पर उन्होंने क्लौइज़न एनामेल के साथ काम करने के लिए नई तकनीकों का विकास किया। काजी की सफलता ने अन्य कारीगरों को प्रेरित किया। काम के नए तरीकों की तलाश शुरू हुई। तो उस समय, "काउंटर-इनेमल" तकनीक दिखाई दी, जिन-बारी तकनीक, जिसमें इस तथ्य को समाहित किया गया था कि चांदी की पन्नी को तामचीनी की एक पतली परत से ढकी तांबे की सतह पर चिपकाया गया था। मास्टर सोसुके नामिकावा (1847-1910) द्वारा विकसित मुसेन-जिप्पो तकनीक, तामचीनी कोटिंग की पहली परत को सुखाने और पारदर्शी तामचीनी के साथ एक नया भरने के बाद अलग-अलग तारों को हटाने के लिए प्रदान की गई। तकनीक में कई दर्जन विविधताएँ थीं - मोरिएज, उटिदासी, अकासुके, माय कोदई, नगारे-गुसूरी और अन्य, जो संयुक्त होने पर उत्कृष्ट परिणाम प्राप्त करना संभव बनाते हैं। जापान दुनिया का पहला देश है जहां तामचीनी न केवल धातु के रिक्त स्थान पर, बल्कि सिरेमिक और चीनी मिट्टी के बरतन के लिए भी लागू की गई थी। मास्टर यासुयुकी नामिकावा (1845-1927) सिरेमिक पर तामचीनी की तकनीक में प्रसिद्ध थे, जिन्होंने क्योटो में काम किया था।

फूलों की छवियां (गुलदाउदी, चपरासी, पौलोनिया पुष्पक्रम, प्लम, चेरी) और कुछ हद तक ड्रैगन, शेर और अन्य पौराणिक जानवरों, पक्षियों, तितलियों की जापानी छवियां जापानी तामचीनी उत्पादों के लिए चीन से उधार ली गई एक विशिष्ट पैटर्न बन गई हैं। अक्सर, शुभकामनाओं का प्रतीक छवियों में अंतर्निहित होता था। उत्पाद के उद्देश्य के आधार पर पैलेट के रंग भिन्न होते हैं। इस प्रकार, निर्यात वस्तुओं को चमकीले, यहां तक ​​कि आकर्षक रंगों में निष्पादित किया गया था, जो यूरोपीय ग्राहकों द्वारा पसंद किया गया था, और घरेलू उपयोग के लिए अभिप्रेत था - एक शांत सीमा में, जापानी के सौंदर्यवादी विश्वदृष्टि के अनुरूप।

चीन और जापान की कला और संस्कृति बेहद विशिष्ट है, जिसने हमेशा यूरोपीय लोगों को दिलचस्पी और आकर्षित किया है। 17 वीं शताब्दी से शुरू होकर, चीनी और जापानी दोनों रूपांकनों ने पश्चिमी यूरोप की कलात्मक और शैलीगत प्रवृत्तियों में प्रवेश किया। आज तक, इन दोनों देशों की संस्कृति अध्ययन और उधार लेने दोनों के लिए दिलचस्प है।

कलात्मक धातु उत्पादों के क्षेत्र में मंदिर की मूर्तियां और बर्तन, हथियार और रोजमर्रा की जिंदगी में उपयोग की जाने वाली सजावटी वस्तुएं शामिल हैं, पारंपरिक धातुओं (कांसा, लोहा, तांबा, स्टील) के प्रसंस्करण की विविधता और पूर्णता को जटिल मिश्र धातुओं के उपयोग के साथ जोड़ा गया, प्रतिष्ठित रंग रंगों और प्लास्टिक गुणों की समृद्धि से। इनमें से सबसे आम शकुडो थे, जो काले, भूरे, नीले और बैंगनी रंग के विभिन्न रंगों का उत्पादन करते थे, और शिबुइची, जो ग्रे टोन के लगभग अटूट स्रोत के रूप में काम करते थे। मिश्रधातु बनाने की विधियाँ एक पेशेवर रहस्य थीं और मास्टर से प्रशिक्षु तक पारित की जाती थीं।

XVII-XVIII सदियों में। धनी शहरवासियों के अनुरोध पर, घर की वेदियों के लिए मूर्तिकला की छवियां बनाई गईं, साथ ही ऐसी छवियां जिनका एक उदार अर्थ था और परिवार के चूल्हे की रक्षा की। उनमें से दारुमा, पौराणिक साधु जिसका नाम जापान में चाय की उत्पत्ति के साथ जुड़ा हुआ है, डिकोकू खुशी और धन का देवता है, जुरोजिन खुशी और दीर्घायु का देवता है।

इसके साथ ही कुछ घरेलू सामान सजावट के काम आते हैं। ये अगरबत्ती, फूलदान, व्यंजन, संदूक, ट्रे थे, जो एक उत्पाद में विभिन्न धातुओं के संयोजन, ओपनवर्क नक्काशी, उत्कीर्णन, पायदान और इनलेज़ के उपयोग की विशेषता थी।

16 वीं शताब्दी के अंत में धातु के आधार पर तामचीनी सजावट लगाने की परंपरा जापान से चीन में आई थी। तामचीनी तकनीक में 4 किस्में थीं: क्लौइज़न, चम्प्लेवे, उत्कीर्ण और चित्रित। तामचीनी को "सिप्लो" कहा जाता था - सात गहने: सोना, चांदी, पन्ना, मूंगा, हीरा, सुलेमानी, मोती, जो लोकप्रिय मान्यताओं के अनुसार लोगों के लिए खुशी लेकर आए। 17वीं-18वीं शताब्दी के जापानी क्लौइज़न एनामेल्स, मुख्य रूप से चीनी नमूनों पर आधारित, थोड़े म्यूट टोन के एक सीमित पैलेट, एक स्पष्ट ज्यामितीय पैटर्न और एक गहरे गहरे हरे रंग की पृष्ठभूमि द्वारा प्रतिष्ठित थे। XIX सदी के मध्य में। तामचीनी तकनीक ने पुनर्जन्म का अनुभव किया है। बहुरंगी शानदार एनामेल्स प्राप्त हुए, जो धातु के आधार पर कसकर चिपक गए और खुद को पीसने के लिए उपयुक्त थे। 19वीं सदी के अंत में क्लौइज़न इनेमल की कला का उत्कर्ष। प्रसिद्ध गुरु नामिकावा यासुयुकी के नाम के साथ जुड़ा था। उनकी कार्यशाला से छोटे आइटम निकले, जो पूरी तरह से एनामेल्स से ढके हुए थे, जिन्हें जौहरी की देखभाल के साथ लगाया गया था। फूलों, पक्षियों, तितलियों, ड्रेगन और फ़ीनिक्स की छवियों, कई प्रकार के पारंपरिक आभूषणों को जटिल रूप से बुने हुए फीता पैटर्न में जगह मिली। सोने की पन्नी के उपयोग से वस्तु की पॉलिश की गई सतह की चमकदार झिलमिलाती चमक पैदा होती है।

