Delec snovi v kvantni fiziki. Elementarni delci snovi. Quantum faks in kopirni stroj

Umetnosti in obrti

Umetnost in obrt tako Kitajske kot Japonske je na prvi pogled samostojna tradicija, ki ni neposredno povezana s splošnim kulturnim substratom. Toda ta vtis je napačen. Čeprav je bila lokacija krajev proizvodnje porcelana, svile, laka posledica naravnih in geografskih pogojev (podnebje, nahajališča surovin in rast ustreznih drevesnih vrst), je bila intenzivnost razvoja teh industrij in njihovih umetniških značilnosti so določali prav zgodovinski in kulturni dejavniki.

Poleg tega je umetnost in obrt prevzela celotno umetniško izkušnjo Daljnega vzhoda: slikanje na porcelanu, vzorci na tkaninah, rezbarjenje na laku, miniaturna plastika iz kakršnih koli materialov - vse reproducirajo figurativne in simbolične podobe, univerzalne za kulturo kitajska civilizacija. Zato je vsak izdelek dekorativne in uporabne umetnosti polnopravni predstavnik nacionalnega kulturnega bogastva.

Umetnost in obrt Kitajske predstavljajo številne različne obrti, lokalne obrti in tehnike. Vendar se lak, svilotkanje in proizvodnja porcelana M. E. Kravtsova upravičeno štejejo za njegove najbolj reprezentativne sorte. Zgodovina kitajske kulture. SPb., 2003. - Str.105.

Lak je ena najstarejših produkcij na Kitajskem: med neolitskimi arheološkimi materiali so našli fragmente izdelkov z lakirano površino. V dobi Yin so izdelovali različne vrste predmetov - posode, gospodinjske predmete, pogrebne pripomočke (krste) in to v različnih tehnikah.

Lak je snov organskega izvora, pridobljena iz soka določene kitajske sorte dreves iz družine Anacardiaceae (Sumak ali Shmak). Glede na proizvodno tehnologijo in značilnosti dekoracije je lak razdeljen na tri glavne vrste: pobarvan, izrezljan in intarziran. Pisani lak je slika, narejena z lakiranimi barvami in prekrita z brezbarvnim lakom. Rezbarjeni lak - rezbarjenje na laku, natančneje na njegovih slojih, ki se ena za drugo nanašajo na podlago v količini od 38 do 200. Rezbarjeni lak je običajno rdeče barve, omogoča pa tudi izdelavo večbarvnih izdelkov: plasti različnih barve se nanesejo na podlago, nato pa se rezbarije izvedejo ob upoštevanju odprtih plasti

Intarzirani lak je narejen skoraj popolnoma enako kot rezbarjeni lak, to je z rezljanjem na slojih laka. Potem pa se nastale praznine zapolnijo z drugimi materiali. Z umetniškega in estetskega vidika so bili na Kitajskem posebej cenjeni izdelki z intarziranim biserom in jajčnimi lupinami. V tehniki intarziranega laka se lahko izdelujejo tudi različne vrste in kategorije izdelkov. Še posebej pogosto se je uporabljal v pohištveni dejavnosti. Od 18. stoletja v enem izdelku je mešanica različnih tehnik: na primer rdeči rezbarjeni lak z intarzijo ali intarziran lak, ki ga dopolnjujejo slike. Glavno središče izdelave intarziranega laka je še vedno južnokitajska provinca Fujian Ibid., str.107.

Gojenje svile in tkanje svile, katerega izum tradicija pripisuje polbogom in junakom (zlasti Xilinchi, ženi rumenega cesarja Goanchija). Ta legenda je v Rusiji znana v obdelavi L. N. Tolstoja, je bila tudi že znana, sodeč po arheološkem gradivu neolitskemu prebivalstvu Kitajske. Poseben obseg in tehnološko dovršenost je tkanje svile doseglo v dobi Han. V času dinastije Tang je doživela pomembne spremembe zaradi izposoje tehnoloških procesov od turško govorečih ljudstev, pa tudi zaradi prihoda prej neznanih barvil na Kitajsko.

Številne vrste kitajske svile, kot sta saten in brokat, so se pojavile ravno v 7.-8.

Porcelan zavzema posebno mesto v kitajski kulturi.

Beseda "porcelan" je perzijskega izvora in v farsiju pomeni "cesarski". To ime se popolnoma ujema z naravo odnosa do kitajskega porcelana zunaj Kitajske. V srednjeveški Evropi so porcelanaste drobnarije, ki so tja prišle po naključju, častili kot dragocene relikvije. Na samem Kitajskem porcelan ni bil nič drugega kot ena od različic lokalne keramike: njegova prvotna terminološka oznaka je bila "glazirana kaolinska glina".

Trenutno je kitajska kaolinska keramika običajno razdeljena na dve neodvisni vrsti: sam porcelan in "kamnita" keramika. Sam porcelan je najprej sestavljen iz dveh naravnih materialov - kaolinske gline (izraz izhaja iz toponima Gaoling, lit. "visok hrib" - ime območja v provinci Jiangxi, kjer so bila glavna nahajališča takšnih glin) in " porcelanski kamen" - posebna kamnina vulkanskega izvora, ki je različek glinenca v kombinaciji z belo sljudo Ibid., str. 108.

Trenutno se v ozadju drugega vala zanimanja za pojave kitajske kulture povečuje pozornost do izdelkov iz porcelana 19. stoletja. (Med mandžursko dinastijo Qing). Kot primeri enega od specifičnih fenomenov kitajske tradicionalne umetnosti ostajajo hkrati razmeroma dostopen predmet zbiranja, za razliko od prejšnjih del, ki so se večinoma že usedla v muzejske zbirke. Splošna sistemska kriza kitajske kulture v 19. stoletju, ki je povzročila upad rokodelskega sektorja, je dosegla skrajno točko na področju proizvodnje porcelana. Vendar pa je ravnotežje na robu popolnega propada, zadušitev tuje ekspanzije in propadanja domačega trga še vedno vzdržala najbolj neugodne razmere - v drugi polovici stoletja je razvoj te industrije ponovno dobil pozitivno dinamiko, medtem ko je obrtnikom je uspelo preiti od povprečnih izdelkov, ki so zadovoljevali vsakodnevne potrebe, do visoko umetniških izdelkov palačne ravni.

Poleg analize glavnih smeri razvoja umetnosti kitajskega porcelana so identificirani izdelki, značilni za vsako od njih. To so najprej stilizacije pod klasiko, ki reproducirajo različne možnosti dekorja, ki so že v začetku 19. st. so veljali za arhaične - na primer polikromno slikarstvo, kot so utsai, doutsai, slikanje v razponu zelene družine itd. Posebna pozornost je bila namenjena ornamentom vrst Ming in Qing - skupaj z njihovimi primerjalnimi značilnostmi, razvoj slednjega je zaslediti v delu. Tako so keramičarji reproducirali elemente različnih stilov preteklosti, zaradi česar je sodoben izdelek dobil pridih antike. Po drugi strani pa so si prizadevali ohraniti slogovni trend, ki se je razvil ob koncu 18. stoletja in je bil v prvi polovici 19. stoletja še vedno dojeman kot živa tradicija - "razkošni slog" obdobja Qianlong, ki je postal eden najbolj osupljivih izrazov imperialne kulture. V disertaciji so obravnavani njeni najbolj reprezentativni primeri: izdelki s poslikavo wanhua, izdelki s poslikavo v slogu cloisonne, brokatni porcelan. Posebna pozornost je namenjena t.i. Pekinške sklede, ki so se pojavile v 19. stoletju. eden najbolj presenetljivih izrazov eklektične metode Vinogradova NA Tradicionalna umetnost Kitajske. Terminološki slovar. M., 1997. - Str.282.

Od druge polovice XIX stoletja. eno od izhodišč za razvoj državne proizvodnje porcelana je bilo tradicionalno načelo fangu (kopiranje antike), ki je v veliki meri določalo pojav umetniškega restavratorstva, ki se je izoblikoval že v predqingovski Kitajski. Kot je znano, je bilo kopiranje starodavnih spomenikov v očeh Kitajcev eden od načinov njihovega ohranjanja in hkrati znak preživetja tradicije. Tako je bilo obračanje v preteklost že preizkušeno sredstvo, ki je služilo kot nekakšen apel na avtoriteto in ne po naključju v drugi polovici. 19. stoletje Politično geslo mandžurske vladajoče hiše je bila izjava o oživitvi nacionalnih duhovnih vrednot, ki so našle svoj izraz v estetiki antičnega modela, ki je bil hkrati temelj razvoja in eklektičnih teženj. In če na začetku vladavine Tongzhija (1862-1874) še vedno ne razkrijejo jasnega vektorja razvoja - se keramična umetnost obrne na različne sloge preteklosti, ki so se razširili v obdobju od obdobja Songa (od 2. polovica 10. stoletja) do srednje dobe Qing (XVIII. stoletje), nato pa so v poznejšem času kot prednostne naloge določene tradicije Qing, ki so se oblikovale v zadnjem stoletju in jih je vključila zadnja četrtina. vir. 19. stoletje že klasika. V številnih različnih komponentah sloga Qing - mandžurski, kitajski (han), evropski, kitajsko-tibetanski, čou - je bila dana prednost dejanskim mandžurskim in čou komponentam. Slednji so igrali vlogo znamenj velike antike ali zlate dobe, ki je standardni model vlade, na zgodovinski precedens katerega se je dinastija Qing obrnila ne prvič Vinogradova NA Tradicionalna umetnost Kitajske. Terminološki slovar. M., 1997. - Str.91.