हथियारों के निर्माण और सजावट की जापान में प्राचीन परंपरा है। तलवार को सूर्य देवी अमातरसु ओमीकामी द्वारा उनके पोते को दी गई एक पवित्र वस्तु के रूप में देखा गया था, जिसे उन्होंने पृथ्वी पर शासन करने और बुराई को मिटाने के लिए भेजा था। एक सीधी दोधारी तलवार (केन या त्सुरुगी) शिंटो पंथ की विशेषता बन गई और शाही राजचिह्नों में से एक बन गई।

मध्य युग में, तलवार योद्धा वर्ग का प्रतीक बन गई, जिसने समुराई की शक्ति, साहस और प्रतिष्ठा को मूर्त रूप दिया। यह भी माना जाता था कि इसमें मृत पूर्वजों की आत्माएं निवास करती हैं। 7वीं शताब्दी में एक तरफा तीक्ष्णता के ब्लेड के पीछे एक मामूली मोड़ के साथ एक तलवार का आकार बनाया गया था, जो 19 वीं शताब्दी तक लगभग अपरिवर्तित रहा। और इसे "निहोंटो" (जापानी तलवार) कहा जाता था।

16वीं शताब्दी से अभिजात और सैन्य वर्ग के प्रतिनिधियों को दो तलवारें पहनने की आवश्यकता थी: एक लंबी - "कटाना" और एक छोटी - "वाकीज़ाशी", जिसका उद्देश्य अनुष्ठान आत्महत्या करना था। सम्मान की संहिता के उल्लंघन की स्थिति में, वैज्ञानिकों, कारीगरों और किसानों को, विशेष अनुमति से, "ऐकुची" गार्ड के बिना केवल वाकीज़ाशी या तलवार पहनने की अनुमति दी गई थी।

ब्लेड बनाने की लंबी और श्रमसाध्य प्रक्रिया को विशेष प्रार्थनाओं, मंत्रों और औपचारिक कपड़ों में लोहार की ड्रेसिंग के साथ एक पवित्र अनुष्ठान के रूप में व्यवस्थित किया गया था। ब्लेड को कई स्ट्रिप्स से वेल्डेड किया गया था, कम से कम पांच बार, जमीन और पॉलिश किया गया था। बारहवीं शताब्दी के अंत से। ब्लेड को खांचे, सूर्य, चंद्रमा, सितारों, ड्रेगन, उत्कीर्णन और गहराई से राहत द्वारा बनाए गए शिलालेखों के चित्रों से सजाया जाने लगा।

16वीं शताब्दी से तलवार का विवरण और फ्रेम। विशेष स्वामी - बंदूकधारी-जौहरी द्वारा बनाए गए थे। ब्लेड को हैंडल में डाला गया था, जो दो लकड़ी के सलाखों पर आधारित था, जिसे धातु की अंगूठी "फ़ुटी" और "कशीरा" युक्तियों के साथ बांधा गया था, हैंडल को अक्सर शार्क या स्टिंग्रे त्वचा में लपेटा जाता था, जिसे "समान" (शार्क) कहा जाता था। ऐसी धारणा थी कि इस तरह के हत्थे से तलवार की रस्म शुद्धता बनी रहती थी और तलवार के मालिक की रक्षा होती थी। मेनुकी के छोटे उभरे हुए धातु के हिस्से दोनों तरफ के हैंडल से जुड़े होते थे, जिससे दोनों हाथों से तलवार की मजबूत पकड़ सुनिश्चित होती थी। इसके ऊपर, हैंडल को रस्सी या चोटी से लपेटा जाता था, जिससे सतह पर एक लट पैटर्न बन जाता था। तलवार का एक महत्वपूर्ण विवरण "त्सुबा" (गार्ड) था - एक सुरक्षात्मक प्लास्टिक जो ब्लेड को हैंडल से अलग करता है, एक छोटी तलवार की खुरपी को अक्सर सावधानी से तैयार धातु की प्लेटों "कोज़ुका" से सजाया जाता था, जो एक का हैंडल था छोटा चाकू म्यान में एक विशेष जेब में डाला गया।

XVII-XIX सदियों में। हथियार, जो अपना व्यावहारिक मूल्य खो चुका था, पुरुषों के सूट के लिए एक सजावटी जोड़ बन गया। इसकी सजावट में गहनों के काम की विभिन्न सामग्रियों और तकनीकों, ओपनवर्क नक्काशी, मिश्र धातुओं के साथ जड़ना, राहत रचनाएं बनाने के विभिन्न तरीके, एनामेल्स और वार्निश का उपयोग किया गया था। त्सुबा, जिसे कला के एक स्वतंत्र काम के रूप में माना जाने लगा, ने एक विशेष कलात्मक पूर्णता हासिल कर ली। छवियों के भूखंड अन्य प्रकार की कलाओं के पारंपरिक रूप थे: फूल, पक्षी, परिदृश्य, बौद्ध दृष्टान्त, ऐतिहासिक किंवदंतियाँ, यहाँ तक कि शहरी जीवन का अनुमान भी। एक तलवार के विवरण शैली में संयुक्त थे और अक्सर एक भूखंड के विकास का प्रतिनिधित्व करते थे।

तलवारों को सजाने में विशेषज्ञता रखने वाले बंदूकधारियों में, 15वीं शताब्दी में स्थापित तलवार विशेष रूप से प्रसिद्ध थी। गोटो स्कूल, जिसके मास्टर्स की सत्रह पीढ़ियों ने 400 वर्षों तक इसकी महिमा को बनाए रखा।

(पोशाक के विकास के बारे में नहीं) परंपरागत रूप से, जापानी कला और शिल्प के कार्यों में लाख, चीनी मिट्टी के बरतन और चीनी मिट्टी के उत्पाद, लकड़ी, हड्डी और धातु की नक्काशी, कलात्मक रूप से सजाए गए कपड़े और कपड़े, हथियार कला के काम आदि शामिल हैं। कला के कार्यों की विशिष्टता और शिल्प में निम्नलिखित शामिल हैं: उनके पास, एक नियम के रूप में, एक विशुद्ध रूप से व्यावहारिक, उपयोगितावादी अनुप्रयोग है, लेकिन साथ ही वे एक विशुद्ध सौंदर्य भूमिका भी निभाते हैं, जो किसी व्यक्ति के रोजमर्रा के जीवन के अलंकरण के रूप में कार्य करते हैं। जापानियों के लिए आसपास की वस्तुओं का सौंदर्यशास्त्र उनके व्यावहारिक उद्देश्य से कम महत्वपूर्ण नहीं था: सौंदर्य की प्रशंसा करना। इसके अलावा, जापानियों की पारंपरिक चेतना को ब्रह्मांड के रहस्यों में से एक के रूप में सुंदरता के लिए एक विशेष दृष्टिकोण की विशेषता है। जापानियों के लिए सौंदर्य एक ऐसी घटना है जो हमारी रोजमर्रा की दुनिया से परे है, जिसे शब्दों में वर्णित किया जा सकता है और कारण से समझा जा सकता है। आधुनिक पश्चिमी संस्कृति, जितना अधिक यह मानव जीवन को एक तर्कसंगत, रोजमर्रा की विश्वदृष्टि के ढांचे में कम करने की कोशिश करती है, जहां तथाकथित "सामान्य ज्ञान" के नियम हावी होते हैं। जापानियों के लिए, रोजमर्रा के मामलों में अत्यधिक व्यावहारिकता और व्यावहारिकता के बावजूद, सामान्य, भौतिक दुनिया, निश्चित रूप से भ्रामक और क्षणिक मानी जाती थी। और यह कि इसकी सीमाओं से परे एक और अव्यक्त दुनिया है, जो मौलिक रूप से "सामान्य ज्ञान" के मानकों को धता बताती है और जिसे शब्दों में वर्णित नहीं किया जा सकता है। उच्च प्राणी वहां रहते हैं, जीवन और मृत्यु का रहस्य इसके साथ जुड़ा हुआ है, साथ ही सौंदर्य के सिद्धांतों सहित जीवन के कई रहस्य भी हैं। वह दुनिया हमारे भीतर परिलक्षित होती है, जैसे पानी की सतह में चंद्रमा, सुंदरता और रहस्य की तेज और मर्मस्पर्शी भावना के साथ लोगों की आत्माओं में प्रतिध्वनित होती है। जो लोग अर्थों और सौंदर्य के रंगों के इस सूक्ष्म और बहुआयामी नाटक को देखने और सराहने में सक्षम नहीं हैं, उन्हें जापानी निराशाजनक, असभ्य बर्बर मानते हैं।

पारलौकिक दुनिया में अपनी भागीदारी में खुद को स्थापित करने के लिए, जापानी (सबसे पहले, अभिजात वर्ग, अभिजात वर्ग) ने कर्मकांडों और विशेष रूप से उनके सौंदर्य पक्ष को बहुत महत्व दिया। चेरी ब्लॉसम, लाल रंग के मेपल, पहली बर्फ, सूर्योदय और सूर्यास्त के साथ-साथ कविता प्रतियोगिताओं, फूलों की व्यवस्था (इकेबाना), थिएटर प्रदर्शन आदि को निहारने की रस्में यहाँ से होती हैं। यहां तक ​​​​कि ऐसी साधारण रोजमर्रा की परिस्थितियाँ जैसे चाय पीना या खातिरदारी करना, मिलना मेहमान या अंतरंगता में प्रवेश, जापानी ने रहस्यमय कार्रवाई को महत्व दिया। एक ही समय में घरेलू सामान ने अनुष्ठान की विशेषताओं की भूमिका निभाई। ऐसी वस्तुओं को बनाने वाले कारीगरों ने उन्हें एक त्रुटिहीन सौंदर्य उपस्थिति देने की मांग की। उदाहरण के लिए, चाय समारोह के लिए कई कटोरे, पहली नज़र में, खुरदरे और असमान, असामान्य रूप से अत्यधिक मूल्यवान थे, मुख्य रूप से क्योंकि वे "अन्य" सुंदरता की मुहर लगाते थे, ऐसा लगता था कि वे पूरे ब्रह्मांड को समाहित करते हैं।

यह कला और शिल्प के कई अन्य कार्यों पर पूरी तरह से लागू होता है: मूर्तियाँ, नेटसुक, बक्से - इनरो, लाह के बर्तन, सुरुचिपूर्ण कोसोडे (छोटी आस्तीन के साथ किमोनो) अति सुंदर और सनकी सजावट, स्क्रीन, पंखे, लालटेन और, विशेष रूप से, एक पारंपरिक जापानी हथियार . हम जापानी कलात्मक तलवारों के उदाहरण का उपयोग करके जापानी कला और शिल्प में पारंपरिक सौंदर्य सिद्धांतों के व्यावहारिक कार्यान्वयन पर विचार करेंगे।

प्राचीन काल से, जापान में लाख के बर्तन ज्ञात हैं, उनके अवशेष जोमोन युग के पुरातात्विक स्थलों में पाए जाते हैं। एक गर्म और नम जलवायु में, लाह के लेप ने लकड़ी, चमड़े और यहां तक ​​कि धातु उत्पादों को नष्ट होने से बचाया। जापान में लाह के उत्पादों का व्यापक उपयोग हुआ है: व्यंजन, घरेलू बर्तन, हथियार, कवच, आदि। लाह के उत्पाद आंतरिक सजावट के रूप में भी काम करते हैं, खासकर बड़प्पन के घरों में। पारंपरिक जापानी वार्निश लाल और काले, साथ ही सुनहरे होते हैं; ईदो काल के अंत में, पीले, हरे, भूरे लाह का उत्पादन शुरू हुआ। XX सदी की शुरुआत तक। सफेद, नीला और बैंगनी लाह प्राप्त किया गया था। वार्निश को लकड़ी के आधार पर बहुत मोटी परत में लगाया जाता है - 30-40 परतों तक, फिर एक दर्पण खत्म करने के लिए पॉलिश किया जाता है। लाख के उपयोग से जुड़ी कई सजावटी तकनीकें हैं: माकी-ए - सोने और चांदी के पाउडर का उपयोग; उरुशी-ए - लाख पेंटिंग; ह्योमोन - संयोजन; सोने, चांदी और मदर-ऑफ-पर्ल जड़े हुए लाख की पेंटिंग। जापानी कलात्मक लाह के बर्तन न केवल जापान में, बल्कि पश्चिम में भी अत्यधिक मूल्यवान हैं, और उनका उत्पादन अभी भी फल-फूल रहा है।