Keramičarji obenem izkazujejo željo po ustvarjanju lastnega sloga, ki se jasno kaže že od poznih 60. let. XIX stoletja, ko je eklekticizem pridobil sistemski značaj in pridobil pomen samostojne smeri. Poljubno sestavljanje heterogenih elementov v organizaciji umetniškega dela, ki je bilo značilno za kitajsko keramično umetnost prve polovice obravnavanega stoletja, se je umaknilo zavestni izbiri, usmerjeni v iskanje nekakšne umetniške celovitosti v dvorni umetnosti. - lastna različica sloga Qing, ki zadnjim predstavnikom mandžurske hiše omogoča, da pokažejo svojo neodvisnost. Najbolj ilustrativen primer je skupek spomenikov, ki so v znanstveni literaturi povezani s posebnimi naročili, izvedenimi pod pokroviteljstvom vdove cesarice Ci Xi.

Obdobje dinastije Qing je bila zadnja faza izoliranega razvoja stare Kitajske – čas postopnega, a neizprosnega propada Velikega imperija. Vpletena v medkulturne interakcije je odkrila krizo v tradicionalni kulturni paradigmi: opijske vojne z Zahodom in vrsto poznejših mirovnih sporazumov, ki so bili škodljivi za Kitajsko, skupaj z domačimi nemiri in ponavljajočimi se uničujočimi rečnimi poplavami, pa tudi z vojna z Japonsko je cesarstvo Qing pripeljala na rob nacionalne katastrofe.

Prav ta konflikt je določil dva glavna vektorja politične in filozofske misli - zahodnjaštvo in nacional-tradicionalizem. Skozi prizmo umetniške prakse so povzročili kvalitativne spremembe v umetnosti, katere vsebina je v stari Kitajski določala interakcijo tradicije z inovacijo. Za ta pristop, ki je zgodovinsko temeljil na kombinaciji njegovih komponent, je v dobi sodobnega časa značilna predvsem njihova polarnost: če so bile v prejšnjih obdobjih inovacije namenjene le prenovi tradicije, zagotavljanju njene kontinuitete, ne da bi spremenile ustaljene univerzalije umetnosti, jezika, bi zdaj lahko inovacija pomenila konec te kontinuitete, saj je zadevala temeljne ideološke temelje kulture.

Prihaja do strukturne transformacije sistema umetnosti, ki se izraža v nekakšni difuziji, to je medsebojnem prežemanju njegovih različnih elementov, kot sta na primer akademska (elitistična) umetnost in ljudska umetnost, kar je odraz težnje po demokratizaciji. kulture. Znotraj nekaterih vrst umetnosti je bil tradicionalni krog tem prekinjen in pojavili so se bistveno novi žanri (jingju - pekinška glasbena drama, sichu nianhua - gledališko ljudsko slikarstvo itd.). Mojstri so si že v prvi polovici 19. stoletja prizadevali za sintezo različnih slogovnih smeri, kar priča o vse večji vlogi ustvarjalne osebnosti, torej o individualizaciji umetnosti in hkrati o krepitvi eklektike. težnje - novo likovno tkivo dela se je rodilo kot rezultat kombinacije tradicionalnih prvin, ki so bile prej diferencirane in obstajajo same po sebi. Poleg tega pod vplivom zunanjih dejavnikov v literaturi in vizualni umetnosti vzporedno z naturalizmom poteka oblikovanje realistične metode izražanja zaradi priljubljenosti nacionalne folklore Malyug Yu.Ya. Kulturologija. - M.: Infra-M, 2006. - str.69.

Kitajska umetnost že dolgo uživa veliko pozornosti Japonske. V obdobju Qianlong je bila trgovina Suzhouja z drugimi državami, vključno z Japonsko, izjemno razvita, stiki med Kitajsko in Japonsko so bili obsežni, v nasprotju z dinastijo Ming, ko je veljala prepoved trgovine z Japonsko. Leta 1698 je v pristanišče Nagasaki priplulo 193 kitajskih ladij, bile so velike ladje z ogromnim številom ljudi na krovu. Odpluli so iz pristanišč Jiasu, Zhejiang in Guangdong. Šanghaj je bil takrat eno najpomembnejših pristanišč v državi. Na začetku vladavine Qing je bila kitajsko-japonska trgovina v glavnem menjava svilenih izdelkov, ki so jih imeli Japonci naklonjeni, za japonski bakreni denar. Material, iz katerega so takrat ulivali bakreni denar, so kitajski trgovci prinesli z Japonske. In večina svilenih izdelkov je bila izdelana v Suzhouju.

Z oživitvijo trgovinskih odnosov med državama v obdobju Tokugawa (1603-1868) se je to zanimanje še naprej razvijalo. Pomembno vlogo je imel tudi pojav novih trendov v japonski umetnosti. Umetniki so aktivno iskali nove podobe, nove načine izražanja, nove tehnike pisanja. V 18. stoletju je prišlo do povečane pozornosti do kitajskega slikarstva. Šoguni Tokugawa so aktivno uvajali ideje Konfucija, zato je bilo treba na kitajske ladje uvoziti veliko ustrezne literature. Tako se je na Japonskem pojavila ideja o slikah "intelektualnega slikarstva" ("wenzhenhua"), ki se je odražala v Nanga ali Bujinga in v nastanku realistične šole Maruyama-Shijo. Med aktivnim prodiranjem kitajske kulture so nizozemske ladje pripeljale tudi ogromno zahodnih knjig.

Tako je po eni strani na Japonsko prodrl »svobodni slog« tradicionalnih kitajskih slik »intelektualnega slikarstva«, po drugi strani pa realizem zahodnega slikarstva. Japonski umetniki tistega časa so oba stila obravnavali z veliko pozornostjo.

Za japonsko umetnostno kulturo je značilno, da je japonska umetnostna tradicija kljubovala vplivom drugih kultur. Japonska kultura je predelala vsak nov vpliv in mu dala drugačen zvok. Če so se celinske kulture razvile na širokih prostranstvih Kitajske ali Koreje, je Japonska, dežela miniatur, vedno pomehkužena, svojim stvaritvam dajala posebno liričnost. S prihodom budizma na Japonsko so začeli graditi nove templje, pagode in samostane. Pojavlja se veliko število skulptur, ki prikazujejo bogove, polbogove, legendarne kralje, v katerih lastnostih se prenaša bojevit samurajski duh in čustveno stanje, ki skoraj vedno ustreza ekstremnemu naporu sil. Le kipi Bude so vedno polni veličastne umirjenosti in odmaknjenosti. Sansom J. B. Japonska: kratka zgodovina kulture / J. B. Sansom. - Ed. pravilno in dodatno - St. Petersburg. : Evrazija, 2002. - Str.107

Simbolizem pogosto najdemo v umetniškem odsevanju sveta različnih kultur. Simbolika japonske umetnosti je bila še posebej izrazita v poeziji obdobja Heinan ("Mir in tišina") v 8.-12. Na poti japonske književnosti do vrhov verzifikacije so bila različna obdobja.

Ena najstarejših zvrsti japonske poezije je tanka, nerimane petvrstične pesmi, sestavljene iz 31 zlogov (5-7-5-7-7). Glavna ideja rezervoarja je izražena v treh vrsticah.

V prozi se pojavi poseben žanr zuihitsu - kar pomeni pisanje, "sledenje čopiču", zapisovanje vsega, kar vam pade v oči, pisanje z lahkoto, uboganje le gibanja duše.

Od druge polovice 10. stoletja je bila japonska proza ​​razdeljena na »moško« in »žensko«, ker se je v pisavi, ustvarjeni na podlagi kitajskih znakov, pojavila čisto japonska zlogovna abeceda, zato moški praviloma še naprej pišejo v kitajščini, ženske pa v japonščini Konrad N.I. Eseji o zgodovini kulture srednjeveške Japonske - M .: Umetnost, 1980 - P.117.