जापानी विशेष रूप से सिरेमिक उत्पादों के शौकीन हैं। इनमें से सबसे पहले पुरातात्विक उत्खनन से जाना जाता है और जोमन काल से पहले का है। जापानी चीनी मिट्टी की चीज़ें और बाद में चीनी मिट्टी के बरतन का विकास चीनी और कोरियाई प्रौद्योगिकियों, विशेष रूप से, फायरिंग और रंगीन ग्लेज़िंग से काफी प्रभावित था। जापानी मिट्टी के पात्र की एक विशिष्ट विशेषता यह है कि मास्टर ने न केवल उत्पाद के आकार, सजावटी आभूषण और रंग पर ध्यान दिया, बल्कि स्पर्श संबंधी संवेदनाओं पर भी ध्यान दिया, जो किसी व्यक्ति की हथेली के संपर्क में आने पर हुई। सिरेमिक के पश्चिमी दृष्टिकोण के विपरीत, सिरेमिक के लिए जापानी दृष्टिकोण ने रूप की असमानता, सतह खुरदरापन, दरारें, ग्लेज़ की धारियाँ, मास्टर की उंगलियों के निशान और सामग्री की प्राकृतिक बनावट का प्रदर्शन ग्रहण किया। कलात्मक सिरेमिक उत्पादों में, सबसे पहले, चाय समारोहों के लिए कटोरे, चायदानी, फूलदान, बर्तन, सजावटी व्यंजन, खातिर बर्तन आदि शामिल हैं। चीनी मिट्टी के उत्पाद मुख्य रूप से उत्तम सजावट, चाय और शराब के सेट और विभिन्न मूर्तियों के साथ पतली दीवारों वाले फूलदान हैं। जापानी चीनी मिट्टी के बरतन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा विशेष रूप से पश्चिमी देशों को निर्यात के लिए बनाया गया था।

प्रत्येक के लिए अलग से:

चीनी मिट्टी की चीज़ें
जापान की सबसे पुरानी मिट्टी के बर्तन
जापानियों को लंबे समय से याकिमोनो से गहरा लगाव रहा है। जापानियों द्वारा बनाई गई रोजमर्रा की जिंदगी की अजीबोगरीब संस्कृति सिरेमिक टेबलवेयर से शुरू होती है - चावल के कटोरे, बिना हैंडल के मग और चॉपस्टिक के लिए कोस्टर। ये पृष्ठ हमें सिरेमिक और चीनी मिट्टी के बरतन के साथ जापानी आकर्षण का एक विचार देते हैं।
* जापानी में, सिरेमिक ("टोकी") और चीनी मिट्टी के बरतन ("जिकी") को सामूहिक रूप से "याकिमोनो" के रूप में जाना जाता है।

जापानी सिरेमिक के विकास का इतिहास
लगभग 13,000 साल पहले जापानी द्वीपसमूह में पहली मिट्टी के बर्तन बनाए गए थे। जहां तक ​​​​ज्ञात है, यह दुनिया में कहीं और की तुलना में पहले हुआ था। तरल पदार्थों को उबालने के लिए सबसे प्रसिद्ध बड़े, गहरे बर्तन हैं। उत्पादों को गुंथे हुए आभूषण या लट में रस्सी की छाप से सजाया गया था। इन रस्सी की सजावट के लिए, उस समय के मिट्टी के बर्तनों को "जोमन डोकी" ("जो" = रस्सी; "सोम" = आभूषण, "डोकी" = मिट्टी के बर्तन) कहा जाता था। लगभग 5,000 साल पहले, जोमन युग के दौरान, गतिशील रूप से आकार वाले मॉडल जार की गर्दन पर एक बढ़ती लहर के रूप में एक आभूषण के साथ दिखाई दिए और विचित्र पैटर्न उत्पादों की पूरी बाहरी सतह को कवर करते थे।
बाद के याओई युग के दौरान, चावल की खेती की शुरुआत के साथ, कोरियाई प्रायद्वीप से नए प्रकार के मिट्टी के बर्तनों को पेश किया गया। Yayoi बर्तन रोजमर्रा की जिंदगी का हिस्सा थे और इनका उपयोग भोजन को स्टोर करने और तैयार करने के साथ-साथ मेज पर व्यंजन परोसने के लिए किया जाता था। यह जोमन वेयर से कम सजाया गया था, और इसकी सजावट में ज्यादातर हल्के रंगों का इस्तेमाल किया गया था।
5 वीं सी की शुरुआत के आसपास। कोरियाई प्रायद्वीप से फिर से नई तकनीकों के जापान में आगमन से जुड़े बड़े बदलाव हुए हैं। पहले, मिट्टी के उत्पादों को आग पर पकाया जाता था, लेकिन एक नए प्रकार के चीनी मिट्टी के बरतन, सूकी, को पहाड़ियों की ढलानों पर व्यवस्थित विशेष सुरंग भट्टों में उच्च तापमान प्रसंस्करण के अधीन किया जाने लगा। सुकी उत्पाद पहले से ही वास्तविक सिरेमिक थे।
लगभग 7वीं शताब्दी के मध्य में। जापानी कुम्हारों ने कोरियाई और चीनी तकनीकों का अध्ययन करना शुरू किया। अपने पड़ोसियों से, उन्होंने सीखा कि अपेक्षाकृत कम तापमान पर शीशे का आवरण और अग्नि मिट्टी का उपयोग कैसे किया जाता है। उस समय के उत्पादों को एक गहरे हरे रंग की टोन के शीशे का आवरण के साथ कवर किया गया था या, नारा संसाई सिरेमिक्स की तरह, एक पॉलीक्रोम शीशा के साथ, जिसमें लाल, पीले और हरे रंग का रंग प्रमुख था। हालाँकि, दोनों प्रकार के चीनी मिट्टी के बरतन केवल शाही दरबार के सदस्यों, दरबारी बड़प्पन और मंदिर परिचारकों के बीच लोकप्रिय थे, और 11 वीं शताब्दी से शुरू हुए। इन वस्तुओं का अब उत्पादन नहीं किया गया था।
सुएका उत्पादों के निर्माण के साथ-साथ हुए नए विकास ने पूरे देश में भट्ठों के निर्माण की शुरुआत को प्रोत्साहन दिया। कुम्हारों ने देखा कि एक लाल-गर्म भट्ठे में लकड़ी की राख मिट्टी के साथ परस्पर क्रिया करती है, जिससे एक प्राकृतिक शीशा बनता है। इसने उन्हें फायरिंग के दौरान राख के साथ मिट्टी के बर्तनों को छिड़कने की तकनीक का सुझाव दिया। प्राकृतिक ऐश ग्लेज़ विधि का उपयोग पहली बार ओवरी प्रांत (अब उत्तर-पश्चिमी आइची प्रान्त) में सनेज भट्टों में किया गया था।
मध्य युग के दौरान सुएका मिट्टी के बर्तनों के उत्पादन ने नई प्रौद्योगिकियों के विकास को प्रेरित किया। जापान के छह ऐतिहासिक मिट्टी के बर्तन केंद्र- सेटो, टोकोनामे, इचिज़ेन, शिगारकी, ताम्बा और बिज़ेन-उस समय स्थापित किए गए थे। उनके भट्ठे आज भी चल रहे हैं। उनमें से लगभग सभी मिट्टी के पात्र की तरह दिखने वाले मिट्टी के व्यंजन बनाते हैं - ज्यादातर बड़े जग, फूलदान और बर्तन।
चमकता हुआ लक्ज़री सामान केवल सेटो में बनाया गया था, जो प्राचीन सनगे भट्टों के पास स्थित था। सेटो कुम्हारों ने अभिजात वर्ग और समुराई की मांगों को पूरा करने की कोशिश की, जिन्होंने चीनी गीत शैली में मिट्टी के बर्तनों और चीनी मिट्टी के बरतन में बहुत रुचि दिखाई। उनके फिनिश में नए रंगों को शामिल किया गया है। इस व्यंजन की एक विशिष्ट विशेषता लाल, भूरे या हरे रंग के रंगों के साथ पीले रंग का उपयोग था। कुम्हारों ने महाद्वीप से लाए गए नमूनों से प्रेरणा ली। साथ ही, उन्होंने सांग शैली के आदर्शों को जापानी के स्वाद के अनुरूप लाया, नए रूपों और घरेलू बर्तनों को सजाने के बारे में अपने विचारों के साथ। लगभग 16वीं शताब्दी के अंत तक। जापान में सेटो एकमात्र ऐसा केंद्र था जो चमकदार मिट्टी के बर्तनों का उत्पादन करता था।

आंतरिक युद्धों (1467-1568) के युग में, जिसने पूरे देश को घेर लिया, सेटो कुम्हार उत्तर में, पहाड़ों पर, मिनो (आज यह गिफू प्रान्त का दक्षिणी भाग है) तक चला गया। यहाँ नई शैलियों की शुरुआत हुई, जो जापान की विशेषता थी। वे किसेटो, सेटो-गुरो, शिनो और ओरिबे के उत्पादों द्वारा सबसे अच्छा प्रतिनिधित्व करते हैं।
यह इस समय था कि चाय समारोह का जन्म हुआ। चाय पीने का रिवाज 12वीं सदी के अंत में चीन से आया था, लेकिन 16वीं सदी में ही मेहमानों के स्वागत में चाय परोसने की रस्म पर विशेष ध्यान देना फैशन बन गया था।
मिनो मिट्टी के बर्तनों के पीले, सफेद, काले, हरे और अन्य रंगों के रंग चीनी और कोरियाई मिट्टी के बर्तनों के प्रभाव का संकेत देते हैं, लेकिन विषम आकार और अमूर्त पैटर्न इसके विशिष्ट जापानी चरित्र के संकेत हैं। तेजी से लोकप्रिय चाय समारोह में उत्तम कप, प्लेट, व्यंजन, अगरबत्ती, फूलों के फूलदान और कैंडलस्टिक्स की आवश्यकता होती है। मिनो की कार्यशालाओं ने इन मांगों का स्पष्ट रूप से जवाब दिया।
मोमोयामा युग (16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध) के आगमन के साथ, आंतरिक युद्ध समाप्त हो गए, जो जापान के एकीकरण के साथ समाप्त हो गए, और चाय समारोह को और विकसित किया गया। इस समय, जापानी मिट्टी के बर्तनों में परिवर्तन हो रहा है। तोयोतोमी हिदेयोशी ने कोरियाई प्रायद्वीप पर एक सैन्य अभियान शुरू किया, जिसने चाय समारोह के प्रशंसकों, समुराई के लिए कोरियाई कुम्हारों को जापान लाने और उन्हें भट्टों के निर्माण में शामिल करने के अवसर खोले। क्यूशू के विभिन्न हिस्सों में कई नए विनिर्माण केंद्र स्थापित किए गए हैं, जिनमें करात्सु, अगानो, तकतोरी, सत्सुमा, हागी शामिल हैं। करात्सु उत्पादों का उत्पादन सबसे विविध और बड़े पैमाने पर था - चाय के कटोरे, फूलदान और कई घरेलू सामान वहां से देश के सभी कोनों में पहुंचाए गए थे।
चीनी मिट्टी के बरतन जापान में 17वीं शताब्दी की शुरुआत में ही दिखाई दिए, जब कोरियाई कुम्हारों ने इसे यहां बनाना शुरू किया। जापानी मिट्टी के बर्तनों के विकास में यह एक महत्वपूर्ण मील का पत्थर था। इसके तुरंत बाद, इज़ुमियामा, अरीता, क्यूशू में चीनी मिट्टी की जमा राशि, जिसे अब काओलिन के रूप में जाना जाता है, की खोज की गई। यह पतली दीवार वाले, हल्के और मजबूत उत्पादों के उत्पादन के लिए आदर्श साबित हुआ। एक सफेद पृष्ठभूमि पर अपनी चमकीली नीली पेंटिंग के साथ, वे पूरे जापान में एक लोकप्रिय वस्तु बन गए हैं। और क्योंकि टुकड़े इमारी के पास के बंदरगाह से भेजे गए थे, उन्हें इमारी चीनी मिट्टी के बरतन के रूप में जाना जाने लगा। इमारी उत्पादन के अस्तित्व के प्रारंभिक चरण में, उस पर कोरियाई चीनी मिट्टी के बरतन का प्रभाव स्पष्ट था, लेकिन जल्द ही चीन से बड़ी संख्या में चीनी मिट्टी के उत्पादों का आयात किया गया, जो जापानी कारीगरों के लिए अध्ययन का विषय भी बन गया। धीरे-धीरे घरेलू चीनी मिट्टी के बर्तनों की गुणवत्ता में काफी सुधार हुआ। सकैदा काकीमोन नाम के एक शिल्पकार ने उत्पाद की सतह पर नरम नारंगी-लाल रंग लगाने की एक विधि का आविष्कार किया, जिससे दूधिया सफेद पृष्ठभूमि पर अद्भुत रंग डिजाइन बनाना संभव हो गया।
यूरोपीय शाही दरबार और बड़प्पन, ओरिएंटल कला की सुंदरता से मोहित, इमारी चीनी मिट्टी के उत्पादों को छीनने के लिए एक दूसरे के साथ होड़ करते थे। जल्द ही मीसेन (जर्मनी), डेल्फ़्ट (नीदरलैंड्स) और अन्य यूरोपीय केंद्रों के कारीगरों ने काकीमोन शैली सहित इमारी उत्पादों की नकल करना शुरू कर दिया। यह जापानी मिट्टी के बर्तनों का स्वर्ण युग था।
नोनोमुरा निन्सेई, जो 17वीं शताब्दी में रहते थे। शाही शहर क्योटो में, रंगीन कल्पना की पूरी दुनिया को खोलते हुए, अपनी खुद की शाही शैली बनाई। ओगाटा केनज़न, ओकुडा ईसेन, और अओकी मोकुबी ने क्यो मिट्टी के बर्तनों की इस परिष्कृत दुनिया को समृद्ध किया, जिससे आधुनिक क्योमिज़ु शैली के विकास के लिए मंच तैयार हुआ।