Japonsko slikarstvo je imelo sprva religiozni značaj, približno od 11. stoletja pa so se v njem pojavile nacionalne značilnosti. Slikarstvo je bilo pogosto dekorativno in uporabno. Slike zaslonov, ventilatorjev, različnih stvari in okraskov iz gospodinjstva, ki so nadomestili preprostost notranjosti, so postale njegov okras. Z razvojem literature je slikarstvo dobilo značaj ilustracije. Bile so celo slikovite zgodbe, ki so ilustrirale potovanja, romane in opise življenja cesarjev in plemičev. Glavna stvar zanje je bila prenesti razpoloženje junaka. To je bilo storjeno s pomočjo kombinacije barv in njihovih odtenkov, jedrnate in hkrati bogate, rafinirane kompozicije. Še posebej jasno se je to pokazalo v krajinskem slikarstvu, v katerem se je slikarstvo s tušem uveljavilo okoli 16. stoletja.

Po globini občutkov japonskih umetnikov se slikarstvo zliva s poezijo.

Kitajci so skozi čas ustvarili številne svetovno znane ročne izdelke. Že od antičnih časov se prenašajo veščine in skrivnosti izdelovanja izdelkov iz različnih vrst kamna, lesa, gline in laka, skrivnosti izdelave blaga in vezenja. Že v starih časih so kitajski mojstri, ki so se naučili prepoznati in pokazati umetniške lastnosti materiala, v ta namen uporabili igro njegovih barv, madežev, razlike v figurah, gladkost površine. Najstarejše posode iz gline in kamna se tako kot antične odlikujejo po popolni harmoniji oblik in jasnosti artikulacije.

Kitajski obrtniki so prevzeli številne veščine, manire in tehnike, tradicionalne oblike vzorcev iz antike. Vendar pa so same potrebe, ki jih je postavila nova zgodovinska doba, povzročile številne nove vrste in tehnike umetnostne obrti. Umetniška obrt v likovni umetnosti Kitajske, povezana z vsakdanjim življenjem, z naraščajočimi potrebami mestnega prebivalstva, ni bila le ena najbolj množičnih in priljubljenih, ampak tudi ena najbolj aktivnih vrst.

Ves svet uporablja kitajske vaze, skodelice in druge predmete. Doma ima kitajski porcelan, skupaj z drugimi vrstami umetnosti, najširšo uporabo. Kitajska keramika se uporablja tudi za oblaganje skulptur.

Keramika. Že v starih časih so Kitajci uporabljali sorte visokokakovostne gline za svoje lončarstvo. Vendar pa prava zasluga izuma porcelana pripada mojstrom srednjeveške Kitajske. V dobi Tang, v obdobju velikega razcveta na vseh področjih kitajskega duhovnega življenja, so se pojavili in hitro razširili prvi izdelki iz porcelana. Porcelan so opevali pesniki, častili so ga kot dragulj. Proizvodnja porcelana na Kitajskem je bila olajšana z bogatimi nahajališči potrebnih materialov: porcelanskega kamna (naravna spojina feldspar in kremena) in lokalne gline - kaolina. Kombinacija teh dveh komponent daje potrebno plastičnost in legirnost. Vsak kitajski porcelanski predmet je globoko premišljen, izveden ne kot predmet obrti, ampak kot samostojno umetniško delo. Oblike tankih posod so zaobljene, mehke in masivne. Takrat je bil še posebej znan snežno bel porcelan, proizveden v mestu Xing-chou, gladek in mat, ki je ohranil monumentalnost starodavnih izdelkov. Številne posode tistega časa so bile pobarvane s svetlimi barvnimi glazurami, ki so bile pomešane z oksidi bakra, železa in mangana, kar je dalo bogate rumene, rjave, zelene in vijolične tone. Toda porcelan doseže posebno raznolikost in plemenitost v XI-XIII stoletju. V obdobju Tang ima keramika različne barve. Toda pod Soncem jo že odlikujeta preprostost in skromnost. Kitajska keramika ima natančne in fine linije ter preprostost barv. Za ta čas je značilna uporaba naravnih barv. Sivo-modre in sivo-zelene barve pogosto najdemo na kitajski posodi ali vazi. Majhne razpoke niso napaka mojstra, ampak fino premišljen korak. Nepravilnosti v glazuri, zasušene kapljice podloge in drobne razpoke po celotni površini dajejo izdelku občutek popolnosti.

Minski porcelan je za razliko od porcelana Sung večbarven. Mojstri so njegovo snežno belo površino uporabili kot slikovito ozadje, na katerega so postavili celotne krajinske ali žanrske kompozicije. Zapletov in vrst poslikav je veliko, pa tudi barvnih kombinacij: modro-bel porcelan, poslikan pod glazuro s kobaltom mehkega in plemenitega tipa in vzorca, barvne glazure, bogate z barvami, tribarvne in petbarvne. Še več tehnik in vrst porcelana se pojavi v 17.-18. Pojavljajo se črne gladke in sijoče posode, posode, poslikane na vrhu s svetlimi in bleščečimi emajli. Vse do konca 18. stoletja, ko so vse ostale umetniške zvrsti že padle v zaton, je umetniška raven kitajskega porcelana ostala visoka. Za razliko od prejšnjih obdobij so bile oblike izdelkov iz porcelana v času dinastije Qing (XVII-XIX stoletja) bolj prefinjene in rafinirane. Ponavljanje starih modelov dobi elegantnejše razsežnosti in do konca 18. st. razvije se pretirana pretencioznost obrisov. Od takrat je za dekoracijo porcelana značilna raznolikost in bogastvo motivov in tem, v nekaterih primerih pa tudi veliko bogastvo ornamentov. To je še posebej opazno pri slikanju s kobaltom in v obsegu tako imenovane "zelene družine". Zapletene večfiguralne prizore, drobne rastlinske motive ali katero od neštetih slikarskih tem odlikuje velika kompleksnost in premišljenost kompozicijske gradnje.

Zvrsti uporabne umetnosti Tang in Sung so raznolike. V tem času so po vzoru antike izdelovali bronasta zrcala, ki so bila na hrbtni strani bogato okrašena z veličastnim reliefnim vzorcem cvetočih rastlin, kobacajočih se živali, ptic in sadežev. Pogosto so bila takšna ogledala izdelana iz srebra, prekrita z najtanjšo plastjo zlata, intarzirana z biserom in dragimi kamni.

Vzorci tkanin "ke-sy" (rezana svila) so še posebej blizu slikarstvu tega časa. Nastale so po vzorcih znanih umetnikov. Ke-sy odlikuje izredna mehkoba, nežnost, dragocena zrnata mat tekstura. Svetle ptice na vejah, pokrajina, cvetoči popki bledo rožnate slive meihua so glavni motivi, upodobljeni v ke-si.

Nastanek delavnic za izdelavo poslikanih emajlov na Kitajskem sega v obdobje Kangxi, povezano z zahodnoevropskimi vplivi, ki so prihajali iz Francije. Vpliv verskih gravur, ki so jih prinesli jezuitski misijonarji, lahko pojasni kitajske emajle na kovini iz 18. stoletja, ki so običajni za slike. tehnike senčenja, gladenje podob po konturi in druga, v svoji osnovi grafična sredstva likovnega izražanja. Sledi evropskih vplivov so opazne ne le v motivih in načinu slikanja, temveč tudi v oblikah kitajskih emajlov 18. stoletja. Nemški in angleški bakreni in srebrni predmeti 16.-18. stoletja so pogosto služili kot prototipi. Emajli za najvišjo uporabo so se imenovali "huang zhi" - "rumene (tj. "cesarske") posode", saj je rumena dolgo veljala za simbolno barvo kitajskega cesarja. V okrasju takšnih emajlov prevladujejo podobe v žanru huangyao (ptičja roža), kitajski pripovedni prizori in okrasne kompozicije: podoba glavic lotosovih cvetov, vtkanih v rastlinski poganjek v obliki vinske trte, in zoomorfni vzorec, ki gre nazaj k dekorju starodavnih bronastih posod. Pri poslikanih emajlih so priljubljeni sestavljeni nizi krožnikov različnih oblik, ki so se v kitajskem porcelanu razvili že v obdobju Kangxi. Pogosto so plošče dobile obliko odprtega ventilatorja, okrašenega s slikami v žanru "rože-ptice" na belem ozadju. Porcelan in emajli na kovini so v številnih primerih povezani tako s skupnimi načini prihoda v Evropo kot s podobnostjo oblik, motivov slikanja in barvanja. Vendar pa se ob nedvomni podobnosti s porcelanom odlikujejo poslikani emajli na kovini s povsem očitno likovno izvirnostjo kot povsem posebna vrsta kitajske obrti, pogumneje v primerjavi s svojimi tradicionalnimi vrstami, ki so prišle v stik z evropsko umetnostjo.

Umetniška obrt, uporabna umetnost na Japonskem se imenuje beseda "kogei". Vir večine likovnih idej umetniških del je bila globoka ljubezen do narave. Ljudje že dolgo čutijo njeno lepoto v najbolj običajnih, drobnih, vsakdanjih pojavih.

Med dela japonske umetnosti in obrti tradicionalno spadajo izdelki iz laka, porcelana in keramike, rezbarije iz lesa, kosti in kovine, umetniško okrašene tkanine in oblačila, umetnine orožja itd. Posebnost del uporabne umetnosti je naslednja: imajo čisto praktično, utilitarno uporabo, hkrati pa imajo tudi čisto estetsko vlogo, saj služijo kot okras človekovega vsakdanjega življenja. Estetika okoliških predmetov za Japonce ni bila nič manj pomembna kot njihov praktični namen.

Lucky. Že od antičnih časov so na Japonskem poznali lakirane izdelke, njihove ostanke najdemo na arheoloških najdiščih iz obdobja Jomon. V vročem in vlažnem podnebju so laki zaščitili les, usnje in celo kovinske izdelke pred uničenjem. Izdelki iz laka na Japonskem so našli najširšo uporabo: posoda, gospodinjski pripomočki, orožje, oklep. Tradicionalni japonski laki so rdeči in črni, pa tudi zlati; proti koncu obdobja Edo se je začela proizvodnja rumenega, zelenega, rjavega laka. Nazaj na vrh

20. stoletje dobil je lak bele, modre in vijolične barve. Obstaja veliko dekorativnih tehnik, povezanih z uporabo laka: maki-e - uporaba zlatega in srebrnega prahu; urushi-e - slikanje z lakom; hyomon - kombinacija lakirane slike z vložkom iz zlata, srebra in biserov. Približno do sredine 17. stol. Kyoto je ostal glavno središče razvoja umetnosti lakiranja. Tam je Ogato Korin začel svojo kariero. Njegove lakirane izdelke je zaznamovala posebna enotnost oblik in dekorja, ki se je gladko "prelival" z ene strani izdelka na drugo. Kombinacija različnih materialov je ustvarila nenavadno teksturo površine in redko barvno shemo.

Keramika. Japonci so še posebej naklonjeni keramičnim izdelkom. Najzgodnejši med njimi so znani iz arheoloških izkopavanj in segajo v obdobje Jōmon (kamena doba). Na razvoj japonske keramike in kasneje porcelana so pomembno vplivale kitajske in korejske tehnologije, predvsem žganje in barvno glaziranje. Posebna značilnost japonske keramike je pozornost ne le do oblike, okrasnih okraskov in barve izdelka, temveč tudi do taktilnih občutkov, ki jih je povzročil, ko je prišel v stik s človekovo dlanjo. Japonski pristop k keramiki je predvideval neenakost oblike, površinsko hrapavost, razpoke, glazurne proge, prstne odtise mojstra in prikaz naravne teksture materiala. Umetniški keramični izdelki so predvsem sklede za čajne ceremonije, čajniki, vaze, lonci, okrasne posode, posode za sake. Sprva je bila oblika posode narejena iz vejic in trave, nato so jo premazali z glino, med žganjem pa so veje in trava zgorele in pustile sledi na stenah posod. Posode iz srednjega in poznega obdobja Jōmon že spominjajo na kiparske posode. V VI-XI stoletju. Pod vplivom korejskih lončarjev so japonski mojstri prešli na žganje glinenih izdelkov z zelenkasto rumenim glazuro. Približno v istem času so se pojavili izdelki iz prave fajanse - higroskopske gline, prekrite z glazuro.

Izdelki iz porcelana so predvsem vaze s tankimi stenami z izvrstnim dekorjem, kompleti za čaj in vino ter različne figurice. V masi izdelkov iz porcelana, ki so bili proizvedeni v XVII-XVIII stoletju. po vsej državi sta se razlikovali dve glavni vrsti: dragi, fino poslikani izdelki delavnic Kutani in Nabeshima ter porcelan Arita in Seto, ki je bil lansiran v velikih serijah. Izdelki delavnic Kutani so imeli plastično neenakomerno obliko. Njihovo slikanje je bilo izvedeno z velikimi barvnimi pikami in prosto nameščenimi na površini posod. Predmeti Nabeshima so bili običajno okrašeni z eno podglazurno poslikavo rastlinskega motiva, včasih dopolnjeno z nadglazurno polikromirano poslikavo. Delavnici Arita in Seto sta izdelovali masovne izdelke. Te jedi so bile okrašene z elegantnimi okrasnimi kompozicijami iz rož, metuljev, ptic. Velik del japonskega porcelana je bil izdelan posebej za izvoz v zahodne države.

Emajl. Obdobje od sredine do konca 17. stoletja. je postalo zelo plodno v zgodovini razvoja umetnosti emajla na Japonskem. V tem času so japonski mojstri dosegli popolnost v barvi. S poskusno metodo so izbrali optimalno taljenje stekla, ki je služilo kot osnova za emajl, in različne različice oksidov, ki so mu dali tak ali drugačen odtenek, prosojnost ali mlečno-biserni odsev, skrivnostni šimer. Vsi recepti, ki so se upravičili, so postali skrivnost, skrbno varovana v mojstrovi družini. Na Japonskem so emajle imenovali "sippo", kar pomeni "sedem dragih kamnov". To je pomenilo, da lahko v nakitu emajl nadomesti zlato, srebro, smaragd, korale, ahat, kristal, bisere. Najstarejši primerek emajla, najden na Japonskem, sega v konec 7. stoletja pr. Splošno znani dve tehniki emajla - champlevé in cloisonné - sta se na Japonskem razširili skoraj sočasno. Obrtniki so uporabljali cloisonne emajl za okrasitev ščitnikov (tsuba) samurajskih mečev, okrasnih lokov in puščic, pri okrasitvi hiš, skrinj, predalov za shranjevanje čopičev in črnila za kaligrafijo, čajnega prahu in kadila. Delavnice prvih obrtnikov, ki so delali na emajlu, so bile v Kjotu, bližje palačam cesarjev in plemičev, ki so bili glavni kupci tega izdelka.

Oživitev tehnike emajla je povezana z delom mojstra Tsunekichi Kajija (1803-1883), ki je živel na obrobju Nagoye. Preučeval je tuja ročna dela, predvsem evropska, ki so prišla na Japonsko, in na podlagi tega razvil nove tehnologije za obdelavo cloasonne emajla. Kajin uspeh je navdihnil druge rokodelce. Začelo se je iskanje novih metod dela. Tako se je v tistem času pojavila tehnologija »protiemajla«, tehnika gin-bari, ki je bila sestavljena iz dejstva, da je bila srebrna folija prilepljena na bakreno površino, prekrito s tanko plastjo emajla. Tehnologija Musen-jippo, ki jo je razvil mojster Sosuke Namikawa (1847-1910), je poskrbela za odstranitev ločilnih žic po sušenju prve plasti emajlirane prevleke in novo polnitev s prozornim emajlom. Obstajalo je več deset različic tehnike - moriage, utidasi, akasuke, my kodai, nagare-gusuri in druge, ki so v kombinaciji omogočile doseganje odličnih rezultatov. Japonska je prva država na svetu, kjer so emajl nanesli ne le na kovinske surovce, ampak tudi na keramiko in porcelan. V tehniki emajla na keramiki je bil znan mojster Yasuyuki Namikawa (1845-1927), ki je deloval v Kjotu.

Podobe rož (krizanteme, potonike, socvetja pavlovnije, slive, češnje) in nekoliko japonizirane podobe zmajev, levov in drugih mitskih zveri, ptic, metuljev so postale značilen vzorec, izposojen iz Kitajske za japonske izdelke iz emajla. Pogosto je bila v slike vdelana simbolika dobrih želja. Odtenki palete so se razlikovali glede na namen izdelka. Tako je bilo izvozno blago izvedeno v svetlih, celo kričečih barvah, ki so jih imele raje evropske stranke, in namenjene domači uporabi - v umirjeni paleti, bolj v skladu z estetskim pogledom na svet Japoncev.

Umetnost in kultura Kitajske in Japonske sta izjemno samosvoji, kar Evropejce vedno zanima in privlači. Od 17. stoletja so tako kitajski kot japonski motivi prodrli v umetniške in slogovne tokove zahodne Evrope. Še danes je kultura teh dveh držav zanimiva tako za študij kot za izposojo.

Področje umetniških kovinskih izdelkov je vključevalo tempeljsko skulpturo in posodo, orožje in okrasne predmete, ki so se uporabljali v vsakdanjem življenju, raznolikost in dovršenost obdelave tradicionalnih kovin (bron, železo, baker, jeklo) sta bili združeni z uporabo kompleksnih zlitin, odlikujejo po bogastvu barvnih odtenkov in plastičnih lastnostih. Najpogostejši med njimi sta bila shakudo, ki je proizvajal različne odtenke črne, rjave, modre in vijolične, ter shibuichi, ki je služil kot skoraj neizčrpen vir sivih tonov. Recepti za izdelavo zlitin so bili poklicna skrivnost in so se prenašali od mojstra do vajenca.