19 वीं सदी में सिरेमिक उत्पादन पूरे देश में तेजी से विकसित हुआ। चीनी मिंग शैली के बाद के उदाहरणों से विकसित गोशु-अके (रेड आइसिंग) और सेन्ज़ुई शैलियों ने इस समय के दौरान अत्यधिक लोकप्रियता हासिल की, जैसा कि आधुनिक जापानी टेबलवेयर द्वारा दर्शाया गया है।
19वीं शताब्दी के अंत में पेरिस में अंतरराष्ट्रीय प्रदर्शनियों में जापान में बने मिट्टी के पात्र प्रदर्शित किए गए, जिसके परिणामस्वरूप इमारी, सत्सुमा और कुटानी माल ने यूरोपीय कारीगरों के तरीके को प्रभावित किया। जापानी उत्पादों में रुचि समकालीन कला के विकास में परिलक्षित हुई।
कोरियाई और चीनी प्रभाव के बिना जापानी मिट्टी के पात्र का इतिहास अकल्पनीय है। हालाँकि, यह भी स्पष्ट है कि, जापानियों के कलात्मक स्वाद और जीवन शैली का जवाब देते हुए, यह शिल्प अपने तरीके से चला और एक अनूठी कला और एक संपूर्ण उद्योग का निर्माण हुआ।

जापान में सिरेमिक उत्पादों की एक असाधारण विविधता
दुनिया भर में, जापानी मिट्टी के बर्तनों को मौजूदा तकनीकों और शैलियों की संख्या और विविधता में नायाब माना जाता है। आधुनिक टेबलवेयर - सिरेमिक या चीनी मिट्टी के बरतन - जापान में आकार और सजावटी समाधानों की एक विस्तृत श्रृंखला में निर्मित होते हैं।
जापानी मिट्टी के बर्तनों को तीन समूहों में विभाजित किया जा सकता है: (1) एक अद्वितीय बनावट के साथ मिट्टी के बरतन जो स्पर्श करने के लिए पृथ्वी की तरह महसूस करते हैं, जो कि बिज़ेन, शिगारकी, इचिज़ेन और टोकोनाम द्वारा सबसे अच्छा प्रतिनिधित्व करते हैं; (2) ओरिबे और मिनो चाय समारोह के सामान, सरल माशिको माल, और करात्सु और हागी माल, कोरियाई प्रायद्वीप की सिरेमिक कला को प्रतिध्वनित करते हुए, एक गर्म, मिट्टी के रंग के साथ भारी-चमकदार मिट्टी के बर्तन; और (3) पोर्सिलेन, इमारी वेयर द्वारा दर्शाया गया है, जो इसकी सजावट में एक शानदार सफेद पृष्ठभूमि के उपयोग के लिए जाना जाता है, और कुटानी वेयर पूरी सतह पर चमकदार रंग के साथ। भट्ठे की तकनीक और डिजाइन जो भी हो, जापानी कारीगरों द्वारा बनाए गए मिट्टी के बर्तनों ने हमेशा सुंदरता की सदियों पुरानी खोज की गवाही दी है।
मिट्टी के बर्तनों के प्रत्येक समूह में इतनी विविधता क्यों है? इस प्रश्न का उत्तर देने के लिए हमें मिट्टी के बर्तनों और चाय समारोह के बीच घनिष्ठ संबंध पर विचार करना चाहिए।
चाय समारोह के आदर्श, जिसमें सादगी और शांति शामिल थी, मोमोयामा युग (16 वीं शताब्दी के अंत) में अपना सबसे आकर्षक अवतार पाया। उस समय के इन नए आदर्शों की अभिव्यक्ति वबी शब्द था, जिसका अर्थ है सादगी और शांति। चाय समारोह के उस्ताद, जो चाहते थे कि उनके व्यंजन वाबी की भावना को व्यक्त करें, उन्होंने अपनी मौलिकता का प्रदर्शन किया और कारीगरों से चाय के कटोरे और अन्य वस्तुओं को मंगवाकर अपने प्रभाव का विस्तार किया, जो बाहरी रूप से इन आदर्शों को "साँस" लेते थे।
मोमोयामा युग की असाधारण रचनात्मक ऊर्जा ने जापानी सिरेमिक की कला में नई जान फूंक दी। यह सेटो-गरो माल में देखा जा सकता है, फायरिंग प्रक्रिया के दौरान भट्ठे से माल निकालने के द्वारा प्राप्त उनके पूरी तरह से काले स्वर के साथ; Kiseto वर्कशॉप के बर्तनों में इसकी गतिशील डिज़ाइन के साथ; ओरिबे वेयर में, इसके बोल्ड आकार और जटिल पैटर्न के साथ, हरे और लोहे के रंग के ग्लेज़ के साथ बनाया गया; चीन के सख्त सरल उत्पादों में।
चाय समारोह के कलाकार कभी-कभी उन विशेष वस्तुओं को नाम देते हैं जिन्हें वे सबसे ज्यादा पसंद करते हैं, जैसे कि चाय का प्याला, फूलदान, पानी का बर्तन, या अगरबत्ती। मिट्टी के बर्तनों के प्रति ऐसा रवैया आपको दुनिया में और कहां मिल सकता है? क्या यह सिरेमिक के लिए जापानी जुनून की गहराई का प्रमाण नहीं है!

सिरेमिक उत्पादों की इतनी विस्तृत विविधता का एक अन्य कारण यह है कि जापानी व्यंजनों में कटलरी की एक विस्तृत श्रृंखला की आवश्यकता होती है, जो दुनिया में किसी भी अन्य व्यंजन की तुलना में बहुत अधिक है।
प्राचीन समय में, जापानी अभिजात वर्ग ज्यादातर लाह के बर्तनों का उपयोग करके खाना और पीना पसंद करते थे, लेकिन चाय समारोह के उस्तादों के कारण यह बदल गया है। उन्होंने चाय से पहले कैसेकी स्नैक्स परोसने के लिए सिरेमिक सेट का उपयोग करना शुरू किया, और धीरे-धीरे यह महसूस किया कि सिरेमिक टेबलवेयर भोजन में अधिक स्पर्शपूर्ण दृश्य अनुभव और ताजगी जोड़ता है। चाय समारोह के लिए बर्तन मौसम के अनुसार चुने गए थे, और साशिमी के टुकड़ों को परोसने के लिए म्यूको-ज़ूक प्लेट्स, खातिर और तले हुए भोजन परोसने के लिए व्यंजन परोस कर, मालिक ने मेहमानों की उच्च सौंदर्य संबंधी माँगों को पूरा किया। यह चाय समारोह के उस्ताद थे जिन्होंने खाने की रस्म को समृद्ध किया, इसमें दृश्य, सौंदर्य आनंद का क्षण लाया।
19वीं शताब्दी के मध्य से, उपयोग में आसानी के कारण चीनी मिट्टी के बरतन ने खाने की मेज पर एक महत्वपूर्ण स्थान ले लिया है। आज, सिरेमिक टेबलवेयर रोजमर्रा की जिंदगी का आदर्श बन गया है। और केवल मिसो सूप पारंपरिक रूप से चिकने लाख के कप से पिया जाता है। ये कप रोजमर्रा के उपयोग के लिए नहीं हैं।
चावल, जो जापानी आहार का आधार बनता है, आमतौर पर हाथ में पकड़े एक छोटे कटोरे से खाया जाता है, और कई परिवारों में सभी के पास चावल के कटोरे होते हैं। इस तरह की टेबल परंपराओं ने सिरेमिक व्यंजनों के लिए जापानी प्रेम को ही मजबूत किया।