V XVII-XVIII stoletju. Na željo premožnih meščanov so izdelovali kiparske podobe za domače oltarje, pa tudi podobe, ki so imele dobronamerni pomen in so varovale družinsko ognjišče. Med njimi so Daruma, legendarni menih, katerega ime povezujejo z izvorom čaja na Japonskem, Daikoku je božanstvo sreče in bogastva, Jurojin je božanstvo sreče in dolgoživosti.

Poleg tega so nekateri gospodinjski predmeti služili okrasnim namenom. To so bile kadilnice, vaze, posode, skrinjice, pladnji, za katere je bila značilna kombinacija različnih kovin v enem izdelku, uporaba ažurnega rezbarjenja, graviranja, zarez in intarzij.

Tradicija nanašanja emajlnega dekorja na kovinsko podlago je prišla na Japonsko s Kitajske konec 16. stoletja. Tehnika emajla je imela 4 različice: cloisonné, champlevé, gravirano in poslikano. Emajli so se imenovali "siplo" - sedem draguljev: zlato, srebro, smaragd, korale, diamant, ahat, biseri, ki so po ljudskem verovanju ljudem prinašali srečo. Japonske cloisonne emajle 17.–18. stoletja, ki so v veliki meri temeljile na kitajskih vzorcih, so se razlikovale po omejeni paleti rahlo utišanih tonov, jasnem geometrijskem vzorcu in temno temno zelenem ozadju. Sredi XIX stoletja. emajl tehnika je doživela preporod. Dobili smo večbarvne briljantne emajle, ki so se tesno oprijeli kovinske podlage in se dobro podali na brušenje. Razcvet umetnosti cloisonné emajla konec 19. stoletja. je bilo povezano z imenom slavnega mojstra Namikawa Yasuyukija. Iz njegove delavnice so prihajali majhni predmeti, v celoti prekriti z emajli, naneseni z draguljarsko skrbnostjo. Podobe rož, ptic, metuljev, zmajev in feniksov, številne vrste tradicionalnega okrasja so našle mesto v zapleteno tkanem vzorcu čipke. Uporaba zlate folije je ustvarila bleščeč bleščeč sijaj polirane površine predmeta.

Proizvodnja in dekoracija orožja ima na Japonskem starodavno tradicijo. Meč je veljal za sveti predmet, ki ga je sončna boginja Amaterasu Omikami podarila svojemu vnuku, ki ga je poslala, da vlada zemlji in izkorenini zlo. Ravni dvorezni meč (Ken ali Tsurugi) je postal atribut šintoističnega kulta in postal ena od cesarskih regalij.

V srednjem veku je meč postal simbol bojevniškega razreda, ki je utelešal moč, pogum in dostojanstvo samuraja. Verjeli so tudi, da v njem živijo duše umrlih prednikov. V 7. stoletju nastala je oblika meča z rahlim upogibom na zadnji strani rezila enostranskega brušenja, ki je prišla skoraj nespremenjena do 19. stoletja. in se je imenoval "nihonto" (japonski meč).

Iz 16. stoletja aristokrati in predstavniki vojaškega razreda so morali nositi dva meča: dolgega - "katana" in kratkega - "wakizashi", ki je bil namenjen ritualnemu samomoru. V primeru kršitve kodeksa časti so lahko znanstveniki, obrtniki in kmetje s posebnim dovoljenjem nosili samo wakizashi ali meč brez varovala "aikuchi".

Dolgotrajen in naporen proces izdelave rezila je bil urejen kot slovesen ritual, ki so ga spremljale posebne molitve, uroki in kovačevo oblačenje v svečana oblačila. Rezilo je bilo zvarjeno iz več trakov, vsaj petkrat kovano, brušeno in polirano. Od konca XII. rezila so začeli krasiti z utori, podobami sonca, lune, zvezd, zmajev, napisi-čarovnijami, narejenimi z graviranjem in globokim reliefom.

Detajli in okvir meča iz 16. stoletja. so ustvarili posebni mojstri - puškarji-draguljarji. Rezilo je bilo vstavljeno v ročaj, ki je temeljil na dveh lesenih palicah, pritrjenih s kovinskim obročem "futi" in "kashira" konicami, ročaj je bil pogosto ovit v kožo morskega psa ali stingraya, imenovanega "isti" (morski pes). Veljalo je prepričanje, da takšen ročaj ohranja ritualno čistost meča in ščiti lastnika. Majhni reliefni kovinski deli menukijev so bili na obeh straneh pritrjeni na ročaj, kar je zagotavljalo močnejši oprijem meča z obema rokama. Poleg tega je bil ročaj ovit z vrvico ali pletenico, ki je na površini ustvarila pleten vzorec. Pomemben detajl meča je bila "tsuba" (straža) - zaščitna plastika, ki ločuje rezilo od ročaja, nožnica majhnega meča je bila pogosto okrašena s skrbno obdelanimi kovinskimi ploščicami "kozuka", kar je bil ročaj meča. majhen nož, vstavljen v poseben žep v nožnici.

V XVII-XIX stoletju. orožje, ki je izgubilo svojo uporabno vrednost, se je spremenilo v okrasni dodatek k moški obleki. Za njegovo dekoracijo so bili uporabljeni različni materiali in tehnike izdelave nakita, ažurno rezbarjenje, intarzija z zlitinami, različne metode ustvarjanja reliefnih kompozicij, emajli in laki. Cuba, ki je začela veljati za samostojno umetniško delo, je dobila posebno umetniško popolnost. Zapleti slik so bili tradicionalni motivi, značilni za druge vrste umetnosti: rože, ptice, pokrajine, budistične prispodobe, zgodovinske legende, celo ocene mestnega življenja. Podrobnosti enega meča so bile slogovno združene in so pogosto predstavljale razvoj ene ploskve.

Med orožarji, ki so se specializirali za krašenje mečev, je bil še posebej znan tisti, ustanovljen v 15. stoletju. šola goto, katere sedemnajst generacij mojstrov je ohranjalo svojo slavo 400 let.

(ne o razvoju noše) Tradicionalno so med dela japonske umetnosti in obrti izdelki iz laka, porcelana in keramike, rezbarije iz lesa, kosti in kovine, umetniško okrašene tkanine in oblačila, umetnine z orožjem itd. Posebnost umetnin in obrti je v tem, da imajo praviloma čisto praktično, uporabno uporabo, hkrati pa imajo tudi povsem estetsko vlogo, saj služijo kot okras človekovega vsakdanjega življenja. Estetika okoliških predmetov za Japonce ni bila nič manj pomembna kot njihov praktični namen: občudovanje lepote. Poleg tega je za tradicionalno zavest Japoncev značilen poseben odnos do lepote kot ene od skrivnosti vesolja. Lepota je za Japonce fenomen, ki presega naš vsakdanji svet, ki ga je mogoče opisati z besedami in razumeti z razumom. Sodobna zahodna kultura dlje, bolj skuša človeško življenje skrčiti v okvire racionalnega, vsakdanjega pogleda na svet, kjer prevladujejo zakonitosti tako imenovane »zdrave pameti«. Za Japonce, kljub njihovi izjemni praktičnosti in pragmatizmu v vsakdanjih zadevah, je bil navaden, materialni svet seveda dojet kot iluzoren in minljiv. In da onkraj njenih meja obstaja še en, nemanifestiran svet, ki v osnovi kljubuje merilom »zdrave pameti« in ga ni mogoče opisati z besedami. Tam živijo višja bitja, s tem je povezana skrivnost življenja in smrti, pa tudi mnoge skrivnosti življenja, vključno z načeli lepote. Ta svet se zrcali v našem, kot luna v vodni gladini, odmeva v dušah ljudi z ostrim in pretresljivim občutkom lepote in skrivnosti. Tisti, ki niso sposobni videti in ceniti te subtilne in večplastne igre pomenov in odtenkov lepote, imajo Japonci za brezupne, nesramne barbare.

Da bi se uveljavili v svoji udeležbi v transcendentnem svetu, so Japonci (najprej elita, aristokracija) pripisovali velik pomen ritualnim dejanjem, predvsem pa njihovi estetski plati. Od tod se odvijajo slovesnosti občudovanja češnjevih cvetov, škrlatnih javorjev, prvega snega, sončnih vzhodov in zahodov, pa tudi pesniška tekmovanja, aranžiranje rož (ikebana), gledališke predstave ... Tudi tako preproste vsakdanje situacije, kot so pitje čaja ali sakeja, srečanja goste ali vstop v intimo so Japonci pripisovali pomen mističnemu delovanju. Gospodinjski predmeti so hkrati igrali vlogo obrednih atributov. Obrtniki, ki so ustvarili takšne predmete, so jim želeli dati brezhiben estetski videz. Na primer, številne sklede za čajno slovesnost, na prvi pogled hrapave in neenakomerne, so bile cenjene nenavadno visoko, predvsem zato, ker so nosile pečat "onajsvetne" lepote, zdelo se je, da vsebujejo celotno vesolje.