एलएसी
संक्षेप में, यह पेड़ की राल से बना है।

इस बात के प्रमाण हैं कि पाषाण युग जापान में 5,000 से 6,000 साल पहले लाह का उपयोग तीर के सिरों को जोड़ने के लिए गोंद के रूप में किया जाता था। लेकिन लगभग 4000 साल पहले, चमकीले लाल और काले लाह का उपयोग बर्तनों, हथियारों और गहनों पर लेप के रूप में किया जाता था। यह भी ज्ञात है कि यमातो ताकेरू नो मिकोटो के लगभग 100 साल बाद, "उरुशी-बी" नामक कारीगरों का एक समूह था जो लाख की कला में विशिष्ट था।

सजावटी लाह की तकनीक 5 वीं या 6 वीं शताब्दी में जापान में चीन से बौद्ध धर्म की शुरुआत के दौरान आई, जहां जापान के एकीकरण से बहुत पहले, कारीगरों ने बहुस्तरीय काले और लाल लाह से लागू कला की उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया।

8वीं शताब्दी के अंत में, शुरुआती हियान काल के दौरान, जापान ने चीन को व्यापार मिशन भेजना बंद कर दिया। जापान की संस्कृति महाद्वीपीय प्रभाव से कट गई। यह 8वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से लेकर 12वीं शताब्दी तक हीयान काल के दौरान था, कि जापान में लाख की कला पूरी तरह से अनूठी, जापानी शैली में विकसित हुई। उस समय के बर्तन और फर्नीचर ज्यादातर लकड़ी के बने होते थे। इसलिए, यह आश्चर्य की बात नहीं है कि वार्निश का व्यापक रूप से अल्पकालिक लकड़ी के उत्पादों में सुंदरता और ताकत जोड़ने के लिए उपयोग किया जाता है। "माकी" तकनीक - बाद की वार्निशिंग (सोने या चांदी की धूल के साथ वार्निश मिलाकर) के साथ सतह को गिला करना भी इसी अवधि से संबंधित है। इस तकनीक से बने उत्पाद उच्च वर्गों में बहुत लोकप्रिय हुए।

13वीं शताब्दी में महाद्वीप के साथ सांस्कृतिक आदान-प्रदान फिर से शुरू हुआ, और जापानी लाख के बर्तन चीन और कोरिया के माध्यम से विदेशों में व्यापक रूप से वितरित किए गए। दूसरी ओर, जापान में सजावट की नई तकनीकें आईं, जो स्थानीय कारीगरों की परंपराओं को पूरी तरह से पूरक करती हैं।

17वीं शताब्दी में जापान की लाख कला और अधिक परिष्कृत हो गई। एक ओर, नई शैलियाँ विकसित हुईं, जबकि विभिन्न क्षेत्रों की विभिन्न पारंपरिक तकनीकों का संयोजन होने लगा, जिससे दिलचस्प संयोजन बन गए।

इशिकावा प्रान्त में कानाज़ावा में हुई तकनीकों का यह संलयन था। कागा कबीला, जिसने अपने क्षेत्र में हस्तशिल्प के विकास को प्रोत्साहित किया, ने पूरे जापान के उत्कृष्ट कारीगरों को आमंत्रित किया, जिसमें लाख के स्वामी भी शामिल थे। कई पीढ़ियों के माध्यम से, कानाज़ावा में पारंपरिक शिल्प की पूरी तरह से अनूठी शैलियों का निर्माण किया गया, जो आज तक अपनी सुंदरता और अनुग्रह के लिए प्रसिद्ध हैं।

पोशाक विकास

नेटसुके
नेटसुक एक लघु मूर्तिकला है, जो जापानी कला और शिल्प का काम है। नेटसुक का उपयोग पारंपरिक जापानी कपड़ों पर एक चाबी का गुच्छा, एक काउंटरवेट के रूप में किया गया था, जो जेब से रहित था और सभी आवश्यक सामान (पाउच, बटुआ, इनरो, सेगेमोनो, विभिन्न छोटी चीजें) को रस्सियों से बेल्ट पर लटका दिया गया था और मदद से बांधा गया था। एक नेत्सु का, जो डोरी के विपरीत छोर से जुड़ा होता है। नेत्सुकी को ओकिमोनो के साथ भ्रमित नहीं होना चाहिए, यह भी एक लघु जापानी मूर्तिकला है, जो डिज़ाइन और प्लॉट दोनों में नेटसुकी के समान है, और अक्सर आकार में, लेकिन बेल्ट पर कभी नहीं पहना जाता है। हालांकि, नेटसुक में "हिमोतोशी" को लटकाने के लिए छिद्रों की अनुपस्थिति एक विशिष्ट विशेषता नहीं है, क्योंकि रचना के अंदर कुशलता से छिपे हुए हिमोतोशी के बिना नेट्स्की थे या हिमोटोशी के आंकड़े थे। नेटसुक बनाने के लिए पारंपरिक सामग्री हाथीदांत और लकड़ी हैं। धातु, सोना, चांदी, कांस्य, शकुडो, मदर-ऑफ-पर्ल, चीनी मिट्टी के बरतन, चीनी मिट्टी की चीज़ें, हिरण के सींग, जानवरों के सींग, कछुआ, वालरस और नरवाल के नुकीले, आंतरिक जानवरों की हड्डियाँ, विभिन्न नट, मूंगा, वार्निश आदि का भी उपयोग किया जाता था। नेट्स्की के विभिन्न स्कूल हैं, जो मुख्य भूखंडों, प्रयुक्त सामग्रियों, तकनीकों में भिन्न हैं। नेटसुक पर हस्ताक्षर की उपस्थिति किसी वस्तु की कीमत और मूल्य को प्रभावित करने वाला मुख्य कारक नहीं है। नेटसुक में उपयोग किए जाने वाले प्लॉट बहुत विविध हैं। घरेलू, प्रकृति और प्रकृतिवादी, ऐतिहासिक, पौराणिक, पौराणिक, शानदार। लगभग सभी नेट्स्की में एक विशिष्ट प्रतीकवाद होता है और किसी विचार या इच्छा को दर्शाता है।