Enako v celoti velja za številna druga umetniška in obrtna dela: figurice, netsuke, škatle - inro, lakirani izdelki, elegantne kosode (kimono s kratkimi rokavi) z izvrstnim in čudaškim dekorjem, zasloni, pahljače, luči in še posebej tradicionalno japonsko orožje. . Praktično udejanjanje tradicionalnih estetskih načel v japonski umetnosti in obrti bomo obravnavali na primeru japonskih umetniških mečev.

Že od antičnih časov so na Japonskem poznali lakirane izdelke, njihove ostanke najdemo na arheoloških najdiščih iz obdobja Jomon. V vročem in vlažnem podnebju so laki zaščitili les, usnje in celo kovinske izdelke pred uničenjem. Izdelki iz laka na Japonskem so našli najširšo uporabo: posoda, gospodinjski pripomočki, orožje, oklep itd. Izdelki iz laka so služili tudi kot notranja dekoracija, zlasti v domovih plemstva. Tradicionalni japonski laki so rdeči in črni, pa tudi zlati; proti koncu obdobja Edo se je začela proizvodnja rumenega, zelenega, rjavega laka. Do začetka XX stoletja. dobimo bel, moder in vijoličen lak. Lak se nanese na leseno podlago v zelo debelem sloju - do 30-40 slojev, nato se polira do zrcalne barve. Obstaja veliko dekorativnih tehnik, povezanih z uporabo laka: maki-e - uporaba zlatega in srebrnega prahu; urushi-e - slikanje z lakom; hyomon - kombinacija; lakirana poslikava z vložkom iz zlata, srebra in bisera. Japonski umetniški laki so zelo cenjeni ne le na Japonskem, ampak tudi na zahodu, njihova proizvodnja pa še vedno cveti.

Japonci so še posebej naklonjeni keramičnim izdelkom. Najzgodnejši med njimi so znani iz arheoloških izkopavanj in segajo v obdobje Jomon. Na razvoj japonske keramike in kasneje porcelana so pomembno vplivale kitajske in korejske tehnologije, predvsem žganje in barvno glaziranje. Posebnost japonske keramike je, da mojster ni pazil le na obliko, okrasni okras in barvo izdelka, temveč tudi na taktilne občutke, ki jih je povzročil, ko je prišel v stik s človekovo dlanjo. V nasprotju z zahodnim pristopom h keramiki je japonski pristop k keramiki predvideval neenakomernost oblike, hrapavost površine, razpoke, lise glazure, prstne odtise mojstra in prikaz naravne teksture materiala. Med umetniške keramične izdelke sodijo predvsem sklede za čajne ceremonije, čajniki, vaze, lonci, okrasne posode, posode za sake itd. Izdelki iz porcelana so predvsem tankostenske vaze z izvrstno dekoracijo, čajni in vinski servisi ter razne figurice. Velik del japonskega porcelana je bil izdelan posebej za izvoz v zahodne države.

Za vsakega posebej:

KERAMIKA
Najstarejša japonska keramika
Japonci že dolgo močno obožujejo yakimono.* Peči so izdelovale različne lončene predmete, ki so se razlikovali po barvi, obliki in strukturi površine. Svojevrstna kultura vsakdanjega življenja, ki so jo ustvarili Japonci, se začne s keramično posodo – skledami za riž, skodelicami brez ročajev in podstavki za palčke. Te strani nam dajejo predstavo o japonskem navdušenju nad keramiko in porcelanom.
* V japonščini sta keramika ("toki") in porcelan ("jiki") skupaj znana kot "yakimono".

Zgodovina razvoja japonske keramike
Prva keramika je bila izdelana na japonskem otočju pred približno 13.000 leti. Kolikor je znano, se je to zgodilo prej kot kjerkoli drugje na svetu. Najbolj znani so veliki globoki lonci za prekuhavanje tekočin. Izdelki so bili okrašeni z ornamentom iz narebričenja ali odtisom pletene vrvi. Za te okraske iz vrvi so takratno keramiko imenovali »jomon doki« (»jo« = vrv; »mon« = okras, »doki« = keramika). Pred približno 5000 leti, v dobi Jomon, so se pojavili modeli dinamičnih oblik z ornamentom v obliki dvigajočega se vala na vratu kozarcev in bizarnimi vzorci, ki pokrivajo celotno zunanjo površino izdelkov.
V poznejši dobi Yayoi, z začetkom gojenja riža, so bile s Korejskega polotoka uvedene nove vrste keramike. Posoda Yayoi je bila del vsakdanjega življenja in se je uporabljala za shranjevanje in pripravo hrane ter za serviranje jedi k mizi. Bila je manj okrašena kot posoda Jōmon, pri dekoraciji pa so bile uporabljene večinoma svetle barve.
Okoli začetka 5. st. prišlo je do velikih sprememb, povezanih s prihodom novih tehnologij na Japonsko, spet s Korejskega polotoka. Prej so glinene izdelke žgali na ognjih, novo vrsto keramike Sueki pa so začeli podvržeti visokotemperaturni obdelavi v posebnih tunelskih pečeh, postavljenih na pobočjih hribov. Izdelki Sueki so bili že prava keramika.
Okoli sredine 7. st. Japonski lončarji so začeli preučevati korejske in kitajske tehnologije. Od sosedov so se učili uporabe glazure in žgane gline pri relativno nizkih temperaturah. Izdelki tistega časa so bili prekriti z glazuro temno zelenega tona ali, tako kot keramika nara sansai, s polikromno glazuro, v kateri so prevladovale rdeče, rumene in zelene barve. Vendar sta bili obe vrsti keramike priljubljeni le med člani cesarskega dvora, dvornim plemstvom in tempeljskimi spremljevalci ter od 11. st. teh predmetov niso več proizvajali.
Nov razvoj, ki spremlja ustvarjanje izdelkov Sueka, je dal zagon za začetek gradnje peči po vsej državi. Lončarji so opazili, da je lesni pepel v razbeljeni peči medsebojno vplival na glino in tvoril naravno glazuro. To jim je nakazalo tehnologijo posipanja lončenine s pepelom med žganjem. Metoda glazure z naravnim pepelom je bila prvič uporabljena v pečeh Sanage v provinci Owari (danes severozahodna prefektura Aichi).
Proizvodnja keramike Sueca v srednjem veku je spodbudila razvoj novih tehnologij. Takrat je bilo ustanovljenih šest japonskih zgodovinskih lončarskih središč – Seto, Tokoname, Echizen, Shigaraki, Tamba in Bizen. Njihove peči delujejo še danes. Skoraj vsi izdelujejo posode iz fajanse, ki izgledajo kot keramika - večinoma veliki vrči, vaze in lonci.
Glazirane luksuzne predmete so izdelovali samo v Setu, ki se nahaja v bližini starodavnih peči Sanage. Lončarji iz Seta so poskušali ustreči zahtevam aristokratov in samurajev, ki so pokazali veliko zanimanje za keramiko in porcelan v slogu kitajske pesmi. V njihove zaključke so bile vključene nove barve. Značilnost te jedi je bila uporaba rumene barve z odtenki rdeče, rjave ali zelene. Lončarji so črpali navdih iz vzorcev, prinesenih s celine. Hkrati so ideale sloga Song uskladili z okusi Japoncev s svojimi idejami o novih oblikah in dekoraciji gospodinjskih pripomočkov. Približno do konca 16. stol. Seto je bil edini center na Japonskem, ki je proizvajal glazirano keramiko.