कैटाबोरी - सबसे प्रसिद्ध प्रकार का नेटसुक - एक कॉम्पैक्ट नक्काशीदार मूर्तिकला है जो लोगों, जानवरों और बहु-चित्रित समूहों को चित्रित कर सकता है। ससी नेटसुक के सबसे पुराने रूपों में से एक है। यह रस्सी के छेद के साथ एक लम्बी हुक है। जिस तरह से शशि का सेवन किया जाता है वह अन्य सभी रूपों से अलग है। बहुधा इसे बेल्ट के किनारे से लटकाया जाता था। मंजू चावल के केक के आकार को दोहराते हुए एक मोटी डिस्क के रूप में नेटसुक है। कभी-कभी यह दो हिस्सों से बना होता है। रयुसा मंजू रूप का एक प्रकार है, जिसे विशेषज्ञों द्वारा एक अलग रूप के रूप में चुना गया है। इस रूप का मुख्य अंतर यह है कि यह अंदर से खाली है, और नक्काशी की तकनीक का उपयोग करके बनाया गया है। कागामिबुता - भी मंजू के समान है, लेकिन एक पारंपरिक पवित्र दर्पण के रूप में बनाया गया है, नेटसुक का निचला हिस्सा, हाथी दांत या अन्य हड्डी, सींग, लकड़ी या अन्य सामग्री से बना है, जो ऊपर से धातु के ढक्कन या प्लेट से ढका होता है, जिस पर सजावटी डिजाइन का मुख्य भाग केंद्रित है।

अपनी स्थापना के समय से, नेटसुक एक संग्रहणीय वस्तु में बदल गया, सबसे पहले जापान में, जहाँ आप एक्सचेंज कर सकते थे, दे सकते थे, बेच सकते थे, ऑर्डर कर सकते थे, नेटसुक खरीद सकते थे, और उन्नीसवीं सदी से, यह शौक यूरोप और अमेरिका में फैल गया, जहाँ नेटसुक संग्रह अपने चरम पर पहुँच गया। शिखर। नेटसुक बाजार बहुत जीवंत और लगातार अद्यतन है, अब दुनिया भर के कलेक्टरों के पास निजी संग्रह में नेटसुक खरीदने और प्रमुख संग्रहालयों के संग्रह से आइटम खोजने का अवसर है। इस मामले में नेटसुक की खरीद और बिक्री प्रतिष्ठित प्राचीन वस्तुओं के डीलरों और/या नीलामी घरों के माध्यम से होती है। अब, न केवल जापान में बल्कि पूरी दुनिया में, एक प्रतीकात्मक अर्थ, इच्छा या छिपे हुए अर्थ के साथ उपहार के लिए नेटसुक खरीदना बहुत लोकप्रिय हो गया है। यह ध्यान देने योग्य है कि रूसी में अक्सर नेटसुक शब्द के ऐसे वर्तनी होते हैं जैसे नेटसुक, साथ ही नेटसुक, या नेटसुक, और कभी-कभी नेटसुक या नेटसुक भी। प्रामाणिक "नेटसुक" के विपरीत, अन्य वर्तनी संभव हैं, लेकिन वांछनीय नहीं हैं।

दाईं ओर किमोनो से ब्लीट की गंध आती है

किमोनो (जापानी 着物, किमोनो, "कपड़े"; जापानी 和服, वाफुकु, "राष्ट्रीय कपड़े") जापान में पारंपरिक कपड़े हैं। 19वीं शताब्दी के मध्य से, इसे जापानी "राष्ट्रीय पोशाक" माना जाता है। किमोनो गीशा और माइको (भविष्य की गीशा) का परिधान भी है।
फ्यूरिसोड (जाप। 振袖, शाब्दिक रूप से "फड़फड़ाती हुई आस्तीन") अविवाहित लड़कियों और दुल्हनों के लिए एक पारंपरिक जापानी पोशाक है, लंबी आस्तीन वाला किमोनो।
टॉमेसोड (留袖?, पिन्ड स्लीव) विवाहित महिलाओं के लिए एक प्रकार का किमोनो है। यह एक छोटी आस्तीन में फ्यूरिसोड से भिन्न होता है, पैटर्न आस्तीन को प्रभावित किए बिना, ओबी के नीचे हेम के साथ ही जाता है; टॉमेसोड पर हथियारों का कोट मौजूद होना चाहिए।
ओबी (帯?, शाब्दिक रूप से "बेल्ट") कई अलग-अलग प्रकार के जापानी बेल्ट हैं जो किमोनो और कीकोगी पर पुरुषों और महिलाओं दोनों द्वारा पहने जाते हैं।
गेटा (下駄?) जापानी बेंच के आकार के लकड़ी के सैंडल हैं जो दोनों पैरों के लिए समान हैं (वे गोल शीर्ष के साथ आयत की तरह दिखते हैं और संभवतः ऊपर से थोड़ा उत्तल हैं)। उन्हें पैरों पर अंगूठे और दूसरे पैर की अंगुली के बीच से गुजरने वाली पट्टियों के साथ रखा जाता है। आजकल, वे आराम करते समय या खराब मौसम में पहने जाते हैं। यूरोपीय लोगों के मानकों के अनुसार, यह एक बहुत ही असुविधाजनक जूता है, लेकिन जापानियों ने इसे सदियों से इस्तेमाल किया है, और इससे उन्हें कोई असुविधा नहीं हुई।
वेयरेशिनोबू (जापानी: 割れしのぶ?, गुप्त रूप से कट) आज गीशा प्रशिक्षुओं के बीच लोकप्रिय एक महिला जापानी हेयर स्टाइल है।
साको (先笄 सक्को या साकिको: गाई?, आखिरी हेयरपिन) एडो अवधि के दूसरे छमाही में कामिगाटा क्षेत्र (क्योटो के पास) में व्यापारी वर्ग की विवाहित महिलाओं के बीच लोकप्रिय एक महिला केश विन्यास है। ओकाज़ाकी (आइची प्रान्त) शहर के आसपास के क्षेत्र में दिखाई दिया। कांटो में, मैरुमेज हेयरस्टाइल अधिक लोकप्रिय था, और साको को मीजी क्रांति के बाद ही मान्यता मिली।
आज, एरिका, गीशा संक्रमण समारोह से पहले साको आखिरी माईको हेयर स्टाइल है।
शिमदा (जाप। 島田?) - जापानी महिलाओं के केश, एक प्रकार का बन। आज शिमदा लगभग विशेष रूप से गीशा और ताया (ओरण का एक प्रकार) द्वारा पहना जाता है, लेकिन ईदो काल के दौरान इसे शादी से पहले 15-20 साल की लड़कियों द्वारा पहना जाता था। अन्य केशविन्यासों की तरह, कर्णशी को सजाया जाता है।
Kanzashi (Jap. 簪?, वर्तनी 髪挿し) जापानी पारंपरिक महिलाओं के बालों के गहने हैं। कंजाशी को किमोनो के साथ पहना जाता है।