V dobi medsebojnih vojn (1467-1568), ki so zajele celotno državo, so lončarji Seto odšli na sever, čez gore, v Mino (danes je to južni del prefekture Gifu). Tu je bil položen začetek novih stilov, značilnih za Japonsko. Najbolj jih predstavljajo izdelki Kiseto, Seto-guro, Shino in Oribe.
V tem času se je rodil čajni obred. Navada pitja čaja je prišla iz Kitajske konec 12. stoletja, šele v 16. stoletju pa je postalo modno, da se ob sprejemu gostov posveča posebna pozornost obredu strežbe čaja.
Odtenki rumene, bele, črne, zelene in drugih barv mino keramike kažejo na vpliv kitajske in korejske keramike, vendar asimetrične oblike in abstraktni vzorci kažejo na njen značilen japonski značaj. Vse bolj priljubljena čajna slovesnost je zahtevala izvrstne skodelice, krožnike, posodice, škatlice za kadila, vaze za rože in svečnike. Minove delavnice so se živo odzvale na te zahteve.
Z nastopom dobe Momoyama (konec 16. stoletja) so se končale medsebojne vojne, ki so se končale z združitvijo Japonske, čajna slovesnost pa se je še naprej razvijala. V tem času se japonska keramika spreminja. Toyotomi Hideyoshi je začel vojaško akcijo na Korejskem polotoku, kar je odprlo priložnost samurajem, ljubiteljem čajnega obreda, da na Japonsko pripeljejo korejske lončarje in jih vključijo v gradnjo peči. Veliko novih proizvodnih centrov je bilo postavljenih v različnih delih Kjušuja, vključno s Karatsujem, Agano, Takatori, Satsuma, Hagi. Proizvodnja izdelkov Karatsu je bila najbolj raznolika in obsežna - čajne sklede, vaze za rože in številni gospodinjski predmeti so bili od tam dostavljeni na vse konce države.
Porcelan se je na Japonskem pojavil šele v začetku 17. stoletja, ko so ga tu začeli izdelovati korejski lončarji. To je bil pomemben mejnik v razvoju japonske keramike. Kmalu zatem so v Izumijami, Ariti, Kjušuju odkrili nahajališča kitajske gline, danes znane kot kaolin. Izkazal se je kot idealen za izdelavo tankostenskih, lahkih in močnih izdelkov. S svojo svetlo modro poslikavo na belem ozadju so postali vroča dobrina po vsej Japonski. In ker so bili kosi poslani iz bližnjega pristanišča Imari, so postali znani kot Imari porcelan. Na začetni stopnji obstoja proizvodnje Imari je bil vpliv korejskega porcelana nanj očiten, kmalu pa je bilo iz Kitajske uvoženo veliko število izdelkov iz porcelana, ki so postali tudi predmet študija japonskih obrtnikov. Postopoma se je kakovost domačega keramičnega posodja bistveno izboljšala. Rokodelec po imenu Sakaida Kakiemon je izumil metodo nanašanja mehkih oranžno-rdečih odtenkov na površino izdelka, kar je omogočilo ustvarjanje neverjetnih barvnih motivov na mlečno belem ozadju.
Evropski kraljevi dvori in plemstvo, očarani nad lepoto orientalske umetnosti, so tekmovali med seboj, da bi prigrabili izdelke iz porcelana Imari. Kmalu so obrtniki v Meissen (Nemčija), Delft (Nizozemska) in drugih evropskih središčih začeli kopirati izdelke Imari, vključno s slogom Kakiemon. To je bila zlata doba japonske keramike.
Nonomura Ninsei, ki je živel v 17. stoletju. v Kjotu, cesarskem mestu, ustvaril svoj kraljevski slog in odprl cel svet barvite fantazije. Ogata Kenzan, Okuda Eisen in Aoki Mokubei so obogatili ta prefinjeni svet keramike Kyo in tako postavili temelje za razvoj sodobnega sloga Kyomizu.

V 19. stoletju keramična proizvodnja se je hitro razvijala po vsej državi. Sloga Goshu-akae (rdeča glazura) in senzui, razvita iz poznejših primerov kitajskega sloga Ming, sta v tem času pridobila izjemno popularnost, kar dokazuje sodobna japonska namizna posoda.
Keramika, izdelana na Japonskem, je bila konec 19. stoletja razstavljena na mednarodnih razstavah v Parizu, tako da so izdelki Imari, Satsuma in Kutani vplivali na način evropskih rokodelcev. Zanimanje za japonske izdelke se je odrazilo v razvoju sodobne umetnosti.
Zgodovina japonske keramike je nepredstavljiva brez korejskega in kitajskega vpliva. Jasno pa je tudi, da je ta obrt v skladu z umetniškim okusom in življenjskim slogom Japoncev šla svojo pot in privedla do ustvarjanja edinstvene umetnosti in celotne industrije.

Izjemna raznolikost keramičnih izdelkov na Japonskem
Japonska keramika po vsem svetu velja za neprekosljivo po številu in raznolikosti obstoječih tehnologij in stilov. Sodobna namizna posoda – keramična ali porcelanasta – se proizvaja na Japonskem v najrazličnejših oblikah in dekorativnih rešitvah.
Japonsko keramiko lahko razdelimo v tri skupine: (1) lončeno posodo z edinstveno teksturo, ki je na otip podobna zemlji, najbolje jo predstavljajo Bizen, Shigaraki, Echizen in Tokoname; (2) debelo glazirana keramika s toplim, zemeljskim odtenkom, ki je postala znana po izdelkih za čajne slovesnosti Oribe in Mino, preprostih izdelkih Mashiko ter izdelkih Karatsu in Hagi, ki odmevajo keramično umetnost Korejskega polotoka; in (3) porcelan, ki ga predstavlja Imari posoda, znana po uporabi spektakularnega belega ozadja v svoji dekoraciji, in Kutani posoda z bleščečimi barvami po celotni površini. Ne glede na tehnologijo in zasnovo peči je keramika, ki so jo ustvarili japonski obrtniki, vedno pričala o večstoletnem iskanju lepote.
Zakaj je znotraj vsake skupine keramike toliko raznolikosti? Da bi odgovorili na to vprašanje, moramo upoštevati tesno povezavo med lončarstvom in čajnim obredom.
Ideali čajne slovesnosti, ki sta sestavljali preprostost in mir, so našli najbolj osupljivo utelešenje v dobi Momoyama (konec 16. stoletja). Izraz teh novih idealov za tisti čas je bila beseda wabi, ki je pomenila preprostost in spokojnost. Mojstri čajnega obreda, ki so želeli, da njihove jedi prenašajo duh wabija, so dokazali svojo izvirnost in razširili svoj vpliv tako, da so pri obrtnikih naročali čajne sklede in druge predmete, za katere se je navzven zdelo, da »dihajo« tem idealom.
Izredna ustvarjalna energija obdobja Momoyama je vdihnila novo življenje v umetnost japonske keramike. To je razvidno iz izdelkov Seto-guro, s svojimi popolnoma črnimi odtenki, ki jih dobimo tako, da izdelke vzamemo iz peči med procesom žganja; v posodi delavnice Kiseto s svojim dinamičnim dizajnom; v posodi Oribe s svojimi drznimi oblikami in zapletenimi vzorci, narejenimi z zelenimi in železnimi glazurami; v strogih preprostih izdelkih Sino.
Izvajalci čajne slovesnosti včasih dajo imena določenim predmetom, ki so jim najbolj všeč, kot so skodelica za čaj, vaza, posoda z vodo ali škatlica za kadilo. Kje drugje na svetu najdeš tak odnos do lončarstva? Ali ni to dokaz globine japonske strasti do keramike!

Dodaten razlog za tako pestro izbiro keramičnih izdelkov je dejstvo, da japonska kuhinja zahteva širok izbor jedilnega pribora, veliko bolj kot katera koli druga kuhinja na svetu.
V starih časih je japonsko plemstvo raje jedlo in pilo predvsem z lakirano posodo, vendar se je to spremenilo zahvaljujoč mojstrom čajne slovesnosti. Začeli so uporabljati keramične komplete za postrežbo kaiseki prigrizkov pred čajem in postopoma so ugotovili, da keramična posoda daje hrani bolj otipljiv vizualni občutek in svežino. Posoda za čajni obred je bila izbrana glede na letni čas, s serviranjem namiznega pribora, kot so muko-zuke krožniki za serviranje koščkov sašimija, posode za serviranje sakeja in ocvrtih jedi, pa je lastnik zadovoljil visoke estetske zahteve gostov. Prav mojstri čajnega obreda so obogatili ritual prehranjevanja in vanj vnesli trenutek vizualnega, estetskega užitka.
Od sredine 19. stoletja ima porcelan zaradi enostavne uporabe pomembno mesto na jedilni mizi. Danes je keramična posoda postala norma vsakdanjega življenja. In samo miso juha se tradicionalno pije iz gladkih lakiranih skodelic. Te skodelice niso namenjene vsakodnevni uporabi.
Riž, ki je osnova japonske prehrane, se običajno uživa iz majhne sklede, ki jo držimo v roki, v mnogih družinah pa ima vsak svojo skledo za riž. Takšne namizne tradicije so le okrepile japonsko ljubezen do keramičnih jedi.

LAC
skratka narejena je iz drevesne smole.

Obstajajo dokazi, da so lak uporabljali na Japonskem v kameni dobi pred 5000 do 6000 leti kot lepilo za pritrjevanje konic puščic. Toda že pred približno 4000 leti so živo rdeč in črn lak uporabljali kot premaz na posodah, orožju in nakitu. Znano je tudi, da je približno 100 let po Yamato Takeru no Mikoto obstajal ceh obrtnikov, imenovan "Urushi-be", ki se je specializiral za umetnost lakiranja.

Tehnika dekorativnega laka je na Japonsko prišla v 5. ali 6. stoletju, med uvedbo budizma iz Kitajske, kjer so mojstri že dolgo pred združitvijo Japonske ustvarjali mojstrovine uporabne umetnosti iz večslojnega črnega in rdečega laka.

Ob koncu 8. stoletja, v zgodnjem obdobju Heian, je Japonska prenehala pošiljati trgovske misije na Kitajsko. Japonska kultura je bila odrezana od celinskega vpliva. V obdobju Heian, od poznega 8. do 12. stoletja, se je umetnost lakiranja na Japonskem razvila v popolnoma edinstven, japonski slog. Posoda in pohištvo tistega časa je bilo večinoma iz lesa. Zato ni presenetljivo, da se lak široko uporablja za dodajanje lepote in trdnosti kratkotrajnim lesenim izdelkom. V isto obdobje sodi tehnika "Maki" - pozlačevanje površine z naknadnim lakiranjem (tudi mešanje laka z zlatim ali srebrnim prahom). Izdelki, izdelani v tej tehniki, so postali zelo priljubljeni med višjimi sloji.

Kulturna izmenjava s celino se je obnovila v 13. stoletju in japonski lakirani izdelki so bili široko razširjeni v tujini prek Kitajske in Koreje. Po drugi strani pa so na Japonsko prišle nove tehnike dekoracije, ki so odlično dopolnjevale tradicijo lokalnih obrtnikov.

V 17. stoletju je japonska umetnost lakiranja postala bolj prefinjena. Po eni strani so se razvijali novi slogi, začele pa so se kombinirati različne tradicionalne tehnike z različnih področij in ustvarjati zanimive kombinacije.

To zlitje tehnik se je zgodilo v Kanazawi v prefekturi Ishikawa. Klan Kaga, ki je spodbujal razvoj rokodelstva na svojem ozemlju, je povabil izjemne rokodelce iz vse Japonske, vključno z mojstri lakiranja. Skozi več generacij so v Kanazawi nastali povsem edinstveni slogi tradicionalnih obrti, ki po svoji lepoti in milini slovijo še danes.

RAZVOJ KOSTUMOV

NETSUKE
Netsuke je miniaturna skulptura, delo japonske umetnosti in obrti. Netsuke so uporabljali kot obesek za ključe, protiutež, na tradicionalnih japonskih oblačilih, ki so bila brez žepov in so bili vsi potrebni predmeti (morbica, denarnica, inro, sagemono, razne malenkosti) obešeni na pas z vrvmi in pritrjeni s pomočjo netsuja, pritrjenega na nasprotni konec vrvice. Netsukija ne smemo zamenjevati z okimonom, prav tako miniaturno japonsko skulpturo, ki je podobna netsukiju tako po zasnovi kot risbi in pogosto po velikosti, vendar se nikoli ne nosi na pasu. Vendar pa odsotnost lukenj za obešanje "himotošijev" v netsukeju ni značilnost, saj so bili netski brez himotošijev ali s figurami himotošijev, spretno prikritimi znotraj kompozicije. Tradicionalna materiala za izdelavo netsukeja sta slonovina in les. Uporabljene so bile tudi kovine, zlato, srebro, bron, šakudo, biser, porcelan, keramika, jelenovi rogovi, živalski rogovi, želva, mroževi in ​​narvalovi zobi, notranje živalske kosti, razni orehi, korale, laki itd. Obstajajo različne šole netskega, ki se razlikujejo po glavnih zapletih, uporabljenih materialih in tehnikah. Prisotnost podpisa na netsukeju ni glavni dejavnik, ki vpliva na ceno in vrednost predmeta. Zapleti, ki se uporabljajo v netsukeju, so zelo raznoliki. Gospodinjski, naravni in naravoslovni, zgodovinski, legendarni, mitološki, pravljični. Skoraj vsi netski imajo svojevrstno simboliko in odražajo neko idejo ali željo.

Katabori - najbolj znana vrsta netsukeja - je kompaktna izrezljana skulptura, ki lahko prikazuje ljudi, živali in skupine z več figurami. Sasi je ena najstarejših oblik netsukeja. Je podolgovat kavelj z luknjo za vrvico. Način uživanja sashija je drugačen od vseh drugih oblik. Najpogosteje je bil obešen na rob pasu. Manju je netsuke v obliki debele plošče, ki ponavlja obliko riževega kolača. Včasih je sestavljen iz dveh polovic. Ryusa je različica oblike manju, ki so jo strokovnjaki izpostavili kot ločeno obliko. Glavna razlika te oblike je, da je znotraj prazna in je izdelana v tehniki rezbarjenja. Kagamibuta - prav tako podobna manjuju, vendar izdelana v obliki tradicionalnega svetega ogledala, spodnji del netsukeja, izdelan iz slonovine ali druge kosti, roževine, lesa ali drugih materialov, je na vrhu pokrit s kovinskim pokrovom ali ploščo, na katerem je koncentriran glavni del dekorativnega oblikovanja.

Od svojega nastanka se je netsuke spremenil v zbirateljstvo, najprej na Japonskem, kjer je bilo mogoče zamenjati, podariti, prodati, naročiti, kupiti netsuke, od devetnajstega stoletja pa se je ta hobi razširil v Evropo in Ameriko, kjer je zbiranje netsukejev doseglo svoj vrhunec. Trg netsuke je zelo živahen in se nenehno posodablja, zdaj imajo zbiralci po vsem svetu možnost kupiti netsuke v zasebnih zbirkah in najti predmete iz zbirk večjih muzejev. Nakup in prodaja netsuke v tem primeru poteka prek uglednih trgovcev s starinami in / ali dražbenih hiš. Zdaj, ne le na Japonskem, ampak po vsem svetu, je postalo zelo priljubljeno kupiti netsuke za darilo s simboličnim pomenom, željo ali skritim pomenom. Omeniti velja, da v ruščini pogosto obstajajo takšni zapisi besede netsuke kot netsuke, pa tudi netsuke ali netsuke, včasih pa tudi netsuke ali netsuke. Za razliko od kanoničnega "netsuke" so možni drugi zapisi, vendar niso zaželeni.

NA DESNO KIMONO DIŠI BLEAT

Kimono (japonsko 着物, kimono, "oblačilo"; japonsko 和服, wafuku, "narodna oblačila") so tradicionalna oblačila na Japonskem. Od sredine 19. stoletja velja za japonsko "narodno nošo". Kimono je tudi delovno oblačilo gejš in maiko (bodoča gejša).
Furisode (jap. 振袖, dobesedno "plapolajoči rokavi") je tradicionalno japonsko oblačilo za neporočene dekleta in neveste, kimono z dolgimi rokavi.
Tomesode (留袖?, pripet rokav) je vrsta kimona za poročene ženske. Od furisode se razlikuje po skrajšanem rokavu, vzorec poteka le vzdolž roba pod obi, ne da bi vplival na rokave; grbi morajo biti prisotni na temusode.
Obi (帯?, dobesedno "pas") je več različnih vrst japonskih pasov, ki jih moški in ženske nosijo čez kimono in keikogi.
Geta (下駄?) so japonski leseni sandali v obliki klopi, ki so enaki za obe nogi (izgledajo kot pravokotniki z zaobljenimi vrhovi in ​​po možnosti rahlo izbočenimi stranicami od zgoraj). Držijo se na nogah s trakovi, ki potekajo med palcem in drugim prstom. Dandanes jih nosijo med počitkom ali v slabem vremenu. Po standardih Evropejcev je to zelo neudoben čevelj, vendar so ga Japonci uporabljali že stoletja in jim ni povzročal nevšečnosti.
Wareshinobu (japonsko: 割れしのぶ?, skrivaj postrižena) je ženska japonska pričeska, ki je danes priljubljena med vajenkami gejši.
Sakko (先笄 sakko ali sakiko:gai?, zadnja lasnica) je ženska pričeska, priljubljena med poročenimi ženskami iz trgovskega razreda v regiji Kamigata (blizu Kjota) v drugi polovici obdobja Edo. Pojavil se je v bližini mesta Okazaki (prefektura Aichi). V Kantu je bila bolj priljubljena pričeska marumage, sakko pa je postal prepoznaven šele po revoluciji Meiji.
Danes je sakko zadnja pričeska maiko pred erikae, slovesnostjo prehoda gejše.
Shimada (jap. 島田?) - japonska ženska pričeska, neke vrste figa. Danes shimado nosijo skoraj izključno geisha in taya (vrsta oirana), v obdobju Edo pa so jo nosile dekleta, stara 15-20 let, pred poroko. Tako kot druge pričeske je kanzashi okrašen.
Kanzaši (jap. 簪?, črkovano tudi 髪挿し) so japonski tradicionalni ženski okraski za lase. Kanzashi se nosi s kimonom.